[Photo: "Autant mes Vents l'Emportent" par Dr Devo.]

UN HOMME QUI CRIE de Mahamat-Saleh Haroun (Tchad-France-Belgique, 2010)

Youssouf Djaoro a une soixantaine d'années, et travaille comme maître-nageur à la piscine d'un hôtel huppé. Dans sa jeunesse, il fut champion de natation, inutile alors de dire que la piscine, c'est toute sa vie, et qu'il écoule des jours heureux au bord de l'eau à surveiller des gamins qui hurlent. Mais l'hôtel a été racheté par des investisseurs chinois, qui menacent de licencier une bonne partie du personnel. En parallèle à cela, le Tchad est en pleine guerre, et le gouvernement demande à ceux qui n'ont pas encore trahi leur pays en rejoignant les factions rebelles, un "effort de guerre", à savoir de l'argent, ou un fils à envoyer au front. Ca tombe plutôt mal, parce que Djaoro a un fils d'une vingtaine d'années, qui travaille avec lui à la piscine, et qui pourrait éventuellement menacer son travail...

Fermez les yeux. Imaginez un instant un jeune homme, il veut devenir scénariste. Il achète un livre qui explique comment écrire un tel document, quels sont les ressorts dramatiques, comment on les utilise, ce genre de choses. Il se dit, tiens, c'est intéressant, et ça va m'aider, alors je vais m'en servir et écrire quelque chose. Ce jeune homme découvre, au détour d'une page interweb, qu'un concours de scénarios se déroule pas très loin de chez lui, et qu'il peut envoyer son épreuve au jury qui décidera si oui ou non, son script est valable. Il se dit pourquoi pas, après tout, je n'ai rien à perdre, et puis j'ai bien travaillé, j'ai fait tout ce que le livre m'a dit de faire, alors pourquoi pas moi. Il l'envoie. Le jury, submergé par ce qu'ils ont reçu, lit tout de même, en diagonale, les projets. Celui du jeune homme retient leur attention. Le juré numéro trois le lit une deuxième fois, avec soin et précision. Pour elle, c'est celui-là. Elle fait passer le mot à ses collègues, qui élisent ce script à l'unanimité. Sa victoire en poche, le jeune homme, encore extatique, reçoit un courrier d'un producteur, qui a lu son travail et veut l'adapter au cinéma. Deux ans plus tard, le film est en compétition officielle au festival de Cannes. Son titre : L'HOMME QUI CRIE.

Si j'ai écrit cette longue fable (post-) moderne, c'est que le film qui nous intéresse à présent pourrait être étudié dans les écoles de cinéma (et le sera sûrement), tant il est didactique et d'un classicisme absolument effrayant. Rien ne dépasse et les ressorts dramatiques, prévisibles plus que de raison au bout d'à peu près six minutes, sont disséminés aux endroits les plus évidents et les plus normaux, pourrais-je dire. Des scènes sont là uniquement à titre illustratif, par exemple pour appuyer une caractérisation de personnages (la séquence de la pastèque), et n'apporte rien d'autre au récit, à la narration, et est encore moins intéressante au niveau de la mise en scène. On peut presque deviner ce qui va se passer avant chaque coupe. Disons qu'il n'y a pas de jeu de ce côté-là, ou d'envie de s'écarter, même un tantinet, de la norme. Je dois avouer que c'est ainsi le cas de beaucoup de films, mais pour celui-ci, cela m'a vraiment marqué, donc il prend pour les autres, et j'en suis désolé. La narration est donc d'une banalité absolue, un parfait exemple de film Dossiers de l'écran, qui dit que la guerre c'est pas bien parce que ça tue, et que virer des gens c'est pas bien parce qu'après ils n'ont plus rien. Mais Haroun, également scénariste, rajoute une chose qui fonctionne plutôt pas mal : la lâcheté du père. Je ne peux pas en dire plus, bien sûr, mais cela apporte un peu de relief à l'ensemble, sans franchement l'élever par ailleurs.

Le rythme du film est plutôt lent et contemplatif, certains plans durent trop longtemps, ce qui provoque un léger malaise et est plutôt dérangeant, malgré un montage pas très beau, les raccords et les coupes sont parfois aberrants (dans la ruelle, de nuit, sur le side-car, il coupe beaucoup trop tôt pour donner une quelconque émotion : la peur de l'écran noir, visiblement). En fait, tous les leviers de mise en scène sont au diapason de l'illustration du scénario, ce qui donne au final quelque chose de pas très intéressant. Il y a de temps en temps un effort de cadrage, mais trop rare pour être vraiment souligné.

LA PRINCESSE DE MONTPENSIER de Bertrand Tavernier (France, 2010)

Seizième siècle, la France est meurtrie par les guerres de religions. Lambert Wilson n'est pas une princesse, ce qui est assez dommage, parce que ça aurait pu être tout à fait rigolo et intéressant. Bref, il est comte et tue sans le vouloir une femme enceinte. Traumatisé, il déserte et abandonne le combat. Il rencontre Grégoire Leprince-Ringuet, qui a le nom de l'emploi puisqu'il est prince de Montpensier, son ancien élève et ami, qui décide de l'accueillir en tant que garde. Pendant ce temps-là, le père du prince, qui aurait quand même bien envie de s'élever dans la société, décide, avec le marquis de Mézières, de marier Grégoire à la fille de ce dernier, Marie, alias Mélanie Thierry. Sauf que la demoiselle, elle, est promise à et est amoureuse de Gaspard Ulliel, le duc de Guise. Ulliel est fou de rage, et jure à Grégoire qu'il va se venger. Et Lambert Wilson dans tout ça ? Ah, oui...

Tavernier, l'affreux à la grande gueule, déjà précédemment à Cannes pour UN DIMANCHE DE CAMPAGNE pour lequel il a gagné le prix de meilleur réalisateur, la blague, et qui a sorti l'année dernière son film américain, DANS LA BRUME ELECTRIQUE, avec La Bûche, alias Tommy Lee Jones, revient donc triomphant avec son nouveau film en costumes, adapté d'un livre de Madame de La Fayette. Tavernier + film en costumes, ça ne sent déjà pas très bon. J'aurais dû me méfier.

J'avoue ne pas savoir par où commencer. Le film fait précisément cent trente-neuf minutes, et aurait pu facilement en faire quarante-cinq de moins. Je m'explique. Toute la partie avec Lambert Wilson est absolument inutile, et aurait dû être coupée dès l'écriture du scénario. Nous le suivons au début, les premières minutes sont pour lui, on se dit qu'il va avoir malgré tout un rôle important. Que nenni, mon bon. Il disparaît au fur et à mesure du film, ne faisant plus que des apparitions fantomatiques ou inutiles, étant délaissé du rôle promis par le début du film dans le récit. En fait, ensuite, son action se résume principalement à éduquer Mélanie Thierry (poésie, lecture, écriture, ce genre de choses), ce qu'aurait pu faire un tout autre personnage, qui n'aurait pas eu une telle importance dès le début, on aurait même éventuellement pu ne pas voir cet apprentissage, qui est d'une inconséquence presque comique également, puisque si la jeune princesse fait tout un foin pour apprendre à écrire, elle n'écrira pas une ligne de tout le film. Surtout que le personnage de Christophe Lambert Wilson évolue, mais de manière complètement anarchique et artificielle (je ne peux pas en dire plus), en particulier parce qu'à la fin, il a un geste d'un illogisme et d'une stupidité assez déconcertante, se contredisant toutes les trois secondes, pour finir par être complètement flou, perdu, inutile. Le personnage aurait dû disparaître dès le départ. Mais bon, tant qu'à pédaler dans les descentes, allons-y et prenons les pires acteurs du cinéma français, qui jouent comme des bites, pardon, mais là il faut être clair et franc, et déclament comme dans le pire du théâtre de boulevard des dialogues estampillés 16ème siècle, caution historique au dos du dossier de presse. C'est absolument insupportable et cela a provoqué quelques rires dans la salle, d'habitude très respectueux des films en cours de projection. Les scènes d'action sont rares et ridicules, les coups assénés sonnant franchement faux, et on voit même, dans certains angles de la prise de vue en steadicam, que les acteurs plantent leurs épées entre le bras et le corps des cascadeurs. Si l'ambition est de faire un film à grand spectacle, avec force costumes, il faut en avoir les moyens et ne pas laisser une prise où on voit clairement que ça ne fonctionne pas. On peut dire ce que l'on veut du cinéma commercial américains et des blockbusters mais chez eux, en tout cas, quand il y a des scènes d'action on y croit. Ici, on veut faire du grand spectacle intelligent, et c'est raté des deux côtés. Bravo.

Comment retranscrire la douleur qui m'a foudroyé pendant la vision de ce film ? Peut-être en vous disant que bien évidemment et en plus de cela, la mise en scène est purement illustrative (il décadre bien à des moments et fait quelques mouvements de caméra sympathiques, mais c'est une goutte de pus dans un océan d'étrons), sans jeu de lumières, de son (si, la musique est atroce et bien trop présente), de montage. C'est laid à n'en plus pouvoir, et c'est en compétition officielle au festival de Cannes. C'est dégoûtant, parce que ce film est une insulte au spectateur, qui ajoute à l'inanité d'un scénario extrêmement mal écrit une mise en scène même pas digne d'un blockbuster américain. Je suis certain d'oublier de vous parler de pas mal de choses, mais LA PRINCESSE DE MONTPENSIER est tellement mauvais que je n'ai même plus envie d'écrire dessus. Fuyez, pendant qu'il en est encore temps.

LJ Ghost.

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(De gauche à droite, du haut vers le bas: le film, le président du Jury, Matière Focale en septembre 2010. Photo par John Mek-Ouyes et Dr Devo.)

Il n'y a pas que la compétition officielle dans la vie cannoise, alors allons un peu voir à côté, là, tout près, les choses qui respirent et qui appellent le cinéphile avide de découvertes. Compétition officielle, Un Certain Regard, Marché du Film. Dans l'ordre. Faites vos jeux.

THE HOUSEMAID de Im Sang-Soo (2010-Corée du Sud)

Jeon Do-Youn est engagée comme servante par un couple de jeunes gens très très riches pour s'occuper de leur petite fille. Alors qu'elle vaque à ses occupations en uniforme, elle est quelque peu troublée par le maître de maison, un jeune homme complètement successful qui joue du Beethoven à ses heures perdues. Il va la prendre comme maîtresse. Et comme tout se sait toujours, ça va faire du grabuge dans le manoir...

