Chers Focaliens,

Réveillé à 7H32 par un coup de fil venant de Los Angeles, c'est chic, c'est un peu dans la vase que je dus répondre à mon interlocuteur que, non, décidément, je n'étais pas prêt à vendre les droits d'adaptation au cinéma de ce site, surtout "si c'est Guy Pearce" qui joue mon rôle, ajoutais-je toujours avec courtoisie, mais plus fermement. C'est en me dirigeant derechef vers la cuisine que je butais sur un dividi au sol, sans doute laissé là par Toutou, mon labrador fidèle mais joueur concernant les choses de l'amour et du cinéma. Il avait abandonné là, nonchalamment, la précieuse galette, à savoir une édition blou-raie du film 300. Prenant cela comme un présage, je décidais de prendre des mesures anticipatoires en avalant sur le champ un cachet d'Efferalgan, et me posais, sans un rire, dans la paille d'une chaise de la cuisine pour avaler, sans rire aussi et en silence, trois crêpes froment recouvertes de beurre demi-sel, puis de cacao en poudre, opération qui devait maculer de manière provisoire mais certaine, la table de la dite cuisine, constellée alors d'émanations poulinesques comme autant de tâches de Rorschach que j'eus peine à décrypter, à moins qu'il ne fallût voir là qu'une espèce de déclaration de guerre cryptée en provenance du pays qui donna le jour au clan Van Houten. L'air n'était animé que par la légère brise émanant  imperceptiblement du speaker du poste radio et sentant encore un peu le caoutchouc de la membrane, car j'ai le nez creux et fin, et sans la voix lointaine d'un Michel Drucker revenant sur le parcours hors-norme de Louis Blériot, je serais sans doute encore, à l'heure qu'il est, attablé de la même sorte dans la pièce que jadis je considérais bénie, mes journées d'enfant commençant invariablement là, dans la poudreuse de ces collines de blé noir et dans la promesse d'une journée encore plus belle...

Vincent Lindon est en fait un prof de natation, ce qui expliquerait bien des choses quand on y repense, et dans le Pas-De-Calais en plus, pour ne rien arranger. Il rencontre, près du grand bassin, un jeune Kurde qui lui demande de lui apprendre à nager. Ce dernier aimerait en fait rejoindre l'Angleterre pour manger des chips au vinaigre et hurler des refrains des Smiths, le samedi soir, au pub, dans les oreilles de touristes français. Lindon, fraîchement divorcé de Madame qui, elle, est justement bénévole auprès des sans-papier Q, comme on dit à Groland, va aider le jeune homme et même l'héberger ce qui lui vaudra de sacrées remontrances de la police, alertée par son voisin homophobe et vichyste. Que faire ? Laisser le jeune homme se noyer dans la Manche où il a peu de chance de survivre aux non-compressibles cinq heures de nage, ou le laisser pourrir avec ses rêves ? Devant la belle obstination de la maréchaussée à lui pourrir l'existence, Vincent décide d'en afficher une (d'obstination, suivez un peu), non moins convaincue et dit à voix basse une fois que le commissaire a tourné le dos, comme à lui-même "toi le keuf, je te nique" et faisant un geste ostensible de l'index dans la poche de son K-Way. Mais un malheur n'arrive jamais seul...

Philippe L., qui n'a pas 13 ans, ne se drogue pas et n'est pas prostitué, nous propose là son nouvel opus après JE VAIS NE T'EN FAIS PAS, son poussif téléfilm, avec beaucoup de Kad Mérad dedans, ainsi que du rock indé de Kriss qui sent bon la marde, comme dirait mon ami (que je ne connais absolument pas, du reste) rédacteur du site JOUR DE VIDANGE dont je ne saurais que vous conseiller, plutôt que de lire mes âneries, de découvrir les merveilleux articles (aujourd'hui, une critique de HIROSHIMA MON AMOUR 2 et un article sur Nietzche et le savon). De JE VAIS BIEN..., votre serviteur n'avait rien retenu, si ce n'est ce sentiment d'ennui et de guimauve, et aussi de photo de téléfilm France 3.

Ici,  changement de cap, c'est merveilleux. On poucera deux fois le réalisateur en faisant des grands LOLs, tant son film respire l'amélioration sur les plans cinématographique et humain. Comment rester humain dans un pays qui a oublié de se laver les dents le matin, mais où on ne peut pas accueillir toute la misère du monde ? Tel est l'enjeu de WELCOME, film profondément lemoniste puisque qu'il nous rappelle que l'onanisme c'est mal, hors des liens sacrés du mariage ou alors, à la rigueur dans le vestiaire du sporting-club de Manchester, après une bonne matinée à courir en liberté dans les champs du Seigneur.

Côté mise en scène, c'est aussi beaucoup mieux, notamment par la photo, moins bleue, moins France Bleu même, dirais-je, beaucoup plus précise qu'une retransmission de LCI du Tour d'Italie. Le son aussi, c'est mieux. Lioret exploite à fond sa mère en ce qui concerne l'utilisation du Dolby Surround Digital 5.1, et franchement je sens la différence avec Michel Drucker de quand je l'écoute sur mon autoradio. Le format Scope, superbement utilisé dans une farandole de gros plans ("Euh oui, en même temps, un moment il fait un plan d'ensemble, c'est faux ce que tu dis...", m'a-t-on dit récemment à propos de ENTRE LES MURS à propos duquel je faisais la même remarque, "Tu peux pas dire qu'il fait que des gros plans, dans la scène du conseil de classe, il fait un plan moyen, c'est faux ce que tu dis..."), donne un souffle giscardien à cette épopée de l'amour et des droits de Lomme (kassdédi au 5-9). Les scènes se succèdent avec une rigueur étonnante, allant de la simple introduction à l'enchaînement bien plus complexe de séquences plongeant le spectateur dans l'effroi sans nom, presque lovecraftienne, d'une situation vue à la télé qui ne l'est pas moins. Bien que les rivets de mon jean rentrèrent fréquemment dans la face externe de mon os pelvien durant la séance, je dus admettre une certaine surprise quant à l'incroyable force du dispositif consistant le plus souvent à enregistrer de l'image et du son sur support argentique, chose dont on ne saisit pas la grande complexité lorsqu'on paye les huit euros de son ticket. D'un point de vue musical, aussi, il y en a. Les dialogues s'entendent, c'est merveilleux, à l'image de la bande-annonce, plus que fidèle, conforme dirais-je, qui redonne espoir dans les objets de conception européenne, créés par des artisans qualifiés professionnels.

WELCOME a été voulu et construit comme une fenêtre ouverte sur soi et le monde, et replace la pertinence du cinéma du réel (ce qui n'empêche pas le lyrisme, comme dans cette scène où le jeune kurde, en pleine traversée du Channel, pète dans sa combinaison de plongée et dans la Manche, ce que mon voisin commentera d'un "vachement souple !") dans un contexte d'actualité des plus contemporains. Ni prêchi-prêcha, ni autoritaire, le film retrace avec un style fordien les luttes nécessaires de notre humanité d'individus ressentant, bien loin des films-jetables (et souvent rasoirs ! hihihi !) qui envahissent trop souvent nos multiplexes. WELCOME rappelle que le cinéma est là pour changer le monde et le faire évoluer au prix d'idées plus juste et gorgées de pertinence, comme en plein Gers. Changer le monde et le faire évoluer, voilà bien aussi ce que pense faire cette humble critique.

Kiss. Bsx. Ptdr.

Woké Michel. Pour ça, on accueille Petite-Critique. Bonsoir. Bonsoir Gérard. Ta fréquence ? Ta Fréqueeeeeence, merde ! Bon, c'est bon, celui-là, il retourne au standard.

Dr Devo.

Les Watchmen c'est vachement culte, tous les idiots savants qui traînent dans les Comics Shops après quarante ans vous le diront. Je n'en doute pas une seconde, et j'éprouve la plus fervente admiration pour Alan Moore. Sur le papier, le film a donc tout de la catastrophe, entre l'exploitation de la licence juteuse et le jeune cinéaste à la mode chez la génération "Star Wars/Blog" (à laquelle j'appartiens malgré tout) aux commandes. Je précise à tous les fans du comic que je n'ai jamais lu ce dernier, et que je ne parlerai pas du travail d'adaptation de l'œuvre ni des éventuelles trahisons scandaleuses de cette dernière. Les  avertissements étant faits, on peut commencer.

1985, USA. Depuis vingt-cinq ans, le Docteur Manhattan, sorte de Dieu vivant fluorescent qui se promène le sexe à l'air, protège l'Amérique de tous ses ennemis. C'est plutôt facile quand on est bleu comme un schtroumpf, plus radioactif que le soleil, et que l'on cumule les super-pouvoirs des Quatre Fantastiques réunis. Il a balayé le Viêtnam en un tour de bras, créé une source d'énergie alternative au pétrole, étouffé le Watergate et remis une palme d'or à un vrai film. Aujourd'hui Nixon est toujours président (c'est son troisième mandat) et ce qui reste des Gardiens (une bande de mecs déguisés avec une haute opinion de la Justice) est en train de se faire assassiner dans l'indifférence générale. Il faut dire que la fin du monde est imminente, car l'URSS a emmagasiné suffisamment d'ogives nucléaires pour faire disparaître la Terre du Système Solaire. C'est dans ce contexte que Rorschach (interprété par le pédophile dans LITTLE CHILDREN !) mène l'enquête, le dernier Watchmen à avoir encore la foi en la Justice. Il réussit tant bien que mal à convaincre son vieux pote Le Hibou (le pédophile dans HARD CANDY !) et sa meuf Le Spectre Soyeux à réenfiler la combi pour aller maraver quelques fâcheux.

Zack Snyder, bonjour, je ne vous connais pas personnellement, mais j'ai vu tous vos films. D'ailleurs vous me devez huit euros pour m'avoir infligé deux heures de bodybuilding technoïde en bullet-time, expérience éprouvante, voire choquante pour ceux qui voyaient, dans l'Antiquité, la supériorité de l'Idée sur l'Instant. Maintenant, je voudrais vous poser la question suivante : l'Art est-il une procédure de la Vérité ou bien une activité calomnieuse en ces temps de crise ?

[Alain Badiou traverse l'écran et sort de la pièce. On me frappe violemment au visage et Michel Denisot fait son apparition avec un casque d'équitation sur la tête.]

[Je reprends mes esprits. Attention, lecteur susceptible, je "spoil" dans la suite du texte.]

