[Photo: "Le Langage Oublié" par John Mek-Ouyes et Dr Devo, d'après une photo originale de Carxla Brunegeld.]

MELANCHOLIA de Lars von Trier (Danemark-Suéde-France-Allemagne, 2011)

Kirsten Dunst et Alexandre Skasgard vont se marier, sauf que leur grande limousine est bloquée sur la petite route de campagne qui doit les mener dans l'immense demeure de Kiefer Sutherland. Marche avant, marche arrière, rien à faire, la voiture ne passe pas. Il en faudra, du temps. Arrivés à la cérémonie, accueillis par la femme de Kiefer (qui est aussi soeur de Kirsten), Charlotte Gainsbourg, les festivités peuvent démarrer. Sauf que Kirsten traîne une étrange tristesse, lancinante, qui contraste avec ce jour qui est censé être le plus beau de sa vie. Il y a une étrange lueur rouge dans le ciel. Une étoile, cela ne peut être qu'une étoile...

Deux ans après le beau ANTICHRIST, Lars von Trier revient aux affaires avec un film, je ne vais pas le cacher plus longtemps ni faire durer le suspense, d'une très grande beauté. Allant à contre-courant, ou presque, de son film précédent, MELANCHOLIA ménage les effets de mise en scène et préfère une certaine forme d'épure (pas du tout) qui lui permet d'aller encore plus loin dans l'approfondissement de ce qui le hante depuis le début : ce qui se trouve à l'intérieur de l'âme humaine.

Quand je dis qu'il ménage ses effets, c'est qu'il les réserve dans une introduction ahurissante dans un ralenti extrême, une multitude de visions prophétiques fantastiques, ce grotesque symbolique qui inonde ANTICHRIST et qui non seulement permet de justifier une révélation émise par Kirsten Dunst tard dans le film (mais ça, à la limite, on s'en fiche), mais en plus montre d'entrée de jeu la fin du métrage, l'introduction étant finalement une sorte de résumé du film dans sa totalité ! Pied-de-nez total, von Trier dit clairement qu'il se moque du déroulé dramatique mais que c'est autre chose qui l'intéresse, l'intériorité des personnages. Leurs doutes, leurs contradictions, ce qui les guide, ce qui les lâche. Ce à quoi ils se raccrochent, à la fin, lorsque tout le reste est perdu.

Epure je disais, narration en deux parties, caméra portée quasiment pendant tout film, MELANCHOLIA pourrait être une oeuvre du dogme, disons s'en rapproche à certains endroits. La première partie du film, la cérémonie du mariage, est un petit FESTEN dans le sens où petit à petit, toutes les conventions sociales (familiales) explosent littéralement sans que rien de majeur ne se passe, finalement, une espèce de violence latente et sourde remplaçant les évènements dramatiques. Dunst s'écroule au fur et à mesure, et l'arrivée de la planète Melancholia ne va rien arranger. Sa descente aux enfers, d'une douceur mortelle, culmine jusqu'à l'apparition de la planète, qui va en quelque sorte la libérer et piéger sa soeur, Charlotte Gainsbourg. La fin du monde semble arriver, elles en sont persuadées. Fuir ? Pourquoi fuir ? Les rituels ne servent à rien, ils ne protègent pas, ils sont passifs, paresseux. Face à la fin du monde, il n'y a que l'imagination. L'art. Le cinéma.

Grand film, superbement mis en scène (la lumière est à tomber). Lars von Trier parvient, une nouvelle fois, à mettre des images sur un sentiment tellement profond, tellement lointain, et laisse derrière les yeux un abîme de pensée, un choc sensoriel. Pourquoi attendre la fin du monde pour espérer ?

THE DAY HE ARRIVES de Hong Sang-soo (Corée Du Sud)

Un ancien réalisateur qui ne fait plus de films revient à Séoul, où il a longtemps vécu. De retour, il croise une actrice qu'il avait fait jouer, un petit groupe d'étudiants en cinéma, un vieil ami. Après avoir bu quelques verres, il se demande s'il doit aller taper à la porte de son ex-petite amie, avec qui la rupture a été difficile...

Hong Sang-soo, réalisateur coréen donc, auteur de NIGHT AND DAY et HAHAHA, dont je découvre l'oeuvre tout en le connaissant de nom, prend un parti-pris esthétique étrange mais qui prend tout son sens au fur et à mesure que le film se déroule. Dès le départ, ce noir et blanc numérique absolument artificiel choque un peu, n'étant pas particulièrement beau et ne semblant pas signifiant. Puis on s'aperçoit que très souvent (pas toujours, le film mute, j'y reviens), il ne fait qu'un plan par scène, avec très peu de mouvements à l'intérieur du plan (de rares panoramiques, le plus souvent un zoom avant absolument vulgaire et beau), puis ellipse pour aller directement à la scène suivante, sans s'attarder plus que ça. La mise en scène est très discrète, les plans un peu de guingois, pas vraiment beau mais pas laid non plus, une espèce d'approximation voulue et millimétrée un peu embarrassante. Le film est surtout conduit par le dialogue, d'une grande banalité (dans ce qu'ils parlent de choses somme toute banales). THE DAY HE ARRIVES me fait penser à un STRANGER THAN PARADISE mâtiné de CLERKS en moins grivois, un espèce d'hommage au cinéma indépendant américain. Mais même si la filiation existe, au final le film transcende tout cela et devient son propre monstre protéiforme.

Parce que Hong Sang-soo est un grand gourmant. La rencontre du réalisateur avec l'actrice a lieu une fois, deux fois, trois fois. Les étudiants en cinéma arrivent en arrière-plan à plusieurs reprises. Avec son ami (et une amie de celui-ci), ils font les mêmes choses à chacune de leurs rencontres, vont dans le même bar, font les mêmes trajets. Toutes les actions du film se répètent, en une sorte de tourbillon, et Hong va même jusqu'à parfois reprendre les mêmes lignes de dialogue, dites dans des nuances différentes, le tout avec un cadre identique à la fois précédente, et ce, à 20 minutes d'intervalle ! C'est d'une très grande beauté, mais ce n'est pas tout. Hong applique le même traitement à la vie amoureuse du réalisateur, et dans le même geste fait rentrer le procédé narratif dont je viens de parler à l'intérieur du film. Le réalisateur revoit son ex-petite amie, qu'il aime visiblement toujours, elle l'aime aussi mais ils décident qu'ils ne pourront pas être ensemble, leur relation s'étant mal terminée auparavant. Dans le bar qu'il fréquente avec son ami, il découvre que la tenancière est le portrait craché de son ex-petite amie ! Il va aller en quête de la tenancière, tout en refoulant les avances d'une jeune femme qui n'a rien à voir avec son passé ! L'histoire se répète la aussi, les cadrages diffèrent mais les situations sont également les mêmes, le réalisateur cherche à vivre la même histoire d'amour une deuxième fois avec la même femme, qui s'avère ne ressembler qu'à cette même femme, mais qui en est une autre. Peut-être suis-je un peu confus pour qui n'a pas vu le film, mais derrière une apparence de simplicité, la narration de THE DAY HE ARRIVES est d'une grande intelligence, d'une belle complexité et très, très émouvante.

PATER d'Alain Cavalier (France-2011)

 Vincent Lindon et Alain Cavalier sont amis. Ils se rencontrent parfois, au détour d'un repas, et décident de s'amuser un peu : à chacune de leurs entrevues, ils vont jouer à un jeu. Cavalier sera le président de la République, Lindon son premier ministre. Quelles lois adopter ? Quelle cravate mettre pour une future conférence de presse ? On joue quand, on vit quand ?

Le précédent film d'Alain Cavalier, IRENE, crève-coeur d'une beauté infinie, est sorti dans à peu près cinq salles et n'est même pas édité en DVD. Celui-là risque de suivre le même chemin. Ne quittant pas son procédé de mise en scène, la caméra qu'il porte au poing, parfois posée sur une table, le son pris de la caméra elle-même, alors qu'elle enregistre, jamais de perchman, Cavalier prouve que l'on peut faire du cinéma avec vraiment trois fois rien.

Et son film est abyssal. En documentant sa relation particulière avec Vincent Lindon, ainsi que le jeu qu'ils jouent, Cavalier brouille toutes les pistes au point qu'au bout d'un moment, on ne sait plus ce qui est écrit ou improvisé, réalité et fiction. Sous couvert de scènes apparemment anodines (les repas, la discussion sur les cravates, le coup de gueule de Lindon contre ses proprios), il charge la mule de la documentation, du réalisme, poussant avec ces scènes "vie de tous les jours" le fait que tout son film soit improvisé, alors qu'il est clair qu'à certains moments, des scènes sont écrites et jouées par les acteurs, mais se fondent à l'intérieur de son mode opératoire ! Le tout est fait avec le sérieux le plus absolu, Lindon et Cavalier se montrant tout à fait impliqués dans le jeu et réfléchissent vraiment à la meilleure façon de gouverner le pays, proposent des solutions et angoissent sur la réaction du public. A tel point que, et c'est probablement là que le film prend non seulement tout son sens, mais en plus devient sublime, c'est que ce jeu affecte réellement la vie des deux protagonistes. Ce n'est alors plus un jeu à proprement parler mais leur vie, le cinéma du réel si je puis dire dans le sens où l'art a un véritable pouvoir sur l'existence des gens qui le font. Une courte scène démente, hallucinante, d'une terrible profondeur, montre un Cavalier "changé" physiquement (je code pour laisser la surprise, ça va vous clouer à votre siège) uniquement en conséquence du jeu. La cerise sur le gâteau, et la preuve s'il la fallait du génie (oui, génie) de Cavalier est le casting. S'il a choisi Vincent Lindon, ce n'est pas un hasard : il est célèbre pour ses tics de visage dans la vie de tous les jours, qui disparaissent à l'instant même où il joue. Or, il est fréquent de voir, dans PATER, un Lindon tout en tics qui parle de sa proposition de loi, de son avenir politique, des sondages ! C'est surtout flagrant dans la scène finale, d'une beauté qui fend le coeur, dans laquelle nous voyons Lindon sincèrement fier de ce que Cavalier lui donne.

PATER est un film politique important bien sûr, mais avant tout une oeuvre sur le cinéma, sur l'emprise et le pouvoir, cannibale, de la création. Grand, grand film.

LJ Ghost.

  [Photo: "Dans L'Urinoir" par Dr Devo. (cliquez sur l'image pour l'aggrandir.)]

Bon, je ne vous le cache pas, c’est difficile. Écrire à Paris un article sur un film projeté à Cannes qui parle de Paris en mélangeant les espaces temps, c’est acrobatique. Je me lance.

Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris. Paris.

C’est le décor, le thème, l’ambiance, la marque de fabrique, la différence avec les autres films de Woody Allen. Paris carte postale comme Paris la nuit, Paris romantique ou Paris artistique, Paris le jour et Paris la pluie, Paris aujourd’hui, Paris demain et Paris hier, Paris fantasmé et Paris mythologique, Paris vide et Paris boite de nuit, Paris restaurant et Paris hôtel, Paris mythomane et Paris littéraire. Et le pari de Woody Allen c’est qu’en sortant vous ne reconnaitrez plus Paris.