La Corée n'a pas fini d'animer Cannes. Après les beaux THIRST et MOTHER l'année dernière, c'est au tour d'Im Sang-soo (réalisateur d'UNE FEMME COREENNE) d'y aller de son petit film assez étrange, voire même complètement polymorphe. Ca ne commence pas mal du tout, avec une séquence de présentation assez abstraite, très découpée, jouant énormément sur le mouvement (que ce soit au niveau de la caméra ou du placement des figurants) et sur les valeurs de plans, qui sont ici vecteurs d'une sensation de perte et de confusion qui s'entremêlent de manière élégante avec ce qui se joue : on ne sait pas trop ce qui se passe, mais une femme est suspendue à un balcon, à côté de ça des jeunes sont à une fête, des voitures passent, l'héroïne découpe du poisson... On cherche la spatialisation alors que Sang-Soo nous dit très clairement que tout se joue en même temps, exactement au même endroit, qu’il n'y a qu'un lieu et que ce sera celui de la mort. Le ton est donné. Mais en fait, non. On se calme un peu et on suit de manière plus particulière à présent, l'héroïne dans ses premiers pas à l'intérieur du fameux manoir du couple. Découverte de l'enfant à garder, moments heureux d'insouciance pour un personnage qui rappelle l'Idiot de Dostoïevski (c'est dit dans le film mais, chose amusante, n'a été traduit comme tel que dans les sous-titres anglais, les sous-titres français, eux, l'ont juste qualifié de "simplette" si je me souviens bien. Serions-nous moins à même de comprendre la référence culturelle ? Pourquoi les francophones sont-ils ainsi spoliés ? Etrange, tout de même). Puis du sexe, un peu, on ne voit rien, juste de la peau, des corps humides qui se frôlent, des voix qui se parlent crûment. Puis de l'humour, ce qui m'a posé un vrai problème, mais j'y reviendrai. Puis vient la tragédie, moralement éreintante et insoutenable, les actions font très mal. Si j'ai fait cette petite liste, c'est pour illustrer le fait que Sang-soo va se servir un peu dans toutes les crèmeries, dans l'espoir que son dessert soit le plus beau possible.

Sauf qu'il s'éparpille un peu. Je n'ai rien contre la comédie en général, mais j'ai trouvé qu'ici, son incursion au sein du récit était un virage pas très bien négocié. Disons qu'à un moment donné, la belle-mère du maître de maison fait son apparition, et elle est vraiment trop outrée pour totalement convaincre et se fondre dans la proposition du film. C'est au niveau de l'écriture même que ça pêche. Si le film, dans son ensemble, est plutôt correctement mis en scène, donnant une certaine envergure au côté totalement réaliste, dirons-nous, du métrage, l'ajout du personnage de la belle-mère envoie valdinguer à peu près tout ce qui a été fait jusque-là. Pour vous expliquer, elle agit un peu comme un génie du mal, toujours là pour faire une saloperie, mais de manière forcée, deus ex machina malade qui va précipiter la tragédie. On sent l'artifice pour justifier le point de non-retour, et son écriture brute et manichéenne, quelque part, dénote avec la certaine subtilité des autres personnages. On n'y croie pas, ça ne fonctionne pas. Et c'est vraiment très dommage, tant le reste du film a des qualités qui méritent d'être vues.

Quelques scènes sont très réussies. Celle du club de golf, vrai moment de douleur contenue, de haine ravalée, prête à exploser, lorsque la conscience, l'humanité reprennent le dessus. Le dialogue entre l'héroïne et le maître de maison après la scène du "bain", magie fugace, lumière d'espoir d'une inconséquence et d'une folie tragiques. L'incursion du feu dans l'avant-dernière scène, qui exprime de manière allégorique toute la rage qui habite le personnage en en faisant un élément physique, palpable et dévastateur. Ca bosse tout le temps du côté du cadre, à essayer de trouver des angles bizarres, des compositions abstraites, des symétries, des asymétries, elles sont très évocatrices sans tomber dans le didactisme. Le reste est plutôt classique, soigné, il y a du boulot, mais rien de renversant.

Au final, un film plutôt pas déplaisant, mais nous sommes encore loin du chef-d'oeuvre.

L'ETRANGE AFFAIRE ANGELICA de Manoel de Oliveira (Portugal, 2010)

Ricardo Trepa est un jeune photographe appelé d'urgence, une nuit, par une puissante famille locale, pour prendre des clichés de leur fille Angelica, morte peu après son mariage. Il accepte, et à l'intérieur de son viseur, le visage de la jeune femme s'éveille...

Ca fait toujours plaisir d'avoir des nouvelles du plus jeune grabataire du cinéma ! Presque 102 ans au compteur, et le garçon pète la forme, tourne toujours, voire même plus que jamais, avec bonheur paraît-il puisque qu'apparemment, son précédent, CHRISTOPHE COLOMB, L'ENIGME était magnifique. Mais parlons donc du tout dernier, qui, je dois l'avouer, a une des brioches (terme focalien de "pitch", bien plus beau que l'original, bien sûr) les plus intriguantes et intéressantes de cette quinzaine.

L'obstacle. Voilà comment le film aurait pu s'appeler, tant tout au long du métrage l'action se heurte à des éléments qui l'empêchent fréquemment, euh non, tout le temps, d'avancer. Et, complètement malicieux, De Oliveira se sert de tout ce qu'il a sous la main pour mettre des bâtons dans les roues de ses personnages. D'abord la musique, qu'il laisse terminer jusqu'au bout de la partition pour couper son plan et passer à autre chose, idée vraiment belle qui laisse une impression de vide abyssal, puis le son, qui vient parasiter tout effort d'expression ou d'intériorisation (magnifique scène de déclamation de poème, avec en fond sonore un vieux transistor qui crisse, qui larsène, qui crache quelques notes de musiques pour se remettre à grésiller, ou des bruits de camion dérangeants et surprenants qui viennent couper une conversation en plein milieu, forçant les personnages à aller à la fenêtre voir ce qu'il se passe avant de revenir à leur action initiale), les éléments de décor, la figuration... Tout est fait pour casser le rythme et installer une espèce d'à-plat haletant et surprenant: étrangement, même au bout de deux ou trois fois d'affilée, on n'imagine pas qu'il va encore saboter l'avancée du récit, prenant encore et toujours le spectateur par surprise. Et ce qui est encore plus beau, c'est que la résolution du film inclut, en son sein même, et disons est la justification finale de tout ce procédé, un obstacle, le dernier, que je ne vous révèlerai pas mais qui est, je vous l'assure, absolument magnifique.

Du côté de la mise en scène, De Oliveira s'éclate aussi, en cadrant au cordeau, en se permettant de finalement assez peu couper (le montage, lent, est malgré tout assez tendu) et de ne se poser que rarement la question du contre-champ, mais quand il le fait c'est éblouissant parce que généralement accompagné d'un changement de photo, de perspective, d'une espèce de césure au niveau du rythme qui donne une impression d'étrangeté. Il inclut même quelques incrustations vidéo en noir et blanc, très belles, qui participent à une scène de lévitation assez hallucinante où le son joue constamment, jusqu'à, à un moment, s'arrêter presque totalement, comme conférant à ces quelques secondes un souffle de liberté, voire de spiritualité très émouvant.

Merci, monsieur De Oliveira, merci de donner aux petits jeunes aux dents longues et aux idées courtes des leçons de cinéma, et un parfait exemple de ce que l'on peut faire quand on joue avec les leviers de la mise en scène. Le fait que vous ne soyez pas en compétition officielle me révolte. Mais c'est vrai que vous avez reçu un prix d'honneur à Cannes, il y a quelques temps, pour eux vous êtes déjà mort. Pour nous, vous êtes le plus vivant.

MR. NICE de Bernard Rose (UK-2010)

La vie de Howard Marks, un ancien d'Oxford devenu, dans les années 60-70, un des plus grands trafiquants de drogue de Grande-Bretagne.

Quelle ne fut pas ma surprise en voyant le nom de Bernard Rose, l'excellent réalisateur, d'entre autres, CANDYMAN avec Virginia Madsen, film fabuleux s'il fallait le rappeler, dans le programme du Marché du Film (et pas en compétition, voyons, les enfants, soyons sérieux !). L'instinct me pousse à y aller, ne connaissant absolument rien du film.

Nous suivons donc Marks, incarné par le formidable Rhys Ifans, et d'entrée de jeu c'est de la folie pure. Nous commençons donc par voir le héros du temps où il était au lycée, et là, nous nous apercevons qu'Ifans lui-même joue le rôle de Marks quand celui-ci a 17 ans ! Quelle délicieuse étrangeté de voir l'acteur extatique, sauter dans les bras de ses parents, hurlant sa joie alors qu'il vient de recevoir la lettre d'acceptation à l'université d'Oxford ! C'est absolument sublime et ce sera ainsi pendant tout le film, Ifans jouant Marks à tous les moments de sa vie. Mais Rose ne s'arrête pas là. Il doit recréer l'Angleterre des années 60, ses rues, ses voitures, ses passants ? Trop cher, pas intéressant, alors le réalisateur utilise des stock-shots sales et granuleux de ces années-là, et incruste Ifans déambulant à l'intérieur, et rajoutant les grains sur l'acteur ! Il n'y a des stock-shots d'Oxford en noir et blanc ? Pas grave, on les utilise, et par la même occasion, on incruste Ifans en noir et blanc, et en qualité 8mm ! Il doit se rendre à Kaboul ? Même traitement ! Et ensuite, bien sûr, on va vraiment tourner dans ce qui ressemble à un désert afghan, pour les plans qui suivent. En fait, il utilise le procédé d'incrustation sur stock-shot à chaque fois qu'il doit introduire un lieu, ou à chaque fois qu'il doit avoir de la vie d'époque à l'arrière-plan, pour ensuite revenir dans un décor naturel un peu moins fourni et plus pratique à faire, que ce soit pour des scènes à pied, ou en voiture (la première fois qu'il est en Afghanistan, en jeep, est une des choses les plus drôles et les plus folles que j'ai vu depuis longtemps) ! Bref, ça invente, ça n'arrête pas, ça cherche des solutions pour rendre la chose complètement belle et ludique. Vous n'avez jamais vu une scène de sexe telle que la première montrée dans ce film (ce qui a fait dire à une amie, présente à côté de moi, "c'est la suite d'ENTER THE VOID "»). Quand on ajoute à cela une photo vraiment belle (il la fait lui-même), un sympathique jeu sur le son, des cadrages bien sentis et un casting trois étoiles (Ifans, Chloe Sevigny, David Thewlis), ce premier quart d'heure annonce monts et merveilles.

Malheureusement, Rose a du mal à tenir la barque. Un peu à l'instar de SHUTTER ISLAND de Scorsese, la mise en scène se délite assez rapidement pour abandonner toute invention au profit de l'avancement du scénario et d'une certaine précision dans la biographie du garçon. Rose lève le pied et se fait un peu bouffer par son récit. S'ensuit un quasi festival de champs/contre-champs, moins de jeu sur les axes, et si la lumière est toujours belle, le montage s'effrite et s'étiole.

Il est vraiment dommage que le réalisateur n'ait pas réussi à aller au bout de son idée, de ses idées, tant le film aurait pu être absolument beau et iconoclaste. Je dirai même qu'il aurait pu être important. Au lieu de cela, il y a un quart d'heure, vingt minutes de folie, une montagne russe hallucinante d'émotions, puis un récit comme tous les dealers de drogue, avec ascension sociale et chute vertigineuse, en n'oubliant pas femme et enfants qui souffrent. C'est triste. Mais à voir quand même, pour ce début tellement grotesque.

LJ Ghost.

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[Photo: "Touch my heaven" par Norman Bates.]

Si on me demandait ce qu'est une œuvre d'art réussie, je répondrais surement que c'est une montagne de questions sur ce que nous sommes sans ne jamais apporter aucune réponse. C'est en tout cas ce que j'ai dis à ma coiffeuse l'autre jour, alors qu'elle évoquait (en mal) le cinéma de Werner Herzog. En revanche l'autre soir Gaspar Noé me disait lui que le cinéma n'était pas de l'art, le porno non plus, mais que le cinéma pouvait être au mieux comme un bon porno. Ceci dit, tout ca n'a presque aucun rapport avec le sujet qui nous préoccupe aujourd'hui.