Les Watchmen, ce ne sont pas les Quatre Fantastiques, ce serait plutôt à rapprocher du dernier Batman (DARK KNIGHT) dans la thématique. Et s'il faut bien reconnaître une qualité au film de Snyder, c'est son scénario, à mon avis bien plus réussi que chez son homologue la chauve-souris.  En fait WATCHMEN, ce sont des avatars de Batman poussés à l'extrême, des sortes de fascistes persuadés d'être les seuls garants de la Justice dans un monde en ruines, et donc d'avoir carte blanche pour la faire respecter. Mais qui surveille les Watchmen ? "Who watch the Watchmen ?".  Plus que des super-héros, c'est de la relation de l'Homme à l'Univers dont il est question et les possibilités de survie dans une situation métacritique de fin de l'Homme (une fin non pas biologique, mais spirituelle). En somme, les héros s'attachent à trouver l'Ultime Salut Cosmique. La fin du métrage renvoie étrangement à The Dark Knight puisque le gentil sauveur devient un ennemi aux yeux du peuple afin de maintenir la cohésion sociale du monde. Le tout est émaillé de réflexions sur la place de l'Homme et sur sa condition, sur sa capacité à réagir à l'Histoire et surtout sur une possible correction de la dévolution béate dans laquelle s'engouffre joyeusement (cf. le Smiley) l'espèce humaine. Non, vraiment, le scénario est complètement adulte et ne nous prend pas pour des gros débiles, et dans une optique de cinéma populaire, ça fait quand même du bien.

[Un renard mort nous rappelle que nous vivons au Siècle de l'Ephémère. Les ballerines arrivent et insultent le public en faisant des gestes obscènes.]

Si, dans le fond, les thématiques abordées sont superbes, premièrement elles sont dûes à l'ouvrage original, et secundo, un scénario ne fait jamais un film. Au contraire, il me semble qu'un trop bon scénario pousse le réalisateur à se taire et à laisser filer, quitte à ne pas trop se mouiller dans l'aspect purement artistique. Rassurez-vous, ce n'est pas du tout le cas ici, le film va bien au-delà de la simple illustration de scénario, il le massacre proprement : Snyder reste un tâcheron encrassé dans les même problèmes stylistiques que dans 300, ce qui va causer un problème certain que nous verrons plus bas. Néanmoins, et pour commencer par les points positifs, il arrive à faire jaillir quelques éclats dans son film, et à réveiller l'étincelle du spectateur à de rares moments. Il y a notamment une scène dans la prison dans laquelle le montage est la conséquence d'un élément du décor (la porte qui se ferme et s'ouvre) ou encore deux scènes de sexe en opposition où, en substance, on se rend compte que Patrick Wilson n'arrive pas à avoir une érection sans costume (classe !), ou encore le générique trèèèès long et assez beau.

[Dernier acte : un enfant fou hurle, on lui met du scotch sur la bouche. Le critique essaie de parler mais aucun son ne sort de sa bouche. Les images deviennent floues, des videurs demandent aux cadreurs d'enlever leurs objectifs.]

Le problème majeur du film, c'est justement que ça n'en soit pas un. Parce que toute la direction artistique, tout ce qui fait l'intérêt et l'essence d'une adaptation sur un nouveau support, toute l'âme de l'œuvre est calamiteuse. Le film est aussi laid que 300 : on se coltine des images de synthèse d'une incommensurable laideur (les scènes sur Mars sont à dégoûter Hubert Reeves de l'astrophysique), un cadrage banal vu mille fois à la TV, des plans de caméra inexpressifs, une échelle de plan inexistante et une bande-son désastreuse... Je ne vais pas faire la liste du gâchis que représente ce film en terme de vision artistique, je n'aurais pas le temps d'exprimer ma profonde frustration de ne pas voir un si beau matériau de départ sublimé par une vision autonome externe, de ne pas observer les idées du réalisateur entrer en collision avec le texte original dans le but de créer une supernova gigantesque, matrice d'un message du cosmos à destination d'une Humanité courbée et matérialiste qui ne demande qu'à lever la tête et apercevoir ne serait-ce qu'un fragment élémentaire de la Vérité.

Peut-être que la solution à une impossible équation se trouve dans une brèche de la carapace que chaque être humain se construit pour s'acheter une bagnole en écrasant un stagiaire, brèche causée par le choc du Sublime sur l'Ego ? Si les WATCHMEN sont l'illustration que l'Art peut transformer le Monde, alors ce film est une imposture. Ni plus, ni moins.

A la fin, Dieu croit en ses enfants parce qu'ils sont la résultante sublime d'un milliard de possibilités moléculaires hasardeuses. La science accouchant de l'imprévisible, ou comment un schéma connu aboutit sur l'inconnu. Chapeau à Snyder d'avoir réussi à faire l'inverse.

[Le public monte sur scène et se dévêt. Bientôt des cris s'élèvent pour réclamer de la tisane. Le dernier acte était un leurre, le spectacle commence.]

 




Norman Bates.

Chers Focaliens,

Tandis que la polémique fait rage dans les commentaires sur les articles de GRAN TORINO et THE WRESTLER, je me mets à penser que, finalement, l'essentiel a été dit. Il y a effectivement une grande école critique largement majoritaire, celle que j'appelle "critique dialectique". Je la trouve affreuse et c'est à cause d'elle que je ne lis plus la critique que je trouve globalement lamentable et sans intérêt. Ce type de critique me parait mettre largement le film de côté, c'est-à-dire de ce qui fait de l'objet "film" une œuvre de cinéma et pas du théâtre filmé sur pellicule, ni de la continuité dialoguée filmée, ni de l'opéra, ni de la télé. En général, je la trouve presque uniquement axée sur deux axes : le scénario, le scénario et le scénario d'une part, et les acteurs d'autre part. La mise en scène est largement mise de côté. Faîtes cette expérience si vous êtes fortunés : achetez cinq magazines cinéma, de Studio-Cinelive à Positif, en passant par Mad Movies, et arrachez les pages où les critiques ne parlent pas de mise en scène. Au mieux, sur la centaine d'articles présents, vous allez vous retrouver avec un article, peut-être deux, et cela me semble poser problème. Evidement, la critique qui parle de mise en scène, dont la critique focalienne fait j'espère partie, est souvent accusée d'être techniciste. En fait, ce n'est pas le cas. Elle peut-être dialectique, mais ne se borne pas à cela. On nous reprochera de ne s'occuper que de la forme. C'est injuste je trouve, surtout venant de la part de la critique qui n'utilise qu'un levier de l'analyse. Nous ne nous occupons pas ici que de la forme, comme on nous le reproche aussi beaucoup. Les personnes qui ne n'utilise que le fond (et encore en général, ils s'occupent peu de narration, de niveaux de lecture et se contente de commenter le scénario et les dialogues)  me semblent pêcher beaucoup plus en restant univoque. Au-delà de cette polémique sur le fond et la forme, je crois que faire de la critique c'est de se préparer à rapporter son expérience de sidération lors de la projection, et d'essayer de retranscrire la joute poétique entre le film et le spectateur. Ce n'est donc  pas un rapport de médecin légiste que nous proposons, mais un texte expérimentant l'émotion ressentie, le trouble parfois, c'est-à-dire un texte impressionniste. Plus que de dire si le film est valable ou pas à nos yeux, nous essayons de décrire la portée poétique des films. Notre sujet, c'est la poésie et son expression par le support cinématographique, avec les leviers propres au cinéma. Voilà.

C'est dans ce contexte, ou plutôt dans l'ignorance de ce contexte car j'ai du, avant dimanche, m'éloigner de ce site, et je suis arrivé tard dans la polémique, que je découvrais le dernier film de Claude Chabrol, BELLAMY.

Gérard Depardieu, commissaire en vacances dans sa résidence secondaire prés de Nice, se fait aborder de manière étrange par Jacques Gamblin qui avoue avoir tué un homme. De ce point de départ bizarre, une toile d'araignée se tisse, faite de jeux de miroirs incessants et souvent abstraits dans lesquels personnages et situations ont toujours un pendant, un double. Chabrol tente alors de tresser, aussi par les dialogues, de construire un univers en chausse-trappe et en faux semblants. BELLAMY s'inscrit donc dans une logique qui, sur le papier, contient un peu de folie narrative et même quelques non-sens toujours bienvenus.

Hélas, quasiment rien ne fonctionne. Je passe vite sur les acteurs souvent complètement à côté de la plaque et ayant bien du mal à mettre quoi que ce soit en exergue, chose qui se révèle particulièrement lorsque Chabrol essaie péniblement de se moquer des conventions de récit ou de mettre en évidence les coutures de son costume baroque. Depardieu est éteint, une fois de plus, sans aucune nuance et ânonnant, loin, très loin, de la précision et la légèreté retrouvée de COMBIEN TU M'AIMES de Blier. Cornillac est comme d'habitude, tout en mono-nuance, défaut qu'on retrouve globalement dans tout le casting et qui est de toute façon un des grands maux français. Car nos acteurs, bien souvent, n'arrivent pas, ou on ne leur demande pas, d'exprimer plus d'un sentiment en même temps, ou de jouer sur des situations ambivalentes.  Vahina Giocante... Pfff... Je ne comprends pas. C'est un très mauvais travail qu'elle exécute une nouvelle fois, et en cela elle complètement au diapason de Cornillac ou de ses collègues "jeunes espoirs".

Mais tout cela n'est pas très grave. Juste ennuyeux. Là ou BELLAMY devient une épreuve de force, c'est encore et encore à cause de la mise en scène et donc du côté de l'univers esthétique. Et là, c'est atroce. Même si je ne suis pas un grand fan de Chabrol, on est très loin de BETTY, des INSPECTEUR LAVARDIN, et à des millions d'années-lumière de ALICE OU LA DERNIERE FUGUE, chef d'œuvre absolu du réalisateur. Ici, rien ne fonctionne. Globalement, le film est d'une très grande laideur, en partie due à la photo de Eduardo Serra (déjà responsable du récent LES INSURGES), grisâtre, changeante dans le même plan, et globalement sans expression. Son cadre est hideux quasiment tout le temps (un ou deux décadrage ici et là, mais pas de quoi nourrir son homme). Dans la même optique, les décors sont proprement hideux, n'ayant rien d'expressif. On est dans une logique totalement téléfilmesque en ce qui concerne la direction artistique. Tout est gris, aucun décor n'organise le plan ou ne vient soutenir les personnages. C'est d'une pauvreté affligeante, et il ne fait aucun doute que si le réalisateur ne s'appelait pas Chabrol, tout le monde aurait trouvé ça lamentable.