En effet, si tout le film ne semble parler que de Paris, suinter Paris par tous les pores, c’est à une véritable destruction orchestrée de la ville Lumière que vous allez assister. Mais avant ca, essayons de reprendre dans l’ordre.

Owen Wislon et sa meuf, sont venus chez moi à Paris rendre visite à papa-maman et en profiter pour confronter leur amour à la vie Parisienne. Wilson est scénariste pour le cinéma, sa meuf est héritière d’une grande famille, bref le couple ne manque pas de liquidité et c’est entre hôtels chics et grands restaurants quel le film se déroule. Wilson est très bon, c’est un scénariste qui voudrait devenir écrivain et qui trouve dans Paris le cadre idéal pour créer, loin d’une Californie trop toc et sans âme. Dans Paris il fait la connaissance de Fitzgerald, Hemingway, Dali, Toulouse Lautrec, Picasso pendant que sa femme découvre les boites de nuit, le fitness et le fouquet’s. Elle rêve d’une villa à Malibu, lui rêve d’une chambre de bonne dans le XVe avec un hublot qui donne sur Montmartre et la tour Eiffel. Quand elle prend le taxi, lui se perd dans la ville et dans le temps. Ca pourrait être ca MIDNIGHT IN PARIS. Ca pourrait être l’histoire d’un couple qui se sépare. Ca pourrait….

Le Penseur de Rodin. Vous voyez cette statue monumentale d’un mec qui pense pour l’éternité au milieu des jardins d’un Hôtel parisien ? Il domine les jardins, il domine Carla Bruni, Owen Wilson, sa femme et ses parents. Il est nu car il représente la réflexion et la poésie. Il est le pivot, le point de passage entre le temps et les hommes, car quoi qu’il puisse se passer, il pense. Il pense et il domine, à poil, tranquillou. Imperturbable il assiste à la pédanterie, à la drague, à la naissance d’un bouquin comme d’une histoire d’amour. Il est sous la pluie, il est pendant la nuit, au soleil, il est posé là. Ca pourrait être ça MINUIT A PARIS. Ca pourrait être une statue immobile devant laquelle il se passerait pleins de choses importantes dans la vie d’un homme. Ca pourrait, mais ce n’est pas ca non plus.

En fait, c’est vraiment très difficile de remonter dans les strates qui composent le film. MINUIT A PARIS c’est quasiment du K Dick. Il y a un temps, un lieu et une histoire unique, mais ce temps, ce lieu et cette histoire sont différentes à un même instant donné. En fait, ce qu’il se passe c’est que la mise en scène et le scénario rament dans deux directions différentes, ce qui fait tourner le film autour du penseur de Rodin, qui représente donc, si vous suivez bien, la poésie et la réflexion. Voila, on s’approche de la vérité. Owen Wilson voyage dans le temps, et sa femme en Taxi. Sa femme passe ses nuits dans les bras d’un autre homme, Wilson passe ses nuits dans les vapeurs d’un Paris mythologique, peuplé d’artistes mais qui ne ressemble plus à Paris, dans une dimension parallèle. On passe d’un Paris bassement géographique à une construction mentale, remplie de névrose, nid de l’art. Ca c’est pour le scénario, on va dire.

Niveau mise en scène il se passe tout autre chose. Au début du film Allen balance carte postale sur carte postale, cliché sur cliché, et fait durer beaucoup trop longtemps pour que ce soit honnête. En fait c’est carrément l’inverse, c’est la destruction du cliché qui se passe. En alignant à peu prés tout les lieux communs imaginables et possibles sur Paris, Woody Allen bazarde son film-touristique en 5 minutes. Pourquoi ? Parce qu’il n‘y a strictement rien dans les premières minutes. Rien qui ne constitue un langage, une logique. Il y a tout Paris qui défile pour que Paris n’existe plus une fois que le film commence. Suite à cette longue intro bien vide et très punk, le premier dialogue commence sur un fond noir, blam, exit le décor. Ensuite le film se déroule dans des hôtels, des restaurants, des musées, que dans des décors passe-partout qui pourraient très bien être situés à New York ou à Pékin. Et c’est là qu’un personnage s’exprime “j’adore Paris”.

Enfin cette partie concerne la femme d’Owen Wilson, leurs amis et leurs parents, qui se promènent dans Paris comme dans Disneyland, débitant des extraits de guides touristiques devant un Manet avant d’aller diner de cuisses de grenouilles ou je ne sais quels horreur dans le même style. Owen Wilson se déplace dans une autre dimension, donc, qu’on pourrait qualifier d’imaginaire et subconsciente, fantasme d’écrivain qui rencontre ses pairs qui eux même le félicitent pour son livre et avec qui il apprend à devenir encore meilleur, à libérer son potentiel artistique, à trouver le vrai amour et à garder une bonne érection. En fait Paris est une immense coquille vide où il ne se passe rien, où il ne s’est jamais rien passé. Tous les personnages sont constamment en train de se plaindre que c’était mieux avant, jusqu'à remonter à la révolution. Owen entre dans cette dimension via un mécanisme de conte de fée qui le propulse dans un Paris jazzy de la belle époque, peuplé de grands artistes. Et là ,logiquement tu te dis que Wilson est un Grand, il quitte sa meuf superficielle pour s’élever et traîner avec les “true” oui, sauf que la mise ne scène dit exactement l’inverse. Son rêve c’est Disneyland aussi. C’est du conte de fée totalement bidon, les acteurs sont des clowns, des mimes, et le choix de ces acteurs et la manière dont ils jouent est très pertinent. On est habitué à ce que Marion Cotillard le fasse, mais Brody par exemple joue également à merveille Dali, en patatant comme jamais et le reste du casting est au diapason, donnant à cette galerie de personnage un aspect situé entre Madame Tussaud et les reconstitutions historiques d’arte.

Pour résumer : le Paris de Owen Wilson, c’est un Paris en toc, des décors cartons pâtes, une galerie d’acteurs qui jouent à être des grandes personnalités artistiques, une géographie douteuse qui semble changer en fonction des moments. Le Paris de sa meuf c’est des grands musées vides, des grands restaurants sans âmes, du luxe et de la parure, des Taxis qui évoluent sous la Tour Eiffel et des cartes postales. Finalement les deux visions de Paris sont aussi fausse l’une que l’autre. Qu’on se complaise dans le fantasme du Paris des Lumières, ou qu’on admire du Magritte dans une immense salle style Ikéa ca revient au même. C’est un théâtre de la représentation, ce que l’art ne doit pas être. C’est le sens de la scène du Picasso, ou les deux personnages ont chacun une histoire de l’Art qui soit semblable dans la fin mais différente dans le déroulement. Ce qui compte c’est que la femme que Picasso à peinte ne sera JAMAIS Marion Cotillard. Dans aucune dimension, physique ou spirituelle l’art ne sera une représentation. L’art c’est le penseur de Rodin, c’est la porte, le pilier autour duquel est articulée l’existence des hommes. C’est de la poésie plus de la réflexion. C’est à poil. Tout le temps. Il n’y a plus d’art à Paris, il n’y a des guides touristiques qui couchent avec le président. Paris c’est le parc d’attractions des américains et des chinois.

Au final qu’en est-il de Paris ? Qu’en est-il de ce film qu’on nous vend comme dépliant touristique ? Il n’en est rien. C’est comme l’amour une ville. C’est une femme qu’il faut inventer en s’y projetant. Tout le reste c’est des cartes postales, des dates et des bouquins. Tout le reste c’est Disneyland. MINUIT A PARIS c’est un film sur le surréalisme comme ode à la liberté, c’est un film sur la limite et comment la dépasser. Wilson c’est le Rhinocéros de Dali, semblable à mille autres Rhinocéros mais aussi unique et puissante qu’une créature vivante. C’est du pointillisme, du cubisme, de préférence hors des musées, loin des clichés, profondément dans la tête. MINUIT A PARIS est un film contre Paris, contre l’idée même qu’il puisse y avoir un cinéma dans une ville où il n’y a plus d’art. Que ce soit du fantasme ou de la réalité, tout est faux. Tout est prétendu, tout est revendiqué. Tout est dans des musées, enfermés à jamais.

Dommage que la fin soit si naïve, en forme de compromis entre fantasme, vanité, réalité et amour retrouvé qui contredit un peu tout le film et arrive comme un cheveu sur la soupe. On retiendra surtout un dispositif de mise en scène qui renoue avec les grands films de Woody Allen, ce qui paraissait bien compromis ces derniers temps. Woody Allen bouge encore !

Norman Bates.

[Photo: "Mesdames, Messieurs : Le Plésident du July!" par Dr Devo.]

Se rendre au marché du film du Festival de Cannes n'est pas chose aisée. Il est de plus en plus rare que l'on laisse assister à une projection un non-acheteur. Werner Herzog et Kevin Smith, entre autres, m'étant passés sous le nez, je suis condamné à errer en sélection officielle. Et ça ne sentait pas forcément très bon.

POLISSE de Maïwenn (France-2011)

Paris, 2010. La brigade de protection des mineurs s'occupe en grande majorité de cas de pédophilie, d'inceste, parfois de menus un peu plus larcins, mais impliquant toujours, bien sûr, des enfants. Joeystarr, Karin Viard, Marina Foïs, Nicolas Duvauchelle, entre autres, tentent de protéger ces gosses maltraités, tout en jonglant avec leur vie personnelle pas toujours bisounoursesque. Bientôt, Maïwenn les rejoint, photographe dépêchée par le ministère de l'Intérieur pour documenter le travail des policiers. Bien sûr, sous la pression de leur métier, les relations avec la nouvelle venue sont conflictuels.

Cannes, 2011. Un jeune et sémillant quoiqu'approximatif critique se rend à la projection du film POLISSE avec grande circonspection. Il n'a jamais vu un film de Maïwenn, mais les quelques extraits aperçus de-ci delà ne l'avaient pas vraiment enchanté. Bouté de toutes parts par les affreux mercantiles, il rentre dans la salle à la toute dernière minute. Il y est encore, par terre, sonné.

Cinéma, 1895-?. Comme disent nos cousins étasuniens, what a mindfuck this movie is. Je dois vous avouer ne pas savoir par où commencer. Le dispositif de tournage, léger, de la vidéo assurément, en caméra portée (mais pas tout le temps, et j'y reviens !) est là pour donner un effet sur le vif, reportage, et ainsi ancrer le film dans un certain réalisme documentaire, qui se voudrait proche du naturalisme (d'après la réalisatrice, les histoires de pédophilie présentées dans le film sont issues de ses "recherches" dans un commissariat similaire) le plus total. Sauf que bien sûr, à l'écran ce n'est pas du tout ce qu'il se joue, et l'intérêt du film se trouve ailleurs. Il y a toujours cette tendance à se raccrocher à un témoignage réel, sincère, vécu, et à prendre cela comptant, n'allant pas plus loin que le verre de ses lunettes. Confondre vrai et "vrai". Cela me rappelle un peu Bruno Dumont, qui réagissait aux critiques de L'HUMANITE en disant que ,malgré un certain aspect réaliste, son film est pure fiction, tout est inventé, et disait à propos de ses acteurs non-professionnels hués lorsque le jury de Cronenberg leur a remis à chacun un prix d'interprétation, que ce n'était pas leur vraie vie, qu'ils jouaient, qu'ils étaient des acteurs, des professionnels finalement, autant que tous les Robert D'on Ira (où tu voudras quand tu voudras) du monde. C'est exactement la même chose en ce qui concerne POLISSE. L'esthétique générale du métrage peut aller, à première vue, dans un sens, mais la mise en scène et la narration vont clairement dans l'autre.

