Il faut croire que la crise-éclair de 2009 aura finalement galvanisé les auteurs de cinéma, en cette fin 2010, force est admettre que le XXIe siècle sera fantastique ou ne sera pas, car pour le plus grand plaisir des spectateurs, c'est le grand retour  de la 4e dimension, en témoigne le nawak insolent, régressif parfois, toujours pertinent cependant de Quentin Dupieux avec son magnifique RUBBER ,le film que des générations de vidéphiles attendaient tous, mais en témoignent également le huit-clos existentiel BURRIED (de Rodriguo Cortès) et l'insidieux PONTYPOOL (réalisé par Bruce McDonald) qui lui, s'est donné pour but de redonner tout son sens à la Parole. Nous nous excusons enfin très platement de ne pouvoir évoquer en cette heure tardive le MONSTERS de Gareth Edwards, qui avait certainement plus que sa place sous la thématique qui nous intéresse ce soir.

A noter également que dans presque la plupart des cas nous avons affaire ici à de premières réalisations, mis à part pour Bruce McDonald, un des réalisateurs avec lesquels il faut plutôt compter au Canada ("HARDCORE LOGO, et dont nous avions parlé sur d'autres pages à cause de la magnifique adaptation comics d'un autre de ses films, DANCE ME OUTSIDE que je vous recommanderais toujours) mais qui, en quelque sorte, fait sa "première" apparition aux yeux du grand public européen (en fait non, juste du grand public français, parce que "HARDCORE LOGO est assez connu dans le reste du monde, où l'alternatif est sans doute pratiqué de façon plus bilingue...) autant que sa première incursion dans le registre fantastique, ceci expliquant peut-être cela;  à l'exception également de Quentin Dupieux, déjà auteur, lui, de l'inénarrable  STEAK avec Eric et Ramzy (qui restera sans nul doute et à jamais le prototype ultime des soaps à succès de demain)  et qui semble prendre maintenant un envol des plus personnels et des plus prometteurs surtout. Non ,en fait, il n’y a que le film de Rodriguo Cortès qui ne soit une première œuvre. Qu’est-ce que je voulais dire alors ? Sûrement un truc avec les mots "budgets modestes" et "motivations radicalement autres", mais je n’arrive plus à me rappeler…

[Photo  : sympa...mais pas que con.]

 
BURRIED de Rodrigo Cortes (USA/Espagne, 2010)

Avec un rien de mauvaise foi, on se dirait "tiens encore un film qui repose sur du bizaroïde de circonstance, encore un scénar de petit malin, comme dans les 90 après CUBE ou  USUAL SUSPECTS... » avec un arrière-fond politique pour légitimer le tout: l'histoire d'un camionneur en Irak pris en otage par des terroristes qui l'enterrent vivant six pieds sous terre et lui font opérer par lui-même les démarches de sa libération... Aucune raison d'aimer ce film je vous dis, on entend d'ici les critiques spécialisés se gargariser d'avoir mis le doigt sur le nouveau "buzz", tout le monde y va de son "un huit-clos viscéral", de son "interprétation à cran de Ryan Reynolds", de son "incroyable tour de force en terme de réalisation". Même si le film correspond effectivement à tous les critères recquis du  "parfait petit film indépendant du moment" (alors bon, rappel, hein, donc nous, nous sommes un peu des critiques free-lance ici, pas trop diffusés, et donc "non-subventionnés", alors donc on touche rien nous, j'espère c'est bien compris par tout le monde, on est moins tenu d'être diplomate, et bizarrement on perd aussi en faculté d'emerveillement -c'est un autre débat) force est d'admettre après visionnage qu'il se démarque effectivement du côté gadget-anecdotique qu'on pouvait lui supposer – parce que c'est quand-même un peu ce qui se dissimule souvent derrière les buzzs du moment, si j'en crois ceux qui ont vus "Paranormal- quelquechose- vient- de- tomber -/- sur -les- lames -de- ton- plancher- Activity".

Je saluerais ostensiblement les qualités de mise-en-scène et d'interprétation, ça c'est certain : on circule tout à fait bien dans cette caisse en sapin, c'est toujours lisible et agréablement renouvellé, et le comédien temporise très bien tous les chapitres du récit. Non, là où je suis resté véritablement bluffé au-delà de toutes mes espérances, ce sont sur les qualités  d'écriture du scénario : ça regorge d'idées à la seconde et c'est juste un régal. Au lieu des sempiternelles block-busters qui vont assèner leurs propos à grands coups de pyrotechnie, on a un type enfermé dans une boîte pour arriver finalement au même résultat (si le but des blockbusters est bien celui de "conscientiser", histoire d'au moins justifier vaguement le bisou de la fin, ou la scène de uc en au milieu...enfin un peu quoi...), avec cette fois moins de moyens, mais de façon autrement plus convaincante (bizarrement c'est en fait par le biais de moyens tout à fait "classiques" : unité de lieu, de temps, etc..), car en effet tout y passe :  la discussion entre l'otage et les ravisseurs surnage au-dessus de tous les discours bien-pensants du moment en pareille situation (qu'on le veuille ou non c'est la loi du talion qui gouverne ce monde, il n'y a que les super-héros qui tendent l'autre joue) et qui culmine absolument quand Reynolds s'evertue à convaincre ses ravisseurs qu'il  "n'y est pour rien dans tout ce qui arrive" ("c'est pas moi, c'est mon gouvernement") -croyant peut-être bien faire... De plus la demande de rançon filmée depuis un portable renvoie autant à la société du spectacle qu'à celle de l’information, qui l'une comme l'autre font que l'on ne sait plus que croire. Et le spectateur de même n’en vient-il pas à être dupé pour autant par la situation ?  Un espion dans la même cas de figure que notre héros ne tiendrait-il pas le même discours ? Cependant, la teneur des démarches téléphoniques qu’il entame ne tardent pas à lever cette ambiguité possible. Dès lors que nous reste-t-il sinon le comportement en conditions extrêmes d'un Monsieur-Tout-Le-Monde dans toute sa splendeur ? Résolument "moderne" et "contemporain" donc peut-être un peu enfoiré, peut-être un peu volage, un consommateur (toujours indépendamment de la politique de son gouvernement donc) avec plein de bonnes raisons de faire ce job  ET SURTOUT, surtout, un employé.

Sans révéler davantage de l'intrigue c'est à ce moment-là que le film bascule selon moi vers le sublime le plus total, par une progression résolument kafkaïenne, pour aboutir sur un final qui renvoie aux plus beaux moments de la littérature existentialiste - un peu téléphoné très certainement, où d'aucuns ne manqueront pas de vous dire que c'est parce qu'il y a un portable dans l'histoire : rassurez-vous ce n'est pas du tout à cela que je pense, et je suis prêt me fendre à l'occasion d'une petite leçon de scénario pour ceux que ça intéresse -à bon entendeur,....

Merci donc à toute l'équipe donc pour ce  merveilleux film "nonobstantesque", puisque grâce à vous "il ne sera pas dit..."

[photo: ..mais pourquoi est-il si méchant ?]

RUBBER de Quentin Dupieux (France-2010)

Actualité toujours, et cette fois encore "Al-Pacino-Merci" car il est proprement impossible de ne pas remercier le ciel pour la démarche courageuse et passionnée de Quentin Dupieux, le réalisateur de RUBBER, quand il déclare aux Cahiers du Cinéma (je cite:) "chaques jour, pendant chaque dérushage, je ne pouvais m'empêcher de me marrer en me disant : je les encule tous (...), tous ces Canet (…) qui ont besoin de six cent mille camions de matos, je... "


...comment ne pas applaudir ? A moins que d'avoir vu un tel faire tirlipanpan deux ou trois fois par-ci par-là suffise à vous faire appeler cela un "parcours d'acteur" ? A moins d'appeller ces partouzes organisées qui permettent à tout ce beau monde  de faire gouzi dans un sens, puis gouzi dans l'autre un an après des  "productions" (regardez ce que cette pauvre Mélanie Thierry a du subir à Cannes pour rester avec sa bande de potes), à moins bien sûr d'être finalement dans la même situation qu'un personnage d'une chanson de Jean-Jacques Goldman qui "de moins pire en banal / finit par trouver ça normal "?

Il y a bien d'autres raisons de vénérer absolument l'auteur de cette histoire qui raconte les aventures d'un pneu psychopathe doté de pouvoirs télékinésiques. Certes, Quentin Dupieux est un auteur à référence : on  retrouve à nouveau une citation manifeste au cinéma de David Cronenberg (déjà évoqué dans STEAK) et à son sublime SCANNERS, ainsi qu' à l'humour non-sense des Monty-Python. Deux axes qui semblent définir les pôles de l'univers personnel de Dupieux à l'intérieur duquel il va forger sa dramaturgie et les proppres outils de son langage. Mais n'allez pas croire que ces références ne s'adressent uniquement qu'à des geeks déjà convertis qui n'attendent que de se retrouver en salles pour glousser à la face du monde sur des private-jokes qu'ils sont les seuls à percevoir. D'ailleurs ceux qui gloussaient le plus dans la salle étaient bien plus ceux qui représentaient l'intelligensia branchouille de nos Plus Grandes Ecoles. Mais pourtant, ils se sont arrêtés quand notre héros a eu sa phase lacanienne du miroir (étonnant non ?) ...

Ce qui sépare justement RUBBER de VIDEOGAG c'est bien justement le sérieux de sa démarche, qui pourrait presque effrayer par son jusqu'au-boutisme, dût-il être dans le registre du non-sens (pourtant tout le monde sait que les blagues les plus drôles sont souvent celles racontées avec le plus grand sérieux), non le problème – si on peut vraiment l'appeler comme ça – est que je ne sois pas sûr que Quentin Dupieux aie tellement envie de rire. Ce qui "nous" fait rire ne le fait pas vraiment rire lui, je crois, et dans ce sens RUBBER n'est pas qu'un coup de gueule envers la profession (par des démonstrations de maîtrise technique absolument sublimes et imparables, et  peu onéreuses) mais aussi envers le public à travers ce qu'il fait subir aux spectateurs à l'intérieur de son propre film.  La rasion de leur intégration dans sa narration, etce qu'il leur fait dire et ce qui leur arrive se passe, au final, de toute autre démonstration. En ce sens, et comme le démontre très bien le final, RUBBER est effectivement peut-être l'avenir de l'humanité (celle-là, je serais curieux des réactions au standart…) quand celle-ci aura compris ce qui la sépare vraiment du progrès.

[A noter que LJ Ghost nous avait déjà parlé de RUBBER. L'article est ici...]

[photo: "...you're talking to me ?"

PONTYPOOL de Bruce Mc Donald (Canada-2008)


Ah, alors désolé à nouveau, mais je vais me sentir obligé de faire mon geek: pour ceux qui lisent des comics, PONTYPOOL risquerait presque de vous faire figure d’affront. Ceux qui, en effet, sont familliers des auteurs de la Grande Invasion Des Auteurs Britanniques des années 90, et du travail de Grant Morrison en particulier (et sur DOOM PATROL plus préçisément) et de son penchant pour le travail sur le langage  de Williams Burroughs, vous risquez peut-être d’avoir comme une envie de vous faire rembourser la galette. Pas plus tard que la semaine dernière d’ailleurs, je suis encore tombé sur le même genre de twist que celui de PONTYPOOL, à titre anecdotique toutefois, dans les pages du premier tome de IRRECUPERABLE (traduit chez Delcourt) la nouvelle série de super-héros qui marche, scénarisée par le vétéran Mark Waid, comme quoi il y aurait peut-être finalement quelque chose dans euh, l’air du temps. Mais vous l'aurez remarqué : je cite, mais ne me plaint.Je vois ceci comme le retour de l'imagination au pouvoir et c'est très bien, parce que c'est aussi tout ce qu'il nous reste. Le pari était osé, mais par le biais d'un fantastique un peu connoté maintenant, Bruce Mc Donald  prône l’air de rien un retour à la poésie, à la pensée libre face à la désinformation ambiante et la tyrannie des discours de spécialistes, un appel véritablement, au retour du non-sense et de l’absurde, et peut-être pas n’importe lesquels. Un des personnages dit par exemple à un moment le mot "rhinocéros" et moi dans ces cas-là, qu'est-ce que vous voulez, j'entends "Ionesco".

