(Photo:"Atterrissage" par Dr Devo)

(Photo: "Avant le passage du Prisonnier" de Dr Devo. tous droits réservés)

Chers Camarades,

Enfin un film d'auteur! Patrick Braoudé, ça n'est pas rien. GENIAL, MES PARENTS DIVORCENT, et NEUF MOIS quand même. Excusez du peu. Ici, il signe de manière assez surprenante une nouvelle grosse comédie, certes, mais surtout un film à énorme budget, enfin on peut le supposer. Il a écrit lui-même le scénario. Il joue dedans (le marchand d'esclaves, le second rôle le plus long du film, ou presque). Bref, il s'est investi à donf'. C'est un auteur accompli. Reste à savoir maintenant s'il a fait pire que d'habitude.

Il faut bien avouer qu'en matière (focale!) de comédie populaire, le niveau ne vole pas très haut. Quasiment aucune comédie à gros budget de ces dix derniers années (restons calme) n'est réussie. On parlait il y a peu de l'antipathique ESPACE DETENTE de Le Bolloc'h et Solo, mais la liste est longue. Ceux qui ont vu LA TOUR MONTPARNASSE INFERNALE, L'AME SOEUR de Bigard, LE PLACARD, NARCO, LA VERITE SI JE MENS (encore que là, c'est presque mieux), et autres VISITEURS (de Jean-Marie Poiret avec Christian Clavier, plaie nationale, et non pas le film de Elia Kazan avec James Wood, qu'il serait assez rigolo de regarder une fois en se disant que c'est une comédie!), ceux qui ont vu ces films, dis-je, ont de quoi pleurer en principe. Pour un DINER DE CONS regardable, à la rigueur, combien de série z mal fichues et sur-budgettées? Je vous épargne l'ultime comparaison classique. Vous savez... "Les anglo-saxons ont Benny Hill, Les Monty Python, Peter Sellers et Billy Wilder, et nous on a Louis De Funès, Christian Clavier et Richard Anconina". Ça a beau être vrai, pour le meilleur et pour le pire, j'abandonne cette sentence. La France n'y arrivera jamais. Parce que son humour n'est pas baigné de non-sens, on ne produira sans doute jamais de Monty Python hexagonaux. Dans leur émission du samedi sur Canal +, il y a quelques années, des gens comme Edouard Baer et Ariel Wizman ont tenté des choses très drôles et très originales, mais ça fait longtemps, et depuis, le show-biz les a rattrapés. Quand on voit ce qu'il reste de ces deux personnes cultivées en 2005, on a envie de pleurer. Passons.

Je me plaignais dans de récents articles du piètre niveau des SOEURS FACHEES ou de L'EX-FEMME DE MA VIE. Avec mon article sur ESPACE DETENTE, je me suis aperçu bien sûr qu'il y avait un niveau en dessous de ces deux téléfilms laborieux. Il y a en France une série Z très active. Une série Z ou plutôt ZZ, tant les budgets de ces gros films populaires en font des productions de luxe. Avec ces films ZZ, on descend en dessous du degré zéro, dans un territoire qui n'appartient quasiment plus au cinéma, mais plutôt aux happenings de l'Art conceptuel contemporain. IZNOGOOD fait partie de cette lignée insultante. [Tu le sens le jeu de mots?] Ici ce qui compte, c'est la vente, le marketing, l'habillage-produit. On est plus proche du paquet de nouille que de la réalisation. Est-ce le problème de votre bon Docteur? Non. Qu'importe. Mais, cela ne veut pas dire qu'il faut s'abstenir de porter un regard juste sur ces oeuvres industrielles. Bistouri! Scalpel! Action!

Dès les premières secondes, on sent la qualité plastique de la chose. Les noms des responsables défilent sur l'écran dans une police de caractères arabisante. L'oeil averti du Dr Devo, remarque que ces lettres ne sont pas nettes. Effectivement, c'est un peu flou. Faut-il blâmer le projectionniste? Non, bien sûr. Le reste sera à l'avenant. Le tirage de la copie (combien d'ailleurs? 800? 900?) est dégueulasse. L’étalonnage des couleurs n’arrête pas de varier, beaucoup de plans sont granuleux, comme sous-exposés ou à moitié flous. Ça commence bien. Où était le réalisateur lors du tirage de ces immondes copies? Passons.

IZNOGGOD, n'est pas vraiment une comédie. C'est une comédie musicale. Et ça, ce n'était pas dans la bande-annonce, bien sûr. Assis au milieu d'un rang, je comprends dès le générique que j'ai été piégé. Trop tard. Ces scènes musicales, massacrées comme il se doit par les performances vocales des interprètes, Mickael Youn en tête, s'inspirent dans la mise en scène des comédies musicales indiennes. Sauf que... Dites-moi les gars, avant de vous dire "ça serait cool de faire comme dans une comédie musicale indienne", avez-vous seulement regardé la  bande-annonce de DEVDAS? Braoudé a privilégié la sobriété : huit danseuses se battent en duel, et bien sûr, comme dans le reste du film, aucun plan d'ensemble ou de plans larges. Rien que du gros plan ou du plan rapproché. Et ne faire de la comédie musicale indienne qu'avec des gros plans, bien sûr, c'est très dur, et évidement Braoudé se plante. Deuxièmement, attardons nous sur la direction artistique. Le plan s'ouvre sur un hideux effet spécial, du genre "Bagdad La Nuit en Haut du Minaret". Effets aux Normes Françaises. On est habitué. Le reste des décors, sent le studio et la Deluxe Valentine, même pas satinée. Un moment, je me dis, à la faveur d'un contre-champ: "tiens, le calife a fait peindre une vue de la ville dans sa chambre-salle de réception (parce que tout le palais est fait dans un seul décor, comme du temps des Brigades du Tigre, ou des vieux Maigret). Et bien non les amis, la peinture de la ville derrière Jacques Villeret, c'est pas une peinture, c'est VRAIMENT la ville! Même pas en synthèse, non. C'est une peinture! Et le studio fait bien 90 mètres carrés. La production n'a pas lésiné. Costumes, maquillages et accessoires sont à l'avenant : incroyablement cheap, sans goût et sûrement acheté dans un magasin "Tout à 1 Euros" de Seine Saint-Denis. C'est hideux, ça agresse les yeux, ça donne mal à la tête. Ignoble. Plus laid que les VISITEURS. Bien plus. Chapeau l'Artiste! Il fallait le faire. Pour le reste de la partie technique, c'est faux raccords, caméra qui tremble, photo ratée, pas de cadrage bien sûr, et pas de montage, donc aucun rythme. Passons.