Le cadre, composé à 79,58% de plans rapprochés et de gros plans, est ignoble et sans intérêt, mais plus grave, il est soutenu ou nourrit par un montage paresseux, n'exprimant aucune idée, et d'une, et incapable d'insuffler un quelconque rythme au film. Pas de cadre, pas d'échelle de plan, quasiment pas de jeux sur le son (encore une fois, parent pauvre de la mise en scène), un montage lent sans aucune rupture ou velléité rythmique qui ne fait que suivre péniblement le dialogue, dialogue qui généralement après une trentaine de secondes, dans chaque scène, ne fait que construire des tunnels de champs/contrechamps (rendus d'ailleurs totalement hermétiques les uns par rapports aux autres par la pauvreté esthétique de la direction artistique), absolument prévisibles (la personne à l'écran quand elle parle, point barre). BELLAMY n'a aucun rythme. Les 110 minutes paraissent trois heures.

Bref, à aucun des poste, mais vraiment aucun, il y a quelque chose qui fonctionne. Voilà donc un film qui fait écho, par l'absurde, à la polémique qui nous a tenu éveillés ce week-end. Sur le papier, il y avait un petit quelque chose, un tout petit peu de faux-semblants et de non-sens. Malheureusement, rien ne fonctionne plastiquement, et plus grave, aucun levier de mise en scène n'est actionné ! Chabrol ne parait pas paresseux ici, comme on le dit souvent de lui, il semble carrément s'en ficher. Tout est laid, il n'y a aucune texture ni épaisseur, et BELLAMY n'est qu'un bout-à-bout. Le texte sombre dans l'inexpressivité ce qui est quand même un comble là où Chabrol le voulait décalé. On ressort du film lessivé, cuit, éreinté et encore plus, triste. Triste de voir qu'un film qui n'a rien de cinématographique (ou alors il suffit d'impressionner de la pellicule pour faire du cinéma) ne déclenche aucune révolte ou indignation, et est au contraire si bien accueilli. Va-t-on à l'opéra pour écouter seulement un texte (le livret), et encore chanté faux ou inaudible, sur une musique laide et simpliste ? Non, bien sûr. Par contre, au cinéma, c'est possible. Mieux, on dit que c'est du bon. Je ne sais pas, et je m'interroge franchement, sur ce qui plait aux amateurs de Chabrol dans ce film. Un étalage des thématiques récurrentes de l'auteur ?

Une place de cinéma coûte entre 8 et 10 euros. On est en droit d'attendre d'un film, qu'il soit simplement divertissant ou qu'il vise plus haut, qu'il utilise les moyens d'expression qui lui sont propres, et surtout qu'il soit beau. C'est un art, non ? Allez, rendez-nous Raul Ruiz...

Dr Devo.

Chers Focaliens,

Après avoir laissé les clés du site à nos amis Norman Bates et l'Ultime Saut Quantique, me voici revenu en très grande forme. Un petit jogging dans les rues sombres et les dernières heures de la nuit (ZEUGMA!), un squash pour le plaisir à suivre et enfin un solide petit-déjeuner de champion, voilà de quoi remettre en selle en deux temps et trois mouvements. Car disons-le tout net, un critique sain doit avoir un corps sain...

(...ou alors un corset, à la limite.)

Chez nous, aux USA. Mickey Rourke, ancienne gloire du catch professionnel dans les années 80, passe une vie pas facile facile, mais tranquille et sans rien demander à personne, entre un job de manutentionnaire, la semaine, dans un petit supermarché, et des petits matchs régionnaux de catch le week-end, toujours payés au black, où ils affrontent des petits jeunes qui essaient de se faire une place. Un existence modeste pour ce pro reconnu de jadis dont le corps porte les stigmates de sa carrière passée. Appareillé de l'oreille (jolie expression ça !), massif mais gueule cassé, Rourke est un solitaire essayant de joindre les deux bouts, c'est-à-dire de quoi payer le loyer de sa caravane et d'aller boire de temps en temps une petite bière dans le club de strip-tease local où il peut aussi voir Marisa Tomei qui exerce là en tant que danseuse, et qu'il apprécie beaucoup du reste. C'est lors d'une fin de mois difficile que Rourke accepte un combat plus important dans une ligue de catch hardcore (mélange de catch donc, et de JACKASS, très violent). Effectivement, le combat est très dur, et à l'issue du match, Rourke défaille. Il subit un pontage, et les autorités médicales sont formelles : le catch, il va falloir arrêter. Rourke est malheureux comme un pou, et décide de se rapprocher de Marisa Tomei et de sa fille qu'il a perdue de vue depuis longtemps...

Darren Aronofsky a suivi les conseils que lui donnait Matière Focale : tourner plus, plus vite, et essayer de casser le moule en explorant des histoires éclectiques, sans se prendre le chou avec son statut "d'auteur culte". Après le trip bouddhisto-richardgerien de THE FOUTAIN, à la mise en scène, déjà au moins, très décevante, et au propos, en plus, bien limité, Aronofsky change complètement d'ambiance. On n'est pas pris au dépourvu, et comme souvent dans le cinoche américain, le "la" est vite donné : photo granuleuse (signée Maryse Alberti, longtemps photographe de Todd Sollondz), scope, présentation du héros de dos en le suivant caméra à l'épaule pendant de longues minutes, montage cut (souvent) dans un style "plutôt" réaliste. Le sujet est lui aussi vite délimité, et on sait qu'on va se baigner dans les eaux du doux mélo réaliste. Ok. Un héros âgé, devenu has-been total, mais pas con et au grand cœur, des souvenirs du passé qu'on essaie d'arranger, la recherche du fameux "troisième acte dans la vie d'un Américain", etc... On est en territoire connu.

Ce n'est d'ailleurs pas un problème. Mickey Rourke, le mutant, en impose, ici comme dans SIN CITY, et sur un registre différent par contre, il impose, les doigts dans le nez, un jeu assez précis, net, avec une aisance certaine et un acquis de son expérience passée tout à fait palpable. Malgré un rôle plus que casse-gueule, on le verra plus tard, il surnage. Et quand ça coince, il s'agit de scènes de ginguois, ça aussi nous le verrons, qui ont bien d'autres problèmes et pour lesquels on ne peut pas vraiment le tenir responsable. Soit.

Côté mise en scène, il n'y a rien de transcendant. On regarde le film tranquillement en suivant son héros avec un éventuel plaisir, mais c'est tout. Le montage est correct, mais plutôt classique, et il essaie de se faire discret pour laisser la place au scénario. Rien d'affamant, mais rien de révolutionnaire. Les premières scènes de combat sont plutôt réussies, et arrive à montrer l'aspect populaire de ce sport, entre hallucinantes prouesses sportives et roublardises d'entertainer, le tout en prenant en compte le suspens "tongue-in-cheek" très vite prenant de ses performances athlétiques dramatisées et aussi son aspect simplement drôle et défoulatoire. Ok.

Aronofsky essaie un premier break avec le combat de "catch hardcore", nettement moins sympathique pour le coup, où il essaie une espèce de montage alterné en retard (qui ne démarre pas en début de séquence), et en forme de micro-flashbacks. Ça marchote doucement (les séquences de soins dans les vestiaires sont un peu longues et anecdotiques), et ce sera la seule audace narrative du film. C'est ensuite que les choses se gâtent nettement, et que Aronofsky non seulement paye l'adition de son modousse operandaille, si j'ose dire, mais surtout nous met dans une position bien moins avouable. Ouvrons le capot...

Comme on l'a dit plus haut, la mise en scène est tranquilou, mon petit Gilou... Si on se glisse facilement dedans, c'est sans doute pour le plaisir, devenu rare, de trouver une photo avec du grain ! Le frère Darr(d)en, je le disais, ne nous a pas pris en traître. THE WRESTLER est un chronique tendre et amère de la loose, de l'Amérique en face B, avec le décorum qui va avec. Ça se la joue relativement sobre, non spectaculaire et non glorieux en quelque sorte. Les scènes avec Marisa Tomei, pas passionnantes, marchotent doucement aussi. Puis, le temps passe, et passe encore un peu, et l'on sent qu'il va nous en falloir plus, qu'il va bien falloir que quelque chose s'enclenche pour qu'on sorte  du cercle de l'anecdote.

Malheureusement, Aronofsky choisit quasiment la plus mauvaise option. Si on omet la dernière séquence, sur laquelle je reviendrais, on peut dire que les choses prennent un tour, au mieux, maladroit. L'entrée en scène du personnage de la fille de Rourke, jouée par Evan Rachel Wood, constitue un net virage. Si Aronofsky choisit, et c'est tant mieux, de ne pas expliquer les erreurs du passée, sur lesquelles il passera brièvement, et donc semble adopter une relative et bienheureuse sécheresse des causes du drame, il est bien difficile de se rallier à cette première séquence en commun entre le père et la fille. Les dialogues sont plats et miévrissimes (remplies de phrases qui semblent usées jusqu'à la corde), la situation est attendue et sans aucun paradoxe. Cerise avariée sur le gâteau périmé, Evan Wood est extrêmement mauvaise, et là (ce qui est vrai aussi mais dans une moindre mesure pour les premières scènes avec Marisa Tomei), on la voit, la différence, entre le jeu plutôt net et direct de Rourke et le monstrueux patatage en règle de la jeune comédienne, il est vrai, je le disais, peu aidée par le scénario. Cette première scène scandaleusement attendue et dont il semble qu'elle soit tout droit sortie d'un roman Harlequin est une catastrophe galactique, et l'on se demande bien pourquoi, même avec un dialogue pareil, Aronofsky n'a pas choisi d'autres prises. Brrrrrr...