Cette fois encore je pense que nous avons à faire à un petit budget, tout comme dans BURRIED, il s'agit d'un huit-clos, une station radio d'une petite ville en Ontario, tenue par trois animateurs qui se retrouvent confrontés à une émeute locale dont ils ne tardent pas à découvrir qu'elle est le fait d'une épidémie des plus étranges, je ne peux malheureusement vous en dire plus. La mise-en-scène est absolument classieuse, je pense notamment à quelques panoramiques fluides, sobres et somptueux qui maintiennent admirablement la tension du récit, les acteurs sont tous très bien, bref, kakamoulox vaincra, ET SURTOUT BONNE ANNEE.

[Un autre avis focalien sur PONTYPOOL? Essayez celui de Norman Bates. Si vous voulez bien me suicre, c'est par ici...]

Nonobstant2000

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[Photo: "Venus 2.0" d'après le film CATFISH]

[Photo : "Je n'en reste pas moins..." par Dr Devo.]

Scott Pilgrim sort avec une fille du lycée, joue de la basse dans un groupe de rock indépendant, rencontre une fille aux cheveux bleus, joue dans un tournoi de musique, suit la fille aux cheveux bleus, la fille à des cheveux rouges, sa copine n’est pas vraiment sa copine, les mots bleus ne rendent plus amoureux, Scott Pilgrim est amoureux de la fille aux cheveux rouges, Scott Pilgrim se fait attaquer par un indien, l’indien est un "ex" de la fille aux cheveux mauves, Scott Pilgrim joue à un jeux vidéo, Scott Pilgrim rêve, le colocataire de Scott Pilgrim est gay, Scott Pilgrim à trois colocataires, Scott Pilgrim se réveille, Scott Pilgrim à encore six ex (durs les ex) à battre, la fille asiatique à maintenant les cheveux bleus, bleus les cheveux sa copine asiatique a, Scott Pilgrim est sorti avec la batteuse de son groupe (qui a des cheveux roux) au lycée, Scott Pilgrim pense que la différence d'âge n’est pas un obstacle, Scott Pilgrim danse, la fille aux cheveux verts est dans les rêves de Scott Pilgrim, Scott Pilgrim réussit à se sortir d’un rendez-vous raté par une porte de sortie, un des ex de la nouvelle amoureuse de Scott Pilgrim (celle aux cheveux violets) est Jason Schwartzman, Jason Schwartzman est le producteur de l’ancien groupe de l’ex de Scott Pilgrim, l’ex de Scott Pilgrim veut se venger de Scott Pilgrim, Scott Pilgrim est insignifiant (il joue de la basse), Scott Pilgrim ne boit que du Coca Zero, Scott toujours, Jason Schwartzman est à la tête de la Ligue ou de la Guilde (il ne sait plus), Jason Schwartzman veut reconquérir la fille aux cheveux verts, le groupe de Scott Pilgrim gagne la finale, Scott Pilgrim gagne 7000 points et meurt, il reste une vie à Scott Pilgrim, il reste la confiance en soi à Scott Pilgrim, il reste l’amour à Scott Pilgrim, il reste du monde aux portes de l’amour, mort Schwartzman reste aux portes du mondes, game over, le colocataire de Scott Pilgrim est gay, la fille asiatique renonce à l’Amour, le rock indépendant triomphe, Scott Pilgrim pense que le factuel n’est pas inhérent à l’amour et que seuls les sentiments triomphent, Scott Pilgrim déclare que son score est Zéro.

Moi j’aime bien le début, la première demi heure qui part un peu dans tout les sens (aide : cette phrase ne veut rien dire), avec ce montage un peu foufou qui passe sans arrêt du coq à l'âne, de manière certes ultr- iconoclaste (ça fait un peu pupub quoi) mais avec des points de montages assez précis et des axes qui se répondent plutôt agréablement (y’a des raccords formels imppecab’). On se dit que bon, l’humour absurde et cette mise en scène qu’on pouvait déjà retrouver dans la série du gars Wright (SPACED) c’est plutôt des bonnes choses, des choses qu’on aime. Pourtant on sent bien que le rythme effréné du film ne va tarder à devenir franchement pénible, les plans de deux secondes se succédant sans interruptions au service d’une narration trépidante et fourmillante qui malheureusement souffre de fait d’un gros problèmes de rythme (puisqu’il n’y en a pas). Et au bout d’une heure, c’est foutu, le film est devenu un maelström de références geeks, voire nerds, assez effrayantes, le film devenant une sorte de compilation de jeux vidéos des années 80 esthétiquement ultra kitsch baignant dans une mare d’images de synthèses-comics frelatée. Le geek nostalgique de l’époque pourra s’écrier à chaque plan “tiens, j’ai joué a ça petit”, car les références au jeu vidéo sont omniprésente dans l’image comme dans le son, si bien qu’un mec qui n’a pas passé les vingt cinq dernières années de sa vie devant une console risque d’être bien vite perdu. Alors oui, on pourrait penser que c’est une sorte de pop art faisandé un peu comme dans SPEED RACER, sauf que contrairement à ce dernier, le propos est lui aussi infesté de culture vidéoludique, sans jamais être exploité autrement que pour le “fun”: pour sortir avec une meuf, le héros doit se fighter ses ex un par un dans une arène différente. Ouais c’est du jeu vidéo appliqué à la vraie vie, sauf qu’à la fin il gagne et se tape la meuf (SPOIL !) : tout ca pour ca ? Le film aurait pu être un jeu vidéo, donc par définition ne peut pas être du cinéma. Il n’y a pas de pont entre les deux médias, ce qui rend le film vain et assez débile si on prend le temps d’y réfléchir. La mise en scène qui pourtant partait d’une excellente base en voulant confronter l’interactif à un format linéaire (la pellicule) se retrouve dans l’illustration pure et simple. Donc pas de recul, pas de distance, et donc pas de poésie ni de cassure. Le truc se déroule jusqu’a la fin sans conséquence. Ce n’est pas un film, c’est un produit dérivé ou un goodies pour fan de jeux vidéo. Et puis il y a cette palette estampillée film indépendant qui devient franchement insupportable dans le ciné américain, Michael Cera, et aussi Jason Schwartzman au casting, mais aussi le rock gentillet de mecs en pull over, les actrices enlaidies pour faire plus vraies, le brossage du spectateur dans le sens du poil, tout ça sent le truc aseptisé qui plaira au spectateur trentenaire de Sundance.

Et pourtant on avait envie de l’aimer cette fille qui n’a pas la moindre trace de cynisme dans les sourires, qui sait rester digne malgré ses faiblesses, conserver sa droiture et son mystère. Il y a du charme dans ces amourettes de lycée qu’on a tous vécus, dans ces instants trop mièvres ou trop naïfs, dans nos cheveux victimes des désirs contrariés et contradictoires, dans la successions d’émotions qui font que l’amour est un danger. Pas un jeu vidéo. Et ce qu’il en est pour l’amour il en va de même pour l’art : la musique, c’est pas Guitar Hero ! A vouloir ériger cette sous-culture vidéoludique en art, Wright oublie que l’essentiel d’un jeu est le mécanisme situé entre le canapé et la manette, le cerveau donc, l’imagination et la sensibilité sont le siège du désir. Avachis sur un canapé devant une pute à gros seins ou avec une guitare en plastique, le plaisir reste masturbatoire. Au lieu de faire un grand film en forme de cyber conscience pour une génération qui voit la vie sur écran plat, Wright leur prête sa main pour les branler. On est en droit d’être déçu.

Norman Bates.

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[Photo: "Quenelles are a boy's best friends" par Dr Devo.]

Dr Devo dit : C’est beau l’amitié. Une main tendue qui devient l’épaule (mon dieu !) sur laquelle on prend soutien. C’est parfois un éclat de rire, un simple regard et l’on sait que l’autre a pigé. On se paye des coups, on va au ciné, on essaie des espadrilles au magasin en rigolant comme des enfants. Plus tard encore, on partage les malheurs, mais aussi les bonheurs, et on se réjouit de la réussite de l’autre. Et même si elle craque aux entournures, même si elle cède parfois, même si l’introduction est trop longue, on ne peut que se réjouir. Heureux celui-là qui a des amis…

Norman Bates dit : Mark Book traverse un campus désert, une nappe de violon résonne, un bruit métallique s’amplifie, le violon rejoint le métal, et tout résonne en cœur. Si c’était ca aussi faire du cinéma ? Dans une grande introduction je te présenterais mes amis, on dine chez eux ce soir et demain le golf. On mettrait de la musique relax, on parlerait comme avant et tout d’un coup votre violon unique laisse place à un truc effrayant : la technique. Ici c’est pas Paris, pas l’Amérique, c’est Internet et on découvrirait un jour que son meilleur pote écoute Charles Aznavour en loucedé quand il est triste, ou que cette jolie fille rencontrée au bar à 60 photos d’elle prise avec son portable.

Dr Devo dit : Chez nous, en Amérique. Avant-hier. Ce jour-là, M. Jospin reprend deux fois de la viande et Madame Michu hésite sur les motifs de sa nouvelle nappe. Pendant ce temps-là, sur le campus de Harvard.

Mark Book est un étudiant de la prestigieuse grande école. Ses amis ont des franges ou les cheveux trop longs. Lui porte le poil trop long et frisé. Ca plait. Comme tous les gens de son âge, il est un peu arrogant, un peu sûr de lui, un peu la tchatche, même si lui verse plutôt dans la ténébreuse geekitude plus que dans le chipster flamboyant. Un soir de cuite et de rupture, mais pas dans cet ordre, Mark invente un site pour noter les gonzesses au cadran, comme sur le marché de la viande de Loudéac. Trop lol, définitivement mdr, ses confrères étudiants sont trop ptdr et le site fait sauter le système informatique de Harvard. De fil en aiguille, de riches en chameaux, du coq à l’âne, Mark et son pote Ed Book commencent à travailler sur un site dérivé de cette première expérience. "Ce qui fait marcher le monde, Coco, c’est avoir  une "date", voire faire du zizi, être dans un chouette club de mah-jong, ou s’inscrire sur la newsletter de Matière Focale. Et puis poster des photos de sa copse en maillot de bain, et là tout le monde sera trop :-)."

Sans le savoir les deux alcoolytes ont créé le site LivreVisage. Mais c’est quoi créer ? Comme disait Quentin T., sont-ils "artist" ou "artistic" ? Le contenant ou le contenu ? L’architecte ou le concepteur du plan ? Le concept ou la clé à mollette ? Et le youki qui met du blé de maille dedans, hein, c’était qui ?

Norman Bates dit : La part de création et de technique, ce qu’il en reste chez l’homme, le Ying comme le Yang, ca aurait pu être la rengaine toujours renouvelée de l’Histoire : je construis une amélioration qui en sont sein engendre exactement son contraire, je crée un réseau pour rapprocher les gens, je donne naissance à une génération encore plus individualiste que la précédente. C’est le principe de la bombe atomique, des radios libres et de la variété française : chaque découverte, chaque nouveauté porte en elle sa propre négation. Dans ce sens comment avancer ? Mark Book à une idée, ce n’est même pas vraiment la sienne, c’est l’idée d’une génération : exposer sa gloire sociale aux yeux des autres dans un monde ou les vrais amis se comptent sur les doigts d’une main. Lorsque tu réponds à un commentaire sur une vidéo d’un chat trop mignon qui fait du piano, à l’autre bout du monde un papillon se pose dans la nouvelle villa d’un actionnaire grabataire. Création d’une tour de babel 2.0 où chaque propos est vidée de son sens, chaque discussion rendue stérile par une nécessaire mise en scène de soi même : passer de l’intime à l’extime, c’était donc ça ce violon diluée dans le métal, ce chant du cygne avant que tout ne soit chirurgical ?