Des strates ! Toute la narration est construite en strates qui s'imbriquent, se contredisent, apportant nuances, complexité, souffle, saillies. Les journées de travail s'enchaînent et s'enchaînent, apportant chacune leur lot d'histoires horribles, et le langage cru qu'utilisent les flics, les victimes et les bourreaux renforcent cette couche qui se veut être la plus réaliste (mais ne l'est pas véritablement, j'y reviens). Là-dedans, et de manière subtile et intelligente, tout en progression par petites touches, Maïwenn y inclue des passages ouvertement fictifs, quasiment mélodramatiques : la vie personnelle des policiers. Et elle n'y va pas avec le dos de la cuillère, chargeant la mule, pédalant dans les descentes : on passe de la comédie romantique au drame, à la chronique sociale et au film de moeurs, et elle en rajoute un peu à chaque fois, non pas des clichés, mais des espèces de passages obligés qui, imbriqués dans son récit réaliste de dépiction du travail de la brigade, instaure un étrange malaise. Quelques scènes splendides parsèment, ça et là, la narration et transforme le tout en quelque chose de complètement outré, grotesque, à la limite du vulgaire ; la scène de la boîte de nuit par exemple, moment diaboliquement mis en scène, d'une fausseté totale, qui laisse voir l'architecture du film en pleine lumière : oui, tout est inventé ! Ils dansent une chorégraphie ! Autre scène magnifique, celle du bus avec les petits enfants roumains et cet instant de lyrisme en jump-cut, d'un onirisme absolu, comme une scène hors du film mais qui lui donne cet indispensable moment d'espoir qui respire, respire. Vous en voulez encore ? Maïwenn l'actrice arrive, photographe (camerawoman !), et donc commence à flasher les membres de la brigade. Au bout d'un moment, à bout de nerfs, Joeystarr lui hurle dessus. "J'en ai marre de tes clics-clacs, dès qu'un enfant pleure ou qu'on mange des frites tu prends des photos, mais quand on bosse vraiment tu n'es plus là, et quand il y a du misérabilisme tu es sur notre dos", je paraphrase. Et que fait Maïwenn, la réalisatrice ? Ca, exactement ! Elle ne montre que cela, des enfants qui chialent et qui racontent leurs viols, des fliquettes qui surfent sur Facebook entre deux témoignages et lorsqu'un gros coup de filet se prépare et que l'on a besoin d'eux sur le terrain, soit ils sont en retard soit ils sont là en tant que figurants, cachés dans la foule ! Qu'est-ce qu'elle nous montre, Maïwenn la réalisatrice, elle nous montre que les problèmes viennent principalement des minorités ethniques, et quand de bons français bien de chez nous font des horreurs, ils sont tellement hauts placés dans la hiérarchie politique que l'affaire sera sûrement étouffée. Je crois que ce que Maïwenn la réalisatrice nous montre, c'est le travail fantasmé de la police. Elle nous montre la France fantasmée par les gens, en cela son côté complètement voyeuriste et malsain. Elle nous met le nez dans les pires horreurs humainement possibles (certaines scènes sont vraiment chocs, à côté Gaspar Noé c'est Pimprenelle) parce que c'est ce qui nous fait le plus peur et paradoxalement, c'est ce que l'on veut voir le plus (il n'y a qu'à voir les scores d'audience d'émissions comme Faites entrer l'accusé et autres du même type). Le truc, c'est qu'elle saute à pieds joints dans tous les pièges et va partout où elle est attendue, mais le coup de pied dans la porte est tellement fort qu'elle la dégonde et la remet dans un autre encadrement ! En clair, elle explose les attentes en en faisant quelque chose de punk, en les retournant et les triturant, et en fait des forces. Quelques choses ne fonctionnent pas forcément très bien par contre, comme quand elle parle ouvertement politique (Sarkozy) et cinéma (Godard). A part ça, elle prend les codes, et les emmène jusqu'à la sidération ! Et donc, pour en revenir à mon argument premier, qui dit fantasme dit fiction, POLISSE n'a rien, mais alors rien du reportage !

Pas même la mise en scène, bien sûr. Ce qui est très intéressant c'est qu'elle a de manière tout à fait consciente le cul entre deux chaises, entre réalité et fiction, et qu'elle joue de cela de manière très habile. Je le disais au début, le film se déroule quasi-entièrement en caméra portée, pas toujours très bien cadré (même s'il y a des bribes de trucs au fond), mais alors quand elle pose sa caméra, c'est un festival et les cadres sont magnifiques, composés jusqu'à l'ivresse. Il y en a peut-être trois ou quatre en tout, mais ils ressortent vraiment (notamment le premier plan large dans le bus). Disons que le film est globalement très moche, un peu comme a pu l'être INLAND EMPIRE, c'est-à-dire sublime. Le son est très propre, sans fioritures. Les acteurs, quant à eux, sont également dans cette dichotomie de mise en scène : tous très bons et très médiocres à la fois. Ils ne sont pas toujours justes, et leur fausseté remet encore une couche sur cette notion de fiction.

J'allais oublier quelque chose de très très important : le film est HILARANT. Vraiment. Il y a du drame, partout, mais dans un geste très PULPFICTIONnien, Maïwenn mêle tous les genres, passe sans aucun problème de l'un à l'autre, et on pleure de rire et de tristesse dans la même scène. J'ai l'impression de ne pas lui avoir fait justice avec cet article, mais de toute façon vous n'avez pas à me lire. Allez voir le film quand il sortira. Vraiment. Allez-y. Et comme dirait le vénérable Dr Devo, apportez les kleenex.

HABEMUS PAPAM de Nanni Moretti (Italie-France, 2011)

Une bonne nouvelle se doit d'arriver seule. Après la claque monumentale du film de Maïwenn était programmé le film d'un des Affreux, à savoir Nanni Moretti. Matière Focale vous avait déjà parlé du CAÏMAN, bande de chançards. Et ben là, c'est le nouveau.

Le monde de la religion chrétienne est bien embêté : le pape est mort. Se réunit donc le Concile qui va s'ostraciser du monde et procéder au vote qui permettra d'élire un nouveau pontife. Et c'est le pauvre Michel Piccoli qui hérite de la tâche. Il est d'abord ému, puis embêté, puis carrément paniqué : alors qu'il doit bénir et s'adresser à la foule en délire sous son balcon, il flippe sa race et refuse de sortir. Cela dure plusieurs jours, jusqu'à ce que les cardinaux ne dépêchent Nanni Moretti himself, psychanalyste de renom, qui va essayer de faire recouvrer ses esprits au nouveau Saint Père. Et autant vous dire que c'est mal barré.

Rien de neuf sous les tropiques, et je dois avouer ne pas avoir grand-chose à dire sur le film, tant celui-ci est d'une inconséquence qui confine au coma le plus profond. Ce que fait Moretti est relativement simple : d'un côté, le nouveau pape doute et essaie de trouver la force d'endosser le rôle qui lui a été confié, de l'autre les cardinaux qui doivent rester coupés du monde jusqu'à ce que le pontife ne se présente à la foule, dépictés comme une bande de grands gamins espiègles, et la basilique comme une grande colonie de vacances dont Moretti serait l'animateur ! Il parle avec tout le monde, essaie de les éduquer sur les différents types de somnifères et organise des tournois de volleyball ! Ces grands hommes de Dieu, puissants, ne sont finalement que des humains comme les autres. Révélation ! Et si la majeure partie du film est finalement une comédie, le réalisateur est plutôt lourd quand il s'agit de faire passer ses messages humanistes. Un exemple : Moretti, non-croyant et organisateur du tournoi de volley sus-mentionné, a sectionné les équipes en continents, Afrique, Amérique du Sud, Europe A et B, etc. Lors d'un match des africains contre je ne sais plus qui, Moretti a une discussion avec un des cardinaux. Ce dernier met en doute la théorie de l'évolution de Darwin, ce à quoi un Moretti pas dupe répond, les yeux rivés sur le match devant lui, "L'Afrique mène au score !". Oui, c'est mignon.

Du côté de la mise en scène, un cadre informe, pas de lumière, un montage absolument horrible dans lequel Moretti fait revenir plusieurs fois un plan évidemment fait sur fond vert pour avoir la foule en délire de dos et la basilique de face en arrière-plan ; c'est d'une laideur assez peu commune, et le réalisateur y revient encore et encore pour couper et essayer de donner de la vie au monologue final de Piccoli, ce qui ne marche pas et est absolument ridicule surtout quand le plan revient juste deux secondes, comme ça, de manière complètement gratuite. Et comble du vulgaire, au moment d'émotion intense, à la toute fin du film, il nous sort un gros Arvo Pärt des familles qui dégouline et dégouline (j'aime bien Arvo Pärt, mais là c'était juste pour faire chialer Margot) et finit de rendre le film antipathique, lui qui avant n'était juste pas intéressant.

LJ Ghost.

[Photo : Nathalie Portman en train de jouir, d'après le film SEX FRIENDS.]

Il y a 15 ans, colonie de vacances à Plougastel, découverte du corps des femmes de mon âge, premières échauffourées amoureuses, l’innocence à l’époque avait un nom. La nuit les étoiles l’été avaient encore un potentiel romantique quand les grillons sous les étoiles me crissaient de lui parler, sous la lune et sous une tente, blottis dans un cocon qui me hante encore dix ans plus tard.


Il y a 10 ans, téléphone portable, arrivée d’internet, découverte du corps de femmes défoncées par des centaines de bites, du cul partout, tout le monde à envie de baiser, je regarde pour la première fois un film qui prophétise qu’après le moyen âge, la renaissance et les lumières on rentre dans le siècle du cul à grands coups de frustration étalées sur les murs, les arrêts de bus, les salles de gym et les boites de nuits. Découverte d’un monde ou il est devenu tellement simple et cool d'accéder au cul que plus personne n’y arrive.


Il y a 5 ans, difficile de parler à une meuf, tout le monde triche, naissance de facebook et de sa pousseocratie, devenir ami, supprimer ami, poker un ami, le vide est peuplé de gens qui se définissent en langage SMS, de conversations instantanées, d’apéros géants, de démesure dans les faits quotidiens, d’abandon du couple au profit du relationnel direct, ma génération arrête de se battre pour le romantique, il faut du concret, les relations s'enchaînent, les moyens de niquer se multiplient, omniprésence du réseau dans la relation au charnel. La frustration sexuelle semble toucher tout le monde, créer un engouement, le seul défi sera de baiser, il semble que cela suffise au bonheur.