BABY BLOOD tiens à la fois des écrits de Nietzsche et d'Haroun Tazieff : nés des volcans et du chaos primordial, un alien trouve refuge dans divers organismes vivants jusqu'à échouer dans le corps d'une gitane bien roulée, poum tchac, qui va nouer une complicité bestiale avec son bébé du troisième type, jusqu'à tout plaquer pour lui et boire le sang de victimes mâles afin de nourrir la Bête. Au fil d'un périple sauvage et violent, Yanka sera tiraillée entre sauvagerie bestiale version orgie dans le sang et conscience judéo-chrétienne qui la pousse à sacrifier Alain Chabat plutôt que Jean Yves Lafesse ou Jacques Audiard. Le film suit la grossesse de Yanka, l'aliénation progressive de la mère porteuse et les conséquences de celle ci sur une équipe de foot et sur la finitude du monde. Venu du cœur tellurique de la Terre et rendu aux éléments, le cheminent erratique de La Mère dans la France du début des 90's semble mettre dos à dos les écrits Lovecraftiens et les films de papas. Film hybride donc, et osé, sur lequel il me parait intéressant de revenir plus de 20 ans après, le film n'ayant de fait pas tellement vieilli.

Difficile de comparer BABY BLOOD à quelque chose. Certes, il y a du délire gore d'un EVIL DEAD, mais c'est quand même plus que cela. A la fois érotique et sensuel, il n'est pas interdit de penser à Rollin ou même à Henenlotter. Et encore, ce serait occulter sa marque de fabrique au lait cru, principalement grâce à un décor baguette-béret-cocorico sorti tout droit du cinoche franchouille populaire des années Mitterand. Réalisé avec rien, mais faisant preuve héroïquement d'une originalité formelle salutaire, on se demande encore à plusieurs reprises comment tel ou tel plan à été tourné. On avait alors affaire à une équipe technique n’ayant jamais fait de gore, ni même de fantastique et qui découvrait un tout nouveau terrain de jeu garant d'une liberté jamais acquise alors, propice à des expérimentations hallucinantes. La photographie est sublime, travaillant les textures avec une intensité ébouriffante comme ces derniers plans sur la mer où les nuages grisâtres sont le contrepied exact de la mer. Les séquences dans la maison abandonnée sont d’une beauté quasiment italienne tandis que les intérieurs au néon donnent dans la perspective futuriste.  Jouant avec une caméra tour à tour objective et omnisciente, la diversité des points de vue et des angles d'attaques pourtant focalisés sur le couple Yanka/Baby font émerger une relation baroque et rock'n'roll dont le sang et le foutre sont les clés. Des gerbes de sang aux scènes de cul, la complicité bivalente (sauvagerie/sensualité) de deux être liés intimement donne de l'Homme une vision sans équivoque et bivalente, tout en ressenti et en sensualité. C'est un film totalement quantique ! Tout est exactement pareil et différent dans un même mouvement un peu obscène qui va de haut en bas, comme une masturbation, un poignard ou un serrage de main. Chaque être à une composition chimique, physiologique, atomique exactement similaire et pourtant c'est à chaque fois le quinté Vincennes avec les numéros complémentaires et dans le désordre. Tout le monde parle la même langue et personne n'y comprend rien, tout le monde se bat et tout le monde fait des enfants. Tous ces mouvements telluriques et masturbatoires de secousses à l'origine de la vie forme le chaos originel dont la Femme est la garante unique, comme détentrice de la vie et du pouvoir ultime, comme matrice originelle. Mais bon dans les faits, c'est la soif et la faim qui sont l'objet d'un film qui parle d'abord d'amour platonique, celui d'une mère pour son fils, même si c'est un psychopathe. La liberté qu'avait alors Alain Robak de filmer joyeusement le périple délirant d'un alien à la voix ridicule s'exprimant en voix off dans la tête d'une pulpeuse jeune femme livrée à elle-même après avoir été maltraitée pendant des années par un mari violent dans des décors digne des pires production françaises de l'époque (les Max Pécas ou autres Bernie Bonvoisin en passant par Truffaut) est bluffante et enivrante, on a pu faire ca chez nous au moins une fois, c'est merveilleux. Y'a des effets spéciaux que les américains nous envient dans ce film ! Y'a des monstres effrayants comme chez Barkouille ! Yummy yummy !

Se replonger après vingt années dans BABY BLOOD c'est le passé qui vous prend d'abord à la gorge, c'est les plans qui donnent à voir, les textures juxtaposées du sang et du béton qui vous rentre dans le palais, c'est aéré et on suffoque, c'est virtuose et ca ose, ca se veut âpre mais c'est baroque quand même : c'est Moulinsart mais sans les pantoufles. De tout ce chaos l'empathie nait, mais oui, mais c'est bien sur, les BABY BLOOD déferlent sur le monde tout les jours, ils demandent la tête des hautes instances du cinéma, de ceux qui ont érigés les modèles industriels comme nouvelle norme d'un cinéma pop corn qui ne doit jamais rudoyer le spectateur, qui doit l'accompagner doucement jusqu'à la porte des rêves amputés et des réalités apprivoisés. Et les gens, dans un éternel recommencement iront se faire tabasser, car à gommer les aspérités les plus dérangeantes de la vie, on en oublie les plus importantes : vivre c'est toujours se rapprocher du vide.

Les gens, c'est pas le Dalaî Lama ou la souffrance du Tibet, c'est pas la planète qui meurt à la télé, c'est pas les grandes arènes médiatiques où l'on vend des emballages, c'est pas du bien fondé ou des assurances, les gens c'est des autistes, la réalité n'existe pas, le monde est un gouffre, il n'y a pas de volcan en Islande, le chaos règne, l'existence est une organisation à but fécondatrice et à partir du moment où c'est vide il nous reste une place. Prenez ca dans les sens que vous voulez.

Bienvenue au monde, BABY BLOOD !

Norman Bates.

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[Photo: "Sans titre #56" par Norman Bates.]

Aux abords du Mont Fuji, sur une plage de sable fin ou roulent doucement les vagues dans la quiétude de la forêt de bambou proche, Nishi regarde une dernière fois sa femme sous les yeux de sa fille morte. Il se souvient des fusillades, des moments amoureux, de son meilleur ami avant qu’il devienne handicapé, et du hold-up qu’il vient d’organiser pour rembourser ses dettes. L’air est pur, la mer limpide et dans le silence de la fin d’après mid,i Nishi se remémore des moments de sa vie : les planques, les traques, la police qui sont maintenant loin derrière lui. Aujourd’hui  sa femme va mourir et il n’y a plus de mots…

Kitano est à la mode en ce moment : rétrospectives un peu partout, master class et exposition art moderne à Beaubourg, si vous habitez Paris vous êtes forcement au courant. Kitano pourquoi pas, me dis-je in petto, en plus il y aura surement de jeunes étudiantes en plastique dans ce cinéma du quartier latin (spéciale dédicace !) avec qui entamer une discussion sérieuse sur les textures et les sensations de l’été prochain. Je lui disais à ce propos que l’exposition de Kitano était un sublime foutage de gueule comme à peu près chaque "œuvre" exposée au centre Pompidoupidou-pidou , et elle me disait, dans un sourire qu’un rayon de soleil naissant éblouissait, que le dinosaure en plastique était le symbole allégorique du refus de la nature à faire perdurer la puissance, et moi je lui répondais perdu dans ses yeux bleus que c’était aussi le symbole du mouvement pro-créationniste aux états-unis mais il était trop tard, j’étais tombé dans le terrier d’Alice, je voyais des jouets en 3d tournoyer autour de moi, je voyais ses yeux et encore son sourire, son sourire, son sourire, je voyais ses cheveux qu’une petite brise faisait onduler précautionneusement, je disais n’importe quoi et je souriais comme un con, je sentais son shampoing aux amandes et le piège se refermer autour de mon cou…

Je reprends mes esprits doucement. Qu’est ce qui m’est arrivé ? Je ne me souviens plus de la chronologie : Kitano devant une scène de crime, Kitano dans ta vie, Kitano dans des draps, Kitano où l’amour danse au fond des draps, je ne sais plus, je suis perdu. Il est en tout cas question d’amour et de feu d’artifice, mais traité avec bien plus de sobriété et de dignité que le premier occidental venu, avec un sens du dépouillement presque monastique. Le montage lance des pistes dans tout les sens, pistes qui sont toutes réalistes et censées, sensées se dérouler à un moment ou a un autre de la vie de Nishi : ces pistes se croisent comme dans les souvenirs, et ce n’est plus la raison qui dirige ce flot apaisé de petites et grandes choses passées, c’est un long fleuve tranquille, un feu d’artifice qui met du temps à décoller et à éclater. Qu’importe la vitesse ? Le feu d’artifice éclatera bien de toute façon, et ses milliers d’étincelles brilleront à jamais dans la mémoire, dans les souvenirs de Nishi seul au bord de cette plage. Les yeux dans le vague, fixant les vaguelettes azur qui s’écrasent sans fin sur le rivage, rivage sur lequel sa fille aimait faire voler son cerf volant, Nishi ne pleure pas, il ne pleure pas car le feu d’artifice représente un instant, et qu’un instant représente toute la vie, une vie à courir pourtant, une vie à tirer et chasser, une vie en traque. Nishi est violent, il a en tout cas été violent à réagir dans l’instant, sans réfléchir à l’avant ou à l’après, tirant comme on baise, sans penser qu’une fois vide il faudra rebaiser. Nishi ne parle pas de sexe, Nishi parle du sang, de l’amour et du temps car on tue comme on aime : dans un instant différent, dans une autre vie. Aimer et tuer, dans un mouvement différent, dans un endroit différent, avec des gens différents. Le commun c’est un sens de la vie, mais un mauvais sens, semble nous dire Kitano qui place des toiles au milieu du film, en figeant des instants dans l’imaginaire comme ultime pouvoir du mental. Ce qu’il y a de différents dans la vie des gens, c’est justement ce plus petit quantum de vie : si on y regarde de loin tous les hommes naissent et meurent, ils vont à l’école enfants et trouvent un boulot adultes. Si on y regarde de près on voit un fourmillement improbable de sentiments mélangés, une explosion de couleurs pas toujours vives, on voit du pointillisme et du fauvisme, on voit de l’art contemporain et du stylo feutre, on voit des animaux à tête de fleurs mais on ne voit plus le tableau global.  Quand on y réfléchit, l’amour à duré un instant, il a disparu aussi fugacement qu’il est apparu dans nos vies de looser, un peu par effraction ou par accident, un hold-up parfait ou personne n’a rien vu. En douceur et en délicatesse, blessant comme un flingue et coloré comme un feu d’artifice, explosif et en puissance, incontrôlé et incontrôlable, fugace et inamovible.

Est-ce que vieux on se souviendra encore de tous ces instants à deux ? Est-ce que cette fille rencontrée ce soir ne nous a pas réservée le plus beaux des instants, aussi court soit il ? Vieux, je demanderai à Nishi, au pied du Mont Fuji, si le manque de perspective n’est pas une des clefs du bonheur. Je lui poserai la question, et j’espère qu’en paix avec moi-même, sachant la fin proche, j’aurai  la décence de regarder autour de moi comme quand j’étais enfant, imaginant dans chaque forme du ciel ou de la terre des animaux extraordinaires, me rappelant chaque instant important : alors sans doute je comprendrais que ce qui a été important n’est ni une suite ni une continuité, comme dans tous ces moments accolés qui forment un film, une vie, ou juste un instant hors du temps. Les dinosaures en plastique peuvent bien mourir, la puissance c’est parfois se courber dans le vent.