Dr Devo dit : Le focalien a tendance à dire, avec la justesse et la rigueur qui le fondent lui et chacun de ses actes, que le succès ou l’insuccès arrivent toujours pour de mauvaises raisons. Fincher incarne sans doute cette méthode du hasard et de la bêtise. Le type n’est pas un mauvais bougre, il a même pas mal de moyens. Le ZODIAC par exemple, avec sa démarche de guingois avait une ou deux bonnes scènes et un structure finale vraiment surprenante, puisqu’il s’agissait de faire patiner le film jusqu’à menacer de ne pas aller à son terme.

…BENJAMIN BUTTON, malgré quelques qualités formelles, était déjà fort convenu. Depuis FIGHT CLUB, ça patine et puis c’est tout, se dit-on. On n’est pas fâché, mais on est bien content qu’il ne débarque pas à la maison toutes les semaines.

Est-ce justement là le profil de l’ami moyen (médian plutôt) sur LivreVisage. Je ne traiterais pas de cette question dans cet article, mais on a bien senti dans le paragraphe précédent que je faisais des efforts pour mettre en avant une "ligne éditoriale".  Car, voyez-vous, je joue le jeu et je cherche des amis. Ceci étant dit et fait, lâchons les chiens et faisons un peu de journalisme total.

LE RESEAU SOCIAL, le film, existe déjà en fait. On en a même déjà parlé sur ce site. Il s’agit du film STEVE ANDRE. Allez-y voir c’est maxi-délicioso ! Et la vérité triste, le constat tragique, c’est que ce film aurait du être réalisé par Benoît Forgeard dont toute l'œuvre tourne autour de la communication 2.0. Que sont un homme et un slip modernes ? Quels paradoxes pour quels enjeux citoyens ? C’est le fil rouge des films du bonhomme.

Norman Bates dit : Les nappes électroniques, les écrans d’ordinateurs, la profusion des symboles, la difficulté de parler à une fille, la facilité de niquer dans les chiottes : je viens de changer d’avatar, passant d’une photo de moi à la plage à une photo où je suis bien avec ma copine. Le regard, c’était encore au siècle dernier ou ca existe encore ? Peut-on faire du sport sans qu’il soit l’étendard de notre gloire ? Et niquer, est-ce exister ? En faisant croire que la communication entre les êtres est facile, on a en a dénaturé la notion du soi, jusqu'à cliquer sur play pour savoir ce qu’aime l’être aimé. Mais découvrir l’autre, c’est avant tout créer un espace physique, prendre corps dans la dimension réelle, ne jamais faire confiance au fantasme. Internet, l’usine à fantasme, la mécanique des rêves, c’est Justin Timberlake en Lucifer séduisant qui fait mine de découvrir à l’aube que Facebook existe (Facebook à toujours existé, mais avant il était caché). Vous avez vus ces plans ? Tout est trop beau, trop propre, trop parfait. Comme si au milieu des petites gens qui composent Facebook il n’y avait plus aucun grain de sable. Vous qui entrez ici, perdez toute confidentialité : votre vie est aux mains de gens cools et sympas. Photographie high tech, musique électronique, phrasé geek, pas de doute, le film parle de la génération qui engendre des génies du vide, des stars virtuelles et une religion digitale : Dieu est un nombre qu’on ne peut pas atteindre. Du coup il n’est pas étonnant d’avoir 500 amis virtuels et un seul ami réel qui vous lance un procès : la dialectique réelle de l’amitié à été détruite.

Dr Devo dit : LE RESEAU SOCIAL, le film, est donc un remake. Un Remake de STEVE ANDRE. Mais là où ce dernier se voulait documentaire, jusqu’à suspendre le cours de la fiction normalisée (puisqu’on est censé assister en direct à un événement, et que le film l’est, tourné en direct), Fincher choisit une option tout autre en convoquant ouvertement (non sans courage, même) la fiction. LE RESEAU SOCIAL n’a aucune velléité documentaire directe. Ces personnages, contrairement à ceux de STEVE ANDRE (cf. Stéve André lui-même bien sûr, et surtout l’humoriste Mouquette) sont de pures créations, et c’est tant mieux car, finalement, si les conséquences sont parfois paradoxales, les situations de départ de RESEAU SOCIAL sont simples comme bonjour. Un parti pris chouettosse, donc.

C’est la grande force de RESEAU SOCIAL. Faire une bonne fiction, bien cuisinée, une cuisine d’homme en quelque sorte. C’est sûr qu’il est tentant de faire un film sur LivreVisage, et pas seulement pour des raisons commerciales. Mais Fincher n’en a que faire ! Yummy yummy ! C’est là, la bonne trouvaille. Mark Book et Ed Face n’ont jamais réellement existé. Les acteurs, plutôt bon, ne leur ressemblent pas, et pour jouer le personnage de l’inventeur du logiciel musical Munster, Fincher, non sans humour, va jusqu’à convoquer Justin Timberlake qui n’est pas vraiment un artiste underground !

Alors, si LE RESEAU… ne raconte pas ce qu’il est censé raconter, il raconte quoi au juste ? Ce n’est pas pour faire mon chipster justement, ni pour faire ma chochotte que je vous répondrais que le gars David, il fait non pas un truc, mais deux en même temps. Et cela est extrêmement logique car le premier truc dont il nous cause, c’est justement le fait deux choses en même temps ! Funny ! Non ?

Et ca démarre même sur les chapeaux de roue avec une première scène totalement réussie. Le film commence sur une conversation, pas sur une action. On comprend très vite, comme si le film attendu se fissurait dans les premières secondes, ce qui est en train de se passer. Cette scène über-fictionnelle n’est pas une scène "réaliste"  dans le cadre d’une fiction de film, c’est carrément autre chose : c’est tout bêtement une scène de tchate qui n’a pas lieu dans un bar, mais sur internet. Plusieurs conversations en même temps, dont certaines se perdent d’ailleurs, on répond à la première question alors que la deuxième est déjà posée (décalage des réponses), une réponse à la question C répond en fait à la question B mais est quand même considéré comme telle (et en plus cette réponse "erronée" puisqu’elle commente la mauvaise question, répond quand même bien à la  mauvaise question!), recentrage de la conversation, raccourcissement des temps d’écoute et de composition, recherche des sous-entendus, volonté d’y mettre un terme qui échoue, et, au final, le clash ! Ca a duré trois minutes et tout est dit ! En plus, Fincher fait le montage de ce dialogue de manière ultime, poussant le jeu des réalisateurs médiocres (c’est à dire presque tout le monde, vu que presque plus personne ne monte les dialogues) jusqu’à l'extrême et la destruction : il finit par faire un champ ou un contrechamp par phrase, ce qui est très marrant car, bien sûr, les phrases sont de plus en plus courtes comme je le disais. C’est en quelque sorte une idée vulgaire, un peu à la Oliver Stone, bien placée, et punk. Donc belle. Faire deux choses à la fois (ici deux conversations en même temps, prétendant quelquefois être la même ou interchangeables), c’est le premier sujet. Fincher me fait alors délicieusement frissonner car je me dis à ce moment là : "C’est plutôt un film sur notre utilisation quotidienne d’internet, et pas sur LivreVisage spécialement, et la réalité qu’on va voir n’est que factice : c’est une représentation, d’où le bon choix de la fiction." Je me demande comme il va incarner en action et en mise en scène les temps de téléchargements, l’utilisation de Gogole le moteur de recherche, la différence mac/pc, les jeux en ligne, le point de Goldwin, les différentes utilisations selon l’âge, la pornographie, etc… Ca va être délicieux !

En fait, il ne fait pas vraiment ça, mais il tente un autre truc, assez intéressant aussi…

Car en effet, dans les minutes qui suivent cette brillante introduction, un étrange sentiment s'installe. Peut-être à cause de cette musique, une espèce d'electro ambiante qui ne parvient pas du tout à rassurer, et même au contraire (le retour vers la chambre et la traversée du campus, en générique, moment proprement glaçant). Puis, nous mettons le doigt dessus un peu plus précisément. Harvard est une espèce de microcosme, certes, mais valant pour le Monde. [Ce sont les seuls connectés, on dirait!] Et le portrait est effrayant. Ultra-intelligents, über-chipsters, des études grandes comme des corons en bassin minier, des réparties dignes des meilleurs soaps, une langue précise et sur-affutée, et des porte-monnaies plus grands que le PIB du Gabon sur les dix dernières années: ces gens, ce sont des humains normaux, mais dix fois plus puissants en tout que nous, pauvres hères. Voilà qui calme drôlement. Derrière leur courtoisie hallucinante, s'organise quelque chose de plus bestial. Un travelling dans un bus (très beau, mais effroyable) nous fait goûter du bord des lèvres l'ultra-violence de ce monde. Ce régime de jeunes femmes nous terrifient. Les emmène-t-on vers l'abattoir? Sont-ce des pièces de musée? Des actrices pornos? Le film est-il un remake de SOCIETY ? Un étudiant prend la parole et déclare qu'ici, c'est le monde. Mark Book n'a fait qu'une chose: concevoir un outil qui est la réplique exacte de cette société huppée et intelligente.

Ces gens beaux et brillants, et là je suis sincère, sont terrifiants et parfois malgré eux. On à l'impression d'avoir trouver le nid, l'usine de Surhommes ! On découvre alors horrifié que Naziland existe et que c'est nous, le cœur de l'occident, qui l'avons mis en place. L'homme parfait existe, et en des centaines d'exemplaires. La pouponnière existe. Premier constat. Pas étonnant que Fincher ait cherché pendant le générique à installer une ambiance "breakfast at the bodysnatchers"!

La troisième lame qui coupe le poil de notre espérance, c'est la taille. La taille, ça compte ! Le sport! Le podium! Plus que le pouvoir, la course mystique à la première marche anime ce monde, de A à Z. Pas étonnant que Fincher ait placé au cœur du film une séquence ostensiblement décalée du reste (mise en scène, photo, etc...), celle de la compétition d'avirons, beau passage d'ailleurs. En Terre Sainte (l'Angleterre), la lutte distingue le plus fort sans aucune ambiguïté et ça, les jumeaux l'ont bien compris. On leur dit "vous avez fait une belle course" et eux ne sont pas d'accord, puisqu'ils n'ont été que deuxièmes. Faire une "belle course", quelle belle affaire! On n'est pas là pour faire des jolis tableaux! On est là pour la gagne. La séquence montre bien que la compétition physique, la force, est un système nettement plus sain que la compétition intellectuelle. On sait qui a gagné et qui est responsable de quoi. La création de LivreVisage change la donne: il n'y a pas vraiment de créateur, les cerveaux sont multiples. Qui a créé LivreVisage? La réplique revient plusieurs fois: si vous étiez l'inventeur de LivreVisage vous l'auriez créé! Lapalisse rencontre Lewis Carrol ! Mais Mark Book, en disant cela, a raison. LivreVisage lisse tout. Les résultats du match sont moins clairs. Le seul objet de compétition sera-t-il avoir le plus d'amis?