Il y a 5 ans, il y a 6 mois, aujourd’hui, Nathalie Portman préfère sa carrière à une vie de couple, elle n’est pas douée pour les sentiments, ne faisons que du sexe, encadré par des règles, protégés par du latex. On se textote, RDV dans une demi heure derrière le boulot, dans la voiture, dans le parking, sur la plage, au cinéma, on le fait et on retourne bosser. Le sexe comme anti stress, et le soir avec les potes, ici le gentil homosexuel moche, le geek introverti, l'infirmière un peu grosse éternelle célibataire, la blonde insipide pour qui les mecs sont tous des salauds, et partout, facebook, twitter, iphone, meetic entre les gens. On se rappelle avec nostalgie d’une tente et d’un jardin pour jouer. Aujourd’hui on tente de jouir dans son jardin secret.


Il y a 5 ans, il y a 6 mois, aujourd’hui, Asthon Kutcher, l’amoureux victime de la femme dynamique et carriériste du XXI eme siècle se demande où sont passés les défis, les baisers, les mots doux et les alliances contre les méchants, que sont devenus les sentiments à quatre pattes entre deux portes, le partage des chocapics le matin, la vie sans fard et sans maquillage, les nuits peau contre peau. L’incertitude et la versatilité de l’amour ont rendus Nathalie Portman peureuse, terrorisée, rivé à des trucs quantifiables et prédictibles, comme le sexe sans attache, la carrière, les fêtes et le maquillage. Derrière mille masques elle rode aux périphéries de l’humanité, presque stérile, guettant le plaisir sans risques. Ashton Kutcher travaille pour une série TV, tente tout, a un cœur d’or, et les femmes le brisent. Il vit toujours dans la tente d’il y a 10 ans.


Le réseau, les interconnexions, les marques de voitures, les ordinateurs, les téléphones portables, le shopping, le maquillage, l’épilation, les ventes de disques, les chocolats, le parfum, les préservatifs ; liste non exhaustives des choses qui compteront au XXI ème siècle. Bienvenue dans un monde homogène, qui abolit tout, des désirs aux pulsions, du risque à la souffrance. Le pire c’est que personne ne nie ses désirs, ses pulsions, ses bassesses. Elles sont incorporées dans un processus relationnel qui se concentre sur une seule phase de l’individu : je me tape un bon coup pour baiser, un pote drôle pour rigoler, ma meilleure amie pour aller en boite ou un étudiant en lettres rebelle pour aller manifester. L’individu défini par un moment, non plus par des actes émanant d’une conscience, dans une lutte toujours renouvelée pour une égalité absolue. Tout le monde va au casse pipe en bandant, en jouissant continuellement. Hegel disait qu’un individu qui ne nie plus n’a pas d’avenir : SEX FRIENDS est un film no futur.







Enfin ça c’est la première heure du film. Presque terrifiante de réalisme, film de trentenaire qui cherchent à baiser dans une ville immense, ou on ne voit personne baiser hormis Kutcher/Portman, comme si 10 % des gens seulement avaient accès au sexe. Mégalopole terrifiante, vide relationnel, portraits de salauds et de femmes manipulées, teen movie qui aurait pour thème le désenchantement du monde. Même si la mise en scène est inintéressante et le montage quelconque (uniquement linéaire ou simultané), il y a des moyens et on s’ennuie relativement peu.




Le problème c’est qu’au bout d’une heure, on laisse complètement tomber le sujet pour verser dans la comédie romantique chiante. Bien sur un sujet aussi déprimant n’est pas concevable pour un film de Reitman, on se doute bien qu’on ne verra pas une disparition des valeurs humaines dans une Amérique déshumanisé style Breat Easton Ellis, mais là nos sex friends deviennent carrément un vrai couple après avoir dit pendant une heure que c’était has been, découvrent l’amour et c’est parti violon, que c’est beau une ville la nuit, la musique triste quand on se fâche, la pop mielleuse quand tout va bien, les couchers de soleil, la découverte de l’autre, ses petites manies toutes mimi, et en fin de compte tout le monde arrive finalement à baiser, le geek introverti, le gros homosexuel chauve (il se tape même un beau médecin, comble du lol) , le noir moche, la blonde insipide, le chien et le chat courent ensemble dans un monde qu’internet aura rendu plus social, dans lequel les médecins pourront se marier avec des intermittents du spectacle, les noirs avec des blancs, les moches avec des beaux, puisque tout sera aussi simple qu’une demande d’amitié sur Iphone. Au comble du bonheur, en couple avec nos âmes sœurs, comprenant nos différences, mondialement connectés a des réseaux porteurs de flux de données ininterrompus, on baisera comme des fous entre deux séances de bronzage/muscu/shopping/travail, on manifestera contre la guerre, on légalisera les drogues, on organisera des lancer de ballons pour sauver des otages, on fera tomber les dictateurs en organisant des concerts géants, on éliminera les maladies grâce à des émissions de TV et à l’aube de notre mort on regardera derrière nous 100 ans de statuts facebook.








Tout est bien qui finit bien.












Schizophrenement vôtre,





Norman Bates.

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[Photo: "You May Find Yourself" par Dr Devo.]

Un bon lumbago qui ruine votre début de vacances et vous prive de pic-nic entre amis dans les plus beau parc de la ville, et vous voilà à vous trainer comme un pauvre petit martyr dans les rues, sans but, aussi gai qu'un Karl Marx perdu à Las Vegas... Au bout de quelques heures d'errance, on envoie tout balader, on grogne à la face du monde, on jure de ne faire que le contraire. Comme aller dans la salle de cinéma alors que le soleil brille à fond et que les jeunes filles, enfin, commence à montrer plus de chair...

Pour plus de froid, taper 3 et dîtes Suède. L'autre pays autre.

Dans la grande ville, c'est le train-train de ceux qui bosse. Hans, un grand blond à méche (les prénoms ont été changé pour garantir l'anonymat de chacun) ne fait que bosser: taxi clando et systéme D pour payer ses études de commerce. C'est un malin, au point de se faire passer pour aussi richard que ces copains de classe dont la moitié de l'hélice d'ADN est côté au CAC 40. Pedro lui a eu moins de chance: espagnole égaré là, c'est déjà pas marrant. Mais en plus, le pauvre vient de s'évader de prison. Les deux ne devraient jamais se rencontrer, mais le hasard et l'appât du gain les réunit dans une drôle d'histoire de trafic de poudreuses teutonnes... Achtung, car il y a tout à perdre: famille patrie, honneur, discipline, vêtements bien repassés et la petite blonde très bonasse...

Sommes-nous spéciaux, derrière nos petits visages et notre gros coeur en marshmallow? Que recherchons-nous derrière nos ray-ban? La gloire? La reconnaissance de notre Dieu romain et apostolique? Ou celle du blondin avec marteau?

Qu'importe au fond.. EASY MONEY, petit polar, découverte en label de chez Pathugmont, aimerait sans doute atteindre de telles cimes et pourquoi pas amener quelques réponses à la foule de Nous. Malheureusement, de manière prosaïque, le petit thriller local, qu'il soit suédois ou argentin, n'est jamais qu'un petit thriller. Passé le vague moment d'exotiximus, dû au double pédalage de l'intrigue qui parallélise un destin local (suédois, donc) et un autre complétement espagnol, on repense vite à ce velux qu'on a oublié de fermer quelque part, alors même qu'on pouvait croire à un orage de chaleur en fin d'après-midi, ou encore on se met à rêver à des choses sublimes, telle la liste des courses qu'on ne manquera pas de faire après le film. Bon, le patron nous sert sa limonade avec un mini-parasol et même une tranchette de citron vert: bien qu'ayant recours à ce montage parallèle, un poil improbable d'abord puis très annonciateur et guide-ligne ensuite, le direktör nous le fait dans le chiquosse, décalant parfois le son qui s'avance un peu plus vite que l'image, les deux bandes sons et images se resynchronisant quelques secondes plus tard, of course, faut pas pousser Björn dans les orties non plus, hein?

A part cela donc, nul révolution au pays du Krispe-Rolls: un petit scope bien sage, et une lumière un peu moins téléfilmesque que chez nous autre (en même temps, ça change, un tout petit peu, on arrive souvent à ce genre de lumière polie), mais sans expression particulière et généralement jouant sur le froid-chaud tout bébétte. On sent donc la petite leçon fitzgeraldienne vaguement digérée ou fantasmée, énième variation sur l'impossible troisième acte, ce mythe un peu zarbi. A mesure, les destins se rejoignant à l'évidence, on reste un peu comme deux ronds de flanc sur le bord du dance-floor, à se dire qu'on serait bien rester chez soi à regarder Drucker. Les acteurs, héros blondin en tête ne bouleverse rien du tout mais alors rien et révèle au mal-voyants les coutures mal cousues et trop scolaires ici et là. Ca sent un peu le festoche, ça sent la compétition un peu molle en mode gentil, à petites foulées, car faudrait pas non plus se choper une claquage. On note avant de conclure que le scope n'a aucune utilité, le gros plan étant assez légion, la morale gentiment bêtasse, et que tout cela aurait pu se régler en 80 minutes sinon en 15/20... Un costume chiquosse, un récit coral (poudre non-spéciale), trois destins différents aux mêmes aspirations (comme de bien entendu), voilà qui fait bien peu. Chaque pays produisant encore un peu de cinéma, sort des polars de la sorte en plusieurs exemplaires chaque année: on est dans le banalissime, légèrement vendu art et essai. Hier l'Argentine (Ahahaa! Je ris encore de ces journalistes nous ayant vendu "la nouvelle vague du polar argentin"!), aujourd'hui l'Europe du Nord ou les USA (côté Sundance), le "polar tranquilou" est ce nouveau genre de policier genre La Bourboule, comme on se rase.

Dr Devo.

[Photo: "Tous les Matins de l'Immonde (your pain, my pleasure!)" par Dr Devo.]

[Photo: "Yet the Unfit May Live" d'aprés une photo de la comédienne Tura Satana.]

Ça n’est jamais parfait, vous avez remarqué ? L’hiver est plutôt doux, les gens dans la rue sont aussi stupides que d’habitude mais pas énervés pour un sou, et certains jours, on pourrait presque aller boire des coups en terrasse et en t-shirt avec les mêmes étudiants que sus-mentionnés, car j’ai le malheur d’habiter dans un ghetto friqué et vieux, mais aussi étudiant, une dichotomie qui n’est qu’apparente, mais ça, c’est un autre débat. Et donc, grosso modo, pour le focaliens de base, voire pour le dévolutioniste, pour un gars avec un minimoume d’humour quoi, les conditions sont réunies pour passer une saison incroyablement douce et agréable. Et pourtant non, la Mort Virtuelle rôde à tous les coins de rue, sans même faire semblant de se cacher, tapinant dans tous le coins les plus fréquentés de la ville. Car, Messieurs Dames, ce danger terrible que l’on héberge chez soi sans quelquefois même le savoir, c’est le visage de la faim à trois centimètres du vôtre, c’est son haleine fétide, ou un peu rance et douceâtre qui s’insinue dans votre museau sans défense (comme disait la poète, le problème avec le nez et les oreilles, c’est qu’on ne peut pas les fermer !), et quelques fois, rien que pour le fun, ses mains crochus font semblant de vous tripoter. Vous venez de rencontrer, la Disette Cinématographique, bewaaaaaarrrreeee !