A partir de là, les choses se révèlent plus franchement. Le rythme pépère, et pas désagréable de l'introduction (enfin, pour ceux d'entre-nous qui sont de bonne humeur !) se mue progressivement en plat au goût de trop peu. Bon, semblons-nous dire, tu fais quoi, maintenant mon petit Darren ?
Bah c'est ça le problème ! Dans le même mouvement, notre petit doigt nous dit, que tout cela n'est pas dû, peut-être, à une inspiration un peu légère, mais s'inscrit au contraire dans un projet assez certain de lui-même. On la joue bon père de famille dans la première demi-heure, genre cinéma indépendant et libre (soupirs...), et puis, une fois les règles du jeu posées, on balance en facial une tout autre purée. Et là, ça pourrit franchement sur pattes, cette affaire. Que se passe-t-il, en fin de compte ? Un pauvre parallèle (déjà largement pressenti dès les premières minutes du film) entre les carriéres de Tomei et Rourke, un drame familial largement balisé dont on pourrait écrire les dialogues et les situations pendant la projection même, la loose et le drame final qu'on sent approcher comme une colonne de soldats allemands approchant la frontière alsacienne : ça sent le strudel ! La deuxième séquence avec la fille renforce l'impression, et là on sait que la sauce à laquelle on va être dévoré est beaucoup moins digne que l'apparente modestie annoncée du projet global. Un coup, je vais souffler le froid, un coup le chaud. Une fois touchant, une fois honteusement dramatique. Et pour se faire, le direktor n'y va pas par le dos du tractopelle. Le récit et le film (qui se confondent, faute à une mise en scène trop attendue et sans véritable point de vue ou achoppement) sombre dans le soap et encore plus dans le syndrome du pot-de-fleur dont on a déjà largement parler ici, et dont Norman Bates nous a parlé il y a quelques jours à propos du GRAN TORINO de Eastwood.  Tout va très bien, donc, je suis heureux, et bing tout va mal, je reçois le pot de fleur et je deviens tétraplégique. Ici, Aronofsky nous montre une ambiance père-fille dramatiquement tendue, puis nous balance du "bah, finalement on va peut-être y arriver", pour enfin inventer une pauvre succession d'événements gratuits (la soirée avec la grosse blonde) pour qu'Evan Wood coupe définitivement les ponts. C'est vraiment cousu de fils blancs ! Il aurait pu gagner au loto et pari s'installer à Las Vegas avec sa fille dans la séquence suivante, le pauvre Rourke, que ça n'en aurait pas été plus étonnant. Dans cet enchaînement de la scène glauque avec la blonde et du drame avec la fille qui suit, on sent des attentions bien moins justififables comme je le disais : ici, on fait pleurer Margot, on écrase le personnage qu'on disait respecter tant dans l'étau d'un scénario techniciste où plus rien ne se justifie. La scène de combat final vient nous mettre K.O définitivement.

Ce combat est clairement, scénaristiquement, du niveau lamentable d'un ROCKY 3 ! Le personnage, plutôt vertueux finalement, devient un robot aux mains du scénariste. La présence ou absence de Marisa Tomei comme enjeu de salut est d'une mièvrerie totale et contredit le propos, notamment du discours final de Rourke (l'amour du sport et du spectacle). Si Rourke est abandonné dans cette dernière séquence, c'est surtout par le réalisateur. Aronofsky, gratuitement décide alors de sacrifier son héros, pas antipathique pourtant, dans un geste de pur twist. Dès que le combat s'enclenche, on sent la pression du kleenex qui approche avec son suspens de polichinelle. Plus grave, on est certain dés le début de la séquence du dernier plan du film... Et bien sûr, c'est ce qui arrive. Dans cette espèce de fausse ellipse ménageant la chèvre et le chou de Bruxelles, Rourke est broyé dans la machine hollywoodienne. Aronofsky semblait jouer de la noble carte des sentiments mais, in fine, balance en facial son romantisme purement technique.  THE WRESTLER, ainsi mis à nu par cette dernière partie vicieuse et simplette, révèle un visage structurellement cynique, d'où aucun paradoxe ne surgit. En réservant une vieille soupe industrielle, Aronofsky, au mieux, loupe sa cible. Le vrai défi aurait été d'adhérer ou de rejeter ce héros (pourquoi pas après tout), plutôt que de feindre de l'adorer, et de faire un film aux enjeux lourds et dramatiques et qui soit dans le même temps, paradoxe (bien absent ici), un film sur le quotidien et la simplicité de ces existences modestes. Mettre un enjeu dramatique et douloureux dans les relations de Mickey Rourke avec ces deux femmes (sa fille et Tomei) alors même qu'elles ne disparaissent pas du film, faire de Rourke un personnage simple mais aussi bouffé par les aléas du quotidien simplement sordide, donner de l'enjeu à ce que l'existence a de banal et commun, tout en dramatisant la chose, pourquoi pas.. Voilà qui aurait été une autre paire de manche. Ici, c'est effectivement le spectacle qui prime, c'est-à-dire le spectacle hollywoodien, gratuit, sans nuance, la très nette prise en otage du spectateur par un projet visant non pas le particulier et l'inattendu mais (encore une fois, hélas, trois fois hélas), bien au contraire, le plus grand dénominateur commun. On est clairement dans une optique de téléfilm de luxe du type de ceux que passe  M6. Sous son plan de guerre totale (d'où l'absence logique et complète de second degré ou d'un degré second), THE WRESTLER, faux hommage aux petits est un brouillon soapesque, pas habile en plus,  est un film dont il est très clair (et je ne parle pas ici d'aspect "social" dans le sens politique du terme) qu'il ait été écrit dans une belle villa de Beverly Hills. S'il n'y avait pas eu Rourke, effectivement plutôt bon, et Aronofksy, ce film aurait-il reçu autant de louange ? Sans doute pas. Mais THE WRESTLER, avec son petit suspens de pacotille, n'est ni scandaleux, ni pire que le reste de la production "indépendante" américaine ou européenne. c'est un film intégré qui ne met personne, et cela inclut votre Serviteur, en colère. Mais, il synthétise, je pense (et en ce sens Aronofsky est peut-être sincère, en plus (!)) cette soif qu'a le public et les "auteurs" de refaire toujours le même film, de combler une attente conventionnelle. Sous ce douloureux problème s'en cache peut-être un autre: celui du nouveaux profils cinéphiles qui, entre le cinéphile du dimanche lisant la presse spécialisée au geeek, en passant par l'Encyclopédiste, sont typiques ou d'un manque d'engoument, ou d'une envie de catalogage et de délimitation du territoire cinématographique. Sans s'en rendre compte, les cinéphiles se vautrent dans l'excés qu'ils dénonçaient jadis, et abordent les films comme la visite d'un musée ou la consultation d'un catalogue. On crie à la manipulation pour un Lars Von Trier considéré comme malsain. on tire sur des films comme HOSTEL, désigné comme bêtement efficace. On accepte le film de genre s'il a une plus-value historique (ex: SAW comme figure emblématique des années 2000, comme SCREAM (on soulignera que tout ça fait partie du même sac à leurs yeux...). Bref, on délimite un espace qui configure le moralement acceptable en terme d'art, ici le cinéma. Et ce qui est acceptable intellectuellement. On se retrouve au final avec des films qui ressemblent, dans l'habillage et la direction artistique, à des films convenables, c'est à dire reconnaissables. Des films qui ressemblent à de vrais films. (Cf. les récentes articles de Norman Bates sur les courts-métrages à Clermont-Ferrand) C'est un parti, un choix, et après tout pourquoi pas. ce qu'il y a de plus triste et révoltant ici, c'est que cette même commnauté de cinéphiles ne permettrait jamais qu'on fasse entrer dans le corpus le soap-opera AMOUR GLOIRE ET BEAUTE, et je dis ça sans l'once d'une plaisanterie ! Pourtant, fondamentalement, sinon esthétiquement, THE WRESTLER s'inscrit clairement dans le même cercle créatif et narratif. C'est triste ou marrant selon le cas. Mais, en tout cas, il va falloir très vite que le plubic averti populaire, et a critique bien sûr, retrouve le sens de la curiosité et accepte enfin de voir les films qui ne rentrerait pas dans leur catalogue. Parce que le temps passe, et que la culture populaire, pendant ces temps d'errance et d'auto-congratulation , s'appauvrit. 




(Tiens, par exemple, hier je revoyais en dividi AMERICAN GOTHIC de John Hough (Uk-Canada, 1987).  Voilà un film très important: des idées dans chaque plan, une interprétation au scalpel, des centaines d'idées... Il est clair que ce film s'il sortait aujourd'hui serait directement No1 dans notre top 10. Ce simple film dépasse largement en terme de richesse esthétique ou narrative, une chose aussi petite que THE WRESTLER... Comment en est-on arrivé à faire d'un film aussi bal que celui d'Aranofsky un parangon du cinéma moderne?)





Dr Devo. 

En Suède, un pays du nord de l'Europe où il fait relativement froid, un petit blondinet nommé Oskar se fait malmener à l'école par une bande de petites teignes (cela dit, vu la bonne tête à baffer que se tape Oskar, ça pourrait se comprendre !). Une chose est certaine, il aimerait bien leur foutre quelques bonnes torgnoles à ces connards de merde, mais comme elle a pas de cou-couilles la p'tite blondinette, il va se contenter d'en rêver... Jusqu'au jour où de nouveaux voisins un peu "trop zarbe, t'as vu ?" débarquent, soit un homme d'une quarantaine d'année accompagné d'une petite brunette du même âge que "Blondie Boy". La petite, qui se révélera être un vampire, va se lier d'amitié avec Blondinette et tenter de lui donner plus d'assurance pour qu'il affronte ses ennemis...

Alors... ouais la mise en scène est plutôt soignée, quelques beaux cadres, un peu d'échelle de plans (beaucoup de gros plans malgré tout, mais utilisés par moment de façons peu courante, encore que...) et quelques beaux effets sonores de-ci de-là. On sent bien l'intention d'Alfredson de nous offrir quelque-chose d'un peu différent et de cinématographique. De beaux moments de montage également, notamment lors d'une séquence fatidique pour Blondinette (quand il affronte ses vilains) qui est désamorcé d'une belle façon... Je vous laisse découvrir la chose. Un bon point aussi pour les deux gosses qui ne sont totalement horribles comme la plupart des enfants de cinéma. Nous sommes là plus dans un registre de jeu à L'ESPRIT DE LA RUCHE de Victor Erice (que je vous conseille) ou LA COMEDIE DE L'INNOCENCE de Raoul Ruiz (égalementconseillé), et quelques autres. 

Entr'act... Les sosies commencent à entrer sur scène, forment une pyramide humaine (était-ce avant ou après être entrer sur scène ?) et se mettent à chantonner:

« See that girl,watch that scene,dig in the dancing queen ».

La Suède c'est évidement ABBA, et si le film ne compte pas dans sa B.O une des chanson de ce fameux groupe (dommage), il y règne tout de même une certaine saveur suédoise. Le petit blondinet bien blond, la neige bien blanche, l'ambiance un peu "space-nordique, t'as vu?". Autant de petites touches "exotiques" qui nous font comprendre que c'est bien un film made in Suède. Ce n'est peut-être pas fait exprès, il n'empêche qu'il en ressort un petit effet carte-postale ( un peu "glauque", certes) un tantinet énervant... Un peu comme si l'auteur affirmait son exception culturelle Suédoise quoi, un truc dans le genre... Pourquoi pas, me direz-vous... 