Long, lent et puissant, HANA-BI montre que le mélo ne s’écrit pas forcément avec des larmes : l’humour visuel, le montage chaotique et des beaux mouvements de caméras font montre d’une richesse cinématographique assez rare. Malgré tout, Kitano n’évite pas les grands écueils du cinéma asiatique, et il y a toujours des scènes très longues dont j’ai du mal à saisir l’intérêt. Et puis les peintures de Kitano, personnellement, malgré ce que j’ai dit à cette fille, je n’en pense pas que du bien…

Norman Bates.

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Entre deux épisodes de MOUNDIR, il faut bien regarder quelques films, et dieu sait qu’en ce moment les salles de cinéma sont plutôt à la fête, avec pleins de choses intéressantes qui méritent que l’on s’y arrête. Malheureusement, il est difficile dans les conditions actuelles d’écrire autant qu’on le devrait sur des films importants et beaux, la plupart des membres de la rédaction étant retournés dans leurs paradis fiscaux pour soigner leurs intérêts financiers. Je les comprends tout à fait, par contre je serais un peu plus critique vis-à-vis de notre chef bien aimé, le Dr Devo pour ne pas le citer, qui m’appelle en pleine nuit depuis son île privée pour me demander d’arrêter d’écrire n’importe quoi sur des émissions de téléréalité et de me recadrer sur le lectorat élitiste traditionnel de Matière Focale en parlant de films peu distribués et iconoclastes. Il faut dire que pendant que ce cher docteur brille en société au près de l’intelligentia du 7eme art dans des soirées huppées, c’est votre serviteur qui se tape les trips métaphysiques d’une heure et demi sur fond de techno suédoise programmés dans six salles réparties équitablement dans le quartier latin.  Heureusement que Julianne Moore est là pour rétablir l’équilibre, je vous laisse en sa compagnie dans cette dernière édition du PIRE EXPRESS !

Et on commence sans plus tarder avec LE GUERRIER SILENCIEUX de Nicolas Winding Refn (UK-2010), qui au contraire du reste de notre sélection ne contient pas de morceaux de Julian Moore ! C’est  très regrettable car Julianne Moore pourrait très bien interpréter un viking, mais nous avons de quoi nous consoler, rassurez-vous…

Le Borgne, redoutable guerrier muet, est retenu prisonnier par un chef viking dans une cage en bois. Il sort épisodiquement pour se donner en spectacle dans des combats dans la boue, combats dont il sort toujours victorieux. Guerrier hors pair, le borgne décide un beau jour de mettre fin à sa captivité et massacre ses geôliers dans une boucherie phénoménale. Il rejoint alors les chrétiens (ne me demandez pas pourquoi) pour un voyage en terre sainte à travers les mers du Nord…

Encore un film de monsieur Refn me direz-vous ! Et oui, après BRONSON le monsieur n’a pas chômé, et si son précédent film m’avait laissé un peu de marbre, celui-ci m’a couplé le sifflet comme rarement un film ne l’aura fait. C’est assez délicat voyez vous, il y a une séquence du film qui m’a littéralement retournée, comme presque jamais au cinéma ! Cette séquence est absolument époustouflante dans son idée comme dans son application, et vaut à elle seule la vision du film. Pour autant, ce GUERRIER SILENCIEUX n’est pas un grand film, et ce pour la même raison que BRONSON : il y a une suffisance chez Refn qui m’ennuie au plus haut point. Le mec sait ce qu’il veut, et c’est sans doute un des derniers réalisateurs atypiques du moment, mais putain qu’est ce qu’il se la joue auteur dans ses films ! Certes, c’est super original dans la forme comme dans le fond, c’est bourré de partis pris, complètement extrémiste dans le traitement, mais c’est tellement empreint d’une volonté de faire un truc différent des autres que ça en devient presque du snobisme.  Je sais pas s'il a pris la grosse tête à force d’être comparé à Kubrick par la presse (complètement injustement d’ailleurs, car ça n’a rien à voir) mais là il se la joue carrément : pseudo métaphysique à base de plans hyper long qui n’expriment pas grand chose, film quasi muet,  filtres colorés, vision d’un monde nouveau…  A certains moments tu te dis mais qu’est ce que c’est que cette merde, mais la seconde d’après t’es complètement happé par des instants sublimes, d’une lucidité hallucinante et d’une maitrise technique  totale. Le film est presque muet, mais rempli de son : très très important dans le film la place du champ sonore, entre les longues suppliques embrumées et les roulis des bateaux, entre le vent dans les arbres et les bruits d’os qui se cassent, entre la musique hypnotique et binaire qui n’est pas sans rappeler une certaine forme de black métal, chaque scène est balisée par les sons. Très belle scène dans le bateau par exemple, où il ne se passe strictement rien dans le son, ni dans la progression du voyage, mais où seule l’image progresse. C’est purement hallucinant, il y a de la brume partout, une mer sans vent, tout le monde meurt à feu doux dans le bateau dans une sorte de glaçante paralysie mortifère, même ce qui se passe à l’image (un cadavre est jeté à l’eau) n’a pas d’incidence ni dans la bande son (on n’entend que les roulis en boucle) ni dans le scénario. C’est  une pure idée de mise en scène : un ennui si profond et terrible que même la mort ne vient le troubler.   Et des scènes comme ca, pleine de totale impression de mort dans le froid arctique des pays du nord embrumés, il y en a tout au long du film. La plus terrible et la plus sublime est sans doute la longue séquence de folie pure des vikings débarqués dans un pays inconnu, séquence dont le son devient vite inaudible et qui continue crescendo dans un montage soufflant où on assiste à l’édification d’une sorte de totem en pierre, dont l’équilibre absurde est en fait le seul enjeu de la scène et qui dure bien dix minutes ! Le film atteint là un niveau de mise en scène presque tellurique, hypnotisant en tout cas et d’une cruauté absolue (la mort ne tient qu’a un empilement absurde de facteurs naturels ! L’humain est hors de propos) qui laisse pantois. Car ce dont parle au fond Refn, c’est d’un prophète qui se bat hache en main contre les conventions, qui vont de la religion à la société, en passant même par la parole ! La parole dans son incapacité à reproduire toutes les nuances de l’instinct est une forme primaire de normalisation, au même titre que la religion, le clan, ou le pouvoir. Et notre prophète démonte toutes ces conventions à grands coups de hache, comme si dans la plus ultime violence se cachait la forme la plus souveraine de la liberté. Quand je vous disais que le film était extrémiste…  Le GUERRIER SILENCIEUX provoque un peu la même sensation que se jeter nu en plein hiver dans une source d’eau pure se jetant avec fracas dans un lac de montagne : ca fait mal, c’est froid et intense, chaque seconde dure des heures, mais pendant quelques minutes on a l’impression d’être en phase avec tout, avant de s’évanouir…

Et on continue avec A SINGLE MAN de Tom Ford (USA 2010), avec donc Julianne Moore comme prévu et Colin Firth, prof d’Anglais renommé qui vient de perdre son amour dans un accident de voiture. Le film est le récit d’un homme qui effectue le deuil de l’amour, ou tente de le faire. Voila c’est tout, et c’est pas brillant tout ca ! Certes il y a des moyens, la photo est très belle, la direction artistique léchée, les costumes bien foutus, mais c’est le vide absolu dans la manière de mettre en scène cette histoire tristouille d’un homme fauché en plein amour. Même Julianne Moore est laide dans ce mélodrame falot, où pendant près de deux heures on va assister à des ralentis sur des corps d’hommes torses nus jouant au tennis, admirer des vêtements et contempler des lunettes haut de gamme. Le scénario est suivi à la lettre par un montage docile, l’interprétation est correcte mais sans plus, bref le film se suit gentiment pour les plus fleurs bleus d’entre nous, sinon c’est l’ennui qui domine. Il y a pourtant un jeune acteur que j’aime beaucoup, Nicholas Hoult, qui est ici très bon mais qui est loin de sauver le film de la mer stagnante et infinie d’ennui dans laquelle il navigue. Il ya malgré tout, et il faut le souligner, un magnifique  cadrage sur l’affiche de PSYCHO. Il dure dix-quinze secondes à tout casser.

Et pour finir, comme je vois que vous en demandez encore, sous vos applaudissements nourris voici qu’entre en scène CHLOE d’Atom Egoyan (USA 2010) !

Liam Neeson est sur le point de fêter son 50^e anniversaire quand il accepte d’aller boire un verre avec une de ses étudiantes, alors qu’au même moment sa femme (Julianne Moore) avait organisé une surprise party en son honneur dans leur maison commune. C’est pas vraiment la joie quand il rentre à la maison, Liam racontant qu’il a raté l’avion alors que Julianne a trouvé sur son iphone une photo de lui avec son étudiante. Elle décide d’engager Chloé, une prostituée, afin de mettre à l’épreuve la fidélité de son mari. Par un truchement de rencontres Chloé séduit le père comme prévu, mais aussi, tenez-vous bien, la mère et le fils ! Et sans tarif de groupe ! Julianne ne sait plus quoi faire, elle est à l’origine d’une situation qu’elle ne contrôle plus du tout, et toute sa famille menace de s’écrouler sous ses pieds…

Très bien écrit, bien interprété et avec des vraies idées de mise en scène à l’intérieur, qu’est ce qu’il vous faut de plus ? Une branlette au jardin des plantes avec Liam Neeson ? Je vous la mets. Un doigt dans la chatte de Julianne Moore ? Pas de problème. Et avec ca vous prendrez bien un martini dry, allumez votre cigare et accrochez vous, on est d’humeur perverse ce soir. Sorte de faux thriller érotique (rien à voir avec BASIC INSTINCT, rassurez vous) mais vrai film sur le désir, Atom Egoyan interroge la notion de fidélité à l’époque d’internet et du viagra, et le moins que l’on puisse dire c’est que ca décape. Ca décape tellement qu’au milieu des villes immenses, des gens en sont venus à confondre désir et amour, perdus dans ce qu’ils ont de plus stable, à savoir la famille. Entre relations croisées et jambes décroisées, que faut-il aimer pour garder son pré carré, où faut il se placer sur l’échiquier de la séduction pour garder l’être aimé au bout d’un an, de trois ans et de quarante ans ? Et le matin quand vous vous levez dans votre loft ikéa, avec quelqu’un que vous ne connaissez pas dans votre lit et dans le lit de votre fils, fils qui ne vous parle même pas ? La photocopieuse est elle encore le lieu privilégié des étreintes au bureau ? Autant de questions qui interpellent alors même que des prophètes visionnaires  parisien ou vaudou proposent des solutions clé en main pour concilier virilité et vie de famille, le tout sans ordonnance. Beaucoup de questions, et à l’arrivée la mort ! Les questionnements interrogent la morale, la morale n’a que faire de l’amour ou de la mort, y a-t-il seulement une différence ? Quand on baise on pourrait mourir mille fois, mille fois ressusciter dans d’autres draps, avec d’autres femmes, d’autres hommes. Tout est interchangeable, le plaisir est dans le changement, le changement est source de conflit,  le plaisir ne suffit pas, l’amour ne dure pas, la bite ne reste jamais dure longtemps, trop de choix, trop de questions, une seule réponse : CHLOE. 