Les enfants sont couchés, et c’est l’heure de se parler sans détour. A certains endroits, j’ai vu d’honnêtes gens s’aventurer dans des coins plus sombres,et acheter, sans même prendre les précautions les plus élémentaires en matière de discrétion et de sécurité, de vieilles VHS de seconde main, dont l’évocation des titres donneraient des cauchemars à beaucoup de femmes enceinte et de personnes cardiaques parmi le lectorat focalien. On gratte dans le jardin, on fouille dans les armoires, on va même chez les vieux grands-parents dans l’espoir de trouver une boîte thermoformée capable de faire passer le manque pendant quelques heures, on se vole les uns les autres. C’est dans ce contexte que je décide courageusement de me perdre dans un cinéma art et essai quasiment vide, comme un animalerie de zone industrielle, le dimanche soir à 19h29, quelque part le long de la frontière belge…

Chez nous, aux USA. De nos jours. Sam n’est pas, à l’image de Corky, un enfant comme les autres. Fils d’un génie de l’informatique et du jeu vidéo disparu du jour au lendemain sans dire merci ni au revoir, l’enfulte adulescent se morfond. Une paire de Doc’s, un iphone dernier cri, un blouson en cuir trop la classe, et de la musique électro dans le casque, ça ne suffit pas, quand on a perdu un Papa. Et les montagnes d’actions laissées par l’Absent, le fric à ne plus savoir qu’en foutre, et tous les jetons présences de la plus grande entreprise du Monde aujourd’hui héritée, n’y changerions rien. Le soir, la solitude lui prend parfois doucement par la main, et tel le spectateur en mal de film visible, il chevauche sa grosse mobylette pour trouver dans la vitesse et la beauté de la ville, la nuit, une contemplation, une chose belle, un signe…

La pédale soudain dégaze. L’associé de son père a reçu un coup de fil de feu celui-là… MMmmmmm… Voilà qui est fort étrange, mon brave Milouze ! Sam réenfourche ni une ni deux la Ducatti pas même décatie et visite les anciens bureaux de son père… Et là, c’est l’accident. Sam rallume sans le savoir le super ordinateur puissant de son pater, et un rayon noster laser le touche et le dématérialise. Le voilà dans le grand ordinateur, dans le système informatique créé par son géniteur !

Un verre de whiskey, un bon traitement texte, la photo de Hemingway posée sur le bureau, un exemplaire de Moby Dick, un mulot qu’on caresse, une souris qui te masse les épaules, voilà ce à quoi se résume un bon ordinateur pour des journalistes de notre trempe, ici à Matière Focale.

Bewaaaaarre, là aussi, mon poto. Comme disait la même poéte, il y a un autre monde à l’intérieur du monde, et c’est la chute libre.

Dans ton PC, il y a une foule de gens, une ville la nuit, des couples qui se font sur le dance-floor, des slips auto-éclairants et surtout, encore plus de l’aventure. J’étais venu pour voir un film, et me voilà subjugué par la force de persuasion du plus vieux conte du monde : le « et si… » ! Devant moi, maintenant que je suis encore plus qu’un journaliste focalien et donc total, maintenant que ma vue s’étend de manière scopique jusqu’à l’infini de mon propre imaginaire, mais que ej suis le sur-homme que certains ont malheureusement rêvé, maintenant dis-je, je devrais me rapprocher du frisson originel, celui qui secoue discrètement comme une vague sous-marine annonçant le Tsunami du Plaisir. Alors, que mon diaphragme lui-aussi s’illumine de lui-même, je sens comme un millier de nano-aiguilles me chatouiller tendrement les viscères de mon lobe à sensations divines : la zone du rêve et du plaisir est taquinée avec tendresse. Si je le décide, je vole…

N’est pas Keanu Reeves qui veut. N’est pas Hubert Reeves qui peut ! le plaisir et le rêve, ca se conquiert sans doute, mais ça s’accepte également. Tandis que cette réflexion fait s’irriguer d’une myriade de synapses dans mon cortex pré-frontal, je découvre hallucinante vérité qui se cache derrière ce simple parallélépipède sur lequel je tape, tape tape, dan l’espoir de te toucher, de te toucher, te toucher, chère focalienne, et je dois dire que la beauté de cette révélation m’effare quelque peu. Par pudeur, je préfère délicatement,et de manière complétement pacifique détourne mon regard de l’espace atomique et gullyverien qui s’étale devant moi. La beauté infinie me trouble, et je sens que mon journalisme totale ne sera plus jamais comme avant en quelque sorte, qu’une dimension supplémentaire s’ouvre à moi. Quels philosophes avaient tort ? Quelle issue pour l’humanité troublée. Je sens à cet instant, que la réponse arrive, sur un cousin doré à l'or fin, brodé de pourpre, porté par un sublime hovercraft (il s’appelle le Lovercraft, c'est mignon) qui avance sans un bruit et effleurant le sol impeccable et lustré de cette ville-monde. Au loin, je le sens et je le sais, un ZX81 frémit comme moi et pour les mêmes raisons. Je suis le kilo-octet pour toujours à vif.

Je décide de chanter cette geste pour vous, cher amis… Vos messages affluent sur mon Tatoo, et je m’avance, commence l’exploration. C’est comme un signal…

Du signal au bruit, il n’y a qu’un pas. Ma boots en microfibre nanoplastique chuinte tranquilou sur le similimarbre du sol, dans une microscopique alternance entre la retenue rugueuse et le glissando bien contraire. Il ne faut que quelques minutes pour formuler mentalement la sensation éblouissante qu’est celle de ces premiers instants de contact entre soi et le Monde D’en Dedans. Là où je pensais trouver un lecteur de disquette, je trouve un building du pur style Epcot mais gigantesque, où des ascenseurs en forme d’hexagrammes wargamiques hissent l’individu soucieux de s'élever vers une plateforme de service. La première pensée est donc… Ce lecteur de disquette est un mythe, et dans mon ordinateur il y a une multitude de buildings. Je décide de suivre ces gens. Je m’approche de l’hexagrame qui me lifte immédiatement sur une plateforme chatoyante (Twitter ?). J’aime bien le noir et ça tombe ien car c’est ici la couleur par excellence relevée ici de blanc qui claque ou là de rouge mystérieux généralement en ligne. Arrivé je ne sais comment dans un bar, je commande un zizi-coincoin, après avoir hésité avec un reekless peut-être encore un peu trop aventureux vue l’heure. Je regarde ces gens. Hommes élégants comme des ninjas musculeux, visages gracieux entre le jeune Schwarzennegger et le Christian Bale batmanien pré-post-moderne, femme aux culottes de cuire blanche-grise-beige (habillage blog, me dis-je) se trémoussant au son de la musique du groupe Camel Lips, ici remixé dans une approche ectro et bougrement sautillante, de celle qui peuvent construire un set ou faire s’envoler un meanwhile. L’ambiance est électrique et sexy ce soir, me dit le waiter en me tendant mon zi-coin (l’expression me rappelle alors 1987 et ma jeunesse enfuie). J’en profite pour l’interroger entre deux (lignes de) commandes. Lui aussi, un peu grande Zazie sur les bords, est habillé comme les femmes de blanc, dans un manteau de cuir ample mais rigide, en cuir évoquant avec classe et sans nostalgie le pur style des redinguotes Louis XIV. Il s’appuie sur une canne blanche entièrement (pommeau et tige) qui parfois prend l’aspect d’un néon dickien et d’ailleurs, j’aperçois un parapluie lumineux sur cette jeune femme là-bas qui ne pousse pas la zazou élégance jusqu’à se contraindre à la garder fermer, son parapluie. "Une soirée mousse en vue ?", me dis-je, mais de peur de passer pour un paysan, je n’ose poser la question à mon barman de cuir blanc. Après quelques heures de cette ambiance, je lâche, un peu saoul, à mon hôte "tas été embauché parce que Ziggy Stanley (surnommé le Lubrik) n’était pas libre !"

Voilà qui fait rire ma voisine, une de ces femmes en cuir belge qui me lance un "Touché!" sonore tout en élégance anglo-saxonne. Sa voix de vocoder me touche aussi et je constate qu’entre ses cuisses, la gourgandine est sévèrement vulvée, mais je n’en dis rien.

C’est alors pour moi le temps de partir et de visiter un autre quartier. Je m’y fais conduire dans un side-car de l’an deux-mille, sans doute désigné par la Steve Job Association for un Monde Eco-Citoyen, la célèbre O.N.G.

Là, je décide mentalement de meubler mon loft futur avec des modules d’ameublements que je devine à travers la vitrine virtuelle et holographique du magasin Ligne Roset, devant lequel je suis en pâmoison. J’entre. Une cyber-adolescente m’accueille. Elle a de gros seins, énormes même pour un robot qui frôle en taille le nanisme administratif (ici 1m39), mais je n’en dis rien et elle n’esquivera rien pendant la présentation entière de son catalogue, puis ensuite en répondant en mes questions précises (regardez mes cheveux, j’adore le design). L’exigence a un prénom. Je me tourne vers un salon de dalles blanches rétros-éclairés, et une décoration d’objets rétro, tellement XXéme siècle que ça en est sublime. Je vois aussi l’architecte d’intérieur pour la construction d’un pièce à l’ambiance plus zen que je concevrais comme un espace de méditation. Le salon quant à lui aura aussi pour fonction le travail, avec un coin bureau et ses pouffes, et sera dans le style orientale arabisant, très Grenade, que j’affectionne. En guise de déco sonore, j’opte pour de la musique bougrement souffi mais qui sait emprunter au stoner new-wave. Les emplettes faites, je quitte…

Mes gestes s’enchainent lentement mais sans ordre logique parfois. Je m’aperçois que les gens de l’ordinateur, s'il faut les nommer, sont de plusieurs races. Mais le plus étonnant est la présence de programmes-gens furieusement tendances, dans le plus pur style Moïse. Le Rabbi-programme, c’est le top de l’évolution ici. Malheureusement, après un exil dans les déserts digitaux où ils sont apparus "sui generis" (pas très informatiquement correct ça), ils furent chassés et exterminés par des programmes très bruns. Sign O’ the Times ! Mais laissons cela, car désormais c’est du passé. Allons plutôt danser !

La danse n’est pas la seule activité de loisir dans le Monde de l’Ordinateur. Car la culture ludique et de distraction est très prisée et même très encouragée. Au stade, je regarde des petits êtres moches issus du Loompen Proletariat 2.0, s’entretuer à coup de nunchakus usb, designés par Stark. Ensuite, on les broie gratuitement, sans l’excuse du jeu, dans une machine à faire du hachis, mais de proportion gigantesque et fournie en courant par ses propres panneaux solaires. Ensuite, on reconstitue avec eux des accidentes de la route célèbre. J’attends la reconstitution de celui du Pont de l’Alma avant de m’en aller, geste que je ne devais pas regretter car le misérable jouant Trevor Jones s'est démembré de manière sublime.