Sinon, Alfredson ne sait pas trop où se mettre, flirtant un tant soi peu avec le film fantastique, voire un peu gore (vampire oblige), le teen movie (mais alors vraiment teen puisque les protagonistes ont 12 ans !). Alors vas-y que je te mette un peu de romance enfantine, un peu de tourments, et puis du vampire en parallèle pour "métaphoriser" sur la "non-coolitude" de la préadolescence... Le tout manque un peu d'humour... Oh et puis non finalement, je te fais un vrai film de "genre" vampire (à l'instar des séquences avec la vieille devenant un vampire, par exemple). Bien, très bien, on ne sait pas toujours sur quel pied danser, une sensation qui, sommes toutes, pourrait être tout à fait agréable si le film n'était pas, malheureusement, nimbé d'un côté "poseur" et "D'arty" (Aïe, certaines séquences bien nunuches, pas bien originales qui rendent les enfants assez peu touchants au final... Plutôt dommage. Aie la musique qui tue !) Tout ça mériterait de se toucher un peu moins le kiki et d'y aller plus franco (de porc). Bref, encore un truc plus ou moinsse chiant, qu'on aurai envie d'aimer parce qu'il n'y a rien d'autre à se mettre sous la dent dans les movie-theater et que c'est... hum, pas mal. Mais il faut résister et exiger le meilleur! Whoaou, Comment il y va fort sur la fin, c'est degueulasse. Mettre ses doigts dans le nez aussi c'est degueu, mais quand même, des fois c'est fort agréable, non ? (C'était le mot de la fin)

L'Ultime Saut Quantique. 

Entre Koh Lanta et le Superbowl, le temps est cher pour courir après de ridiculement courtes œuvres qui défilent sans interruption depuis maintenant trois jours sur les festivaliers. A Clermont Ferrand, la neige rejoint la fête et le soleil a maintenant complètement disparu. Entre les couloirs du palais des festivals (la Maison de la Culture) des noms sont déjà sur toutes les lèvres, sans plus tarder mêlons nous à la foule...

EXPERIENCE 135 de Bertrand Mandico (France / 2007)

Première projection, premiers morts. Le sublime est souvent la ou on ne l'attend pas. En l'occurrence, cette expérience scientifiquement intitulée ouvre des portes qu'il va être difficile d'ignorer. En l'espace de quatre minutes, la raison est balayée. Nous sommes en territoire hostile de la conscience, là où l'humanité sinistrée tente de faire parler les fougères. Le principe est scandaleux, le résultat ahurissant. Nous avons été, peut être sans le savoir, une part de la révélation. Le public se retrouve soudain en pleine lumière, hébété et hagard. Certains critiques oublient même de prendre des notes.

On me signale que vous pouvez voir le film: cliquez ici.




LE DERNIER VOYAGE DE MARYSE LUCAS de Artus de Lavilléon et David Ledoux (France / 2008)

Deux jeunes artistes, deux vélos. Un road movie comico-tragique sur la mort et la marginalité. Le dernier voyage d'une mère "qui montrait ses seins". Les gens ne comprennent pas.

Quasiment la demi-heure pour finir en tire larme éhonté. Si encore il y avait eu de la mise en scène, mais filmer une promenade en VTT avec son caméscope... Je n'ai pas besoin de faire la queue vingt minute pour çà, sincèrement désolé. C'est du cinéma réalité, ça plait aux gens, ils rigolent et ils pleurent, alors que la forme est aussi pauvre que le propos est original. Nous ne sommes plus au siècle des idées, j'ai entendu quelqu'un me le dire.

ALTER EGO de Cedric Prevost (France / 2008)

Aïe, j'avais vite pressenti le truc : un jeune de banlieue en survet' monstrueux, une histoire de fracture sociale à la française, tu m'aimes pas parce que j'habite dans le 9-3. Entre deux clichés, on remarque quand même que la forme est loin d'être ignoble (belle photographie). Dommage que le film ne présente que cinq plans plus larges que la distance d'une oreille à une autre. Sur presque 30 minutes de gros plans et de blabla, la France est belle pour sa diversité mais c'est dur quand même pour les banlieusards... On trouve le temps long.

REGARDER OANA de Sébastien Laudenbach (France-Belgique / 2008)

Ignoble. Expérience de solitude infinie, de dégout, se transformant petit à petit en haine. Sur une espèce d'animation à base de nourriture on nous balance un monologue interminable, "de la poésie" prononcée par un dépressif neurasthénique nous lisant le texte écrit avec des aliments écrasées sur une table de cuisine, défilant devant nous. Et ce pendant 15 minutes. Regards horrifiés de mes collègues.  J'espère ne jamais subir une expérience pareille à nouveau.

ROCHES ROUGES de Rodolphe Bonnet (France / 2008)

Et on finit en beauté avec ce fameux ROCHES ROUGES à la réputation élogieuse dans le monde du cinéma bis. Un survival gore en plein festival de Clermont Ferrand, messieurs dames ! Des jeunes ahuris envahissent la salle pour ne voir que ce film. Une femme se lève avec un bébé dans les bras, des gens lui demandent de sortir.  C'est le dernier film de la série, mais il y en a pour 35 minutes...

...de torture. Le film est un véritable navet. Parler d'interprétation à propos des acteurs serait déjà un mensonge plus lourd à porter que le Watergate. La photographie est inexistante: j'ai l'impression qu'on nous projette une VHS après un programme intensif de chez Electrolux. Les cameramen ayant officié sur ce film ne sont pas des gens responsables, je peux vous l'affirmer de façon sûre. Je ne sais pas quoi penser du scénario qui laisserait perplexe le "fan club de Jess Franco Et des Fins Laborieuses".  Heureusement que parfois le film offre un coté nanard amusant,  sinon je serais sorti de la salle avant la fin.

Dehors c'est la tempête, comme si le ciel essayait de nous purifier des atrocités qui nous ont été infligés cet après midi. Peut-on vivre dans un monde qui a exclu Moundir de l'aventure Koh Lanta ? Certains se posent déjà la question, et les autres y songent. Le futur s'annonce difficile. A suivre...
Je rends l'antenne, à vous les studios.


Norman Bates.

[Photo: "La Liste de Chandeleur" par Dr Devo.]

Tiens, c'est marrant, après Danny Boyle il y a quelques jours, on retrouve un autre réalisateur "populaire" et pas totalement manchot, en principe au moins: Bryan Singer. Sans être spécialiste du bonhomme, j'avais été relativement charmé par un X-MEN 2 plutôt noir (pour un blockbuster), et si je ne suis pas fan du tout de USUAL SUSPECT, j'avais beaucoup aimé UN ELEVE DOUE, adapté de Stephen King, dans lequel un lycéen fait chanter et abuse d'un vieux bonhomme de voisin qui pourrait être un ancien général SS ! Sympa! Alors, malgré mon amitié coupable pour Maiwenn, je choisis d'aller voir WALKYRIE.

C'est la guerre, la grande, la deuxième. L'armée allemande subit de gros revers en Afrique. Tom Cruise, haut gradé malgré son jeune âge, est dégoûté. Patriote, il considère néanmoins Hitler comme un danger autant pour le Monde que pour l'Allemagne elle-même. Suite à un assaut sanglant des forces alliés, il perd une mains, quelques doigts et un oeil, ce qui lui vaut d'être rapatrié, plutôt en héros, en Allemagne. Là, on lui fait rencontrer Terence Stamp, ancien militaire, qui dirige un groupe clandestin de militaires allemands, tous dégoûtés par ce que qu'est devenue le pays, et qui cherche à déstabiliser le pouvoir. Cruise a l'idée géniale: non seulement tuer Hitler, mais aussi renverser le pouvoir SS en utilisant l'armée de réserve personnelle de Hitler, la fameuse division Walkyrie ! Lui (Cruise, pas Hitler, suivez un peu) et les autres renégats font alors faire en sorte d'utiliser la chaîne de commandement nazie et la détourner en ce sens.

Et bien les amis, WALKYRIE n'est peut-être pas le nouveau chef-d'oeuvre du cinéma contemporain, mais j'avoue avoir pris un plaisir, pas coupable du tout, et ce pour plusieurs raisons que je m'en vais exposer ici! Changement de paragraphe.

Tout d'abord, Bryan Singer, il faut bien le dire n'est pas un tâcheron. Ce n'est pas beau comme du Guy Maddin, mais quand même, ça cadre pas mal (beaucoup moins de gros plans que la moyenne, et un 1.85, chose rare pour ce genre de film, utilisé tout à fait honnêtement). La photo a l'air correcte, mais elle fut dure à juger, et donc je passerais, car le projecteur, lors de ma séance, commençait à donner des signes de fatigue (sous-titres quasiment gris, pompage: il était temps de changer la lampe !). Donc, une mise en scène vraiment soignée, sans effusion mais quand même bien balancée, avec échelle et tout ce qui faut...  Singer pousse la chose vers le divertissement, ce qu'on lui reprochera sans aucun doute, mais n'empêche, il ne fait pas un film d'action, non Madame, mais quelque chose de plus sec, de plus moderato cantabile aussi. Une petite scène de guerre, et encore bien elliptique, au début, et ensuite c'est quasiment fini pour le film de guerre à spectacle. Au son, on trouve dans les 30 premières minutes (ou un peu plus) de belles choses : silence remplaçant les dialogues (Cruise dit très peu de phrase dans la première partie, du son ambiant qui devient ON ou qui cache la B.O puis la fait disparaître...). C'est pas mal.