Ne cherchez pas à comprendre quels éléments de l’enquête permettent de dire avec certitude qui a couché avec qui, le but recherché n’est pas celui là. Il est ici question de désir et de sensualité, d’une présence inexplicable de perversion dans les rapports entre êtres humains, toujours source d’étincelles. Ce sont ces étincelles qui allument les brasiers de la vie de couple et non les ordinateurs les villes ou les satellites. Le XXIe siècle sera sensuel et épidermique, quitte à en crever, nous voila rassurés ! On dirait bien que notre désir reste à inventer en fin de compte…

Norman Bates.

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Saoirse Ronan est une adolescente comme les autres : elle aime les beaux bruns ténébreux et elle prend des photos d'elle à poil dans sa chambre pour les envoyer à ces mêmes garçons avec son iPhone, ou alors sur Twitter. Ce qui est un anachronisme assez dingue vu que nous sommes dans les suburbs de Pennsylvanie dans les années 70. Mais peu importe, nous n'en sommes plus à un illogisme près, et Ronan est plutôt heureuse dans sa vie super sympa. Sauf que ça ne va pas durer, parce qu'elle va se faire assassiner par un type avec qui elle n'était même pas amie sur Facebook, et tandis que sa mère, Rachel Weisz, part en dépression, "Marky Mark" Walhberg (le mec en slip des New Kids On The Block), le paternel, enquête à la recherche du meurtrier, ZODIAC-style. Mais si Ronan est décédée, elle n'a pas tout à fait disparu : elle se trouve dans un espèce d'entre-deux mondes, genre Pandora mais pas bleu, et elle va tenter de se venger en intimant à son père de retrouver le méchant criminel...

Après la trilogie avec des types qui marchent pendant douze heures et un très long remake avec un gorille qui hurle "Je ne suis pas animal, je suis un homme" du haut de l'Empire State Building, THE LOVELY BONES annonce le retour du roi du box-office des années 2000 (promis, après j'arrête les jeux de mots foireux. Ou pas...). Peter Jackson revient donc avec un film un peu plus humble (encore que, mais ça, c'est pour plus bas), un peu, sur le papier en tout cas, dans la veine de son magnifique CREATURES CELESTES, ce qui augure de bien belles choses.

Et ça démarre plutôt joliment. De manière très compacte, en quelques minutes, il introduit tous ses personnages (mais pas le tueur), et ça vaut de toute façon le détour rien que pour la vision de Marky Mark en chaussettes blanches remontées et mocassins. Pour être sérieux, ça monte plutôt correctement, sur un tempo soutenu, les informations s'enchaînent bien. La reconstitution des années 70 n'est vraiment pas envahissante, et est même plutôt lucide, tant elle semble nous dire que finalement, les 70s et aujourd'hui, c'est exactement la même chose, et que l'évolution n'a finalement pas été aussi franche que cela (bon, à part pour le Popod, bien sûr). Disons que la différence d'époque n'est pas vraiment visible, et ne sert que d'écran, Jackson s'en foutant apparemment pas mal, ce qui est un plutôt bon calcul. Bref, Jackson bosse gentiment de son côté, ce n'est pas transcendant mais loin d'être indigent. Il fait aussi quelque chose de bien vu, à travers le montage très rapide du début du métrage, avec l'évolution du couple formé par Weisz et Marky Mark. En quelques instants, ils passent de jeunes parents dynamiques qui lisent du Camus avant de faire des galipettes à une famille installée, engoncée dans sa routine, qui feuillette des livres de cuisine avant de prendre sa tisane. En plus de cela, il fait deux choses : d'un côté il parle de l'encrassement de la famille, thème potentiellement intéressant mais sur-usité, et de l'autre il installe tranquillement mais sûrement le tournant que va être le meurtre de la gamine, dans leur vie et dans la société toute entière. Tout d'abord en préparant l'apparition du hasard sordide de la mort violente dans la vie paisible de ces gens, que rien ne laissait deviner auparavant (et qui est, donc, irrémédiable), ensuite dans la multiplication des faits divers traitant d'enlèvements d'enfants, ces fameuses photos au dos des briques de lait, qui ont commencé à apparaître dans ces années 70. A cette époque, et Jackson le montre avec subtilité un peu plus tard dans le film, les enfants pouvaient être laissés seuls dans les centres commerciaux pendant quelques minutes sans avoir peur de l'enlèvement par un quelconque prédateur sexuel. C'est ce basculement de la société que montre Jackson dans ces premiers instants de son film. Pour clarifier, le changement dans les habitudes littéraires et comportementales du couple semble annoncer ce basculement de la société.

A part ça, Jackson déroule, donc. Ca cadre gentiment, ça monte de manière dynamique et parfois même belle, comme ce sublime raccord de portes entre, si je me souviens bien, celle de la maison de poupée du tueur et celle dans le pavillon de la famille. Il s'amuse aussi avec le son, avec les coups de crayons du meurtrier sur son carnet et les branches de bois sciées, qui s'entremêlent et se confondent et se perdent grâce au mixage, très intelligent. Il y a vraiment de très belles choses dans la première partie du film, jusqu'au meurtre de Ronan, et un tout petit peu après, du moment que l'action reste du côté "réel", Jackson tient la barre de manière plutôt correcte au niveau de la mise en scène. Je suis même prêt à pardonner le méchant vraiment caricatural et pas du tout subtil, et la géniale Susan Saradon dans un rôle écrit à la truelle de grand-mère qui entre dans la maison, majestueuse et ridicule, une clope au bec et une choucroute orange sur la tête en disant "Daaaarling".

Mais alors, ce "Paradis"... Si c'est ça le paradis, foutez-moi en enfer, s'il vous plaît. Nous sommes ici, mesdames, mesdemoiselles, messieurs, dans la bouillie infographique la plus crasse. Ca vomit littéralement, ça surexpose pour faire angélique, ça ne fonctionne jamais et on aperçoit les fonds verts sans même plisser des yeux. C'est honteux. C'est Oui-Oui en 3D. Mais que ce soit moche, c'est une chose. Le pire, c'est que ces scènes "paradisiaques" sont d'une inconsistance qui confine au foutage de gueule pur et simple. Si vous voulez, prenez toutes ces séquences en numérique, coupez-les au montage, et regardez le film. Il tient parfaitement. Sans aucun problème. Il est même plutôt ramassé, correctement monté, bien cadré, un peu trop de mouvements de grue pour en mettre plein la vue mais bon, ça ne me pose pas plus de problèmes que cela. Mais là, THE LOVELY BONES devient indigent, sans intérêt, et même carrément antipathique. Les scènes dans l'entre-deux mondes n'apportent rien à la narration, n'apportent rien à la mise en scène, n'apportent rien à l'esthétique générale du film à part retranscrire une vision pré-adolescente dégoulinante de mièvrerie gluante, de la confiture de bons sentiments exacerbés que rien ne laissait vraiment présager, étant donné la relative dureté du film. Et Jackson semble bizarrement très embarrassé de ces scènes, s'en délectant d'un côté (pour ne pas bousculer sa routine seigneursdukongesque) et voyant bien qu'elle n'ont aucun intérêt de l'autre, mais il ne fait rien pour s'en débarrasser, malgré le fait qu'elles soient finalement assez rares, l'accent étant plutôt mis sur Marky Mark et le tueur. Bref, ça sent quand même un peu le claquos, et ça parasite négativement tout le film, qui se délite au fur et à mesure, les scènes "réelles" étant contaminées par les "irréelles", le montage se fait moins intéressant, ça cadre moins bien, la photographie décline... Ce qui est rageant après une première partie de métrage plutôt intéressante sans être exceptionnelle du tout.

THE LOVELY BONES, film pas passionnant, pas infamant non plus, tiède malgré quelques jolies idées de mise en scène qui ne parviennent pas à sauver l'entreprise de la noyade dans la mélasse numérique. Vite oublié.


LJ Ghost.








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C’est l’Amérique, c’est aujourd’hui : spider man est soldat en Afghanistan, marié à Nathalie Portman et père de deux filles aux USA. Il mène sa vie tranquillement entre le front et la cuisine, jusqu'à ce qu’il meure dans un accident d’hélicoptère. A la maison tout le monde est sous le choc, sauf son père militaire, fier que son fils soit mort pour la patrie, un vrai héros, pas comme son autre fils Ghylenhaal (aucune idée de l’orthographe) ex taulard et glandeur. C’est pourtant bien lui qui va s’immiscer dans la vie de padmé, pardon, Nathalie Portman, pour l’aider à surmonter le choc et s’occuper des enfants. Petit à petit, les relations entre Ghylenhaal et Portman se transforment en mini romance sur le mode « refaire sa vie et sa cuisine de A à Z ». La cuisine refaite à neuf, spider man revient sur un coup de théâtre, oui mais la guerre l’a transformé et son frère est mieux gaulé, que va donc faire padmé, pardon Nathalie, pour concilier vie de famille épanouie et patriotisme effréné ?

Remake d’un film danois que personne n’a vu, BROTHERS déroule son scope dans les plaines de l’Afghanistan et dans les cuisines américaines pour acter une fois pour toute que la cuisine américaine régit le monde. A double tranchant cette constatation est valable en sens inverse : les échos des combats et des tortures au moyen orient viennent bousculer le train train de l’Amérique bien profonde, et ce jusqu'à l’agencement de ces mêmes cuisines. Le mobilier domestique et l’électroménager se changent au gré des turpitudes dans les tunnels poussiéreux de pays en guerre, les histoires d’amour sont marquées du sceaux des razzias en hélico au soleil couchant. Rien de bien nouveau sous le soleil, c’était déjà le cas du temps de Racine et de Betrand Cantat, les grandes tragédies grecques ou les amoureux se déclaraient leurs flammes en alexandrins avant de succomber face à la cruauté du monde. Ici trêve d’Alexandrins, place à U2 et a la pop musique larmoyante quand plus personne n’est la pour amener les gosses bouffer des glaces au McDo à cause de la politique martiale de la droite américaine et où l’on oublie un mari mort grâce à un nouveau lave vaisselle (plus silencieux).  Les thèmes restent les mêmes depuis le crépuscule de l’humanité, l’amour et la guerre comme enjeux de la tragédie intime, avec les sempiternelles variations sur la capacité de l’homme à survivre à l’horreur, avec toutefois en extra ce que jadis Racine évoquait tout bas : les problèmes d’érections et les snuffs movie afghans.

Ou mène la folie des hommes ? Alors que spider man aurait pu trouver un boulot tranquille dans l’informatique et combler le manque de piment de la vie moderne en allant à la chasse le week end et en regardant du porno en cachette sur le net, il préfère les combats acharnés et la torture sur les champs de batailles en laissant sa meuf et sa cuisine dans les mains de son frangin. Même ses propres  gosses  préfèrent « l’oncle Tommy » à spider man, papa à temps partiel dont les blagues de militaires ne trouvent pas écho chez les civils de la middle class. Partant du principe établis chez les marines que les psychologues sont des charlatans, les problèmes se règlent au combat comme à la maison avec des armes à feu et des barres en fer, quelqu’en soit la cause. Ce principe appliqué à padmé amidala et à son électroménager va provoquer un éloignement entre les jeunes amoureux, et la fin du film verra la cuisine démolie comme monde pour demain.