Et sur le fond? Mmmmm... Ben, ma foi, ça se mange ces Youglis, comme disaient les Poètes. Ça se mange ces yaourts à la viande! On ne rit quasiment jamais, bien sûr. Le pire c'est que Braoudé n'a rien fait d'autres que de piller tout ce qui se trouvait, comme la misère qui s'abat sur le pauvre monde. Voici les influences : LA MENACE FANTÔME (ou L'ATTAQUE DES CLOWNS, je sais plus), LE SEIGNEUR DES ANNEAUX (si, si, je vous jure!), TAXI, LE DINER DE CONS, CRIS ET CHUCHOTEMENTS (non! Je déconne!!!!), la comédie musicale indienne donc, comme on l'a déjà vu, etc... Ça n'arrête pas. Mais l'emprunt le plus constant (80 % du film, je pense) et le plus visible c'est... ASTERIX ET CLEOPATRE de Alain Chabat! Et ça c'est quand même gonflé de piller un des films les plus populaires de ces dernières années! Tout le monde l'a vu! HEY BRAOUDE!!!! TOUT LE MONDE T'A VU! Ça ne va pas la tête! Le principal ressort comique ce sont... Tenez-vous bien... Tenez-vous mieux! Ce sont les noms des personnages arabisés et avec jeux de mots. Comme dans le film de Chabat! Là où il y a de la gêne... Alors, ça y va : Dilath Lharrat, Prethy-Ouhman (et là bien sûr, on passe la chanson en entier), Plaz Hassiz, etc... C'est drôle, hein? Arrête, arrête... j'en peux plus de rire! Y'a pas d'arrêtes dans le Bifteck!! Les cahiers au feu! La maîtresse au milieu. Comme tu peux t'en douter, cher lecteur, je me marre trop bien. Chabat devrait faire un procès, c'est simple.

Bref, on ne va pas s'attarder non plus. C'est un film dégueulasse à tous les points de vue, et d'un arrivisme hideux. Les acteurs sont horribles. Villeret, récemment canonisé faute de combattants, rappelle ici qu'il a joué dans beaucoup de  films nuls. Il bat le record ici. Son personnage de calife puceau et trisomique est ignoble. On le voit très peu heureusement. Youn est lamentable, très mal à l'aise. Kad et Olivier sont grimés de façon ridicule et font flamber le crédit qu'on pouvait leur porter. D’ailleurs regardez bien, pendant la projection. Comme ils jouent le rôle de deux génies, ils sont barbouillés en vert et en bleu, comme dans un épisode du VILLAGE DANS LES NUAGES. Et bien regardez bien, au niveau de leur cou... On voit, dès qu'ils bougent, que leur cou n'est même pas maquillé en bleu et en vert! C'est à dire qu'on voit leur peau sous le costume! Ça vous donne une idée du soin apporté au film!!! Allez, dans ma grande bonté, je passe sur les noms des collaborateurs... [Il y a quand même Baffie et Ariel Wizman!] Tout le monde il est mauvais, tout le monde il est laid.

En fait, en inventant rien, en pillant ses collègues, en détruisant le cinéma, en se foutant de la direction artistique, Patrick Braoudé réussit le challenge de réaliser son pire film (Bravo, tu as gagné!) et surtout a oublié une chose. Il aurait mieux fait d'aller chercher son inspiration ailleurs. Car, en effet, ce que cherche, inconsciemment peut-être, à faire Braoudé, existe déjà. Et si vous voulez faire l'expérience de ce film s'il avait été réussi, revoyez la pub très réussie de Richard Gotainer (concepteur de la pub et chanteur) sur le Couscous Saupiquet. Bien, foutu, bien filmé, original et drôle en trente secondes. Voilà ce qu'aurait du être Iznogood. Voilà ce qu'essaie de piller Braoudé sans y arriver. Et on est loin d'être dans une ambiance de "fête qui se mange entre amis". Car, évidemment, le plus triste dans l'affaire, c'est qu'énormément de gens vont aller mettre 7 ou 8 euros là-dedans. A ce prix-là ou à un autre, c'est du vol. Comme dirait Michel Bouquet, rendez-nous l'argent Monsieur Braoudé!

Effondrement Vôtre,

Dr Devo.

Le succès et l’omniprésence du film Matrix à sa sortie en salles m’en a détourné, par snobisme peut-être, mais aussi parce que le peu qu’il m’avait été donné d’apercevoir m’avait paru assez insipide. C’est donc avec trois trains en retard que je lui ai offert une séance de rattrapage. En gros pour constater au générique de fin que ma première impression était la bonne. Tout arrive très tôt dans ce film. Une séquence avec effet « bullet time » à 3 minutes du début, la révélation de la nature virtuelle de notre réalité à 8 minutes (« ça t’es déjà arrivé de confondre rêve et réalité ? »); mais aussi la confirmation des rumeurs de plagiats divers et variés. Générique à la Mamoru Oshii, emprunts assumés au western, au film d’arts martiaux, au fantastique, à la science-fiction. La bouche de Keanu Reeves (complètement transparent et inexpressif) disparaît comme dans un des sketches de LA QUATRIEME DIMENSION (le film) par exemple. Curieusement, le film le plus copieusement pompé, DARK CITY d’Alex Proyas, était lui-même déjà une espèce de compilation de références (METROPOLIS, HELLRAISER, AKIRA…), c’était aussi un film qui marchait sur des béquilles malgré avec une plus grande inventivité que ces aventures de Neo au pays de l’intelligence artificielle. Car les frères Wachowski citent par là-dessus l’Alice de Lewis Carroll, et même le Magicien d’Oz, tant qu’à faire…