Norman Bates dit : Dans un loft super sympa, au milieu des jeunes qui vivent et qui s’amusent, il est forcément cool de travailler pour des choses cool. En fait, du point de vue de la mise en scène c’est totalement l’inverse. En faisant mine de disséquer une génération, de pénétrer chez les gens, Fincher rajoute un vernis sur ceux qu’il filme. Décors aériens, plans amples, variétés des supports, LE RESEAU SOCIAL c’est le GERMINAL du XXIème siècle. Comment on traite l’homme, comment le travail à changé, mais comment au fond c’est toujours le petit qui paie. Le LivreVisage est un nouveau socialisme, une exposition de la meilleure face, fait par des jeunes et pour des jeunes et qui "connecte" de fait. C’est une descente dans la mine, et au fond, on découvre non pas l’affreuse réalité, mais une réalité suffisante : alors qu’on s’attendait à un combat des idées, le LivreVisage renvoie à tout le monde la même chose. Il y a l’usine nouvelle, le monde de demain, mais Fincher filme un jeune connard misanthrope qui a envie de niquer. Portrait d’une génération, certes, mais portrait quand même. On fait bien de la musique avec des ordinateurs, alors on peut vous jouer du pipeau deux point zéro, vous pourrez dire sur votre profil que vous trouvez le film « tro cool car il é 1trenzijean et ne fé pa de kdo o kréateur ce vieu geek ka pa dami lol ». C’est ca le crime ! Fincher fait porter la faute sur le créateur ! Quelle blague, c’est peut être lui le moins à plaindre dans l’histoire. Dans un monde où 500 000 000 de connards s’inscrivent sur un site qui sert avant tout à partager des photos d’eux bourrés et où un mec arrive à générer de l’argent par tractopelle entier grâce à eux, il n’est plus de salut ultime. Chacun cherche son reflet, son avatar dans la page de l’autre. Même le créateur n’existe plus, qui le connaît ?

Dr Devo dit : Bon, Naziland et la compétition, c'est dans le film et c'est assez effrayant, je l'ai dit. Hélas, les choses se gâtent. Le film était une représentation du monde en ligne, et un éloge du Suprême. Dans cet ordre. Fincher pourtant ne rembraye pas sur ces axes et décide de faire... le contraire !

Et c'est là, les mais que le film bascule dans le documentaire-fiction! Il devient effectivement le biopic de Mark Book. Le film devient le film du procès. Il perd son effroi mythologique, cette panique sourde qui est la nôtre devant des corps et des esprits si supérieurs. L'horreur de la programmation sociétale s'efface au profit de l'historiette. Jamais Fincher ne parviendra à continuer la description du monde-ligne. La piste est clairement abandonnée. Le film passe en mode" individuel". LE RESEAU SOCIAL devient un film de Monsieur-Madame. Adieu ambiguïté. Entre ici, Benoit Forgeard avec ton cortège de films fantômes (cf. l'épisode de LAÏKAPARK avec l'enregistrement de la musicassette). Fincher trouve son Youki et lui donne du nonosse. Mark Book devient un concept hollywoodien: une quête, des contre-quêtes, trois actes, une motivation (sa petite copine en plus!). Il a créé LivreVisage parce qu'il était malheureux. En fait, il est seul. C'est une blague?

Norman Bates dit : En même temps, on écrit où on veut ! Plus les espaces de libertés virtuels fleurissent, moins il est possible de les détourner : en politique comme dans la vie, on nous parle souvent de liberté pour mieux nous la sucrer, c’est le grand truc des gens qui gouvernent. Tant que les petits génies de l’informatique servent les intérêts des plus grands, c’est la connivence des Dieux. En bas, le media est un moyen de plus de détourner la parole. Le procès est entre gens invités, pas de public dans La Décision La Plus Importante Du Monde. Fincher convie tout le monde dans ce Yalta nouveau genre, mais le piège était là. On est au cinéma, les méchants sont identifiés, les gentils sacralisés, et tout le monde peut retourner se coucher. LE RESEAU SOCIAL, ou rien de nouveau sous les étoiles. On a déjà vu ca cent fois : Mark Book est une rock star, un homme politique, un footballeur ou le plus prestigieux tailleur de slips. La traitrise de Fincher c’est de faire rentrer au panthéon des gens qui comptent, les gens qui content. Sous un fond ambigu de dénonciation/admiration, Ficher essaye de se faire des amis des deux cotés. LE RESEAU SOCIAL ca devait être la mailing-list de Schlinder, pas la rafle des oscars façon BENJAMIN BUTTON. Aujourd’hui je le dis, Fincher à serré la main des nazis, il a abdiqué pour ne plus faire qu’une illustration à la Vichy, une pastille facile à avaler à destination des clients du LivreVisage. C’est comme si on s’apercevait à la fin qu’il n’y a aucun juif caché dans le plancher !

Dr Devo dit : C'est ça le problème de Fincher. Il veut faire des films. De vrais films. Des films qui ressemblent à des films de cinéma. Il aurait pu faire une œuvre punkoïde, un grand-film monde qui dit plusieurs choses à la fois. Mais, il veut faire un vrai film. En quelque sorte, Fincher paye son succès. Il est dans la position inverse de Roger Avary. Loin d'être un film sur LivreVisage ou Book, LE RESEAU SOCIAL est un biopic de Fincher sur... Fincher. Il était malheureux parce qu'il avait perdu sa "copine" (cf. AUSTIN POWERS). Bah ouais.

On est loin de l’effroi lovecraftien qu'on devinait en début de partie. C'est assez triste.

Norman Bates dit : Je dirais même plus : Fincher ne veut pas changer son statut !

DIEU DIT: DR DEVO ET NORMAN BATES SONT SUR FACEBOOK.

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[Photo : "Mon dernier Chabrol" par Norman Bates.]

Le week end à été très chargé à l’étrange : les plus gros films étaient diffusés en guise de bouquet final, et très tôt les séances furent complètes (nous partîmes plus de 5000 !). Il faut dire qu’entre la réputation sulfureuse de A SERBIAN FILM ou la frustration indue par l’attente d’une hypothétique sortie en salles de RUBBER ont fait monter l’audimat en flèche. Et que dire du très attendu MONSTERS qui fait saliver tous les geeks du monde alors que la sortie en salles n’est prévue qu’en décembre... Ce dernier week end sera pourtant le théâtre de bien des rebondissements : entre les films ultra attendus qui déçoivent et les films qu’on attendaient pas qui surprennent, entre les stars croisées dans les couloirs et celles qui ne sont pas là au dernier moment, ce dernier chapitre promet d’être palpitant et haut en couleur.



A SERBIAN FILM de Srdjan Spasojevic (Serbie 2010)

Avant de parler plus avant de ce film, il faut tout de suite préciser une chose : il y a une rumeur, lancée notamment par Les Inrocks (je sais pas !) qui prétends que le film à été coproduit par le gouvernement Serbe. C’est totalement faux, c’est le scénariste en personne, présent pour la projection qui nous l’a assuré. En fait c’est même l’inverse : c’est le film le plus indépendant de Serbie puisque c’est le seul à n’avoir reçu aucune subvention alors que la loi Serbe l’impose (tout film Serbe à droit à une subvention s’il est terminé, chouette pays). Tant mieux pour tout le monde, c’est quand même plus sympa quand la politique ne se mêle pas du cinéma (la politique n’utilise le cinéma que pour de mauvaises raisons, au moins dans 99% des cas). Ceci étant dit, on va quand même parler du film.

Donc oui, je passe sur le buzz absurde, sur l’interdiction de la projection aux femmes enceintes (!) et sur la quantité de connards venus dans la salle pour voir l’objet du scandale afin de dire à leurs potes à la fin de la séance qu’ils ont “même pas eu peur” (c’est du vécu). D’ailleurs c’est sans doute les mêmes qui applaudissent pendant les scènes les plus trash, donnant à la projection un coté super malsain qui doit plus au public qu’au film...

Pour ne pas faire durer inutilement le suspense, A SERBIAN FILM c’est du vent. Le film est totalement raté, incapable d’exister en dehors de la l’ultra violence qui le caractérise. Il n’y a aucun recul, aucune subtilité, le film est totalement politique avec un message énaurme qui passe aussi finement qu’un CRS dans un camp de rom. En fait de politique c’est d’ailleurs aussi réfléchi qu’un discours de Miss France : tout ça pour dire que la guerre c’est mal ! Bah ouais coco, la guerre c’est comme se faire violer un par un par les membres de sa famille, tu la sens ma grosse métaphore ? Ou comment justifier l’injustifiable avec des formules style “plus y’a de violence dans les films, moins y’en a dans la réalité” (sorti par le scénariste du film après la séance). Et ouais c’est pratique de dire ça, mais quand on parle du film personne n’évoque la mise en scène calamiteuse, la photo ultra moche ou les acteurs en dessous de tout. Tout le monde parle de la violence du film, et c’est bien là que le bas blesse. Vous mettez un gamin avec un marteau dans les mains dans une pièce et vous observez le résultat, c’est presque plus artistique que A SERBIAN FILM. Non, ce qui est vraiment malsain dans cette histoire, c’est la réaction ou la fascination du public devant un truc pareil. Je veut bien comprendre que les mecs qui ont fait le film ont subis la guerre de plein fouet, et dieu sait que la guerre de Serbie fut un des conflits les plus horribles du monde, mais si chaque victime de la guerre commence à faire son film de merde dans son coin en le justifiant par la guerre c’est trop moche et regardez moi comme j’ai souffert, on est pas au bout de nos peines. Même Kurt Cobain a écrit une chanson sur les femmes Bosniaques ! Foutez nous la paix, on y est pour rien dans vos souffrances, on va quand même pas au cinéma pour se coltiner la misère du monde, y’a les Journaux Télévisés pour ca....


RUBBER de Quentin Dupieux (France 2009)

L’ami LJ à déjà parlé du film au moment de sa sortie à Cannes, et je suis complètement d’accord avec lui. Le film est un peu décevant, niveau mise en scène même si c’est plus beau que 90% des films français il y a quelques problèmes, notamment de sur-utilisation de focales courtes. Sinon j’aime beaucoup l’idée qu’un réalisateur de film doive empêcher le public d’aller pisser ou de manger pendant un film, voire même qu’il doive tuer les spectateurs si ils ne comprennent rien au film. Je sais j’ai vécu ça dans la séance précédente, j’aurais bien aimé qu’ils crèvent. Bref, je vous invite à vous reporter au texte de LJ.



LA BONZESSE de Francois Jouffa (France 1974)

Tiens on parlait de cinéma politique un peu plus haut : ici c’est un peu ça, en étant quelque chose de tout a fait différent dans le même temps ! Film scandaleux, censuré lors de sa sortie, jamais vu ou presque en France, La BONZESSE fut le seul film de Francois Jouffa qui nous a confié presqu’en larmes au terme de la projection que la presse et même sa famille l’avaient limite répudiés après avoir assisté à une projection. Séance riche en émotion, pour un film surprenant, véritable oeuvre d’art avant d’être un film politique.

Dieu sait que l’idéologie hippie, le bouddhisme et les périples à Katmandou ne sont pas ma tasse de thé, pourtant j’ai trouvé le film d’une justesse et d’une beauté incomparable. Sans doute parce que le film, avant d’être un requiem à la libération sexuelle et à la spiritualité est une oeuvre personnelle et sincère, dont la recherche d’une esthétique occulte tout autre point de vue scénaristique. Francois Jouffa, assistant de Francis Leroi ou de Barbet Schroeder en son temps nous avouera même regretter d’avoir trop écrit son film ! C’est quand même pas tout les jours qu’on entends ça, surtout en France, le pays ou on écrit tout parce qu’on s’imagine qu’on est des descendants des lumières, qu’on est super intellos avec nos BHL de compet’ qu’on envoie dans le monde entier donner des leçons aux gens, qu’on écrit des critiques de 15 pages sur un film qui met en scène un nazis qui fabrique des chenilles avec des vrais gens et des chiens.


Julie est une étudiante en philo qui décide après avoir lu Schopenhauer de devenir prostituée : elle contacte une célebre maquerelle  parisienne qui lui enseigne les bonnes pratiques du métier et les gestes qui sauvent. Très vite la clientèle du bordel s’entiche de cette petite nouvelle au physique de gamine qui déclame du Spinoza au lit. Cependant, le sexe pas plus que la philo ne comblent son angoisse existentielle : elle décide de partir en Inde pour se faire prêtresse, et au contact d’une culture millénaire trouver l’équilibre mystique auquel elle aspire et les réponses aux questions qui la hantent....