Le scope est ma foi fort joli, y’a des moyens derrière on n’est pas à la FEMIS. Techniquement c’est plutôt réussi, malheureusement cette belle facture n’est jamais propice à une ambition esthétique autre que de foutre du U2 pendant que quelqu’un pleure à l’écran, soit environ la moitié du film. L’autre moitié est composée d’hélicoptères et de figurants très dociles qui courent en rythme dans le désert en gueulant qu’ils vont tuer des barbus. Le tout bien sûr dans un montage bien linéaire et alterné, avec autant de subtilité et de nuances qu’un char d’assaut dans les rues de Téhéran. Il n’y a pas de rythme, tout semble se dérouler sur les mêmes tonalités un peu faciles, que du déjà vu compilé sans talent ni grâce. Ultra prévisible dans la mise en scène comme dans le propos, pas grand-chose ne frappe ni n’ébahit : il y a peut être juste une scène ou plane le malaise lorsque spider man s’énerve un peu en rangeant la vaisselle, mais Maguire en fait des caisses (comme tout le monde dans le casting d’ailleurs) et ca tourne à la farce, avec hurlements, roulements de yeux et tout le tralala, là-dessus insert sur le visage de padmé en pleurs puis sur les enfants, n’en jetez plus la coupe et pleine.

La fin ! Mon dieu ! On s’attendrait presque à ce que padmé laisse tomber le pauvre spider man devenu une sorte de Eastwood dans LE MAITRE DE GUERRE (rien à voir), mais c’était sans compter sur U2 et les phrases à l’emporte pièce « on s’aime depuis qu’on a 16 ans, on ne va pas se quitter comme ca » ben tiens pauvre cruche, dans le monde réel il me semble que c’est pourtant le cas quand on épouse une pompom girl à 18 ans et que l’on découvre que son mari tient plus de Richard Nixon que de Justin Timberlake. Non là totale incompréhension, Ghylenhaal le gentil bad guy sexy se la colle derrière l’oreille  pendant que padmé embrasse Chuck Norris sur le parking du commissariat, en avant la musique, tout et bien qui finit bien.

Surement qu’en rentrant chez eux, padmé ira border les enfants qui se réveilleront vingt ans plus tard dans la même chambre avec un père mort au combat, une mère alcoolique et qu’ils verront par la fenêtre de la cuisine refaite une énième fois que les perspectives de l’homme s’étendent jusqu'à l’infini.  

Norman Bates.

Michael Cera s’est fait larguer et vit prostré dans la chambre qu’il occupe chez ses parents, dans une banlieue minable de New York. Ce soir, ses deux potes homos veulent qu’il reprenne sa place dans le petit groupe de rock pourri qu’ils forment pour faire un concert dans un bar branchouille de New York, ce afin qu’il reprenne goût à la vie et qu’il oublie une bonne fois pour toute son ex-petite amie débile mais canon, à qui il continue d’envoyer régulièrement des superbes cd-audios qu’il a gravé lui-même, compilant et résumant ses découvertes musicales pop rock dégoulinantes et insipides du moment, le tout entrecoupé de messages d’amour pleurnichards à une ex qui en a manifestement rien a foutre, puisqu’elle sort avec le capitaine de l’équipe de base ball et tient justement ils sont là ce soir au concert, quelle coïncidence, New York est si petit ! Après nous avoir infligé quelques minutes de concert live de son groupe de chie, visiblement fatigué par l’exercice et décontenancé par la présence de son ex, ce pauvre Michael Cera qui ne boit pas d’alcool se réfugie dans le coca cola, et c’est à ce moment là que lui tombe dessus une copine de son ex, vous savez la grosse moche qui traine avec des jolies filles en  jalousant secrètement leurs petits amis trop mignooooonnns et qui en l’occurrence écoutait secrètement et avec amour les compils préparés pour l’autre (celle qui est bonne),  donc je disais cette fille moche lui tombe dessus, ses potes homos l’encourage et la coache pour qu’elle finisse la soirée avec lui, en lui conseillant par exemple un nouveau soutien gorge (c’est bien connu les homos sont des spécialistes de la mode) qui lui donnera l’impression, je cite, "d’avoir deux seins" (sic !). A ce moment du métrage, il me parait fort opportun de faire un point sur la mise en scène. Voilà, ce point étant fait, nous pouvons continuer en nous intéressant maintenant à ce qu’il se passe non pas à l’arrière des berlines, mais à l’avant de la voiture de la fille plus si moche depuis que des gays lui ont refait sa garde robe, et qui en plus s’avère être une fille de, héritière d’une famille juive (donc riche) impliquée dans la construction d’un tunnel secret New York-Téhéran et d’un studio de musique produisant la même merde que celle présente  dans les playlist de l’ipod de tout les connards comme Michael Cera, et aussi de la fille en question car, deux ex machina, ils ont la même playlist !! Nous voila donc à la scène de la révélation de l’amour : nous avons la même chose dans nos ipod, nous sommes compatibles musicalement, donc faisons des gosses et marions nous, fusionnons nos ipod et soyons fous synchronisons nos iphone ! C’est tellement rare de trouver deux personnes ayant les mêmes goûts musicaux, alors quand elles sont toutes les deux célibataires, let’s make a deal ! Dis moi ce que tu as dans ton ipod, je te dirais qui tu es (un critique de Télérama à utilisé le mot "émouvant" pour qualifier ce film). Nous voila au cœur de tout les problèmes, de ce qui cristallise les intérêts du monde occidental : trouver un boulot et une femme ayant les mêmes gout, qui sont en fait ceux de tout le monde libre, de toute personne en mesure d’écouter a longueur de temps de la merde préformatée servant dans la foulée à illustrer la pub pour sa future voiture ou son mac de chie, abreuvant nombre de myspace et autres réseaux de partages culturels accessibles par smartphone. Dans un monde où les sentiments doivent naître comme les nouveaux talents de la musique, c'est-à-dire le plus rapidement possible, établis puis oubliés pour laisser place à de la simili-merde coiffée différemment qui plait tout de suite et lasse dix minutes après, comme des postures éphémères qu’il faut consommer tant que c’est chaud, puis bruler ensuite. L’amour par texto ou comment désacraliser le désir et la séduction en conjuguant pauvreté formelle et rapidité d’exécution, entre deux clips vidéos trouver le temps d’un "je t’aime", ou entre deux jambes le plaisir d’une ou deux minutes, non surtaxées. Michael Cera est bien évidemment le petit con de service, celui que l’on déteste dès la première minute avec ses gimmicks de premier de la classe tout le temps à se plaindre, alors même qu’il a la chance et la possibilité de mettre en action des mécanismes à même de l’extirper du marasme ambiant dans lequel il évolue (une des personnage du film est définie par le fait qu’elle vomit toujours au même endroit lorsqu’elle est bourrée, parcourant s’il le faut des kilomètres a pieds, comme un oiseau migrateur, style oie sauvage : honnêtement je crois que c’est le personnage le moins prévisible du film) mais dont il ne s’extirpe jamais, il tombe dans les bras de l’autre fausse moche sur maquillée et riche, et sans doute qu’une fois grands ils auront  JUNO comme fille, une sorte d’incrémentation de leurs échecs à envisager la vie sur le long terme si des paramètres restent indéfinis. J’extrapole un peu : le film se déroule juste sur une nuit, une nuit à écouter du rock merdique dans des bars branchés, une nuit pour découvrir qui l’ont est, une nuit à errer à la recherche d’amis ivres dispersés dans la ville électrique, où la pub ne s’arrête jamais, ou l’ennui est un statut facebook vite mis à jour car vive le temps réel, vive les fêtes où l’on s’habille bien mais où personne ne remarque qui l’on est vraiment, vive  Michael Cera et sa playlist composée avec amour. Au petit matin, les gays comme les hétéros sont amoureux, tristes et fatigués, les filles se sont retrouvées, Michael Cera à enfin tourné la page, il a trouvé une fille bien, enfin une fille qui l’admire pour ce qu’il écoute et non pas parce que c’est un futur ingénieur ou un futur médecin. Au matin donc, tout ces jeunes gens ont l’impression d’être libre, d’avoir le monde devant eux et toutes ces conneries, alors que bon ils écoutent ce que d’autres veulent qu’ils écoutent, ils aiment ce que d’autres veulent qu’ils aiment, et ils font ce que d’autres veulent qu’ils fassent : la fête dans des bars pour jeunes, avec de la musique de jeune et des boissons pour jeunes, et ainsi ils s’agitent et ils s’animent dans un milieu qui adopte une stratégie à leur place, passant à coté des plus belles choses, les choses puissantes et en devenir, et qui peu à peu oublient que ce qui est beau en l’homme c’est lorsqu’il ne se contente plus d’être (un ipod, une musique, des vêtements, des films, des amis, des téléphones, un nom, une origine, une sexualité, une paire de chaussure, un sac à main, un ordinateur, etc…), mais qu’il devient quelque chose qu’il a choisi lui-même en tout indépendance, si tant est que cela soit encore possible, et qu’il faut réinventer chaque jour.  Si on mesure la sagesse d’un homme au poids de ses pensées Cera est un gros con, mais en même temps il n’est que le fruit de son format, agonisant au milieu de ses aspirations. Le film est à l’image tout ca, une sorte de produit décongelé contenant son lot de scènes d’amour toutes faites, de musique de supermarché, d’acteurs mièvres et désincarnés, que des choses ressassées 1000 fois qui, loin de stigmatiser une certaine tendance à baisser les bras, conforte le consommateur de bons sentiments et de pop musique insipide dans sa petite existence monotone, sans jamais prendre le risque ni par la mise en scène ni par les sujets abordés de sortir du lot.

[Photo tirée du Tampographe Sardon.]

Norman Bates.

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La Terre est dans un piteux état, genre comme dans WALL-E mais en pire (de ce qu'on nous a dit, parce qu'on n'en sait rien, en fait), donc les humains font le tour des planètes environnantes pour trouver de la matière première histoire de pouvoir continuer à boire du Coca Zero. Ils atterrissent donc sur Pandora, qui est complètement fertile et luxuriante ; malheureusement, les indigènes qui vivent sur cette planète n'entendent pas donner leur maison au premier venu, et organisent une espèce de rébellion, les fous. Ces autochtones sont des Na'vis, de grands machins tout bleus et super minces, et ils sont coriaces les bougres. C'est pour cela que Sigourney Weaver décide de créer des "avatars": des être vivants de synthèse, mi-humains mi-Na'vis, qui serviront à aller espionner cette peuplade primitive aux idées un peu trop écologiques pour Giovanni Ribisi et Stephen Lang, qui vont essayer de les écraser de la manière la plus militaire et la plus expéditive possible. L'idée, c'est que les avatars sont des copies Na'vis d'humains, ils ont le même visage. C'est là qu'entre en scène Sam Worthington, alias Jake Sully, un Marine de l'année 2154 qui a perdu l'usage de ses jambes. Son frère était un über-scientifique, qui a aidé à créer les avatars et qui était supposé en piloter un. Sauf qu'il est mort, et donc, c'est qui qui va prendre sa place ? Pas Bruce Willis, non non, bien tenté, mais le petit Sammy. Il s'exécute donc le bougrinet, et il est tout content de retrouver l'usage de (ses) jambes. Il va rapidement tomber nez-à-nez avec Neyriti, jeune et jolie gigue bleue, qui s'avère être la fille du chef, et qui va rapidement accepter Sammy dans son clan parce qu'il semble avoir reçu un signe des dieux (des perce-neiges se sont posés sur les épaules de Sammy, ce qui est exceptionnel). Sammy va donc de plus en plus se plaire avec ses nouveaux copains, ce qui n'est pas vraiment du goût de Stephen Lang, qui lui préfèrerait leur péter la gueule avec une ogive nucléaire. Donc, ça se frite un peu entre les deux gros durs, et les Na'vis et Pandora sont au milieu...