Côté fond, c'est bien aussi : pas de portrait de Cruise en nazi qui découvre l'horreur du système et cherche sa rédemption. Il est déjà convaincu quand ça commence et on ne perd pas de temps. Pas de longs hommages aux victimes de la guerre, en une scène c'est fait. Pas de longue dithyrambe sur la déportation : on le sait, pas la peine d'insister, un dialogue vite fait, et c'est bon. Pas de petits gamins qui pleurent. Bien. Les acteurs vont dans ce sens : les rôles importants sont hiératiques et secs, comme raremement à Hollywood, à l'image de Cruise (pas mal) et Stamp dans le rôle du menhir. C'est un bon choix qui rationalise et explique très bien la démarche de ces hommes. Singer l'a compris : pas biopic, pas film hommage, pas film-thèse, mais divertissement un peu cérébral en quelque sorte, WALKYRIE décide que le suspens remplacera l'action et que le suspens sera intellectuel, puisqu'il reposera sur une seule chose : utiliser la Technique du pouvoir nazi pour le renverser, c'est-à-dire utiliser l'incroyable réactivité de la chaîne de décision nazie pour la pervertir ! Bien joué. Loin du pathos habituel, on peut alors se concentrer sur la mission, loufoque mais maline. On se laisse prendre d'autant plus que les décors et les costumes ne sentent ni la naphtaline, ni le spectaculaire. Il y a de beaux décors (la cour où se rassemble la division Walkyrie), mais on est plutôt dans une esthétique passée et fanée, assez naturelle. Pas de choses spectaculaires, pas de retraites au flambeau avec 12,000 figurants, pas de panoplie SS exagérée. Voilà un choix qui donne aussi une ambiance relativement réaliste et derrickienne, disons avec suffisamment de caractère pour que la direction artistique globale paraisse quotidienne et naturelle, et non pas extraordinaire dans la reconstitution, option généralement choisie par Hollywood. Le suspens prend aussi parce que le scénario est plutôt bien écrit. C'est sec, Cruise observe et n'a rien à prouver (ainsi que ses collègues conspirationnistes). On a l'impression, fausse, que le film peut s'achever très vite. Il y a un point (vers 1h10 de film) où on se dit : "Bah, ça y est on y est, ça va s'arrêter là". C'est toujours bon signe, ça veut dire que le rythme est  honnête, et que la narration peut nous surprendre.

Dans cette première partie, il y a une superbe séquence, largement la plus belle du film : celle du disque. Là, Singer marque des points, contredit ses collègues et montre sa méthode. Outre l'effet sur le gramophone qui est une sublime image (et très significative), Singer explique sa démarche. On attend le petit discours bien pensant sur Wagner et le nazisme, et finalement il se passe le contraire : à ce moment Cruise a une idée géniale, issue d'une collision gratuite d'éléments hétérogènes, issue d'une décontextualisation en quelque sorte. En mot, la motivation de Cruise pour cette mission est un collage cérébral artificiel, un court-circuit, et non une vocation romantique. C'est beau. D'autant plus que Singer annonce la couleur : l'intelligence d'abord (ces hommes sont des cerveaux et des pontes), de la rationalisation, et du cinéma (l'effet, la belle construction de la séquence, sa conclusion spectaculaire). Un autre aurait fait une scène tire-l'arme du genre, "je le fais pour les générations futures", et autres bêtises. C'est un beau moment qui fait oublier une ou deux faiblesses ici et là, notamment le choix de Carice Van Houten qui arrive malgré son petit rôle à faire le contraire des autres, notamment dans ce plan "pathétique" où elle se pince la lèvre en faisant des moulinets avec la tête, en soupirant, les larmes dans les yeux, c'est-à-dire exactement ce que ne font pas les autres acteurs dans le film ! [Quelques plans de concessions sont présents aussi à la fin. Moi, je t'en aurait viré trois ou quatre dont le dernier bien sûr!] Je passe. D'ailleurs, on note qu'il n'y a pas de nazis sur-sadiques, ni de violence sommaire uniquement là pour le mélodrame et Margot ! Tous ces gens sont des techniciens, et c'est ça précisément le sujet du film.

La deuxième partie du film, ou peut-être la troisième, est un peu moins intéressante : il faut que l'histoire se conclue ! On est sur rail. Et là, même dans cette partie qui m'intéresse moins, il se passe quelque chose de vraiment pas ordinaire... Si vous n'avez pas vu le film et que vous lisez le paragraphe suivant, tant pis pour vous, vous allez vous priver d'un des grands plaisirs du film, peut-être de la chose la plus étonnante même. Ca y est ? Vous êtes partis ? Alors, on y va...

Alors que le film est sur rail, disais-je, et que, en quelque sorte, le jeux sont faits et qu'on attend que les accords se déploient et concluent la partition, j'étais en train de me dire : «"Mais nom d'une petit bonhomme,ques't-ce qu'il fait?" En effet, Singer pousse son film dans le sens opposé de l'endroit où on l'attend. Quand l'attentat est commis, il y a un doute, bien sûr. Mais, en bon homme juste, Cruise pousse la logique de son plan jusqu'au bout : il faut y aller et il faut le faire ! Jusqu'au dernier moment, enfin pendant très longtemps, je n'en croyais pas mes yeux, je trépignais sur mon fauteuil en disant qu'il était en train de le faire, ce petit vicieux de Singer, il était en train de pousser tout le film jusque là : et si Hitler était vraiment mort ? Quelle belle idée ! Une vraie idée de cinéma, et de suspens, du coup ! WALKYRIE dans cette dernière partie, longue en plus, va uniquement dans ce sens, dans le sens de la mort du tyran. Ca a marché, c'est très possible. Ou en tout cas, c'est une possibilité que l'on sent aussi palpable et vraisemblable que l'hypothèse inverse (Hitler est vivant). Et Singer pousse le bouchon, notamment au travers des scènes de standard téléphonique (belle idée : montrer la technique), le point de climax, enfin le premier puisqu'il y en a deux, est la fameuse collision des deux télégrammes contradictoires. En poussant le film vers l'Uchronie, Singer semble, et là pas seulement dans le sens mais aussi en tant qu'artiste, nous parler et nous dire qu'il veut, il veut, il meurt d'envie de faire l'autre film d'envoyer tout balader, et de quitter le sol de l'histoire (n'oublions pas qu'il place d'abord son film sous le signe du divertissement et pas de la somme historique). Cette tension artistique, ce combat chez le réalisateur et sa pulsion est d'un suspens phénoménale (preque plus que la mort possible de Hitler), et voilà qui relève incroyablement le niveau de cette deuxième partie pas infamante, mais plus tranquille.  Mais, le cinéma et Hollywood, et le public aussi sont ce qu'ils sont, et on ne brisera pas la règle absolue, celle de "l'histoire vraie". [Histoire avec un petit H, paradoxalement... Notez-le !] Il y a une pression, et Singer s'y plie comme Cruise échoue. Le système ne sera pas détruit ce soir. Mais, il y avait là un beau courage, et une bonne idée de scénario et de cinéma, que de vouloir pousser le film dans une démarche accidentelle et inverse de la logique attendue ! Pendant de longues minutes Singer semble vouloir retourner la machine et joue le rôle du grain de sable. Et ce suspens, après la belle description technique de l'état nazie, est assez jubilatoire.

Il y a donc dans WALKYRIE une séquence très réussie, et un soin général indéniable qui, en restant ce qu'il est, un film de genre quasiment, un divertissement, arrive à être plutôt personnel, et un peu inattendu. Singer signe là un bon film, pas renversant, mais très bon, à l'intelligence très au-dessus de la moyenne, et vraiment populaire. On est loin, très loin, de la machine autantenemporteleventesque et mélo d'une LISTE DE SCHINDLER, ou de tout autre pleurnicherie de la sorte, qui est encore la norme édifiante quand il s'agit de faire un film avec un sujet si sérieux. Avec son divertissement, Singer fait un film autrement plus intéressant que la concurrence. Bien joué. Et honnête !

Dr Devo.  

[Photo: "Mensonge" par Dr Devo.]

Piiiiiire Expreeeeesss, c'est la chronique des cadres dynamiques qui n'ont pas le temps, c'est la critique 2.0, c'est du précis et du syntéthique. C'est pour vous. De rien.

CHE - 1ére partie: L'ARGENTIN de Steven Soderbergh (USA/Espagne-2008)

Revoilà l'ami Soderbergh avec cette fresque biopicesque du révolutionnaire à t-shirt, icone des fans de Manu Chao. Le Che, argentin d'origine, embarque pour Cuba, avec Fidel Castro et une poignée d'hommes pour aller renverser le pouvoir en place. C'est un chemin de longue haleine qui commence dans la jungle dense de l'île. Peu à peu, la guerilla s'organise et les rangs des révolutionnaires grossit. La troupe conquiert au fur et à mesure plusieurs petites villes...

Bon. L'ami Soderbergh arrive toujours avec des croissants et du café bien chaud, certes, et c'est très agréable. Ici, il utilise une structure vaguement éclatée où la progression révolutionnaire est commenté par le Che lui-même qui, à l'occasion d'un voyage aux USA (et à l'ONU), répond à une interview, mais plus tard dans le temps, bien sûr. Grosso modo, donc, c'est du montage vaguement alterné avec une grosse base linéaire. Voilààààà. CHE 1 est un film très difficile, un peu comme la peinture à l'huile. Filmé en scope, le film bénéficie d'une photo correcte  et plutôt variée, mais jamais éblouissante. L'impression première est celle d'un classicisme relativement alerte, où le cadre et le découpage sont lisibles et relativement équilibrés. Un film de bonne facture, donc, du bon travail d'artisan. Il y a peu de gourmandises mais quelques unes quand même (trois ou quatre, pas plus), notamment l'interruption du son d'une scène de bataille par une voix-off expliquant les fondements idéologiques de la révolution, ou encore un contrechamp différé de deux heures! Semi-rigolo. Côté fond, le travail de la brigade de scénarisation consiste à mélanger base théorique et problème du quotidien (sur le terrain), soit de mélanger le macro et le micro. Ouais! Au final, c'est l'ennui profond qui domine. Soderbergh est confis, ose peu, ne joue jamais ni avec la mise en scène ni avec son personnage, assez lisse, sans aspérité ni émotion. Il y a trop peu de choses iconoclastes dans la structure, l'esthétique ou le propos du film pour que quoi ce soit émerge. L'expérience de Soderbergh lui permet de faire un film techniquement propre, au-dessus de la moyenne comme dirait l'autre, mais qui, en terme d'aboutissement, est aussi intéressant que la moyenne, c'est à dire fort peu. Que c'est ennuyeux... Le montage coule, certes, mais semble sans conséquence. Voilà qui pourrait durer trois heures ou 20 minutes, sans que ça ne change grand chose. C'est là, la plus grande déception de ce film, même si Soderbergh a déjà réalisé des films très peu intéressants, ce manque de rythme et ce manque de point de vue ou d'émotion. CHE 1 est un film anonyme, ennuyeux et sans conséquence. Voilà, c'est dit.

SLUMDOG MILLIONAIRE de Danny Boyle (UK/Inde, 2008)

Ha bah, on retrouve avec plus d'appétit l'ami Danny Boyle, réalisateur dont je n'aimais pas du tout les débuts (TRAINSPOTTING, LA PLAGE), mais que je trouve particulièrement en forme ces dernières années avec ses magnifiques 28 JOURS PLUS TARD ou encore le très adulte et magnifique SUNSHINE dont on avait déjà parlé ici.