La majeure partie du film se déroule dans un bordel parisien, à l’époque bénite où ils étaient encore autorisés, avant que Mme Chirac ne fasse passer une loi pour les interdire (selon le réalisateur la famille Chirac avait ses habitudes dans une maison de ce genre, ceci entraînant cela). La vie de bordel est fabuleusement retranscrite, milieu de femmes expertes au caractère bien trempé qui érigeaient leur travail en artisanat du plaisir, qui entre deux salons plaisantent de demandes d’hommes particulièrement créatifs et qui s’affirment comme premières femmes libres du fait de leur pouvoir dans la cité. Premier film SM Francais, certaines scènes choquent encore aujourd’hui (et on est loin de la Serbie pourtant) de part la tristesse que dégagent certains passages. Tout est ramené au sexe, tout les petits jeux sociaux de dominations ou de pouvoir, dans un théâtre un peu absurde ou la chair est le terrain de jeux d’hommes perdus ou accomplis. Constamment bercés entre l’humour et les larmes, le spectateur s’attache à ses femmes et a leur petite vie bien plus respectable que la plupart de leurs clients. Le film ose tout mais ne se permet rien, il est d’une justesse et d’une modernité qui fait mouche même aujourd’hui. La mise en scène magistrale (rien que le générique est une leçon) et la photo toujours magnifique malgré les années subliment le personnage de la femme intelligente, belle et mystique qui est l'héroïne du film. C’est lorsqu’abusée et délaissée par les hommes avides d’argent (bon là ok c’est clairement hippie) qu’elle part à l’autre bout du monde se recueillir que le film explose dans un bouquet final qui renvoie aux fondement de toute foi : la dispersion de l’égo dans la musique du monde. Cette fin est d’une sobriété écrasante, tout en retenue et en non-dit, et elle hante longtemps après avoir quitté la salle...

En même temps le film est très paradoxal : d’un coté c’est extrêmement vulgaire, le milieu des prostituée étant rempli de personnages emblématiques et variés qui s’expriment très cruement, avec des dialogues bien gras, d’un autre coté c’est le dépouillement sacré, la spiritualité et l’intellect qui prévôt. De ces paradoxes on atteint là un des échecs du mouvement hippie, à savoir l’incapacité à traiter le mal, la perversion et l’excès. Quand la chance tourne, quand les rencontres se passent mal, c’est le tapis qu’on tire sous les pieds des personnages, le tapis qui cache le gouffre. C’est assez beau ce numéro d’équilibriste, car on tombe des deux cotés de la corde avant de faire le malin et de pouvoir dire qu’on a trouvé un sens à sa vie. La plupart des personnages sont tombés d’un coté ou de l’autre et crèvent doucement, dans cette société post soixante huitarde qui s’annonce. Ils ont loupés le train et restent là où ils sont tombés et bientôt ils crèveront sans voir qu’ils ont donnés naissance au siècle le plus individualiste de tous. C’est très émouvant dit comme ca, et en même emps ca fait New Age, oui c’est vrai, mais la très grande sincérité et la conviction emportent l'adhésion.



MONSTERS de Gareth Edwards (UK 2010)

Film évènement au buzz internet comparable au très mauvais DISTRICT 9, réalisé avec trois fois rien par des anglais inconnus et présenté en avant première ce soir, MONSTERS surfe sur la vague de politique/SF en faisant débarquer les aliens cette fois ci au Mexique. Alors oui on a droit au cliché sur les gentils mexicains pauvres exploités et les méchants américains capitalistes belliqueux, mais pas trop quand même. Le contexte politique est en effet rapidement mis de coté et n’est pas du tout utilisé comme faire valoir comme dans son grand frère et ses aliens-crevettes. Même si le scénario ultra prévisible nous déroule une romance dont la fin est connue d’avance, même si rien ne vient entacher cette mécanique ou l’on devine systématiquement le dénouement de chaque scène, MONSTERS prouve qu’il est avant tout un film de mise en scène en se payant le luxe de prendre le spectateur par surprise uniquement grâce à un montage et un rythme rarement vu dans un film de ce genre. Loin de taper dans le style docu-fiction à base de caméra à l’épaule, MONSTERS est un retour aux histoires d’aventures “pulp” des années 50, partageant de nombreuses similitudes avec un film comme LA GUERRE DES MONDES. Il n’est pas ici questions de faire des scènes catastrophes bourrées d’images de synthèses montées avec une suite de scènes de 2s, le film prend le temps d’introduire les personnages, de tisser des liens, d’observer l'environnement et de contempler la nature pour mieux faire ressortir la violence de l’invasion. Dans un scope absolument somptueux (la projection en numérique fut de toute beauté), le réalisateurs privilégie les grands plans panoramiques pour mieux utiliser ses aliens immenses qui écrasent de leur présence les pauvres humains apeurés. Les très beaux effets spéciaux  un peu cheap rappellent l'esthétique des illustrations de comics des années 50 avec ces formes poulpoïdes et tentaculaires qui se meuvent dans les cieux. La grande force et la grande réussite du film vient des ses aliens quasiment toujours hors champs, ou tapis dans l’obscurité, sans doute dû à des contraintes budgétaires fortes qui du coup sont un atout pour le film. De plus le rythme assez lent du métrage et les grands plans larges font ressortir et ressentir l’immensité de l’ennemi et la fragilité de l’homme bien plus que dans n’importe quel blockbuster mettant en scène des aliens. La force tranquille, écrasante, donne un ton désespéré au parcours des deux héros. En bref une assez bonne surprise, à voir sur grand écran uniquement.



[...]




...bon là je commence à saturer, c’est la cérémonie de clôture, on nous passe des courts métrages chiants comme la mort, ils veulent peut être qu’on parte, je sais pas, faites nous un signe, là j’ai vu une version de BUFFY réalisé par le mec qui a fait TARNATION, c’est ignoble, voire même pire que ca, c’est une meuf Chloé Sevigny qui croit que les yeux rouges dans les photos c’est des démons, maintenant on enchaîne sur un court super long ou 5 meufs bourrés se font violer pendant qu’une mère de famille n’a plus de pile dans son sex toys, j’imagine que le message du film c’est qu’un viol c’est comme un sex toys qui marche plus, enfin c’est peut être pire, je sais pas, mais là c’est trop surtout qu’avant de se faire violer le film a bien durer 20 minutes, 20 minutes de rien, d’essayage de fringue, de gens qui dansent et qui boivent, des gonzesses style SEX AND THE CITY, les pires, celles qui parlent que de fringues et de sexe sans qu’on sache vraiment si elles font la distinction entre les deux, je vais partir discrètement, oui c’est ça, je prends mon sac je me faufile, je sors, une lumière, Paris PARIS PAAAAARRRIIIIISSSSS....

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[Photo : "My Name" par John Devo d'après le film PONTYPOOL.]

Rock’n’roll, c’est le mot. Après un lundi entièrement musical, l’étrange festival reprenait ce mardi ses diffusions, malheureusement sans votre serviteur coincé dans les transports de la jungle parisienne. Rock’n’roll jusqu’au bout puisque ce soir les films à l’honneur c’est LEMMY un documentaire sur le chanteur de Motorhead et THE RUNAWAYS, biopic sur le groupe éponyme. Mais rock’n’roll aussi les films qui disparaissent, les remplacements de dernières minutes et les imprévus qui viennent mettre un peu de piquant dans une mécanique par ailleurs fort bien huilée : ainsi ce soir on ne pourra pas voir le très rare BLACK OUT qui s'annonçait pourtant des plus intéressant. Tant pis, we love rock’n’roll après tout !

THE RUNAWAYS c’est le nom du groupe de Joan Jett, soit disant (j’en sais rien) le premier groupe de rock féminin à la charismatique chanteuse qui enflamma le monde dans les 70’s. Le biopic à vu de nez n’a pas grand chose de rock’n’roll : les deux principaux rôles sont dévolus aux deux gonzesses de TWILIGHT, la mignonne Kristen Stewart vue dans le très bon ADVENTURELAND (qui montre qu’elle sait quand même jouer un minimum) et Dakota Fanning qu’on a connus toute petite. De plus le film à été surveillé par Joan Jett elle même pour s’assurer de l'authenticité des faits (ce qui n’est jamais une bonne chose quand on veut faire un film interessant)  et le scénario écrit d'après le bouquin d’une membre du groupe. Bref, on est en droit de craindre le pire...

THE RUNAWAYS à été fondé par un producteur qui voulait proposer une alternative aux gros groupes de rocks quasiment tous masculins de la fin des années hippies : c’est lui qui a composé le groupe en allant chercher les filles dans des nights clubs. Son principale critère de séléection c’est le physique, son ambition principale étant de faire un gros coup en “vendant de la chatte”. C’est ni très rock’n’roll, ni féministe comme démarche, mais ça a eu le mérite de marcher. Le producteur en question est interprété par Michael Shannon, l’excellent Michael Shannon de BUG, un espece de David Bowie hystérique et macho qui va pousser les filles à bout alors qu’elles n’ont que 16 ans... Très vite on tombe dans le combo classique : drogue, sexe et rock’n’roll...

Autant vous dire tout de suite que le scénario n’a strictement aucun intérêt. L’histoire des Runaways est la même dans les grandes lignes que celle de n’importe quel groupe de rock qui a eu son biopic. C’est la construction classique naissance/apogée/chute avec son lot de tubes d’époques, de costumes et de clips certifiés authentiques qui feront verser une larme au fan quadragénaire. On peut donc très rapidement oublier le son (un enchaînement de musiques entendues milles fois) et  le scénario. OK. Bon ben il reste quand même pas grand chose quand on prend uns par uns les leviers de la mise en scène su septième art....

J’imagine que le principal intérêt du film doit être de voir le duo d‘actrice de TWILIGHT sniffer de la coke, se torcher le cul défoncé et pisser sur des guitares en hurlant que c’est trop rock’n’roll. De ce côté là on est tranquille le cahier des charges de la posture type est respectée : manteaux en cuirs, chaînes, doigts tendus pendant les concerts, scènes de bad trips... Ouais sauf que c’est de la posture, le film est tout sauf rock’n’roll : les filles auront beau cracher et se masturber devant la caméra, il manque l’élément essentiel pour faire un film punk et sauvage : la jouissance ! En accumulant des clichés et des détails trop vrais, en suivant une chronologie paisiblement et en adoptant une narration chiante à mourir, toute velléité artistique est anéantie. On est dans l’illustration sage, même en faisant un film pseudo féministe et choc. C’est du toc tout ça ! Il n’y a aucune ellipse, aucun mystère, aucun montage, pas de volonté de tout bousculer dans la texture même de l’image. Le film est aussi punk qu’un t-shirt Che Guevara dans une fac de lettre ! Même la photo de Benoit Debie, pourtant un des meilleurs chef op’ du monde est sage et gentillette. Bon c’est meilleur que la moyenne des films qui sortent en salles tout l’année, il y a quelques somptueuses lumières ici ou là, quelques cadrages qui sortent de l’ordinaire, mais dans l’ensemble le film est d’une pauvreté abyssale qui se fait ressentir douloureusement à partir de la seconde partie interminable. Tout est à l’image de cette scène ridicule du fer à repasser : tu sais exactement ce qu’il va se passer au moment ou elle répond au téléphone, le montage sert complètement le scénario et le fer à repasser brûle tranquillement sur le t-shirt. Tout sera du même acabit, on voit les scènes arriver à des kilomètres...