Le film peine du coup à trouver son identité, et va chercher son inspiration (en s’y enlisant) dans le film d’action bourrin, mâtiné de prétentions intellectuelles à deux balles. Les frères Vache-au-ski ne respirent pas franchement la modestie quand ils sombrent dans l’autosatisfaction sur la pseudo-originalité de leur script, ce qui ne contribue décidément pas à rendre le film sympathique. Des éléments dans la première partie sont pourtant parfois intéressants, mais, passé la première demi-heure, l’orientation du récit vers des séquences lourdement explicatives, ou pire, vers les ridicules séquences d’entraînement (STREETFIGHTER !!! où est Christophe Lambert ?), réduit trop vite le récit à une accumulation de morceaux de bravoure dissimulant mal un propos à la fois simpliste et confus. Problème : n’est pas Tarantino qui veut (d’ailleurs, Tarantino cite toujours les cinéastes qu’il pille, c’est un garçon bien élevé, lui), et les morceaux de bravoure en question se distinguent surtout par leur laideur visuelle. Le « bullet time », pas du tout créé pour MATRIX contrairement à ce qu’affirment les cinéastes (demandez donc ce qu’il en pense à Michel Gondry), est aussi laid qu’involontairement comique - il faut dire qu’avec toutes les parodies qu’il y a eu depuis, le film a déjà pris un vilain coup de vieux. Et comme Keanu Reeves est l’Elu - en gros une espèce de Superman cyber - je suppose qu’on a pas fini d’en bouffer dans les suites. En gros, MATRIX, c’est un film ambitieux, pas foncièrement déplaisant, pas très modeste non plus, plombé par des effets épate-con toutes les deux minutes, par une esthétique bien grasse (de la techno dès qu’on lève les poings, comme dans BEOWULF), par une narration inégale (très faible dans les dernières vingt minutes), un film totalement dénué d’originalité, poseur et visuellement pas du meilleur goût. On nage plus dans les eaux de SPIDERMAN que dans l’univers de Philip K.Dick. Je suis personnellement très, très modérément curieux de voir la suite de la carrière des deux frères – fâchés ?

Le Marquis

Chers Amis Cinéphiles,

Enfin, nous allons pouvoir parler de Danièle Huillet et Jean-Marie Straub. Et par la petite bande, c'est-à-dire sans parler d'un de leurs films, mais à travers "Où Gît votre sourire enfoui ?" (superbe titre, n'est-il pas?), c'est-à-dire à travers le documentaire que leur a consacré le réalisateur portugais Pedro Costa. Et comme ça, par la même occasion, ce sera aussi le premier article de Matière Focale sur un documentaire, genre un peu triste qui n'a cessé sans doute de s'uniformiser au fil des années et de se faire contaminer par sa version télévisuelle: le reportage (sur cette question, si vous n'êtes pas d'accord, signalez-le dans les commentaires, car c'est une question qui m'intéresse).

Danièle Huillet et Jean-Marie Straub sont de sacrés loulous, si vous me passez l'expression qui les ferait bondir à coup sûr. Agés de plus de 70 ans (Danièle est un peu plus jeune et aura 70 ans l'année prochaine), ils n'ont jamais cessé de tourner et ont 22 films au compteur, rien que ça. C'est d'autant plus étonnant que ces deux-là, mari et femme depuis longtemps, occupent une place particulière dans le cinéma français. Ils font partie de cette caste d'inclassables du 7ème Art, au même titre que Godard (qui est suisse, je vous l'accorde), Marguerite Duras ou Alain Robbe-Grillet. Au niveau internationnal, la liste pourrait s'allonger de Werner Shroeter (auteur de "Malina" avec Isabelle Huppert ou encore le très ignoré "Roi des Roses") ou Syberberg ("Hitler,un film d'Allemagne"), nos deux Allemands préférés qui, eux aussi, font des films aussi originaux qu'étranges. Ce qui caractérise ces cinéastes, c'est le fait de faire des films qui ne ressemblent qu'à eux, des ovnis dans le paysage cinématographique. Et tous ont aussi en commun de repousser les limites du montage et de la narration, essayant là de faire entrer le cinéma dans une ère plus adulte ou plus mature. Voir un film d'eux (peut-être à l'exception de Godard qui est "passé dans les moeurs", bien que ses films les plus populaires soient encore ceux de l'époque de la Nouvelle Vague), c'est recevoir un choc... quelle que soit la nature de ce choc d'ailleurs, car, soyons honnêtes, à chaque projection de ces films un nombre plus ou moins important de spectateurs quitte la salle! Passons. Toujours est-il qu'on peut souligner la longévité de la carrière des Straub. Leurs films ne rapportent qu'extrêmement peu d'argent, et faire du cinéma est un sport de luxe. Il est évident que cette longévité doit beaucoup à leur apport financier personnel, sans quoi, comme d'autres dans la liste, ils ne pourraient pas faire autant de films. Là aussi, passons.

Pedro Costa dans ce "Où gît votre Sourire Enfoui ?" propose une expérience assez inédite (ou trop inédite plutôt): voir les Straub au travail, et pas n'importe où, voir les Straub dans le processus décisif de la fabrication d'un film: au montage. Commençons par dire que la version que j'ai vue de ce documentaire est la version courte de 72 minutes réalisée pour l'émission "Cinéastes de notre Temps" de André Labarthe. Il en existe une version de 104 minutes qui était sortie au cinéma. Mais il nous a été précisé, avant la projection de ce documentaire, que les époux Straub préféraient la version courte. Dans un sens, ça tombe plutôt bien, et dans un autre, je suis quand même un peu frustré, dans la mesure où le documentaire est si passionnant, qu'une louche supplémentaire n'aurait pas été pour me déplaire. Mais ne boudons pas notre plaisir, c'est déjà une chance inouïe de pouvoir voir le film de Pedro Costa en salle! (Je pense notamment à tous ceux qui ne vivent pas dans une des trois ou quatre grandes villes de France et qui n'auront sans doute jamais la chance de voir le moindre film des Straub! La distribution, en matière de cinéma, est bien le nerf de la guerre.)