Je suis ensuite à LA TRACTION MICHELINE une boite branchée dont certaines pièces de mobilier en acajou phosphorescent sont d’une beauté à couper le souffle. On me propose vite du poppers que je décline poliment, sans mettre mal à l’aise le dealer. Là, je discute avec un enfulte, comme moi venu d’En-Haut. Au bout de quelques minutes, je reconnais Sam qui est le héros du film lui-même. De plus prés, il est fort souriant. Il m’explique que les distractions sont nombreuses. Lui, ses passions, c’est la Moto-Lumière, le frisbee de combat et le sky-diving en parachute du haut des immeubles. "C’est bon pour le référencement", m’annonce-t-il fièrement, tout comme la "planche à voile solaire à roulettes", mystérieuse activité sur laquelle je n’obtiendrais malheureusement aucun autre commentaire. Mais la musique s’échauffe, de grands lasers dessinent les mots DAS FUCK au dessus de nos têtes et les gens se précipitent sur les dance-floors en forme de Tétris post-moderne. Je crains un instant une orgie sexuelle d’envergure, mais il n’en sera rien. Les djis-djis apparaissent aux platines et enfièvrent bougrement la foule de clubbers qui se déhanche à qui mieux-mieux aux sons de cette synthé-pop, très glam-musette. Je profite du bruit assourdissant de cette sono d’enfer pour enfin libérer un pêt qui me tourmentait depuis de nombreuses minutes, en annonçant à ma voisine de droite que je ne connais pas et à qui je n’avais pas adresser la parole jusque-là, "JE VAIS ME CHERCHER UN DRINQUE", en hurlant bien sûr. Les tympans déchirés, elle n’en laisse paraître rien et me sourit très poliment. Je m’éloigne en sachant qu’elle se dira dans une minute, en découvrant la pestilence de mes prouts, que je ne suis pas "fair-play fair-play", et javoue que naïvement cette pensée m’amuse.

La folie s’empare alors du dance floor qui, je ne sais pas pourquoi, se met à se dandiner de plus belle (les pas se font de plus en plus compliqués) en brandissant des cotons-tiges géants fort amusants…

Quelques Malibu-Cacolac plus tard, un peu parti, un peu naze, je sors de la TRACTION MICHELINE, histoire d’oublier un peu la magnificence de ma propre expérience.

Je sors de ma veste Smalto un cd-rom qui contient la clé de l'univers-retour, et m'approche d'une borne de lecture espérant, fourbu mais heureux, revenir dans notre monde d'outside. "Tiens, y a quoi sur ton laser comme musique?" Je reconnais la voix de Sam et lui sourit sans répondre. "Bon t'en as pensé quoi du film?" Je lui réponds que je viens de passer 60 Ko à lui dire exactement précisement ce que j'en pensais. Il me regarde tristement et avec douceur. "Le problème ce sont les gens comme toi, et maintenant je me sens si adulte. Je rachète Disney et je reprends les rennes! Je rachète la boîte. Je suis une major et je t'emmerde!" Je suis sur le point de lui dire que je le préférais enfulte qu'adulte (c'est dire!), mais ne pouvant le décevoir lui fait la critique orale de son film du futur. Ça donnait exactement ceci...

"Laptop. Vinyles. Casquerie. Ducatti. Pac Man. Ipad. Iphone. Isen. Clé usb. Blackberry. Kubrick. Dior. Scott. Bowie. Hauer. Bose. Décat. 3D Expand. Dolby. Liévre de mail. Post-pos-modernisme. Disney. Disco. Dachau. Suicide. Freud. Tefal. Apple. Jobs. Microsoft. Apple. Rétro-futur. Lafarge. Vangelis. Sony. Smalto. Nivea. L'Oreal. Adobe. Rael. Blackberry. Dieu. Chevignon. M.I.T. Apple. Dieu. Dieu. Disney. Disney. Disney."

"Et le film?"

"Je viens de te le dire..."

"Connard..."

Dr Devo.

EPILOGUE:

Parce que, quand il n'y a plus d'amour, il reste toujours la Justice. Et quand il ne reste plus de Justice, il reste la Force. Et quand il n'y a pas plus de force, il reste Maman...

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[Photo: "Impuissance et Gloire" par Dr Devo.]

Chers Focaliens,

Il en faudra trouver des excuse pour faire une belle introduction qui fasse passer pour héroïque le fait d'aller voir certains films que le bon goût ou le bons sens réfreinent. L'argument le plus noble, et totalement véridique du reste, consiste à dire, comme nous le faisons depuis plus de 6 ans sur ce site: un film est bon tant qu'on ne l'a pas vu… Entrez ici, Max Pecas, Kusturica, et Ariel Zeitoun, et n'ayez crainte, car paradoxalement vous êtes chez vous et vous ne serez jamais aussi bien traité qu'ici, où vos films seront choyés comme ceux des vrais cinéastes.

Ca, c'est Paris. Hier, dans le futur, jamais ou dans pas longtemps. C'est formidable, c'est formidable. Elle est là, resplendissante de mille feux comme un chien au volant d'une Ferrari dans son tailleur Chanel mambo No5 (Le chien? La Ferrari? Elle? Non, les trois...). Elle s'assoit sur un banc cinq minutes, mais pas avec toi. Elle se tient toute seule, car elle a assez de classe pour ça, parait-il. Encore plus fort, seule à la terrasse de ce café du 1er arrondissement ou de la place Vendôme, encore plus fort dis-je, elle lit le journal The World. Bien ouéje!

Mais la vie n'est jamais comme on le présupposait et l'endroit grouille de figurants infects jargonnant "la" franzeusich comme je te cuisine une petite caille, façon faisan, poilé au grand marnier, c'est à dire mal, fallacieusement déguisés en flic à mi-chemin entre l'inspecteur Navarro (entre la poire (hahahaha!) et le fromage) et le super-méga James Bond. De Bayonne, en somme, si j'ose…C'est que la Angelina Jolie n'est pas seulement une lectrice de la rubrique nanotechnologie du journal ci-dessus cité, c'est qu'elle est soupçonnée du pire dans des affaires mettant en jeu des milliers de milliards de dollars U.S, ouais ouais. L'homme qu'elle aime étant un loulou du même acabit, elle ne peut pas le revoir ou le rejoindre, car tout Scotland Yard traque l'infortuné. Elle décide de tromper la maréchaussée en prenant un train SNCF, so pure science-fiction, hypstero-(s)caille-faille, t'imagines toi ?, Angelina Jolie dans le TGV, trop l'aventure fictionnelle impossib', lol lol. Dans la voiture 18 (au bar, quoi), ou alors après le passage du chariot à sandwiches tant qu'à faire, elle choisit un quidam semi-plouquosse comme toi et moi, et, de se ballader avec lui en même temps qu'elle le ballade. Poésie. Ainsi la Police croira que c'est lui son keum, trop la classe, mais les Russes débarquent, et ils sont pas content de s'être fait téje du castingue des PROMESSES DE L'OMBRE, et de se faire traiter de "petit penis" dés qu'ils vont aux thermes. Ca suffit. On va voir qui est le Roi de la Pomme de Terre. Ca va saigner. C'est la naissance d'un quiproquo à base de situations réversibles où le mec comme toi et moi, sauf que c'est Johnny Depp (et il y en a des bien!), et où le doute n'en finit pas de s'insinuer dans les flingues et dans les coeurs. D'ailleurs sans prévenir, c'est l'Italie! Tout ça c'est complots, magouilles et compagnie, ou c'est une autre affaire autrement plus semblable que celle-ci? Ca se corse drôlement, mon salaud!

Ha bah, l'histoire ne dit pas si elle a laissé les mongols à Brad ou à Vanessa, mais on devine sans préjuger de rien, que ce sont ces deux-là les plus chanceux dans l'histoire. Hollywood, c'est comme Pôle Emploi, c'est libéralisé de partout, mais pas là où on voudrait, et voilà que pour toucher les allocs, pas pour le salaire, hein, je dis bien les allocs, au bout de trois refus t'es obligé de prendre le CDD brun à 500 kilomètres de chez toi et payé en nature, en Cartier ou en Smalto. Fallait penser à la carrière avant de faire du tourisme chirurgical au Maroc. Mais Depp et Jolie ont négocié avec le patronnat pour bosser pas trop loin de la Côte d'Azur. Saint-Tropez, Denise, ça se fait en deux heures de jet, le soir je suis rentré pépère et je peux regarder sans stresser FAITES ENTRER L'ACCUSE, en buvant une bonne Corona.

Là où c'est plus baroque, c'est dans le cas de la Germanie réalisatrice. Et dire, comme disait le poéte, qu'on a failli parler leur langue et que ce sont les Américains qui nous ont sauvés. Le teuton voulait-il venger les siens? Inverser la conquête? Devenir Maîtres chez Eux? Sans doute pas. Depuis longtemps, les réalisateurs ont cessé de rêver à la conquête du monde ou même  à celle du Liechtenstein, et ce qu'ils veulent c'est te consolider le livret A. A, a, a, Aloah! C'est la retraite de la flamme sacrée. Le placement si cave. En, fait on se dira que l'infortuné voulait plutôt profiter de l'occasion qui lui était donnée de monter sur la scène pour faire allégeance et rendre service en bon voisin. Attends, cherche pas, Coco, je vais te le réaliser ton film, t'inquiéte. De rien. J'aime rendre service.

Je dis: "Gag!". C'est ça le marché de l'art décomplexé. Notre ami germain du jour au lendemain, il te pète la timballe, il décroche le jackpot. LA VIE DES AUTRES, le goût du peu, tout le monde applaudit. Bravo! Totale domination du box-office partout en Europe, prince des festifs veaux partout sur la planète. C'est la sensation du moment. Le marché est content. Les artistes applaudissent avec leur maman. Et au club des retraités "Vivre Mieux" de la Bourboule, on reprend le goût de sortir au cinéma. Pour résumer, tout le monde  ils sont contents, et Gunther lui découvre que le Monde s'offre à lui.

Il gagne au loto et qu'est-ce qu'il veut faire maintenant qu'il est arrivé en haut de la montagne? Un film où Angelina trimballe son cartier dans le ti-gi-vi! Et? Et? Et, c'est tout! Signs O' The Times!

Le résultat est assez hallucinant. Ha bah oui, je te vois venir avec ton maquillage outrancier. Tu essaies de nous aguicher comme un démarcheur de rue de Greenpeace, en nous vendant un film totalement "populaire, mais de qualité art et essai". C'est qu'on ne fait pas du Will Smith, Môôôsieurs, on fait du Capra… Capra, Navarro, Barilla... A trop vouloir écarteler le machin, on nage en toute inconscience dans la lave: ça sent le faisan grillé.

Je me souviens des cris hallucinants poussés par la communauté cinéphile lorsque DePalma fit son FEMME FATALE si magnifique, ou encore comment des spectateurs hilares mais enragés voulaient enfermer Dario Argento aux urgences spectatrices après le visionnement de son magnifique GIALLO… A ceux-là, je recommande l'édifiante séance de ce LE TOURISTE. Une épreuve salutaire, difficile, mais qui remettra les pendules à l'heure et éclairera enfin les cinéphiles qui regarde le doigt des deux autres artistes  quand à l'intentionnel chez eux (les deux réalisateurs) et  la connerie lunaire chez le teuton de Californie.