Que ce soit LEMMY ou THE RUNAWAYS, le rock’n’roll n’est pas dans la retranscription fidèle de l’existence d’une rock star ! Le rock c’est des marginaux, des rats crevés, des mecs qui  haïssent la vie, qui veulent juste baiser mais qui y arrivent difficilement, qui n’ont jamais compris dans quel monde ils vivaient ou qui l’avaient tellement bien compris qu’ils en pourrissaient sur place, dont le seul moyen de rendre la vie un peu plus belle c’était d’envoyer valser tout les codes qui maintiennent un semblant de calme là où il ne devrait y avoir que fureur... Tout ces biopics “people” et ces documentaires de chanteurs milliardaires qui se congratulent les uns les autres c’est juste l’appropriation par l’industrie du cinéma de l’industrie du disque. En économie on appelle ça une concentration verticale, et en cinéma ou en musique on appelle pas ça du rock ! On aimerait que cet esprit ravagé et désespéré ne traverse pas que les personnages de l’oeuvre, mais l’oeuvre elle même. Que ce soit plus Etrange Festival que festival de Cannes quoi...

A bientôt,

Norman Bates. 

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[Photo: "Between Me and the Good Thing" par Dr Devo, d'après une photo de l'actrice Patricia Neal.]

Chers Focaliens,

Il n’y a pas de secret, c’est dans la cave qu'il fait le meilleur pendant l’été. Ces considérations étant faîtes, passons au Cinéma…

Leonardo Di Caprio a un drôle de métier puisqu’il consiste à entrer dans le subconscient des gens, à y implanter des rêves où lui, son équipe et la pauvre victime se baladeront sans que l’infortunée ne s’en rende compte. Ainsi, la fine équipe peut récupérer divers secrets bien gardés. Voilà qui pourrait envoyer valdinguer Sigmund Freud et Karen Young (ha bah, voilà !) dans les greniers de l’histoire. Mais plutôt que de soigner des névroses ou chercher ou le séminole-killeuh à planquer sa dernière victime (cf. THE CELL, beau film !), Léo La Pizz’ vend ses services à des multinationales aux intentions moins nobles et souvent à la gâchette facile tant les enjeux sont colossaux. Et tout se complique lorsqu’un richissime PDG japonnais a l’idée d’inverser les règles du jeu,  non pas en volant des secrets industriels dans la tête d’un de ces adversaires, mais au contraire en implantant une idée de son cru. La victime est le sympathique Cillian Murphy jeune héritier d’une holding surpuissante. La mission est la suivante : entrer dans sa tête, construire un rêve, et y déposer une idée étrangère qu’il prendra pour la sienne : défaire la holding familiale en la vendant à droite et à gauche. Mais si voler des idées de la tête des gens est possible, en déposer contre la volonté de la personne visée est impossible en principe… Di Caprio prétend le contraire : il suffit de faire des rêves enchâssés les uns dans les autres… Mais l’opération n’est pas sans danger…

Alors, voilà, ça y est, après quelques semaines de sortie et de belles polémiques à droite et à gauche (pourquoi ce gros affrontement pro contre anti-Nolan d'ailleurs? Est-on obligé de prendre partie?), je ne peux plus me soustraire à donner au Monde mon splendouillet avis sur la question...

Je m'entendrais assez facilement avec mon autre moi-même pour dire que sur le papier, voilà un film qui paraît assez appétissant. Nolan n'est pas un révolutionnaire, c'est entendu. Il n'empêche que INCEPTION commence sous un beau jour. Après une tiny-weenie-mini introduction pour rassurer Madame Michu, on attaque assez vite dans le gras du sujet. Les situations s'encastrent vite, et on déploie la pelote tranquilou, sans hâte mais sans s'ennuyer. Les personnages sont carrés, profilés façon série B (ce qui est tout à fait classique, mais qui a apparemment posé problème à beaucoup, curieusement), un peu comme dans un jeu: le boss, la petite architecte, le doc', l'expert psy, etc... Le jeu est très compréhensible. La voie du film semble tracée et on voit à peu près comment la chose va se déployer, malgré d'ailleurs la longueur assez importante du métrage. D'un point de vue scénaristique, et je crois que c'est là le problème pour le gotha, on assiste à un paradoxe assez intéressant, preuve que Nolan sait plutôt écrire: plus on avance, plus les choses se simplifient (allez ici, faire ça, etc...), plus on sait très bien où nous en sommes dans l'action, et dans le même mouvement, plus les règles du jeu, et donc les règles du rêve se complexifient à l'extrême. C'est un des points qui marchent dans INCEPTION, très certainement. Vous trouverez une vidéo sur le net, très rigolote, qui veut "démontrer" que plus le film avance et moins les personnages savent comment le système marche, jusqu'à ce qu'on subodore qu'eux-même, les spécialistes ne pigent goutte à tout ceci! Je trouve que non seulement c'est juste, mais qu'en plus c'est une bonne idée. La raison pour laquelle les régles evoluent ainsi est assez charmante: c'est qu'on se place dans une espèce d'expérience ludique, comme dans nos jeunes années. On dirait qu'on irait dans les rêves. Oui, mais on ne peut pas mourir. Oui, mais on dirait qu'on peut souffrir. Oui, sauf si on est dans le deuxième rêve encastré... Oui, sauf si tu fais ceci ou cela... C'est bien joué, car au final, la logique du jeu, c'est la logique narrative, la structure même du récit qui se veut bondissante et malicieuse malgré la "gravité" du sujet, et qui ne l'est que partiellement d'ailleurs, bondissante, on y reviendra. Ici et là, dans des petits détails ou dans le jeu d'acteur (ça tourne souvent autour de Ellen Page d'ailleurs, ici plutôt chouette), à mesure que le sujet dérape (car on change de sujet en court de route), les personnages dans une ou deux attitudes plus distantes semblent s'étonner eux-même de voir certains échafaudages ou certains retournements de tons. Bien.

Ceci dit, il faut bien que j'avoue que INCEPTION me pose largement problème, malgré mon inclination pour un thriller se passant dans le cadre chahuté et contradictoire du rêve. Cette grosse histoire, un peu plus complexe que la moyenne (mais bon, ce n'est pas du Greenaway non plus!), Nolan se fatigue à en expliquer les règles, les personnages et les enjeux. Ca demande de l'huile de coude. Et au bout d'un certain moment, sans le dire, le sol se dérobe un peu, et on sent bien qu'on est en train de faire complétement autre chose, et grosso modo, sans dévoiler le bidule à ceux qui n'ont pas vu le film, on se retrouve en face d'un jeu de bonneteau. Et le sujet n'est pas là où on le pensait. Quand on voit la chose se mettre en place, même si la mise en scène n'est pas super-renversante, et j'y reviendrais, on se dit: "Ohouiohouiohouiohouiiiiiiii, ça va être délicieux, fais moi l'amour, grand fou!"

Respirons. Bon.

Bah désolé, c'est exactement là, à ce point précis du basculement, là où le sexy devient érotisme étonnant, promesse de plaisir lourd, bon et puissant, c'est à ce moment là, dis-je, que INCEPTION se montre le plus décevant et montre ses limites! Elle est triste ton histoire , docteur. Bah ouais! Préparez vous kleenex!

Non pas que le décor s'écroule (toujours dispenser une métaphore critique empruntée au film, ça fait pro!), non pas que INCEPTION, belle de loin, soit loin d'être belle! Rien de tout cela. La chose est plus triviale: plus le sujet est passionnant, plus les maladresses et les coutures malheureuses sont dans la lumière.

Tout d'abord, Di Caprio, ou plutôt son personnage. Quoique que je n'ai absolument rien contre le personnage de Marion Cotillard, élément de trouble dont j'aime assez les pertubations les plus fugaces, et c'est une très belle idée de personnage,  je trouve que l'intrigue  "amoureuse" est très mal gérée. Nolan semble avoir craint de présenter une "situation" (je parle en codé) trop simple, trop proche de la nôtre. Je me suis même dit en court de projection que cette histoire, trèèèèèèès lourdosse, faisait aussi partie du jeu qui s'alourdissait, à l'image du paradoxe que je relevais plus haut. Si c'était l'intention, ça fait pschiit, pour des raisons scéanristiques et notamment, la séquence de l'ascenseur vers le lieu du drame qui arrive trop vite. Devant l'explication des relations Cotillard-Di Caprio, on se trouve un peu pantois: la situation est totalement romantique, mélodramatique dans le sens hollywoodien du terme, et au moment du choix, on ne peut pas dire qu'on sente l'amertume ou le courage du choix Di Capriesque. Ca, c'est pour le papier. Dans la praxis, Nolan se montre bizarrement figé quand on vient à parler de ces deux personnages, pourtant au coeur du film: il marche sur des oeufs, il ne veut pas les maltraiter, et on dirait même qu'il a peur de gaffer avec eux. Au final, les deux personnages semblent un peu baignés dans le formol, et ça coince. Leur situation paraît trop métaphorique, trop immaculée. Pour avoir vider le noeud de son film de tout paradoxe, pour une quête plus hollywoodienne d'identification, Nolan scie fatalement l'arbre sur lequel il compte nous assoir, et ça c'est de la métaphore, les Cocos! C'est très curieux d'ailleurs de voir comment il retient Di Caprio (qui n'est pas un acteur chaud bouillant, certes, mais quand même...), comme il semble lui demander de ne rien faire qui ne soit pas balisé. Cotillard, plutôt chouette, est aussi retenue, presqeu en otage aurait dit Oscar Wilde! Fichtre!

Alors le mélo et le rose bonbon, c'est chouette. Mais ici, ça donne le goût de trop peu. Et pendant tout le film, on assiste alors au lent processus d'alchimie raté. Car les bonnes idées, et il y en a, on les voit aussi! Mais le ver est déjà dans la pomme. Ce qui va manquer au film, c'est la folie!!!

Christopher Nolan, où sont tes années folles? Où as tu mis tout ton rock 'n' roll?

Le scénario n'est pas trop mal avec quelques bonnes idées ça et là. Il nous fait transporter une valise pour finalement nous dire que c'est pas la bonne (comme les enveloppes, tiens!). Il y a certaines idées visuelles (le vide du décor final, la ville comme une jetée, la ville qui s'écroule, le train qui débarque, etc...). Le principe est très rigolo, et... Pas grand chose! Des rêves enchâssés, quelques basculement (et encore pas violents, hein?) de logique au profit de chose plus "poétique", ici et là quelques touches subjectives comme je disais plus haut (et encore pas énormément, les personnages semblent trop peu souvent influencer la tonalité ou l'action, ou alors pas tous les personnages, ce qui est quand même une sacré limitation, voire de l'autocensure). La réalité devrarit non seulement se dérober, mais aussi disparaître, se flouter, s'éloigner, etc... INCEPTION, ça devrait être un film de Philip K. Dick!!! Bon sang de bonsoir! Ca devrait être un film foufou ! Nolan devrait se ballader dans le couloir du palace 5 étoiles tout nu, le caleçon sur la tête en hurlant des grands « yooouhouuuuuhoooooooooo »! Ca ne devrait pas être un sujet à la place de l'autre, ça devrait être une symphonie wagnérienne de manipulations, parfois contradictoires! Il devrait y avoir trois sujets en même temps, ça devrait être quantique! Toutes les hypothèses, même celles qui s'annulent devraient être absolument véridiques! Il devrait y a voir du plaisir et du sang sur le dance-floor quoi!

Et on a quoi à la place: un petit "trois-actes" des familles, à peine plus compliqué que d'habitude, quand bien même le film ne soit pas antipathique!

Ménager Mr Seguin et le chou-rave,c'est cool, je suppose, mais ça va cinq minutes. Il y a un moment où on veut embrasser, malaxer et faire l'amour dans mille positions d'étonnement et de malice! INCEPTION, c'est du flirt, certes, mais c'est aussi du coïtus interruptus!

[Tant pis si on ne peut pas plaire à tout le monde, après tout... A moins de s'appeler Yannick Noah, Bernard Miner ou Nicolas Hulot, on ne peut pas être copains avec tout le monde. Alors, pourquoi se priver?]