Le montage chez les Straub est une tâche qui répond à un système d'organisation-désorganisation très subtil. D'abord, même si Danièle et Jean-Marie écrivent et réalisent ensemble, c'est, dans la salle de montage, Madame qui monte et qui coupe, et Monsieur regarde. Le travail se fait à deux. Ils cherchent ensemble les meilleures solutions de montage, discutent sans fin, examinent à la loupe le moindre détail, la moindre nuance que tel ou tel point de montage induit. Deux plans ne sont jamais collés ensemble, sans que l'un et l'autre soient également satisfaits. Mais, c'est Madame qui manie le ciseau et le scotch. Et le moins que l'on puisse dire, c'est qu'il y a de l'ambiance, et que ce n'est pas triste. Il faut savoir que ces deux-là se vouvoient, même en privé. Mais pas tout à fait dans un style Vieille France. On s'engueule beaucoup, et très régulièrement un "Merde" fuse! Jean-Marie commente incessamment sa vision du cinéma et justifie chaque détail d'un collage, ce qui est déjà passionant, quitte à user de multiples disgressions. Il sait qu'il est filmé par Costa, et derrière l'expérience de voir les deux époux au travail, il y a aussi, dans ce documentaire une part importante de confessions. C'est très drôle de voir Jean-Marie dans la pénombre du couloir attenant à la salle de montage, parler de son cinéma et de celui des autres, ou parler des acteurs, sa silhouette se découpant en ombre chinoise, et découvrant une attitude nerveuse, et aussi charmeuse malgré lui. On a l'impression quelques fois de voir et d'entendre une espèce de vieux crooner nous livrant les secrets du métier. De temps à autre, fatiguée par une de ces digressions pendant qu'elle en train de coller deux plans, ou n'arrivant pas à se concentrer en regardant pour la dixième fois un départ de plan à cause des propositions et des justifications de son mari, Danièle l'engueule copieusement ou l'envoie faire un tour dans le couloir! Ce n'est pas triste.

Mais derrière tout ça, c'est un document exceptionnel que nous livre Pedro Costa. C'est même un document indispensable aussi bien pour les réalisateurs en devenir que pour les cinéphiles ou tout simplement pour les spectateurs qui ne comprennent  pas très bien les enjeux du montage dans le processus créatif d'un film. [D'ailleurs, j'invite même ceux qui ne connaissent pas ou n'aiment pas les films des Straub à voir ce documentaire qu'ils trouveront quand même, j'en suis sûr, passionnant.] Et, Costa, mine de rien, nous livre là une sacrée leçon de cinéma. On s'aperçoit que chaque plan, chaque raccord est minutieusement choisi et commenté. Laisser durer un plan dans un champ/contrechamp des plus simples peut en changer complètement le sens. Si on passe trop tôt sur le personnage qui répond et installe un silence de deux secondes, ce personnage aura l'air de ne pas suivre la conversation ou de réfléchir, induisant par la-même un soupçon de manipulation. Si on coupe au début de la réponse, on perd cette lueur de jeu et d'étonnement qu'a eu l'acteur au tournage (un accident) et qui peut être intéressante pour amener un zeste de malice dans la conversation. Si le plan qui précède, sur le personnage qui a posé une question, dure trop longtemps ou est trop court, c'est toute la perception de la conversation qui va changer. Et les possibilités sont multiples. Il faut rester collé aux nuances du texte mais induire par les raccords et leur timing toutes les nuances nécessaires. Ce faisant, les deux réalisateurs malaxent, pétrissent, et finalement se heurtent à leur propre matériau et peut-être à leur propre film. Ce n'est pas grand chose en l'écrivant, mais c'est une sacrée leçon en le voyant, vous pouvez me croire. Costa choisit plusieurs instants de montage et aborde tous les points essentiels de la construction: dilatation ou rétrécissemment du temps, nuances des parties dialoguées, utilisation (comme dans cette fabuleuse idée de faire démarrer la musique après un claquement inopportun d'une portière sur le lieu de tournage, idée sublissime) ou non des accidents de tournages, jeu avec les échelles de plans (encore une brillante démonstration avec une très iconoclaste série de rapprochements en plan fixe sur un personnage, dans le même axe, du plan d'ensemble au gros plan), ou coupure technique ou de rythme, le montage comme faisant partie du scénario (ou le contraire)... Tous les cas de figure sont abordés avec précision et simplicité. Et il est clair comme de l'eau de roche que le processus le plus important d'un film est quand même le montage. Costa nous permet d'approcher au coeur des ténèbres de la fabrication de ce film (SICILIA en l'occurence), et c'est une incroyable leçon!

L'extraordinaire vient du fait que ce documentaire montre qu'un film se fait dans les interstices, dans un travail du matériau qui semble sans cesse échapper et être reconquis par ses auteurs. Il montre aussi que faire du montage, et même faire des films hiératiques ou abstraits comme ceux des Straub, c'est aussi insuffler de l'humain, insuffler des émotions et de la psychologie (...et il faut voir le short que Jean-Marie taille, à ce sujet à Woody Allen et John Cassavettes!). À travers le processus technique, c'est bien la vie qui est insufflée au film. Rien que pour ça, ce documentaire n'a pas de prix.

Amicalement,

Dr Devo.