SLUMDOG... a un sujet loufoque. Nous sommes en Inde dans les années 90. Jamal, un jeune indien issu d'un milieu plus que modeste puisqu'il vit dans un bidonville, se présente à l'émission (version locale, bien sûr) QUI VEUT GAGNER DES MILLIONS? Et très curieusement, le gamin des bas fonds va très loin puisqu'il gagne la question à 20 millions de roupies, somme colossale. Comment un gamin du ruisseau a-t-il pu répondre à autant de questions, là où même les lettrés échouent? C'est ce que cherche à savoir la Police, qui force le jeune homme à un interrogatoire musclé et qui le soupçonne tout bonnement d'avoir triché ! Jamal va devoir se justifier...

Alors, euh, comment dire, c'est-à-dire que... Oui en fait... Non, ce n'est pas ça, mais...

Procédons par ordre. Dés la première bobine de SLUMDOG..., on se dit que le petit Boyle, peut-être contrairement à Soderbergh, sans doute plus talentueux mais un peu fouine dans la façon de gérer le Capital en se mettant d'office (et de plus en plus souvent, car ses films iconoclastes, il en fait de moins en moins...) en préretraite, on se dit, disais-je, que l'avantage superbe avec lui, c'est que c'est du franc. Il essaie, il met tout dans la course, et c'est du généreux. Voilà. Alors oui, après 30 minutes, le doute n'est plus permis. SLUMDOG... est moins beau, moins précis, moins maniaque que SUNSHINE ou même 28 JOURS PLUS TARD, franchement taillés au cordeau, eux. Ici, c'est plus fouilli, il y a plus d'effet, des filtres à gogo, etc... En même temps, on peut pas lui reprocher d'essayer, et surtout d'essayer de construire chaque plan, de développer des idées dans le montage des séquences ou des scènes. Bref, Boyle, c'est un styliste. Et même si le style est plus extraverti ici, même si SLUMDOG... a une esthétique un peu plus outrancière, Danny Boyle se lance à corps perdu dans une recherche du plan qui ne soit pas anodin ou plutôt qui lui ressemble. Alors, c'est parfois un peu clinquant, brouillon, sur-stylisé, mais au moins, et là aussi contrairement au CHE..., ce n'est pas anonyme, pour le meilleur, et cela même si ici pas mal de choses  correspondent moins à mon goût raffiné (héhé !). Donc, globalement, je trouve le film, dans sa mise en scène, plus tape à l'œil, je trouve le montage et le cadrage moins précis. Ceci dit, c'est expressif, et c'est tellement franc du collier, tellement généreux, et ça se lance tant à corps perdu que tout cela nous fait respirer dans un univers cinématographique largement sclérosé par les idées de carrière des cinéastes et par leurs velléités de faire des films qui ressemblent à de "vrais films", c'est-à-dire toujours aux mêmes schémas scénaristiques et esthétiques pour aboutir, in fine, à des œuvres tellement neutres et vides qu'elles feraient pleurer le focalien le plus endurci...

Ça, c'est fait. Ceci dit, le rythme est assez alerte. Boyle exploite une idée plutôt sympathique de débrayage rythmique, pas tout à fait aboutie mais visible, qui consiste à peindre son épopée comme une gigantesque fuite en avant. Son héros est un fugitif que la foule veut lyncher dés l'âge de cinq ans jusqu'aux événements qui nous intéressent. Le ton, par contre, est celui d'un mélodrame ouvert, mais pas forcément gnangan (j'y reviens parce que là, il va falloir minorer cette idée), un mélodrame dur en quelque sorte. Et en effet, cette histoire est superbe, mais d'une violence exacerbée. Que raconte SLUMDOG... ? Bah, c'est simple, très chers cocos, c'est simple, mais c'est désespérant. Primo, ça raconte l'histoire d'un pays en train de s'industrialiser et qui ressemble déjà, de plus en plus, à la France, au Lichtenstein ou à l'Angleterre. Elément plus important: les aventures de Jamal sont simples et directes. C'est un homme qu'on veut lyncher, comme je le disais ! Il vit dans une société pourrie jusqu'à l'os où personne, mais alors j'insiste, personne n'est un être humain digne de ce nom. Tous les personnages du film (à l'exception peut-être du Commissaire) sont prêt à trahir sans vergogne son prochain, à arnaquer son voisin, et à vendre leur mère contre quelques roupies. Jamal qui est une sorte de Boucle D'Or larsvontrierienne, laborieuse certes, mais quand même, est un gars qui a bien compris que la seule façon de survivre c'était de courir et de fuir ses compatriotes pourris qui le pourchassent. Dans le même temps, il fait confiance à chaque fois que la situation lui permet d'espérer, vraiment à chaque fois, et il est tout le temps trahi! Dans le film entier, il n'y a finalement que deux moments pas plus où les choses tiennent leur promesse : quand on comprend que le commissaire, certes fasciné comme tous les autres par le storytelling de Jamal (piste effleurée : peut-être invente-t-il tout !), sait qu'il y a une vérité sur son propre travail et sur son pays derrière tout ça. Sans le dire, Le commissaire rencontre, furtivement, l'homme derrière la figure de Jamal. La deuxième partie des scènes dans le commissariat sont assez douces. Deuxième moment pur, le sacrifice de jamal pour la jeune fille (fadasse, jouée par une espèce de mannequin sans intérêt d'ailleurs), sacrifice uniquement pour la Forme et pas pour le Fond. [La scène finale dansée est d'ailleurs une espèce de leurre.] Le reste, c'est que trahison, traite d'esclaves, corruption et... petit-bourgeoisisme ! Qu'est-ce qui intéresse les indiens, ou les français ou les anglais ? Le story-telling ! Ils veulent une belle histoire, un spectacle avec un mendiant qui devient prince, la seule histoire qui puisse valider le concept fondateur qui fait le ciment de la Société : qui veut peut, ou encore si vous préférez, "une place pour chacun" qui souvent se traduit dans les fait par "chacun à sa place". C'est ça que les gens veulent : une histoire qui leur dise que la Société reconnaît les mérites de chacun ! Tout le monde, dans les faits et la réalité, fait le contraire, c'est-à-dire tuer son voisin pour avancer dans l'ordre social et exploiter le système. Bien sûr. Mais cette histoire, proche de ce qu'est devenu un art comme le Cinéma (les édifiants mélos semi-réalistes qui constituent 95,28% des films qui sortent) ou proche des fictions télévisuelles, télé-réalité comprise. Les scènes qui entourent la réponse de Jamal à la dernière question du jeu sont terriblement ambiguës, et sans doute les mieux écrites. [Boyle sait faire des fins, ça, c'est certain !] En apparence, pour le spectateur et tout le peuple indien, c'est un moment de partage formidable. Tout le monde derrière Jamal. Mais si on reste dans le ton de l'heure et demi précédente, que voit-on dans cette séquence finale ? On voit un pays de fourmis, vaincues par le Spectacle, qui aime se sentir unis alors qu'au quotidien, tout le monde se tue les uns les autres ! Dans ces images de "toute l'Inde derrière Jamal" (et  donc "tous les spectateurs derrière Jamal"), on devine l'extase aveugle qui remplit les yeux d'une foule pendant une réunion de futurs nazis à Nuremberg, ou après une victoire en finale à la Coupe du Monde de foot : une société totalement petite-bourgeoise, sans aucune conscience, uniquement guidée par le Spectacle et le divertissement, et qui au fond ne veut qu'une chose : regarder la télé. Ce peuple qui est à fond derrière Jamal (et toutes les couches de la société, car même dans le bidonville, ils on trouvé le moyen de branché  une télé, ces imbéciles !) est le même qui l'a toujours, absolument toujours, sans jamais faillir, avec précision même, qui l'a toujours, disais-je trahi ! Ces gens ont envoyer Jamal en enfer, ont essayé de le mettre à mort, et une fois qu'il est arrivé miraculeusement en haut de la pyramide, ils l'acclament et le traitent en héros, alors que cet événement (Jamal va gagner 20 millions de roupies) est un scandale, et que c'est ce peuple qui l'a conduit dans cette position. C'est le peuple qui envoie Jamal à QUI VEUT GAGNER DES MILLIONS. Le scénario, malin, ouvre une porte à son héros en introduisant un élément gratuit, injustifiable, mais vecteur (dérisoire) de liberté : le hasard ! [Il s'agit de la dernière question.] Ce hasard absurde est la seule porte de sortie (le jeu est verrouillé, c'est une machine à perdre, structurellement et humainement comme le rappelle la scène des toilettes). C'est une maigre consolation. Boyle a raison de raconter la première histoire en début de film (si j'ose dire) : le gens sont prêts à se rouler dans la merde pour avoir l'autographe de Brad Pitt. Après cela, ils sont d'accord pour se laisser assassiner !

Le gros défaut du film, c'est sa fin, à mon sens. Elle contient exactement tout ce que je viens de dire, mais dans le même temps, elle essaie de faire passer cette histoire pour un formidable happy-end. A moins que Boyle soit plus malin que ça,et justement fasse subir au spectateur le même piège que la Société tend au peuple. Si le peuple ne voit pas le double fond de l'histoire, alors tant pis pour lui et qu'il aille à sa perte. En tout cas, ambiguë à outrance ou un peu moins, l'écrasante masse de détails tire-larmes dans la toute fin du film gâche quand même un peu la portée de ce film, et cache sous cette politesse, une image qui restait à inventer et qui soit un gros doigt tendu à la masse crétine du Peuple aveuglée par la lumière du projecteur. Dommage...

SLUMDOG..., oeuvre très repesctable, avec ses défauts et ses qualités certes, est quand même le premier film visible, et de cinéma si j'osais, de ce début d'année ! Ouf !

Dr Devo et Bill Yeleuze.

Comment commencer avec brio un article sur le cinéma en cette nouvelle année ? Facile, en citant une critique des Inrocks  : "Kim Jee-woon réussit avec bonheur la greffe entre codes occidentaux et psyché orientale." Voila une phrase tirée de l'article dithyrambique des Inrocks, mais qui pourrait aussi bien l'être de TELE 7 JOURS ou de JEUNE ET JOLIE (si si, il y  a une rubrique cinéma).

Maintenant j'aimerais vous parler dans mon modeste article de psyché orientale. Oui, je pourrais vous en parler toute la nuit s'il le faut. Plus important encore j'aimerais parler de ma passion inconditionnelle de la greffe de psyché mais malheureusement le temps m'est compté, et Matiere Focale n'a pas les épaules suffisantes pour de telles révolutions conceptuelles dans la façon d'aborder le cinéma. Je vois bien que vous êtes déçus, mais il faudra vous y faire, bonne année.