Bon et bien voilà, il est enfin là le parpaing de James Cameron, l'homme de tous les records (enfin, de budget en tout cas). Je n'ai strictement aucun souvenir de ALIENS ni des TERMINATOR, mais ABYSS n'était pas trop mal il me semble, donc j'ai tendance à généralement ne pas mettre Jimbo dans la case des incompétents (même si, effectivement, vous avez raison, jeune fille en rouge au deuxième rang, il y a eu TITANIC...). Là, le garçon s'est dit "Bon, le gros bateau qui coule pendant quatre heures, c'est fait, qu'est-ce que je peux faire maintenant ? Si je créais de toute pièce une planète, ah oui, ce serait sympa. Et puis maintenant il me faut un défi technique à la hauteur de mes ambitions et de mon génie. Si je ressortais une technique des années 50 qui n'a jamais fonctionné, et que j'en faisais l'avancée technologique la plus rentable de l'histoire du cinéma ? Là, c'est sûr, je serai dans les livres ! Allez, c'est parti, je fais du cinéma en relief !". S'en est suivi une déferlante de louanges pré-visionnage et de rêves mouillés des cinéphiles de tout bord qui se caressaient la prostate à l'idée de la réapparition de la 3D ailleurs qu'au Futuroscope, ce dont on se fout quand même pas mal mais qui a fait dire quelque chose de très amusant à un focalien (dont l'identité m'échappe mais j'espère qu'il ou elle me pardonnera) lors de la grande réunion de la cérémonie de clôture du dernier festival de Cannes : "Ils n'ont qu'à ressortir SALO de Pasolini en 3D, comme ça on aurait vraiment l'impression de manger du caca". Mais parlons plutôt cinéma, maintenant.

Je ne vais pas faire durer le suspense plus longtemps, parce qu'à ce niveau-là de mon article je pense que c'est inutile, mais AVATAR n'est pas une révolution. C'est même tout l'inverse. AVATAR est la resucée exacte et précise d'absolument tout ce qui se fait dans le cinéma mainstream hollywoodien depuis, allez, vingt ou trente ans. Il y a les mêmes tics de mise en scène, la même structure narrative, les mêmes caractérisations de personnages que dans la majorité de ces films à grand spectacle. On est exactement au même niveau, pas tellement plus haut qu'un TITANIC par exemple, c'est la même chose. Donc, déjà, ça calme. Pour finir sur la 3D, comme ça c'est fait, puisque comme prédit c'est probablement la chose la moins intéressante du film (et il y a de la concurrence à ce niveau), elle n'est jamais utilisée de manière plus intelligente qu'en tant que gadget de luxe, qui n'apporte rien d'autre au film que l'impression de voir un joujou désincarné, vidé de sa substance pour au final n'avoir qu'un squelette vide de toute velléité de mise en scène. Dire que l'utilisation du relief tient de l'inutilité la plus totale serait trop faible, à tel point que je me disais fréquemment durant la projection que le film serait probablement meilleur en 2D. La faute à quoi ?, me demanderez-vous, et je vous répondrai aussi sec. En fait, ce sentiment d'immersion que l'on veut nous vendre à longueur de matraquage marketing ne fonctionne jamais. Il y a pourtant pas mal de tentatives pour faire aller le spectateur dans ce sens (comme cette très étrange caméra subjective lorsque les troupes descendent de l'hélico au début du film, qui se métamorphose rapidement en on ne sait pas trop quoi, probablement un personnage extérieur, le spectateur ?), mais, et je vous le demande le plus sérieusement du monde, comment voulez-vous vous immerger et vous identifier à des créatures bleues de deux mètres ? C'est là que je me dis qu'à la limite, la 3D serait bien plus intéressante pour les films de Ken Loach ! Bref, vouloir nous vendre une expérience de cinéma en expérience de vie à travers des personnages non seulement bleus de deux mètres, mais entièrement pixelisés, c'est un peu comme vouloir vendre du roquefort à un parfumeur. J'avoue ne jamais être tombé dans le panneau et avoir vécu tout le film "à l'extérieur", ce qui n'est pas une place si inconfortable que cela. Mais ce n'est pas tout, parce que cette 3D a aussi le pouvoir de rendre les scènes d'actions (encore plus) illisibles. Enfin, pas exactement, c'est même pire que cela. En fait, si vous voulez, dès qu'il y a un mouvement de caméra, tout ce sur quoi la mise au point n'est pas faite devient à peu près deux fois plus flou que lors d'un mouvement normal. En clair, dès que la caméra bouge, ça brouillonne de partout, et on ne comprend rapidement plus rien. Je vous laisse imaginer le résultat sur les scènes d'action endiablées à une image toutes les trois secondes. Niveau immersion, ce n'est pas vraiment ça, et esthétiquement ce n'est pas très beau. Rajoutons à cela une utilisation outrancière de la profondeur de champ (qui est, effectivement, impressionnante, mais hé, ce n'est que du pixel, ce n'est pas très compliqué non plus), qui ne sert pas à faire rejaillir quoique ce soit ou à mieux composer l'image, mais simplement à faire dire au spectateur "wouah, on voit super loin". Et puis bon, la profondeur de champ monstrueuse, ça existe depuis CITIZEN KANE, et Welles l'utilisait à des fins précises de mise en scène. Bref, ce sont quelques exemples qui me font dire que non, la 3D n'était pas indispensable à ce projet, bien au contraire. Et que l'intérêt du film ne vient absolument pas de cet aspect bien trop léger.

Il y a quelques petites intentions de mise en scène, mais rien de renversant. En fait, on voit la patte du réalisateur, sa contribution, si je puis dire, au film (en tout cas autre que le projet storyboardé et exécuté par des types derrière leur ordinateur), dans l'utilisation que fait Cameron des focales. Il aurait pu utiliser son immense et monstrueuse profondeur de champ tout le film, et ainsi en mettre plein les yeux constamment, mais il décide parfois de se reposer et de revenir à des formes plus « classiques » d'images en intégrant ici et là une longue focale, à la zone de netteté assez faible, qui n'a donc rien à voir avec la mise au point (qui est source d'un peu de jeu mais rien de plus que dans d'autres films) mais avec la perception du spectateur. On sent tout de suite cette longue focale, et il ne l'utilise bien évidemment (pas uniquement, mais le plus souvent) que lorsqu'il a affaire à de vrais acteurs. Le résultat n'est pas très beau, mais a le mérite de remettre le film sur des traces moins gargantuesques, et replace un peu de point de vue à l'intérieur de cette démonstration technologique.

A part ça, comme il a été écrit un peu partout, le scénario est d'une stupidité assez déconcertante, entre le message écolo-new age et la bluette de rigueur, genre de Pocahontas chez les Masaï bleus, avec le gentil colon qui va découvrir la condition des indigènes et prendre leur défense contre les méchants envahisseurs, qui étaient ses copains quinze minutes avant. Il n'y a pas franchement d'aspérités ni de saillies, on a déjà vu ce scénario cent fois auparavant, et même si détruire une forêt pour la sauver me semble un peu idiot, je peux avoir tort et auquel cas je ferai mon mea culpa. Non seulement au niveau thématique ça ne vole pas très haut, mais en plus l'exécution de cette structure simple est assez foirée, il n'y a qu'à voir l'ignoble exposition avec cette voix-off didactique au possible et les enjeux du film tellement bien expliqués par les différents personnages que tout ce qu'il manque, c'est un regard caméra. Petite chose amusante : lorsque Sammy et Neyritia marchent dans la forêt de Pandora, le sol s'allume à chacun de leur pas, comme dans le clip de Billie Jean de Michael Jackson. Il fallait quand même le préciser. Ca me paraissait important. Sinon, RAS mon général, les acteurs font ce qu'ils peuvent mais sont complètement desservis par des personnages traités à l'emporte-pièce et écrits à la truelle (Ribisi et Stephen Lang en tête), et même si la petite Zoe Saldana (que vous avez pu voir dans le STAR TREK de J.J. Abrams, apparemment) semble très charmante en bleu, on a surtout envie de voir à quoi elle ressemble en vrai. Je n'ose pas parler de photographie parce qu'il n'y en a pas, ou peu, ni de montage, qui s'évertue le plus possible à suivre les traces du scénario sans chercher à le contrebalancer ni à l'ouvrir de quelle sorte que ce soit, je préfère donc me taire et parler de la majesté de la réalisation et de la profondeur thématique d'AVATAR. Ah non, c'est pas ça.

Au final, la révolution n'a pas eu lieu. Nous sommes au même endroit, avec les mêmes gens, à voir la même chose que nos grands parents. Mais attention, le résultat n'est pas infamant, ni scandaleux. Il pourrait se rapprocher de l'indifférence la plus polie et la plus respectueuse. C'est un film pop-corn, et ce n'est pas particulièrement négatif, pas du tout même, ça a le mérite d'exister. Peut-être suis-je blasé et devrais-je m'insurger contre AVATAR, mais non, même pas, je choisis de dire moui, bon. Si vous voulez. Ce n'est pas franchement pour moi, mais si vous voulez. Ca ou autre chose, de toute façon, quelle différence. Tout cela est interchangeable.

Si la notion de "film Téfal" a été portée à mon attention par un ami critique, j'ose à présent, et pour parler d'un film aussi "novateur" qu'AVATAR, voyez l'ironie, créer la notion de "film Werther's Original". Comme celui que mon grand-père me donnait quand j'étais petit.

LJ Ghost.

Et bien moi, je serai plus sévère. AVATAR n'est pas un bon gros block-buster malin, comme pouvait l'être celui d'un réalisateur de la même trempe comme John McTiernan, qui a fait aussi des bons et des mauvais films, à savoir LAST ACTION HERO!

AVATAR vise le fan d'heroic-fantasy (cf. le design général) âgé, au mieux, de 12 ans. Personnages secondaires stupidissimes, personnages principaux fadasses, enjeux éculés et prévisibles utilisés sans aucune volonté de variation, et des tonnes de pillages/clin d'œil grossiers. Grosso modo, AVATAR est du cinéma bariolé, technologiquement monstrueux (mais LJ  a raison de dire que les mouvements qui vont dans le même sens que les déplacements latéraux sont ratés). Tournés quasiment qu'en fond vert, le défi de faire cohabiter prises de vues réelles  et effets spéciaux entièrement artificiels est largement raté, pusique Cameron évite la plupart du temps la question (cf. la scène de l'éveil). Au final, si une dizaine de plans donnent l'idée de ce qu'aurait pu être ce film, la réalisation est tellement plate, sent tellement le brain-storming d'une équipe qui a l'air, de loin, vue de chez moi, déjà contaminée par des travaux précédents en films d'animation, l'utilisation du montage est si médiocre et sans personnalité, les axes sont tellement inutilisés, que cette immense bande-démo pour les professionnels de l'animation est fade comme un jour sans pain.