Chers Vous,

Jusqu'où irais-je? Jusqu'où irais-je pour vous? Jusqu'où irais-je pour moi? Devo The Dog, maître et esclave en même temps, a décidé d'enlever son collier lui-même, avec une volonté qui confine au masochisme, et a pénétré telle une machine à voir impitoyable dans la salle qui projette "Espace Détente"  dans "son" cinéma, le cinéma auquel la carte illimitée l'attache comme une laisse.

Autant le dire tout de go, attaque Devo attaque, je ne suis pas fan de Caméra Café dont j'ai vu trop peu d'épisodes (un ou deux tout au plus) pour m'en faire une idée. Loin d'être dans la position du tireur couché, car ici tout le monde est traité à la même et dur enseigne, de Josiane Balasko à Marguerite Duras, je suis dans la meilleur position : la position "neutral" cher à notre ami Jean-Claude, que je salue au passage, la mort dans l'âme ayant loupé son dernier métrage-météorite déjà disparu... Le temps du monde du cinéma est impitoyable. Passons.

Le cinéma français, si fier de se vanter de ses résultats croissants, repose en fait sur un principe. Quelques réalisateurs-stars, attirant mécaniquement les foules en jouant sur le nombre de copies disponibles pour un film (voir à ce sujet mon article "Si j'étais président de la république"), quelle que soit la qualité des dits films, de Jeunet à Jugnot, pour le meilleur et pour le pire. Quelques uns donc, et la liste ne s'allonge pas. Cette espèce disparaîtra doucement. Pour le reste, depuis quelques années, le cinéma français repose uniquement sur les projets de gens issus de la télé. Point et barre. C'est le cas ici avec ce concept, dont même les deux réalisateurs (eux ont osé réaliser leur film, exception rare ; les autres se contentent de jouer) eux-mêmes se distancient arguant que c'est "quand même différent", c'est le cas ici avec ce concept, dis-je, de "Caméra Café Le Film". Ainsi soit-il et Dieu reconnaîtra les siens, je suppose. De toute façon, là n'est pas la question (celle de Dieu), et ne vous inquiétez pas, je suis Docteur bien que Devo (le critique au collier), et c'est là "mon unique prérogative", comme dirait la poète.

Il manque, c'est vrai, une bonne comédie sur le monde du travail et le monde en entreprise. Ce n'est pas avec l'horrible "Placard" de Francis Veber (dont la photo était signée, c'est étonnant, du chef-op' de Dario Argento ; Les voies des Saigneurs sont impénétrables, si vous me permettez...), que nous avons été rassasiés. Une comédie sur l'entreprise, ça manque, et c'est dommage car aborder le plus grand espace de violences sociales et de violences tout court par la petite bande, via la comédie et donc dégagée de toute interprétation idéologique [sans le "gauchisme" pluriel (c'est à dire dans tous les sens du terme d'un Tavernier ou d'un Costa-gravas... mais ça vient, ça vient...)], aborder cet espace, dis-je, serait assez instructif pour tous. Bah, on passe.

Je ne sais dire, je ne sais mettre des mots sur ce que j'ai vu. Ce film est-il plus indigent que les diverses séries Z, ou plutôt sous-Z (je reviendrai sur cette idée qu'il y a un niveau en dessous du film de catégorie Z dans un article prochain) que j'ai vues ces derniers jours. Non. Soyons honnêtes. Ce n'est pas plus mauvais qu'un "Lila Dit Ça", pourtant plus respectable et que beaucoup classeront dans les bonnes fréquentations, privilège art et essai oblige, ce n'est pas plus mauvais que "Les Soeurs Fâchées". Et c'est à peine plus mauvais que "The Aviator" ou "Alexandre", qui eux, je l'accorde, ressemblent plus à du cinéma. Mais à l'heure des comptes, le peloton de queue de ceux qui vont la course à l'envers est serré.

[Sois dit en passant, je ne regrette pas, du coup, l'indulgence que j'ai portée à "Danny The Dog". Souci de mieux faire. C'est bien. Voilà un film, très loin d'être génial, mais qui a la franchise d'essayer, au moins, de faire du cinéma, fut-ce d'exploitation. Je ne comprends pas les gens qui critiquent Besson à tout bout de champs, bien que le barbu me semble complètement antipathique. Il est normal qu'il raffle la mise dans ces productions les plus soignées. Il essaie de faire du cinéma. Pas toujours, mais certaines fois il essaie.]

Revenons à "Espace Détente". C'est l'indigence complète. Pas de cadrage. Pas de mise en scène, excepté un très moche travelling compensé qui flaire bon la retouche numérique. Pas de direction artistique, et là c'est plus grave. Parce que le look du film s'affiche, à travers ses décors, ses costumes et ses accessoires, comme une kitscherie hors-temps (on ne sait pas, au niveau visuel, si on est dans les années 80 ou 90 ou de nos jours), la comédie perd déjà tout son potentiel. La sphère du film est intouchable. Ce n'est pas notre monde, même caricaturé, qui défile  sous nos yeux, mais un "univers" artificiel, ce qui contredit complètement la volonté des auteurs. Il aurait mieux valu la carte de la sobriété au niveau du visuel. Le film aurait pu être alors plus troublant. Cela est, de plus, accentué par une lumière hideuse. Disons le franchement: un téléfilm est bien mieux réalisé et plus "joli", aussi triste que cela puisse paraître. Rien que pour ça, on peut légitimement poser la question: "Pourquoi faire ce film?". J'y reviendrai.