Loin de la psyché et des affres de la transplantation stylistique, il y a le fait que c'est le deuxième western asiatique que je m'enquille en trois semaines [j'ai subi la vision de l'incompréhensible SUKIJAKI WESTERN DJANGO de Takashi Miike (Japon-2007), greffe de psyché sans doute ratée], et voilà qui me fait me poser de drôles de questions  sur la psyché des producteurs orientaux que je vous épargnerais volontiers.

Kim Jee-Won est parait il très apprécié ici bas à la rédaction de Matiere Focale, toutefois je ne vous raconterais pas de salades, je n'ai vu aucun de ses films.  LE BON, LA BRUTE ET LE CINGLE est une variation sur le thème du western spaghetti de Leone, sans toutefois en être un remake. Trois personnages avec autant de personnalité que dans le titre se disputent un bout de carte dans le désert de Mandchourie, 500 ans avant le paris dakar. Le Cinglé est un peu là par hasard, La Brute cherche à rembourser sa garde robe prada mise à mal par la dure vie de cow boy, et le Bon cherche à s'enrichir par tout les moyens (ce qui en dit long sur la psyché orientale, hum). Voila voila, le scénario n'impressionne pas particulièrement par sa profondeur abyssale, il n'est qu'un prétexte à une débauche de psyché et de scènes mettant en avant des chapeaux et des chevaux.

Et soudain je me trouve mal, car j'ai vraiment passé un moment éprouvant dont j'aurai bien du mal à parler avec déconvenue et flegme. Je n'ai vraiment pas du tout aimé pour parler simplement, ou alors, la greffe n'a pas prise, pour parler d'un point de vue médical.  Quand on n'a pas de scénario captivant ou spécialement bien écrit, la moindre des choses c'est d'assurer un peu derrière avec un point de vue original, voire artistique dans le meilleur des cas. C'est même une prérogative importante pour tout lecteur assidu de Matière Focale. Autant vous dire que ce n'est pas du tout le cas : scènes d'actions illisibles, cadrage en dessous de tout, photo inexpressive, images de synthèse rajoutées par-dessus la jambe, et boum le focalien moyen se retrouve bien vite sans défense et submergé par un flot incessant d'image et de sons qui surenchérissent tour à tour dans la médiocrité et le mauvais gout. Je ne ferais aucun parallèle avec l'œuvre de Leone, même ses films de vacances à Rimini doivent être plus agréables.  Passe encore les acteurs et leurs postures tape à l'œil, je m'y étais plus ou moins habitué. Mais de là à convoquer le plus mauvais goût occidental et le coller à ce que l'Asie a de plus cliché, c'est plus de la greffe : c'est le retour de Frankenstein dans une version où le savant fou serait interprété par Lech Walesa: c'est tout bonnement une abomination croulante. C'est vraiment très difficile pour les nerfs, d'autant plus que c'est en coréen donc, si vous commettez l'erreur de fermer les yeux, vous aurez instantanément des visions plus horribles encore.  J'espère pour Kim Jee-Won que c'était une erreur de parcours ou une grosse dette à payer, parce que ca ne donne pas envie de voir ses autres films. Honnêtement j'aimerais bien faire une critique constructive et argumentée, mais les bras m'en tombent. Il n'y a absolument rien de cinématographique dans ce film. Même pas du respect pour le vieux Sergio, c'est dire où la légendaire perfidie asiatique nous entraine pendant deux longues heures. Comme quoi, la psyché, c'est pas bien compliqué...

Norman Bates.








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Ce sera-t'y pire, ce sera-t'y meilleur ? Je reprends mon sac U.S, j'y glisse une mandarine, et zou, je file voir...

AUSTRALIA de Baz Luhrman (AUSTRALIE-2008)

Nicole Kidman, riche aristocrate anglaise n'a jamais eu peur des slips, qu'on se le dise. Alors quand les finances sont au plus mal, elle décide de retrouver son mari qui, croit-elle, mange des œufs à la coque avec toutes les femmes qui ont du beurre, tout là-bas en Australie. Pas de chance au grattage, car la têtue longiligne arrive 5 minutes après le décès de feu son époux qui, contrairement à ce qu'elle pensait, la sotte, ne courrait pas la gourgandine et les retrousseuses, mais essayait de s'occuper de son immense ranch et de ses nombreuses boules, ou plutôt, soyons précis, de ses nombreux "bulls". Voilà donc, la Kidman, et c'est bien paradoxal, sans homme ni enfant (jeu de mot !) au milieu de la brousse aborigène. Elle doit alors laisser tomber son ladyshave et se retrousser les manches, et se faisant elle découvre  Hugh Jackman, cow-boy bourru mais pro, et un petit garçon aborigène, très mowglie-boogie qui ne narre pas à tort, mais voit les choses de travers, culture aborigène oblige... Il faut conduire le troupeau, dévaster le monopole vilain, mais vite-vite, sinon on sera en retard pour la guerre. En chemin, Jackman prend une douche, et David Gulpilil remet son walkman pour écouter du Midnight Oil. Là, c'est le drame : on lui a volé sa musicassette pour la remplacer par un alboume d'Elton John...

Ha, les délices du film à costumes, deuxième plus mauvais genre du monde (après et/ou à égalité avec le film de maladie, bien sûr) ! AUSTRALIA, j'ai été grassement payé pour aller le voir, comme cela arrive une fois par mois. Sinon, et malgré la sympathie que je porte au premier film de Luhrmann, BALLROOM DANCING, je ne crois pas que je serais aller voir la chose, bien éprouvé que je fus, déjà, par la vision de MOULIN ROUGE, film quasiment insupportable pour votre serviteur pour des raisons musicales. Ceci dit, bah, je sais pas si c'est l'esprit de Noël ou la grippe intestinale du Nouvel An qui dégoulinait sur (sous) moi, mais en tout cas, bah, la première partie du grand machin de Luhrman, sans me passionner un seul instant, fut quand même moins insupportable que je le craignais. Bon, le Luhrman, fan de kitch malheureusement,n'est pas prince du bon goût, on le savait, et depuis qu'il a, hélas serais-je tenté de dire, du succès, il n'a plus de limite dans ce kitsch. Ici, il y avait quelques touchettes second degré (la douche de Jackman qui, d'ailleurs, est passé du stade de baraqué à celui d'ultra-musculeux über alles), ça et là, assez rigolotes, et dont la plus simple et la plus efficace est la scène des kangourous. Bon, non pas que ce second degré innerve toute cette première partie et joue au tennis avec les choses plus "sérieuses"... Ca reste illustratif, mais voilà un mélange de ton, c'est déjà ça de pris. Même si la réalisation ne trouait jamais rien chez nous, en terme de beauté, le bonhomme faisait tous les trois ou quatre plans des jeux de surcadrage, ou s'abandonnait dans des plans artificiels. Ça, le Luhrmann, il cherche l'expressif, et pas le fadasse. Tous ces éléments, sans recueillir mes suffrages, firent passer le temps. L'angliche et l'aborigène se métaphorisent l'un l'autre sous la forme du conte que storytelle en voix-off le petit garçon, quelquefois avec des redondances agréables. Rien de bien passionnant ni de renversant, certes, mais au moins c'est un peu plus relevé que la masse des gros engins que dégainent les studios. Si Jackman est toujours parfait dans le rôle de la bûche aphasique, la Kidman se trouvait relativement à l'aise dans un rôle engoncé mais rendu ainsi un peu dynamique. Là.

Et puis, l'amour propre ne l'étant jamais très longtemps, ce furent les adieux à Cythère, et le démarrage de la seconde partie, fabuleusement longue en ressenti, et ignoblement classique et mal fichue. Adieu second degré, et bonjour les métaphores lourdasses. Quand la première partie s'achève bien (avec) les chevaux, si j'ose, on se disait que le film était super-court et c'est très bien comme ça. Mais la guerre, c'est bien connu, bousille tout ce qu'elle touche et emporte avec elle le rire des enfants.  Adieu le petit machin laid mais un peu différent à 3000 milliards de dollars, et bonjour le remake de AUTANT EN EMPORTE LES PROUTS. Mawame Scarlette, sur son fauteuil de spectatrice pathugmont, trèèèèès fâchée. De là, plus rien ne tient, malgré une première scène très acceptable et plutôt bien écrite, celle du bal, où l'ambivalence et les changements de sujet étaient de rigueur. Après cela, les oies sottes se contentent de cracher pour mourir, et le ralphdebricassardisme est tout proche. Méchant stupide et mal écrit, horribles effets spéciaux kitschissimes (déjà présent en première partie) jouant le rôle du capo du camps, et fin de quoi que ce soit dans la mise en scène, au profit d'un PROUT-PROUT OF AFRICA, la belle affaire, qu'il s'agira de subir sans que rien ne soit épargné. Les petits nenfants norphelins en râteau de sauvetage, tu es morte, o dieu merci, tu es vivante, en fait, je t'aime, et, bien sûr, justice aborigène ridiculissime tout droit importée des Studios Seznec, acteurs nazes, même Nicoletta. Bonjour, le  Kaki Blues. C'est l'arnaque totale. On regarde le chrono, et on se demande où ont pu se mettre, ces trois heures de deuxième partie. En fait, ce n'était pas si long, mais c'était si stupide et insupportablement mièvre (et sans lyrisme) que la facture semblait plus lourde.

On jura qu'on ne nous y reprendrait plus, et l'on souhaitait que le Luhrmann fût condamné à réaliser un film d'horreur avec un budget de 27,99 euros. Beurk, beurk, beurk. David Gulpilil, là, derrière, vague, se fait sexploité et boomerangisé la nue, dans un rôle mille fois vu et qui n'a rien à envier à la gwosse mama blackosse de AUTANT EN EMPORTE MON RANG. Voir notre ami en captain' Igloo australien, mais sans les bâtonnets, est une bien triste expérience, et contredit avec un humour noir la tolérance affichée du sujet. Bah, ce n'est pas fait exprès, mais c'est marrant quand même. On imagine que le sous-titre des paroles aborigènes coûte cher. Les grands-mères apprécieront et peut-être aussi les lectrices d'ELLE. À noter que souvent, AUSTRALIA passe dans des salles chauffées, et permet d'économiser le douloureux achat d'une gaine Damart. 






Certainement Vôtre,




Dr Devo.