Sur le fond, c'est la catastrophe, bien sûr. Qu'on utilise des personnages carrés, voire obtus, ne me pose aucun problème, et ça TERMINATOR par exemple le faisait très bien. Mais, les 352,873 personnes ayant travaillé sur ce film ont-elles déjà vu un bon slasher par exemple. BLACK CHRISTMAS, tiens, puisque c'est Noël ! Ou un survival ? DETOUR MORTEL, par exemple, est, sur le papier, la chose la moins originale possible. Les personnages sont archi-connus. Et pourtant, on finit par s'écarter du chemin initial pour faire advenir quelque chose d'un peu personnel. Ici, rien. Quand Michael Bay ou Roland Emmerich se lanceront à la suite de Cameron, ils se feront descendre au nom de la lutte contre le cinéma surgelé. Mais, dans le fond c'est la même chose. Ici, il s'agit de post-post-colonnialisme moralisateur, où on nous explique que "les Bleus sont des humains comme les autres" (j'adooooooore la stupidissime charactérisation africaine des extra-terrestres, c'est très splendouillet), que faire la guerre c'est mal. Et j'oubliais le pompon : le moralisme écologiste qui, en fait, est de la poudre aux yeux pour faire passer ds choses encore plus contestables. Le cyberespace 3.0, ce sont les plantes et la nature (on se branche dessus en USB, un peu sur le mode EXISTENZ !). Les peuples sont élus ! La hiérachie est religieuse et héréditaire. Le nouveau-né doit prouver qu'il fait parti du clan. Le destin nous contrôle. Et Dieu est dans la biologie.  En nous donnant la main, nous ne formons plus qu'un ! L'individu n'existe pas. Vite, sortons nos flambeaux et allons célébrer Gaïa ! Et évidement, la femme sauvera l'homme. N'en jetez plus!

AVATAR est stupide, et qu'on puisse exalter des valeurs comme celles-ci me laisse largement perplexe.

Enfin, un mot sur les acteurs, vraiment pas bons, complètement paumés, souvent supplantés par la gimmickasition typiques des longs-métrages d'animation. Parmi eux, l'affreuse héroïne, insupportable personnage, très desservi, et c'est un exploit, par une actrice ignoblissime comme je n'en avais pas vu depuis longtemps.

Cameron n'a pas fait le service minimum. N'a jamais essayé de faire des ruptures ou de développer les énormes moyens mis à sa disposition (si, une fois, un décrochage chromatique dans la scène de la pluie de cendres). Encore plus, il n'a jamais essayé, ne serait-ce qu'essayer, de livrer un truc un peu personnel. Ce type est perdu, en fait. Et AVATAR représente absolument tout ce qui est détestable dans le pire cinéma industriel hollywoodien.

Gardez vos sous, et arrêtez de nourrir le cochon. Joyeux Noël.

Dr Devo

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Si la notion de « film Téfal » a été portée à mon attention par un ami critique, j'ose à présent, et pour parler d'un film aussi « novateur » qu'AVATAR, voyez l'ironie, créer la notion de « film Werther's Original ». Comme celui que mon grand-père me donnait quand j'étais petit.

Alors que dans les rares rayons du soleil automnal, votre serviteur arpentait les rues doucement éclairées de Montmartre, sur les sonorités d’un accordéon suintant de nostalgie Vieille France allant jusqu'à rendre les pavés glissants, alors que dans les premières tirades de l’hiver un relent nauséabond vient titiller les racines de la morale assaillies par des hordes toujours plus nombreuses de clochards quasi-agonisants, alors que yonnie agonise à l’autre bout du monde, il existe un monde où les gens s’aiment et sont heureux, un endroit ou l’on diffuse encore chaque semaine le ROCKY HORROR PICTURE SHOW, et dans ce monde microcosmique il passe ce dimanche matin un film au nom imprononçable qui place le critique dans une situation étrange puisque se déroulant en grande partie à l’endroit géographique où il est projeté. Comme si il fallait entrer dans un cinéma pour découvrir ce qu’il y a autour et téléramaaaaaaaaa (je ne savais pas comment finir cette phrase, désolé).

En effet le film se passe beaucoup à Paris, et j’en vois qui se lèvent déjà, un film français se passant à Paris il y a de quoi prendre ses jambes à son coup, surtout si en plus c’est réalisé par un ch'ti, n’en jetez plus la coupe est pleine. Pourtant il s’agit quand même de Bruno Dumont, grand réalisateur qui a eu le courage de réaliser des films dans des régions sinistrées comme le Nord-Pas-de-Calais ou les Flandres (je ne sais même pas où c’est), films qui en plus se payaient le luxe d’être magnifiques et à mille lieux du cinéma français universitaire bobo style Moiret ou Klapisch. Paris donc où vit Céline, jeune héroïne pieuse amoureuse du Christ (c’est elle qui le dit), du moins quand elle ne squatte pas dans un couvent des Flandres (décidemment), chez des sœurs. Entre la fac et le couvent, entre les salons d’un appartement de ministre de l’île Saint-Louis et la "téci", entre l’Islam et le Catholicisme, Céline est bousculée entre Foi véritable et branle-crucifix mais surtout se prend des gros murs dans la gueule quand elle se frotte à la réalité.

En préambule, il faut quand même reconnaitre que Dumont à le courage de faire un film pareil en 2009, scénario un peu improbable plus ou moins inspiré d’une illuminée du XIIIe comme la religion catholique en propose à la pelle depuis 2000 ans, illuminée dis-je qui voyait Le Christ dans le moindre coup de vent et écrivait des textes aussi poétiques que chastes à la gloire du créateur et de son fiston hippie. Chez Dumont le traitement est un poil plus hardcore : il filme le choc entre Céline et le monde d’aujourd’hui, et Dieu sait si déterminer comment l’amour du Christ véritable et la chasteté peut tenir le coup chez la génération qui a connue le 11 septembre et la fin de la carrière de Clara Morgane n’est pas une partie de plaisir tout le temps (même si TWILIGHT à été écrit par une mormone). Céline est complètement dans le trip bonne sœur, c'est-à-dire qu’elle veut rester vierge toute sa vie même si les grands barbus chevelus avec des piercings cloutés ne la laissent pas indifférent quand même, surtout hors du couvent. C’est cette confrontation avec l’invisible qui est le thème porteur du film, et en bon prof de philo Dumont en fait parfois un peu trop sur les concepts théologiques, mais malgré tout cette idée scénaristique est plutôt intéressante. Malheureusement le traitement scénaristique, s’il est plutôt beau au début, tombe beaucoup trop dans la pleurnicherie existentialiste à mon gout, et les passages larmoyants sur la difficulté d’aimer Jésus m’ont rapidement ennuyé. Le fait aussi que l’Islam soit représenté par des jeunes de banlieue roulant en scooter volé m’ennuie aussi beaucoup, même si on est loin des gros clichés jeanclaudenarcique sur la religion dans les cités et tutti quanti. Quel besoin d’associer la lutte religieuse armée avec l’islam, je n’ai pas trop compris, c’est certes un exemple comme un autre mais il m’a semblé être bien plus anecdotique que le combat métaphysique mené par des femmes à la recherche de Dieu. Peut être un symbolisme masculin (les musulmans sont tous des hommes), mais la encore c’est un peu balourd. De toute manière je ne suis pas sur qu’il faille s’attarder sur ces points exclusivement scénaristiques, Dumont a surtout été un excellent chantre de la sensualité au cinéma, et dire que la religion est le thème du film est bien trop réducteur, ce serait comme dire que le thème de FLANDRES est la guerre en Irak.

Oui donc l’important c’est la mise en scène. Le voyage émotionnel de Céline dans 2000 ans de culpabilité cosmique porté par la sensibilité exacerbée de l’humanité face aux étoiles n’est pas tellement retranscriptible dans un scénario ou dans des dialogues, aussi documentés ou théologique qu’ils fussent. Le vrai enjeu à mon avis est de replacer les souffrances engendrées par le carcan métaphysique, et donc inapprochable par l’homme, dans un contexte commun, compréhensible par le spectateur. Il s’agit donc comme dans toute création artistique de ramener nos craintes inexprimables à un niveau plus bas, ici d’en produire les sensations sur pellicule. Est-ce réussi ? Je ne crois pas, en tout cas pas tout le temps. Filmer la foi est un exercice bien difficile, surtout quand on utilise comme Dumont un procédé un peu "naturaliste" dans le sens ou le fantastique est totalement absent et l’ensemble des procédés de mise en scène ne permet pas d’échappatoire divin : il faut donc supporter nous aussi de croire à l’invisible pour que le film tourne à peu prés. Or, à très peu de moment j’ai vu dans les moments de transports de Céline une extase sacrée, j’ai très peu vu d’espaces dans le montage qui laisse présager que le plus beau ne soit pas dans le champ. A mon avis ,les durées des plans sont très mal maitrisées, et souvent c’est l’ennui profond qui surgit de la contemplation béate d’humains prêt à s’élever. C’est que je disais plus haut, l’impression qui m’a le plus envahi c’est de voir des pleurnicheries un peu vaines sur le fait de porter sa croix tout au long de sa vie. Il y a des passages réussis, c’est indéniable, par exemple une des premières scènes du film avec la grue, très très belle idée que cette ascension de plusieurs tonnes de planche vers la chambre où on prie, puis plus haut encore lorsque les yeux s’ouvrent à nouveau, mais dans la suite du métrage on ne retrouve plus cette malice et ces idées dans l’image. Il y a bien ça et là des séquences assez marrantes reprenant des images saintes, comme la renaissance dans l’eau ou la descente au tombeau (qui revient deux fois d’ailleurs, et là c’est assez malin car on ne sait plus si c’est un flash back ou juste un jeu sur la résurrection), mais j’ai eu l’impression qu’à mesure le film se rattachait plus à son scénario qu’a une véritable exploration des sens, la faute sans doute à des cadrages trop monotones (Dumont a laissé tomber le scope, c’est peut être ca qui m’a gêné) et à ces longueurs qui n’évoquent pas grand-chose. J’ai aussi trouvé l’interprétation pas terrible du tout, l’héroïne est quand même assez tarte et les acteurs musulmans pas vraiment convaincants. Certes c’est le style de Dumont que de prendre des acteurs non professionnels et de faire trainer les plans plus que de rigueur, mais là ou ca fonctionnait pleinement dans FLANDRES, ici ca me semble trainer plus que de rigueur et surtout pour pas grand-chose. Alors, il y a bien dès fois quelques jeux de lumières, quelques saillies intéressantes utilisant ce rythme un peu lancinant, mais malheureusement dans l’ensemble je suis resté assez étranger à ce qu’il se passait devant moi. C’est bien dommage, car Dieu sait que j’aurais aimé voir cet ange immaculé qui semble avoir atterri par erreur dans le XXIe siècle se débattre avec le coran en latin et la bible en verlan ou entre langages SMS et société de consommation, voir un choix philosophique profond dans le fait de rester vierge toute sa vie dans une société qui place la consommation sexuelle comme enjeux de réussite sociale et surtout placer dans la main virginale d’une fille de ministre le bâton du terrorisme de masse. HADEWIJCH est une bonne idée, mais pas encore très aboutie à mon humble avis…

Norman Bates.