Donc, impossibilité complète de parler de cinéma. Tout juste peut-on voir la "chose", vrai symbole du film, comme du théâtre filmé... Et encore. Parlons du fond, puisque le monde des professionnels du cinéma semble croire que faire des films c'est raconter des histoires! Les personnages sont assumés comme étant laids, vulgaires et méchants. Soit. Pas de gentils et pas de méchants. Soit. Mais certains plus que d'autres quand même. La secrétaire ringarde est mal dialoguée. Le patron joue au golf pendant la journée. Le responsable de la sécurité est  un manipulateur violent. Et la pédale de service est une folle dans la plus grande tradition des années 70. Le SDF est un maniaque. Les thèmes pourraient être intéressants: trahison, hypocrisie, lâcheté, pression infâme sur les employés, manipulations psychologiques, drogues, corruption des élus locaux, utilisation des réseaux, promotion canapé, etc... Mais rien n'est fait, malheureusement. Vaguement tous pourris, vaguement tous attachants, le film ne tranche jamais, et c'est bien pratique ce méchant  capitaliste échappé de l'asile, qui fait sortir les deux seuls personnages intéressants du film: les deux femmes qui seront successivement bras droit du patron, deux parcours d'executive women qui étaient plutôt intéressants. La palme revient quand même au Diable de l'Histoire : le personnage du syndicaliste psychopathe (lui aussi, ce qui est un sérieux indice sur la pensée des deux réalisateurs), tueur, mafieux... C'est lui le mal, c'est lui le manipulateur suprême et c'est sans doute lui la cause de tout. Car c'est le monde du syndicalisme qui est le plus mal loti. Dans cette sphère, il n'y a pas d'échappatoire. On ne se rattrape pas. Aucune empathie. [Bizarrement, la caricature porte non pas sur la CGT mais sur la CFDT... Comprend qui peut!]

C'est dégueulasse? Oui!

Qu'ajouter d'autres? Rien. Les acteurs sont épouvantables, en dépit de la sympathie éventuelle qu'on peut avoir pour Solo et Le Bolloc'h, et Thierry Frémont est insupportable, grossier et incontrôlable. Sinon, effectivement, rien à ajouter.

Si, quand même. Une chose de plus est à vomir. Quand les producteurs et les investisseurs  arrêteront-ils de faire des ponts d'or aux gens de la télé, alors que depuis des années cela mène à la catastrophe? Mon fantasme cauchemardesque de voir "Moumou et Chelou, le Film" se rapproche à grands pas. Pendant ce temps, des dizaines de films restent dans les limbes (c'est à dire qu'ils ont été tournés mais que personne ne les distribue en salles). Des dizaines de personnes qui, elles, veulent faire du cinéma, c'est à dire de la mise en scène, voient les portes de leurs vocations à jamais fermées, en dépit de leur talent (ou de leur manque de talent d'ailleurs!). Car finalement, Solo, Le Bolloc'h, Eric et Ramzy, Les Nuls, Chouchou sans loulou et le reste, ET PAS SEULEMENT EUX, mais aussi les "réalisateurs" qui répétent ad vitam des projets de comédie bankable, eux tous verrouillent tous les accès. Personne n'y trouve rien à redire, sur toute la chaîne de production, du producteur au spectateur, en passant par le journaliste. Personne.  Et sur la cinquantaine de comédie populaire, squatté par les stars, qui sont sorties ces dernières années, pas une ou presque ne remplit son rôle : être un film de cinéma. Et ce sont ces films qui occupent des centaines d'écrans en France empêchant des films plus modestes de sortir. Pendant ce temps-là, sur le trottoir des réalisateurs de talents! Bien qu'ayant peu de contact dans le monde du cinéma, j'en connais deux. Tous les deux ont fait un film. Et les deux films ne sortiront jamais. Et pourtant pour l'un d'eux, il s'agit d'un des plus beaux films qu'il m'ait été donné de voir. Dégueulasse! Il est là le scandale.

Furieusement Vôtre,

Dr Devo.   

Chers Amis,

Mon périple dans le cinéma industriel (voir article d'hier) continue. Curieux Ziad Doueiri... Curieux personnage et en même temps pas tant que ça... Mais on verra ça plus tard. Dans ces affaires-là, il faut savoir ne pas faire les choses n'importe comment.

"Lila Dit Ça" raconte l'étrange rencontre entre Chimo, un jeune, avec Lila, jeune aussi mais déroutante, car moins jeune que Chimo, plus "mûre" sur les choses de la vie. Ils se rencontrent comme ça, sans rien, simplement, et très vite le verbe fourchu de Lila prend le dessus, quasi-immédiatement en fait. Ils parlent encore et encore. Et de quoi ils parlent? Ils parlent de sexe. Enfin, surtout Lila, Lolita pulpeuse, ange ou démon, es-tu ange... ou démon, candide ou provocante. Sans doute les deux. Une passion naît, et malgré le Verbe très en chair de Lila, et les réponses sincères de Chimo, peu d'effleurement et de caresse, si on excepte une sulfureuse et très digitale ballade en solex, qui sera le point de départ de tout, une sorte de "postambule" (le début est ce qu'aurait pu être la fin). Mais après, place à la passion et au Verbe. Chimo apprend à analyser ses sentiments, chavire pas mal, et se déchire d'avec sa bande copain, dont un furax de ne pouvoir lever la minette, ni même lui parler, ni rien. Trahison en filigrane. Passion sur le devant. Et corps pulpeux en avant-scène. Nous sommes à Marseille.

Hopopopop! Je te vois venir le Marquis, Pape de Toutes les Cinéphilies, et néanmoins ami (et bientôt collaborateur de ce site ?), je te vois venir. Marseille oui, mais Pagnol, fort heureusement non. Nous ne sommes pas dans le théâtre filmé (quoique). Précision technique.