Et puis, il y a la mise en scène, et au fond c'est là la deuxième lame qui empêche tout poil de repousser! Même si on n'est pas dans le cataschtroumpfisme de BATMAN BEGINS, malheureusement, et paradoxalement même, malgré des effets spéciaux très au-dessus de la moyenne et plutôt réussis dans l'ensemble, le film ne décolle jamais sur le plan plastique. Il y a pourtant énormément de bonnes idées. La ville qui s'effondre à la fin du film, c'est une bonne idée. L'intérieur de la ville par contre, c'est beaucoup moins bien et presque laid même, par endroit. L'entrée dans la ville avec Page et Di Caprio, ca ne rend pas trop mal, mais le champ contrechamp sur la plage quand ils débarquent (évidement quand on fait que du plan rapproché, ca fait studio, on n'y croit pas, surtout qu'nsuite on fait pareil, en ne mettant que des très grand plan d'ensemble!), bah ça marche pas. La première balade dans Paris, avec l'histoire du miroir qui nous met en boîte est caractéristique: voilà une très bonne idée, dans un passage très calme en plus, mais la mise en scène est affreuse. Nolan tient pourtant là une idée visuelle amusante. Et je crois savoir pourquoi! Attention, je vais vous dévoiler la chose!

Nolan a toujours eu un peu de mal avec son échelle de plan. Grosso modo, comme 97,43% de ses confrères, dés qu'il aère, c'est à dire rarement, c'est déjà beaucoup moins laid! Mais en général, ce n'est vraiment pas le cas et don ce n'est pas beau. C'est terne. Il n'y a pas de malice. Pas d'axe (ou alors des axes affreux, comme dans les 5 premiers plans du film), pas de rupture d'échelle, pas beaucoup de jeu de photographie, pas assez de cassage du champ/contrechamp, pas assez de rupture (malgré la belle idée des vitesses)! Comme d'hab' quoi! Sauf qu'ici, je me suis demandé si Nolan avait changé d'opérateur, car même dans ces petits plans caviardés et sans ampleur, sont trèèèès laids parfois (cf. la scène des miroirs donc, par exemple). Plus que dans ses autres films. Et évidemment, on peut reprocher aussi beaucoup d'autres choses, comme cette poursuite en ski rigolote (tout le monde est en blanc sur fond blanc!) et bien chorégraphiée, mais bousillée par une enfilade de plans américains !

Trop timide, pas assez abstrait, avec un coeur scénaristique mal géré (le couple Di Caprio/Cotillard), pas assez de paradoxe, jamais quantique, INCEPTION est aussi caractéristique des défauts de mise en scène habituel chez Nolan et ses confrères, et elle est ici encore un poil de nez minorée par un cadrage parfois plus laid qu'indigent. Et malgré tout, de bonnes idées ici et là, un bon changement de direction en loucedé et en plein milieu, beaucoup de bonnes idées, un système ludique du rêve, des personnages secondaires plutôt sympathiques, etc... Et c'est bien joué, avec un beau casting (il y a même mon petit chouchou, Lukas Haas, qui traîne dans un coin!).

Il n'y a finalement qu'un moment où le film fonctionne complétement: l'arrivée de Cillian Murphy, décidément très très bon acteur, très au-dessus du lot, dans la" chambre". Là bizarrement, malgré l'aspect mélodramatique, ça fonctionne, c'est beau, et on découvre un peu d'abstraction (finalement, on ira au bout de la soi-disant intrigue principale (en la retournant d'ailleurs!), en même temps que la "vraie intrigue principale"). Bref, ça vit! [Notons un peu de jeux de son dans la première demi-heure également...] INCEPTION n'est pas antipathique. Certes, on peut enlever 15 bonnes minutes voire plus rien que retouchant les points de montage. Oui, c'est décevant. Oui, cette histoire d'opérateur n'est pas bon signe pour Nolan, tout comme l'affreuse scène finale d'aéroport qui devrait être hallucinante et nous plonger dans l'effroi et qui, en plus de vouloir faire des bisous à tout les spectateurs (Tata Jeannette, le cousin Kevin, Madame Michu et Mathilda, votre petite soeur en Khâgne) est absolument laide. Oui, il y a quelques bonnes choses. Mais oui aussi, malheureusement, Nolan veut faire des films qui ressemblent à des films.

Il fait donc du cinéma qui ressemble à du cinéma. On attendait Elvis,on attendait Stockhausen, et on a Johnny! Tu la sens la déception qui monte?

Allez, bisous!

Dr Devo.

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[Photo: "Mon Espoir S'appelle Intégrité" par Dr Devo.]

Décidément c’est l’été des films de monstres ! (meilleure phrase d’intro de tout les temps : actualité, culture, sentiment général en enfin opinion comme estoquade finale, jeunes journalistes prenez en de la graine) Après l’excellent SPLICE, revoilà les Yannick Noah de l’espace qui s’offrent un retour en fanfare  puisque le film est signé Nimrod Antal, auteur de films plutôt intéressants jusque là (KONTROLL et MOTEL), et produit par Robert ”mariachi” Rodriguez qu’on ne présente plus. Le film PREDATOR c’était quand même quelque chose à l’époque, grosse machinerie bourrinasse comme en fait plus dans nos années 2000, avec des vrais hommes qui sentent sous les bras et des vannes bien senties entre camarades du même sexe partageant les mêmes opinions sur la morale et sur le monde. Une belle bande de penseur en somme, menée par un Schwarzy au top de sa forme physique et dans son poids optimal, des muscles a en faire peter le scope d’un McTiernan ne tapinant pas encore habillé en femme à la sortie des studios universal. Ambiance club de gym pour homme : parfait pour dératiser la jungle entre potes au son des mitrailleuses lourdes, le cigare à la bouche. Deuxième point commun avec SPLICE, c’est encore Brody qui s’y colle, et dans le rôle du yakayo de service en plus, tête brûlée commando parachuté dans un endroit inconnu avec une bande de militaires supra entraînés balancés eux aussi en pleine jungle sans savoir pourquoi.

Ça commence de très jolie manière, par une longue chute se terminant par un atterrissage brutal en pleine jungle. C’est tout. Pas d’autres explications quand aux raisons de ces parachutages : il y a 8 gars, une forêt et une femme ninja, tous sont militaires sauf la forêt et le médecin, personne ne sait pourquoi ils sont là. Les militaires viennent tous d’un pays différent, à l’oeuvre dans des conflits différents. Très vite ils s'aperçoivent qu’ils sont l’objet d’une chasse à l’homme...

Loin d’être un remake du premier film (je dis ça mais j’en sais rien, je me souviens plus du premier) PREDATORS ressemble d’avantage aux CHASSES DU COMTE ZAROFF : une course dans la jungle, des humains traqués par des prédateurs dont ils ignorent tout, derechef sur une planète inconnue et qui devront faire avec leurs semblables inconnus pour espérer s’en sortir. Entre deux fusillades dans les bois, les militaires traqués peuvent ainsi découvrir leurs histoires respectives et parler littérature pendant les bivouacs (Hemingway semble être très apprécié). Oui ça fait un peu club de rando, mais très vite les premiers morts vont venir clairsemer les rangs de nos amateurs de belles lettres, et c’est au prix du sang des leurs qu’ils apprendront avec effroi ce qu’il se trame vraiment sur cette planète (et qu’Hemingway n’avait pas totalement tort !).  Aventure humaine, conte philosophique et introspection métaphysique au coeur de la bestiale condition humaine ? Pas vraiment en fait, même si les protagonistes du film se font beaucoup de soucis à propos de l’affaire bête en cours...

Comme je l’ai dit plus haut, le début du film est très bien, très direct, on est mis tout de suite au parfum. Le montage est plutôt surprenant et la mise en scène y va franc du collier. Pas d’artifices épileptiques comme tout les petits malins qui comblent leurs absence de talent par des images rapides et des flash trépidants, c’est du carré à hauteur d’homme. Pourtant en avançant dans le film quelque chose se met très vite à clocher : le cadre est quasi fermé, il y a énormément de gros plans pas vraiment jolis (visage sur la gauche ou la droite laissant une grande place à un arrière plan flouté), la caméra ne s'élève jamais, ne prend que très rarement du recul et les perspectives de fuites dans la composition des plans sont inexistantes. En fait c’est très simple : le film doit se dérouler dans 3 décors différents pendant presque deux heures ! On bouffe de la jungle tout le temps, ça devient très vite oppressant. Pareil dans les scènes en intérieur, les décors sont tout le temps similaires. Il faut pas être claustrophobe quoi ! Et bizarrement, ça marche plutôt bien : le film est quasiment un huis clos, presque théâtral (beaucoup de dialogue mine de rien, unité de temps et de lieu, trois actes) dont le spectateur connaît dès le début tout les protagonistes (sauf un, mais on s’en fout) ce qui donne au final un étrange sentiment d’absurdité à tout ça. Qu’est que se passe vraiment ? Quel est le vrai enjeux du film ? Qui est chassé ? Le rapport chasseur/chassé change tout le temps pendant le film, chacun se cherche à tour de rôle, comme un jeu. Et la fin enfonce le clou : c’est peut être un jeu, le seul, le plus grand des jeux. Et là on touche à un truc plutôt beau, très nihiliste, très noir. Je met un paragraphe tout neuf pour l’occasion.

“Celui qui se fait bête se débarrasse de la douleur d'être homme.” à dit un jour Hunter S Thompson, sûrement après une descente de coke. Ben oui, c’est ca : Brody, même si il fait la gueule un peu au début est super content d’être là, c’est sûrement le plus grand truc de sa vie de devoir endosser la responsabilité de représenter l'espèce humaine dans ce jeu, et il y prend beaucoup de plaisir. En un sens, si on s’attache à la toute fin, on pourrait presque comprendre que tuer fait la grandeur de l’homme. L’homme n’est jamais plus intelligent et doué que pour détruire ou tuer. Il ne s’agit plus de survie : la plupart des personnages préfèrent se suicider ou se sacrifier plutôt que d’échouer. Le japonais par exemple, dans une scène un peu ridicule, mais aussi le russe, la fille, etc... C’est l’honneur qui est en cause, c’est tout a fait différent de la survie. La survie c’est un peu triste, c’est pas ce à quoi on aspire. Une fois que Brody à battu le monstre, il n’y a plus d’amour (la aussi c’est un peu kitsch), l’orgasme était presque pendant le corps à corps avec l’ennemi. Cette planète, c’est ni l’enfer, ni le purgatoire : c’est la vie. On se retrouve parachuté dans un monde qu’on ne comprends pas, et où on doit trouver nous même nos alliés pour subsister. Et là toute cette mise en scène fermée prend un sens : le monde nous étouffe. On se raccroche à des visages familiers pour se rassurer oublier qu’on est de la viande, et que le monstre, l’ennemi, c’est la même viande que nous. La mise en scène se rapproche de ces hommes, parce que c’est la seule chose qui leur soit possible de faire : se rapprocher pour lutter face à un danger immense. La société est une nécessité face à l’adversité. PREDATORS c’est une emission de KOH LANTAH où les perdants sont exécutés, ce qui ne change pas l’enjeu final : faire sortir la bête humaine pour donner un aperçu du coté résolument atavique de l’Homme.

Norman Bates.

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[Photo : "En direct de Moscou" par Norman Bates et Alfred Hitchcock.]