Improbable, certes, mais aussi très laid, LE TOURISTE, Hahhhaaaaa (ça c'est fait), se déroule uniquement dans décors faisandés, avec un maximum de plans studios, en essayant de rendre Venise aussi excitante que Ronchin (Nord, France). La catastrophe est de tout les instants: photographie inégale dans le même plan, reconstituions de décors en studio alors qu'il existe déjà en naturel et tout ça pour faire un gros plan où on ne verra pas le décor (!), raccords douteux, cadrage vide, etc… C'est parfait. J'ai beaucoup ri devant le pauvre Depp courant sur les toits en pyjama, toits dont les contrechamps studios me rappelait férocement l'étonnante reconstitution des rues parisiennes des publicités Rue Gama de mon enfance (en moins bien, bien entendu, même ça ils le ratent!). Maquillages affreux, scénario longuissime, costumes ignobles (le dernier de Depp!!!), etc…

Mais le top, ce sont les acteurs. Jolie ne ressemble déjà plus à rien depuis sa naissance. On est habitué, même si ce genre de piqure de rappel est toujours louable. Elle partage avec son partenaire malade (j'y viens), de nous faire douter que les deux parlent anglais. Ca baragouine dans une langue inconnue. Est-ce de l'anglais de Bruxelles?

La bombe atomique du film c'est forcément Johnny Depp: visiblement placé sous la double lame de la chirurgie esthétique et de la maladie, le pauvre vieux n'est plus que l'ombre de lui-même. Il fait 20 ans de plus que son âge. Il est complétement paumé, râte tous ses effets (dont certains sont de très mauvaises idées à l'image de la cigarette), ne comprend rien à ce qui est pourtant une bluette pour enfants de 10 ans. Il dévoile un visage fatigué, douloureux, bouffi qui finira par rendre la séance rigoureusement mortis. On est dans les couloirs du service des soins palliatifs. Ou alors il expérimente des drogues dickiennes. En tout cas, il semble cuit, le vieux vautour. Et on quitte la salle en se disant qu'on a bien là, en effet , une photographie à l'instant T du Cinéma: syncrétisme de séries A/B/Z et cinéma d'auteur, affairisme d'artiste non seulement ne sachant pas gérer une carrière mais prêts à faire n'importe quoi si on leur offre deux ans de vie à Los Angeles, des scénarios brainstorming et frankensteinisés qui ne marchent que sur le papier, des acteurs à la ramasse à qui il faut couper les dialogues (si possible pas plus de deux phrases de suite) sans quoi le métrage s'arrête, etc...

Pendant ce temps-là, comme on dit à l'école de Ligne Claire, les intéressés forcément nommés à divers prix, font semblant de s'étonner et finissent par qualifier avec "humour" et "dérision" toute hipsteuse que le film c'est de la merdre (après avoir fait la promotion et inciter leur fan à prendre un ticket bien sûr).

Et pendant ce temps-là, rappelons, il n'y a personne pour nous montrer, ne serait-ce que dans une seule copie en france, les nouveaux films de vieux qui bossent: Dante, Argento, Romero et Carpenter!

LE TOURISTE à tout point de vue est une bonne expérience documentaire qui étonnera quelques ignorants ou égarés de façon salubre. Pour les autres, chers amis, on soupirera une nouvelle fois, et peut-être ira-t-on jusqu'à se réjouir de voir la navette éclater, pour une fois, en vol… Mais avec ces margoulins, même un échec de leur part,  nous laisse comme un goût amer... One st jamais sûr que ça les empêche de recommencer...

La prochaine fois je vous parle de Sofia Coppola...

Dr Devo.

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[Photo: "How do you blue is animal blue is animal" par Norman Bates d'après la série "Sarah Palin's Alaska".]

Dans l’épisode précédent ; une voiture lancée à travers la nuit que des chauffeurs inventent, les hurlements glutturaux de camés comme du Chopin pour les chiens, des étranges lumières que le Dr Devo poursuit au nord du Svalbard, une valise égarée dans un motel de Vegas, la recherche vaine d’Oscar Zeta Acosta dans toute l’amérique du sud, l’errance, l’isolement, la mort finalement. En 2011, une révolte mène un bloggeur à devenir ministre, en 2012 qui sait à quelle poste on finira, vu la street cred’ du Docteur ça sera au moins à la Défense, au pire porte parole de la déliquescence culturelle. L’Histoire n’est certes pas écrite, mais à force d’écrire on deviendra peut être historique. Quel est le rapport tu te demandes ? L’idée c’était d’être devant ton écran, relax, une pause entre deux scrollements porno/facebook, pour faire une différence entre les deux, pour rester dans le coup, pour être au courant. C’est en 2011 que les réseaux sociaux sont devenus une source fiable pour comprendre les pays en guerre.


Encore plus proche de la fin.




BLACK SWAN de Darren Aronofsky (USA 2010)


Je sais pas qui c’est ce gars, je m’en fous, sans doute que ses premiers films étaient plutôt inspirés et atypiques, personnellement j’aime pas (ou alors peut être) et puis ce n’est plus le sujet. Dans BLACK SWAN parce que y’a Padmé Amidala (et là je réalise que Laurent Gbagbo aurait été parfait dans un STAR WARS) ,on suit les aventures d’une danseuse qui veut être la meilleure danseuse à la place de la meilleure danseuse, les choses se font, elle devient la reine des cygnes, mais c’est hard-core de se donner corps et âme à l’art donc elle souffre, et puis elle crève sur la scène comme Moliere (le correcteur orthographique me propose molaire). Elle crève oui (j’ai peut être spoilé un truc comme on dit sur les forums) mais au sommet de son art et le public était debout dans la salle, vous savez comme dans le dvd de Bigard au stade de france, c’est sans doute ça le sommet de l’art quand tout le monde applaudit stand-up, c’est l’instant comme culture, c’est nous !


Évidemment vous l’aurez compris, c’est de l'histoire dans l’histoire. Le personnage qui joue le canard dans la pièce est tellement inspiré par le rôle qu’il devient ce même canard dans la vraie vie. Genre je parle mal à ma reum parce que je suis un BLACK SWAN, en gros une ado gothique qui fait chier quand elle découvre qu’elle sera toute sa vie dans le bad parce que la vie c’est ripou, bref de quoi faire passer du Dolto pour de la psychologie. Donc, le film parle de la souffrance de Padmé, avec auto-mutilation, drogue, sexe, alcool et toute la panoplie, sauf qu’ici c’est forcement plus profond parce que c’est de l’opéra et que, instead of Kurt Cobain, on se tape Tchaikovsky. A part ça, le film est un véritable téléfilm sans inspiration, on retrouve même plus le formalisme "touche la nouille" qui était quand même, à un certain moment, la marque de fabrique de Aronofsky, on se tape tout le long du ballet filmé style Frederic Mitterand, entrecoupé de passages mélos avec Padmé et Vincent Cassel qui font péter l'échelle de Richter du mélodramatique poignant à grand renfort de chialements pour l’une (tu la vois presque courir après l’oscar), à grand renfort de hurlement pour l’autre, n’en jetez plus, et ce n’est pas les scènes de cul ultra-vulgosse ou les gros clins d’oeil bien appuyés à Cronenberg qui changeront la donne. Au final, c’est plus proche de la mare au canard que du lac des cygnes, mais je dois sûrement être de mauvaise foi puisque la mostra de Venise (t’a vu !) et les golden globes ont toujours raisons.




HARRY BROWN de Daniel Barber (UK 2009)


Étrange que HARRY BROWN sorte avec deux ans de retard en France, alors qu’il existe en DVD depuis un an et demi et que tout le monde l’a déja downloadé. Ce serait pourtant dommage de ne pas se déplacer en salle pour voir la version réussie du film de papi Eastwood, loin de la morale relax’  et des petits enfants chinois que l’on peut encore sauver.


Là c’est Michael Caine qui pète un cable dans sa banlieue sordide, un jour que le bigdeal s'arrête d’être diffusé à la TV, que plus rien ne s'oppose à la nuit et que des jeunes avec des bonnets brûlent des voitures devant son appart’ sordide, alors que les flics font rien qu’à mettre des PVs aux honnêtes gens, wesh. Tonight I speak of prophecy ! En fait, Michael est un ex-marine rompu aux choses de la guerre, et même si'l a arrêté de porter le treillis pour se consacrer au scrabble au salon de thé, c’est comme le vélo ça ne s’oublie pas. Et puis le marine a de la peine car sa biatch à passée l’arme à gauche, d’un égarement à l’autre on se retrouve 20 ans... Du coup, dans la rue, c’est la guerre, les vieux s’en prennent aux jeunes...


Je disais plus haut que c’est dommage de ne pas aller en salle parce que HARRY BROWN est vraiment un must-see. Si on l’on fait abstraction du sujet un peu polémique et du discours social en background (que je qualifierai de plutôt soft), on a affaire à quelque chose qui se rapproche d’un vrai film, dans les ambitions comme dans la réalisation. Photo superbe qui nous plonge dans une banlieue transfigurée en antichambre de l’enfer grâce à un cadrage iconoclaste-symbolique qui joue sur les clairs obscurs et les transgressions gores, pour dresser dans la plus profonde crasse des portraits de personnages presque archétypaux, scope crado qui verse dans le gothique flamboyant un décor de journal télévisé facon David Pujadas “on air” de l’enfer, y’a de la volonté faire dans le vigilante pur et dur sans se justifier par trop de humanist bullshit. Le film est d’une violence assez incroyable (ça a même réussi à calmer les gamins des rangs de devant qui ont arrêter de textualiser sur leurs iphones) et d’un profond pessimisme quand à la nature humaine. Ce n'est pas ici que vous verrez une happy-end (je ne dis rien). OK. Malheureusement ,si l’image est particulièrement soignée, le film reste d’un classicisme extrême, soit un montage des plus linéaires qui suit  les actions des personnages (même si on a droit à du flippant grâce à un jeu sur les textures des images) ,accompagné d’une ignoble musique style Hans Zimmer  symphonique Ranou (du jambon, on vous dit) qui appuie des deux pieds ce qu’il se passe on stage. Bref, on espère que ce monsieur fera mieux par la suite. On se contentera pour l’instant de ces quelques images infernales de révolte de jeunes voyous dans les bouges sordides d’une Angleterre fauchée face à une catharactique maréchaussée “pour votre sécurité”.

127  HEURES de Danny Boyle (USA 2010)

Là on est vers la fin, c’est là que les plus réticents sont déjà passés à autre chose, on est un peu entre nous, voire même entre moi(s). Vous vous attendez à du dégeulasse ? Rangez vos mains pleines de vos centimètres indécents, on est dans le pervers éclairé.


Mettons que 127 heures soient une vie, une vie comprimée et étranglée au fond d’une artère granitique, aride et hostile que le soleil éclaire cinq minutes par jour. Mettons que vous deviez raconter cette vie en une heure et demie ?