Que dire? Permettez-moi de vous raconter un peu le pré-générique. Le film sera commenté de tout son long en voix-off par Chimo lui-même. Il couche au moins ses mémoires sur le papier, dans le but, lui qui n'a jamais lu un seul livre jusqu'au bout (dixit), d'en écrire un, justement, de livre. Premier plan avec ce fil vocal sur les toits de Phocée, petite cabane au-dessus de l'immeuble où il fait bon s'enfermer pour réfléchir et créer. MMMmmmm... Déjà vu ça, sans doute... La thébaïde au-dessus du monde. On ne va pas se fâcher pour si peu. Deuxième plan en caméra panotante, intérieur cabane, exposition décor. Joliment foutraque la cabane à l'intérieur, la caméra glissée et passe nonchalamment sur le volume de chez Folio, négligemment posé sur un tabouret ou une table, je sais plus: "L'Avalée des Avalées" de Réjean Ducharme. Mr Ziad Doueiri, là, vous m'avez scié!!! A peine une minute d'écoulée, et voilà Réjean Ducharme, l'Oublié des Oubliés, poète maudit, Gérard Manset du roman, qui débarque. Je suis sur le cul, non pas emporté par un lyrisme flamboyant, c'est un peu court, mais par la remontée inattendue de ce nom qui a toute ma sympathie et ma tendresse. A quel sauce, vais-je être mangé, se dit le bon Docteur? On apprend plus tard que le volume a été piqué dans le cambriolage d'un cash converter local. Détail réaliste, car je vois bien la plupart des lecteurs jeter le livre de la sorte contre dix centimes d'euros. Et complètement surréaliste car qui achète Réjean Ducharme. Personne.

La plupart d'entre-vous, et c'est bien normal, ne connaissent pas Ducharme. C'est un romancier fabuleux. Robbe-Grillet, Céline et Ducharme. Si jamais on ne doit que trois choses, ça peut-être ça. Abe Kobo aussi, sûrement et Arno Schmidt, bien sûr. Non, sans rire, cet écrivain québécois est immense. Ces Livres sont chez Folio. Vous allez être renversés. Ce n’est pas le plus dur à lire de la liste, et c'est un des plus lyriques. Si on avait bien rêvé à une adaptation de Abe Kobo par Cronenberg; de Arno Schmidt par un Greenaway ou par Margaret Tanaka, on rêve encore à la générosité d'un Blier pour nous adapter Ducharme... ou pourquoi pas sa compatriote Carole Laure, la réalisatrice sublime de "Plus Près du Sol"? (Carole, si vous me le permettez, vous avez toute mon admiration. Vous êtes une réalisatrice admirable. Spéciale dédicace.) J'exagère mais, sans blaguer, il est indispensable de relire Réjean Ducharme. Le Marquis, grand spécialiste de cet auteur, devrait nous faire un article sur lui. Je passe. Et me souviens avec nostalgie et émotion, de cette VHS assez pourrie où nous découvrions, le film "Léolo" du très décédé Jean-Claude Lauzon (quelle fabuleuse terre le Canada!), film qui est à la fois adaptation et non-adaptation de "L'Avalée des Avalées". Film sublissime, marquant dans un parcours de cinéphile et, encore une fois, oublié de tous. Mr Doueiri, merci pour la réminiscence.

C'est peu de choses mais ça fait plaisir. Retour dans la cabane. Chimo écrit sur un cahier clairefontaine volé à Prisunic, précise-t-il. Tu le sens? L'histoire peut commencer.

Malheureusement en ce qui me concerne, l'enthousiasme s'arrête la. Je suppose que l'adaptation du livre de Chimo, grand classique de la littérature érotique m'a-t-on dit (il se trouve que je ne connais pas ce livre, si j'ose dire), est assez fidèle. Dans ce cas, si l'hypothèse est juste, je crains que ce ne soit fort peu intéressant. L'érotisme supposé se révèle plutôt être une compilation touche-pipi (c'est un peu dur, je grossis le trait, mais c'est quand même ça à mes yeux) sans grand intérêt, trop lisible et énormément prévisible. Pas beaucoup de poésie là-dedans. Ça sent le Prisunic, justement, et peut-être même le vol de Prisunic de sentiments à trois balles. Non pas que le thème n'aurait pas pu être intéressant, non. Mais on peut légitimement s'attendre à ce que les sillons dessinés se creusent un peu, et révèlent autre chose que le trop simple "dépouillement" d'un "Je T'aime" trop tardif. [Je ne sais pas ce que j'ai, mais je pète la forme ce matin!]  En s'arrêtant en ce supposé (tout cela reste à prouver) bon chemin, on tombe dans le simplicisme, pas si éloigné de Pagnol, du coup.

Coté scénario, transposition et mise en scène, c'est la même chose. On emprunte des chemins connus, là encore, en dépit du fait qu’on n’a jamais mis les pieds, malheureusement, à Marseille. Le film s'embarrasse trop du contexte de ce quartier arabe, fausse contradiction, en terme de cinéma bien sûr, à la passion des deux héros. La "banlieue" (lieu fantasmé par tous les spectateurs) c'est morose, la banlieue c'est pas rose, et basta! Ça vise trop court, ou plutôt trop long, et ça infirme le reste. Un dépaysement de l'auteur lui aurait été sûrement profitable. Là aussi, la lecture du film devient naïve. Les dialogues, très écrits, ce qui est loin d'être un défaut à mes yeux, tombe à plat. Relire à ce sujet le deuxième paragraphe de mon article sur "The Grudge" où j'évoquais le dialogue dit de "la ferrari" qui ouvre la bande-annonce de "Lila Dit Ça".  Le reste est à l'avenant. Dialogues entre copains, dialogues avec les flics, dialogues avec le vieux dans le centre de transfusion... Ça ne va pas loin et ça ne révèle rien. Comme une impression de clichés déroulés au kilomètre. On est loin de Blier, par exemple, dont les dialogues de "Merci La Vie" ou de "Un, Deux, Trois, Soleil" faussement naïfs, ou vraiment d'ailleurs, ouvraient des abîmes de douleurs et de nuances. Je n'aime pas non plus les situations : cambriolage, les copains qui vont chez la pute (et encore un périphrasé "rouleau de printemps" pour désigner la prostituée asiatique... Que c'est court, même dans la bouche d'un personnage... On n'est pas dans "Taxi 2", quoi! Et comment oser enchaîner tout de suite après sur le cliché que vous dénoncez, Mr Doueiri, à savoir "Tous les arabes s'appellent Mohammed" pour paraphraser Fassbinder?), la tata incestueuse obsédée par le minou de l'ange (là aussi, sans relief, et c'est le moment qui m'a le plus dérangé... J'ai eu l'impression que l'on me forçait à regarder dans le trou de la serrure, comme un vieux dégueulasse, ce qui je suis sûr n'était pas le but en plus), la maman qui prend plus soin d'elle mais si finalement, la tata folle du sexe de l'ange, folle tout court et folle de Jésus, le prêtre débile, le coup de la Mercedes (expliqué malheureusement), la référence au 11 septembre, la maman femme de ménage... à la mairie, etc... La coupe est pleine. Ça, en plus des dialogues en forme de "Ferrari tombée dans la décharge", c'est beaucoup trop, et au final c'est n'importe quoi.