Nouvelle avant-première, nouveau combat: cette fois ci un distributeur nous invite, lui, au moins. Ravi par la nouvelle, coup de fil en PCV du Dr Devo, "j’ai une mission à te confier, prend Carxla Brunegeld avec toi et filez tout deux au bout de Paris pour la projection de DOUBLE TAKE, ca commence dans 1h". Aussitôt le téléphone raccroché, on se rue vers les taxis et nous voila en pleine guerre froide, année 1962/80 pour être précis, Hitchcock cherche son double pour le tuer, la piste est encore chaude…

L’Histoire du monde est un polar dont il difficile de s’extirper : chaque action entraine des multitudes de réactions les plus diverses influant sur les destinées de millions d’hommes  inconnus et redoutables. Ballotés dans l’Histoire, l’individu ne doit sa subsistance que par l’illusion de la compréhension : heureusement il y a la TV qui nous dit quoi acheter, où en est  la guerre et quand il va pleuvoir. La TV c’est l’information partout en 1962, c’est les fusées qui explosent dans des salons cosy aux couleurs marron jaunes (le film est en noir et blanc) et des Nixon pas encore sous verre (gloire au crapaud hypno !). Mais c’est aussi Hitchcok qui à la TV annonce que le cinéma sera mort quand les vessies rétréciront, que les pubs viendront s’immiscer au milieu des films et que les petits écrans seront les cartes postales d’adieu des écrans immenses voués tel des dinosaures à mourir sous leur écrasante faiblesse. Hitchcock se bat contre son double pour le cinéma. Dehors l’Amérique se bat contre l’URSS pour pouvoir faire du cinéma.  Au milieu, des millions de spectateurs applaudissent le premier chien de l’espace à passer à la TV. Il y avait peut être de l’espace avant la télévision, personne n’en est sur, mais dorénavant l’espace s’incarne dans le living-room, entre les 33 tours et les pulls angoras. De même que la lutte contre l’ennemi communiste prend forme et mouvement dans les premières émissions diffusées dans un réseau national : toute l’Amérique est connectée à la même source, l’information de masse peut commencer. Les russes ont perdus la guerre car ils ont préférés l’espace à la TV, oubliant au contraire des américains que l’espace EST à la TV. La guerre froide c’est la première guerre de l’image, et c’est ce que DOUBLE TAKE tend à montrer.

 Rassurez vous, c’est quand même du cinéma, donc un vrai documentaire, enfin. Le sujet est traité de l’intérieur, c'est-à-dire en racontant tout autre chose, et avec n’importe quoi d’autre. Utilisation d’images d’archives, on est dans le film de montage (russe) essentiellement au service d’un thriller médiatique qui utilise Hitchcock comme prétexte à la justification de l’art face à la guerre médiatique. Quand les hommes sont broyés dans la marche des siècles, heureusement que les mécaniques anonymes gigantesques engendrent des œuvres sensibles qui rappellent l’importance de l’esprit. Au moins le cinéma réchauffe le corps et l’esprit, et si on ne survit pas avec le cinéma mais il nous sauve quand même. Tuer le double : c’est le thème de l’essai de Borges et le fil conducteur du film. Il ne doit rester qu’un seul Hitchcock, qu’un seul bloc, qu’un seul café, même si ce sont les mêmes : il n’y a pas de place pour deux choses similaires dans le monde, vouées qu’elles sont à se haïr. On ne hait jamais mieux les autres que soi-même, comme deux aimants se repoussants l’un l’autre. Il n’y a que la différence qui survit, et cette différence induit la forme, le mouvement et l’art.  Même images, musique différentes. Mêmes images d’époques, messages différents. Vous voyez où on veut en venir ? Le processus de destruction/création est une vue de l’égo, jamais fondamentale.

Et par conséquent le message progresse : image + son + mouvement = média, mais pas comme un mensonge. La guerre est décidée au journal télévisé, jamais avant. La télé de masse engendre le double à des quantités commerciales, vouant la spécificité individuelles aux bancs d’une nouvelle façon d’être le monde en le regardant vivre en direct.  C’est le prisme dans lequel  esprits aiguisés et critiques font émerger d’une création un sens unique qui est le seul compréhensible (au sens premier), c'est-à-dire qu’un grille-pain est différent alors d’une télévision ou d’un cinéma. La fonction n’est plus la spécificité du média, c’est Laika dans son Spoutnik en orbite autour  de la terre : un esprit primitif enfermé dans un cercueil en alu qui tourne autour du monde, jusqu'à l’infini, condamné comme dans le film de Kubrick à regarder l’humanité dans une vitre teintée. Enfant des étoiles, star de la TV bientôt enfant de la guerre et demain chef d’état, le XXème siècle en pente douce vers le monde d’aujourd’hui, ses pubs et ses écrans, ses conflits journalistiques et l’ouverture du champ médiatique à n’importe qui. Si aujourd’hui tout le monde participe à un réseau globalisant, c’est parce qu’hier les gagnants et les assassins ont écrit l’histoire et dévoilés les images. Tout le monde veut rentrer dans la danse, car l’existence passe par les médias. Peut-on dire j’existe et je suis différent sans le proclamer sur son blog, à la TV ou dans un journal ? La question du soi et de sa reconnaissance est la conséquence de la dilution des égos dans la représentation du monde  depuis que le monde est devenu un ensemble d’image. La conscience de soi nait dans les yeux des autres, donc sur les écrans des autres. Je suis Hitchcock, je suis connu pour mon physique reconnaissable et mes films, mais aussi parce que j’ai écrit des livres, présenté une émission de TV et donné naissance au cinéma du futur dans un Hollywood aussi violent et subversif qu’un film de Victor Fleming.

Prenez chaque écran, chaque émission, chaque spot de pub, chaque film d’Hitchcock diffusé pendant la guerre froide : chacune de ses images est une carte postale d’un événement, chaque carte postale est mélangée est donne lieu à un énorme jeu de pistes en 4 dimensions (historique, sensible, sociologique et fantasmagorique (chaque vision du passé est un fantasme ! pensez y en vous rasant !)) : voila à quoi ressemble le film. Vous êtes un explorateur du futur, vous avez votre fouet et votre chapeau bien en main, et vous vous lancez à la poursuite d’Hitchcock au milieu de fusées en train de décoller, des chefs d’états se serrant la main, de cafés insolubles et de sosies ventripotents cachant bien des secrets inavouables. L’enquête devient ce que vous en faites, le film se crée selon ce que vous voyez et comment vous le ressentez, et bientôt les images toutes mélangées sont à l’origine d’un message limpide : il n’y a pas d’Histoire sans spectateur.

Tout ca avec de l’humour, mais un peu trop d’Histoire, de belles choses souvent dans le son et dans les images granuleuses qui sorties des temps forment de nouveaux motifs encore jamais vus, de beaux montages d’images de films d’Hitchcock, mais qui malgré tout ne peut s’empêcher de laisser sur la fin un petit gout aigre qu’on dirait sorti d’un autre réalisateur bedonnant et bien vivant celui-ci, a savoir Michael Moore et ses images de chefs d’états marionnettes. C’est un peu le bas qui blesse de ce projet intéressant, à mi-chemin entre la sociologie et l’art plastique, sauvé par le charisme du bedonnant réalisateur. Au fond même si on parle de sujets graves et importants, la forme sait rester volubile et jubilatoire : que faut-il demander d’autre au cinéma ?

Norman Bates.

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[Photo : Résurrection post-téléthon [géniaaaal !] par Norman Bates.]

En 1932 Céline écrivait que l’amour c’est "l’infini mis à la portée des caniches". En 2009, CANINE est projeté à Cannes et fait scandale en représentant la structure la plus sacrée de l’humanité comme une introduction au fascisme dans un style proche du SALO de Pasolini ou de LA GRANDE BOUFFE de Ferreri : du crade, de l’ignoble dans une grosse caricature noire très appuyée des travers de chien de notre espèce. 

Dans CANINE une carabine est un bel oiseau blanc ; une foufoune, une grande lampe. Coude-coude.

Dans CANINE le père est roi d’une famille élevée dans la croyance d’être des chiens, vivant tous dans une maison hermétiquement fermée au monde extérieur et seul périmètre du film. Les enfants sont éduqués uniquement par leurs parents, sans aucun contact avec le monde. Le père surtout est responsable de leur éducation, et c’est lui qui très tôt à inculqué à sa progéniture la haine des chats. La mère suit aveuglement le père, sans trop l’ouvrir non plus. Le jour ou les chiens/enfants perdront leurs canines, ils seront libres de sortir à l’air libre, et de découvrir le monde. Avant ils doivent parfaire leur éducation, forcément biaisée car il n’y a d’éducation sans remise en cause, aveuglément  assenée par le père sans scrupules. Les enfants ont pour modèle le père, unique référentiel  en contact avec l’extérieur.

Enfin pas exactement, puisqu’une vigile de supermarché (sic) (coude-coude) est payée par le père pour assouvir les besoin sexuel du fils. C’est de là que viendra la contamination : en faisant entrer dans la maison des éléments de plus en plus déstabilisants (produits de l’extérieur, cassettes vidéo, perversions sexuelles) toute la mécanique du père se retrouve grippée, et petit à petit, tout l’édifice se fissure, laissant des brèches dans lesquelles l’horreur va surgir, de plus en plus grandes, de plus en plus béantes, jusqu'à tout foutre en l’air, tout détruire dans un gigantesque maelstrom dégeulasse., jusqu'à que le père perde.

Le sexe fout la merde. A partir du moment ou le sexe est offert aux enfants, chaque caresse est une souffrance désirée, la frustration nait du désir ou de la contrainte souvent associée dans le même élan.

Car (ca n’a rien à voir) dans CANINE rien ne nous sera épargné : massacre de chat à la cisaille, scènes pornographiques, inceste, zoophilie, caresses diverses et variées, maillots de bains une pièce, jeux régressifs et obscènes,  le jeune réalisateur grec charge la mule petit à petit jusqu'à l’overdose dans une construction somme toute assez lente, ou doucement s’accumule un catalogue des pires horreurs de l’humanité, dans une sorte de constance pour le coup bien animalière. Dans les documentaires animaliers, on nous rabâche sans arrêt les mêmes scènes d’animaux effectuant les mêmes besognes ataviques qui semblent devoir constituer leur seule occupation : bouffer, boire, naitre, se reproduire et mourir, pour quelques espèces plus médiatiques  faire sauter quelques ballons dans une piscine, mais à part ca toute cette joyeuse ménagerie s’empresse de faire tout le temps la même chose sous les regards ébahis d’adulateurs du « règne animal » fascinés par la constance qu’a la nature à ne faire constamment qu’une seule chose dans des variations infinies. Et bien ici c’est pareil : des spécimens humanoïdes évoluent dans un dispositif proche de la téléréalité, et on observe des gens ne rien faire constamment jusqu’a pousser de haut cris en geignant de ce que l’humanité à de pire quand on enlève les paréos et qu’on arrête de faire tourner les serviettes, chorégraphie cacochyme de connards surnuméraires se retrouvant soudains tout nus et devant porter le fardeau d’une vie qui n’a jamais eu aucune justification. Si on enlève les scènes chocs destinés sans doute à faire aboyer le bourgeois (j’imagine bien les réactions outrée à Cannes entre deux coupes de champagne) et somme toute bien inoffensives, le film m’a procuré la même fascination que l’observation prolongée d’un aquarium sous xanax.

Dommage parce qu’il y avait quand même un certain potentiel. Formellement  déjà, il y a un parti pris, pas de mon gout mais qui donne quand même une certaine patte au film, à défaut des dents affutées tant espérées : le cadrage et les compostions assez épurées des plans tiennent à la fois d’un catalogue de meuble et de la dernière FIAC, façon petit génies style Martin Parr qui jouent sur les codes des sociétés riches modernes pour composer une espèce de dérivé light du pop art à base de cynisme et de satire très convenue de la société de consommation. Mouais. Tout ce cirque qui se voudrait choquant et subversif donne quand même de violents coups de coudes dans les côtes du rebelle bien pensant du quartier St Germain, qui ira sans doute s’extasier sur la façon super bath de représenter  la nature humaine dans ce qu’elle a de pire. Personnellement, je trouve que c’est plutôt un gros cache misère racoleur essayant de cacher un film d’étudiant rempli d’intentions jamais développée en termes de mise en scène. Pas de son, montage vigneron et formalisme de rigueur, le long déroulement du film manque d’accident et d’aspérités.  A peu de chose près, CANINE était un grand film malade et autiste. Tel quel, CANINE est un petit film cadre dans les assurances qui vous montre des accidents horribles pour vous en vendre une.

Plutôt molaire que canine !

Hop,

Norman Bates.

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