1) Vous prenez la soif d’aventure, l’exaltation de la puissance, la fierté de la survie, vous formez une trinité qui définit l’humain, car plus que ce qu’il a vu, c’est le vécu qui, dans la solitude, prospère : vous êtes au coeur d’un mécanisme global, style Hawking et la théorie de la grande réunification. C’est là que ca devient pervers, et suivez-moi attentivement. On vous montre un mécanisme qui voudrait diviser l’image, ce qui laisse à penser qu’on voudrait élargir le point de vue, à la De Palma, voire tâter de la perspective, logique dans un cerceuil minéral qui abolit tout horizon. 127 HEURES c’est pas ca, c’est BURIED version christique, c’est l’Esprit Sain entouré des apôtres, c’est la kabbale - mathématique de la création - et l’histoire du monde. A l’instant t, d’une situation part toujours trois chemins, dont deux qui mènent dans une situation pire. Dans le désert tu rencontres deux filles, une pour l’amour, deux pour le gang bang, trois elles couchent pas. Tu vois la situation ? Tu comprends l’enjeu ? Les trois ne sont qu’un, comme les trois centres du corps humain (tête, corps, sexe). Le père, le fils et le saint esprit.


2) Faut rajouter une abstraction supplémentaire, cartésienne : nos souvenirs nous mentent. Dans le contexte, tout seul, notre esprit est démesuré, démesuré par la puissance des visions, par l’introspection obligatoire, et de 127 heures dans l’isolat naissent une infinités de chemins. C’est tout ses chemins que Dany Boyle fait mine d’explorer, tranquillou, en faisant dans le clippesque pop-art, dans l’exploration d’une tête d’un jeune du siècle. Là encore, tu te rends compte qu’en douce Boyle cherche toujours sa théorie de l’unification : tout les jeunes du siècle pensent singulierement la même chose ! Mêmes photos sur les blogs, même fuite de la réalité, même envie du festif. On est dans la déconstruction de l’idée comme vecteur de personnalité, seule la dialéctique fait la différence.


3) Et finalement en s’auto -mputant vient la délivrance : transformer consciemment son corps en deux, c’est devenir bancal. De la cassure, on repart sur un rythme linéaire, pour résister au cosmos il faut se faire souffrance car dans toute théologie le divin est atteint après la perte. Le montage est un mensonge, la mise en scène un moyen du divin, toute division au final réunit car l’homme dans sa finalité est limité à sa conscience par son corps. Tout le film on nous a présenté comme triple, et cette trinité on a du la quitter pour muter. Car comme James Franco, sur le chemin qui nous sépare de la mort, trois pôles nous éloignent de la route, nous conduisent dans les failles intersticielles où nos nécroses pullulent. Être vu, reconnu et survivre.  Une fois absorbée, une fois que la réunification a lieu, l'hélicoptère arrive.



Radicale critique du Dalai Lama : c’est pas l’infini qu’on a dans la main, c’est sa bite.

En résumé : un jeune du siècle dans une brèche vaginale, la théologie et le cosmos, le camescope et la Terre entière.





Vous êtes prêts pour la Communion.






Amen.












NoRm@n_02

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[Photo: "Sydney Briar is alive !" par Dr Devo.] 

Quatre crétins décident de se faire sauter à Londres, en bons musulmans, pour la cause.

Banksy, artiste mystérieux et underground fait un film pour montrer que l’art moderne est fait pour rendre les gens cons et sort un faux documentaire dans lequel il fait croire au spectateur qu’il regarde un film sur lui et le street art alors qu’en fait il s’agit peut être, ou pas, de lui et d’art moderne.

Attaquant de front la notion d’engagement, qu’il soit politique, artistique ou religieux (au fond c’est pareil), deux films chargés d’explosifs en forme de brulôts mal foutus, adoptant un parti pris formel plutôt multimédia que classiquement cinématographique, dirons-nous. A l’esthétisme béat de créateurs trop enclins à faire du beau, on oppose la forme brute de la contestation un peu fauchée, maline et revendicative. Oui, mais pas en critiquant, en mettant en scène, en interprétant et surtout en ne respectant aucune vérité, aucune règle, et en étant par-dessus tout intrinsèquement malhonnête. Bah oui, aucun des deux ne se revendique d’une réalité historique, on est dans la fiction dans les deux cas. Qui est Banksy ? C’est Banksy qui pose la question dans un film réalisé par Banksy. En réponse, il filme l’histoire d’un artiste réalisant un documentaire sur Banksy. Limpide. Limpide jusqu'à ce qu’on se rende compte que Banksy filme un documentaire sur une fiction à propos d’un artiste qui est peut être une arnaque qui est peut être Banksy, qui est en tout cas bankable. Il y avait un éléphant depuis le début mais personne ne l’avait vu !

Toutes les formes de la réalité sont revendiquées : Banksy est connu notamment pour avoir installé des poupées gonflables Guantanamo à Disneyland pendant l’anniversaire du 11 septembre ou pour diverses installations illégales style graffitis ou découpage de cabines téléphoniques. Il a également réalisé un faux générique pour LES SIMPSONS qu’il a réussi à vendre à la FOX, interpellant ainsi, non pas le capitalisme comme on aurait pu le croire au visionnage du dit générique, mais en affirmant ainsi la surpuissance du capitalisme dans sa capacité à vendre sa propre critique (la FOX diffuse ainsi sur sa propre chaine un message anti FOX qui lui rapportera beaucoup d’argent grâce à la pub et au buzz sur le net). Touche à tout pluri-forme que personne n’a jamais rencontré en vrai, revendiquant ne gagner aucun argent sur son œuvre exposée dans la rue pour le public uniquement, statut trouble de fouteur de merde acquis en collant des pubs américaine sur le mur de Cisjordanie ou en foutant Mickey sur les dents, Banksy joue de son mystère pour parler de pleins de gens qui semblent être ses amis tout en évitant consciencieusement de parler de lui (en apparence ?), en se mettant en scène comme un Jedi en lutte permanente contre le système (le milieu de l’art contemporain prend cher), pour qui l’art sert surtout à se marrer en interpellant avec humour chaque citoyen sur sa place dans l’histoire du monde. Banksy ne conclue rien dans son film, il renvoie la balle habilement à tous ceux qui voudraient qu’il s’explique. On lui commande une œuvre pour expliquer qui il est et pourquoi il crée ? Il signe un film sur un français cinglé qui a réalisé le plus étrange film de l’univers (je vous jure que FAITES LE MUR vaut d’être vu uniquement pour les extraits du film, 30 secondes qui valent plus qu’un billet de cinéma aussi cher soit il, vous n’avez jamais vu ca ni à la TV ni au cinéma, Gaspard Noé est un artisan éclairagiste à coté) avant de se perdre dans sa folie, sorte de PHANTOM OF THE PARADISE version XXIème siècle, œuvre vitale et prophétique sur la crise de l’engagement qui est l’apanage de notre société, celle qui a vu mourir Dieu et la Politique pour ériger Internet comme summum d’une liberté d’expression que personne ne mérite, quand les idoles fantasmées sont descendues au milieu des hommes en portant des noms d’oiseau, chimères monstrueuses et organiques qui hurlaient dans les foules que chacun est un artiste, que tout le monde peut créer, professant de fausses morales, surfant sur les désirs d’égalité entre tous les hommes, revendiquant le droit à tout pour tous, aux blogueurs les critiques d’arts et aux cuisiniers les grandes chaines de TV. Du foot sur toutes les chaines, quelques infos faméliques entre les deux, le monde endormis par la lassitude et dans les ombres la rancœur qui grandit, portrait de gens qui petent plus haut que leurs culs et qu’aujourd’hui on érige. La forme, je sais ce n’est pas une excuse, hérite du propos une forme underground et terroriste, loin des calibrages, proche du garbage-TV et du DIY, il faut avoir les couilles quand on est plasticien. Au final le film brouille les pistes plus qu’il ne clarifie la situation, on pourrait même envisager que Thierry Guetta et Banksy soient la même personne, hypothèse géniale qui placerait l’artiste en porte à faux de sa propre méta critique, qui absorberait l’entité créatrice pour la restituer au monde dans sa pureté originelle et fondamentale, presque christique, c'est-à-dire pleine de symbole et dénuée de sens. La dynamique de la création comme carburant du premier moteur, sans quoi l’homme est dévolu aux limbes et à rester spectre à vie.

De l’autre coté, Chris Morris depuis longtemps dans l’humour noir outre atlantique (il faut voir ses séries pour la BBC) passe au cinéma sans en emprunter le format. Des téléphones aux caméscopes, là encore multimédia par défaut, l’image est codifiée pour plus de "réalité". Pas toujours à dessein, mais on appréciera le geste, sorte de mise en abime, d’axe de chute dans le maelstrom de la nouvelle information depuis le 11 septembre (envoyez vos images à BFM TV, vous êtes vous aussi journalistes) qui voudrait placer le lambda au cœur de nos préoccupations et de nos peurs. Vous avez peur, Tata Jeannette à peur, les frères Bogdanov ont peur, Claudia Schiffer à peur, le monde est froid et insensible, restez dans vos couettes, linceul de votre intégrité critique le jour ou la télé est entrée dans la chambre à coucher. En forme de pochade débile et absurde, road movie grinçant qui tape toujours juste, jusque dans la fin qui renvoie tout le monde à sa seule responsabilité, celle qui devrait guider nos existences : confronter sa volonté à ses desseins profonds, ne pas cacher la douleur d’être homme et se présenter devant la Fin debout, droit dans ses échecs, confiant dans ses doutes et gigantesque dans sa chute. Il faut rire avant tout, surtout devant la chose la plus sérieuse du monde sous peine de faire passer sa tristesse comme mètre étalon de notre rapport à l’autre et au monde. Il faut crever de honte pour vivre libre  à nouveau. La grandeur se mesure à l’aune de la finalité espérée pour ses engagements. L’humour est une forme de résistance à la peur et il faut avoir peur de la connerie des hommes sérieux. Dans Babylone quatre lions courent, comme quatre cavaliers d’une apocalypse télévisuelle, implorant STAR WARS ou John Wayne dans des fausses chapelles sacralisés par des gens qui s’ennuient, qui ont peur, qui n’ont plus rien à vivre, qui vivent quand même, jusqu’au jour de l’an, jusqu'à l’anniversaire, jusqu'à l’été, jusqu'à Noël, jusqu’au matin, jusqu'à la nuit prochaine, encore attendre, encore se retrouver seul, ils ne croient plus à l’enfer, plus au paradis, ils croient dans la TV, dans la police, dans les étreintes fugaces, dans le crépitement du feu, dans l’arrière des night clubs, au fond des chiottes sordides d’une boite à partouze, et plus ils attendent plus ils ont peur, plus ils sont bêtes, plus ils sont sauvages et plus ils oublient qu’ils sont tristes. Car le fond du problème pointé par Chris Morris, ce n’est pas la foi ou la religion : c’est que Dieu est accessible sur Internet. Le martyr n’est pas mort pour Dieu, il est mort sur Youtube.  On est passé de la cause métaphysique à la communication de masse avec tout ce que ca implique dans la démesure. Dans milles écrans, de milles sources différentes, avec des qualités de sons et d’images différentes dans tous les pays du monde, en direct ou en différé, on ne crève plus pour des idées, on meurt pour exister. Le paradis est sur Youtube, bitches.

"On nous avait dit que l’art était mort, mais aujourd’hui je me rends compte qu’il est partout et à portée de tous"

Crevez Tous.

Norman Bates.

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