En ce qui concerne la mise en scène, pas de quoi remplir mon estomac bien vide non plus. Bon, soyons quand même justes, il y a une certaine volonté de faire quelque chose. Mais là aussi, ce n'est pas renversant, même si c'est, heureusement, un peu moins indigent que le scénario ou les dialogues. C'est quand même bien mieux que la non mise en scène des "Soeurs Fâchées", où là c'est le grand n'importe quoi. Mais, il n'y a pas grand-chose à manger encore une fois. Arrêtons, messieurs les réalisateurs de coller des transitions musicales partout (ici la scène initiatrice qu'est celle du scooter). Musique electronicaca anonyme et affreuse pour cette relecture de "Jules et Jim"(un peu incompatible, je crois avec Réjean Ducharme, d'ailleurs). Encore une fois que des gros plans, flottants ceci dit, dans les dialogues entre les deux héros. Et ce plan hommage, à la fois anti et pro DePalmesque, avec la mobylette qui tourne. Ce n'est pas beau, tout comme les axes et cadres de la séquence en scooter. Le reste est anonyme je crois. Ziad Doueiri est le "first assistant camera" de Reservoir Dogs, Jackie Brown, et Pulp Fiction. J'ai lu quelque part que ce terme de premier assistant caméra, avait été traduit dans un article par cadreur. De deux choses l'une. Soit Ziad Doueiri était vraiment le cadreur de ces trois films, et dans ce cas, si c'est lui qui a cadré son propre film, c'est vraiment lamentable, et si c'est un de ses assistants, ce n’est vraiment pas bon. Soit, deuxième hypothèse, "First assistant camera" ne désigne pas le cadreur, ce que je comprendrais mieux. Dans tous les cas, on aurait aimé une mise en scène plus élaborée, plus stricte et plus "baroque" (moins sage) pour filmer un métrage qui se veut dans la lignée de "Léolo". Chose impossible à approcher, sans parler d'égaler, tant "Lila dit Ça" n'allie pas l'audace, la simplicité, l'épure et le baroque, cocktail paradoxal certes, mais fondateur qui donnait à "Léolo" de Jean-Claude Lauzon tout son charme. Comme dirait le poète : "On est loin des amours de loin. On est loin des amours, de loin. On est loin..." Et dans les intentions et dans la forme.

Radicalement Votre,

Dr Devo

PS: la "Chanson de la Semaine" arrive cette fin d'après-midi...  

Chers Amis,

Avant de commencer cet article, voici quelques nouvelles du petit concours sans prix que je lançais à votre attention avant-hier, à la fin de mon article sur "Closer". N'ayant pas pu aller au cinéma hier, les votes ne sont pas clos. Ils le seront ce lundi vers 13h30. Voilà. Si certains d'entre-vous veulent participer c'est le moment. Je publierai l'article correspondant au film que vous me ferez voir demain matin.

Mon chemin de croix continue. Mon passeport masochiste pour le cinéma s'appelle "carte illimitée". Je la teste, je la re-teste et je la rentabilise au mépris de toute activité raisonnable. Jusqu'ici le tableau de chasse fait peur : "The Aviator", l'immonde boursouflure de Scorsese, "Alexandre" de Oliver Stone avec ses jupettes au kilomètre et ses semi-remorques de eye-liner, "Closer" de Mike Nichols quand même plus respectable. Et aujourd'hui quatrième station: "Les Soeurs Fâchées" de Alexandra Leclère...

Une parenthèse avant de revenir sur le territoire français. Mon ami l'Ambassadeur du Néant, qui vous prépare un sublimissime article et une toute nouvelle rubrique, "Vulgaire!", bientôt ici, l'Ambassadeur, dis-je, m'apprenait hier que Rabane, un de nos amis communs, qui travaille dans une boîte d'effets spéciaux pour le cinéma, avait travaillé sur "Alexandre" de Oliver Stone. Chose que j'ignorais. Rabane est un homme de bon goût (cf. www.institutdrahomira.com) et, selon lui, la première version finalisée du scénario de "Alexandre" était très belle. Selon lui toujours, le premier montage du film par Stone lui-même était une splendeur. Ça sent le travail de sape du côté de la production, donc. Bien fait pour eux, le film s'est semi-planté. Difficile cependant de deviner le bon film qui se cache sous le remontage contre-productif final. Quelle tristesse. En tout cas, Oliver Stone, si tu nous lis, envoie moi un mail (drdevo@matierefocale.com ) qu'on puisse en discuter tous les deux. Ça m'intéresse...

Revenons en France, notre beau pays, et revenons à nos "Soeurs fâchées". Le chemin de croix continue-t-il? Ben oui. Certes, un film français avec la "sobriété" de moyen qui existe ici, ça repose malgré soit des méga-productions charcutées ou non susnommées, mais bon... Est-ce une raison?

Comment dire cela, sans qu'on en vienne aux mains, et sans conférer au métrage de Alexandra Leclère (2461 mètres selon mes calculs estimatoires) une importance démesurée en mal comme en bien? D'abord, en rappelant qu'ici, entre nous et en toute franchise, on juge sur pièce, le plus subjectivement possible et le plus honnêtement possible. Donc, si bouse il y a, si travail d'acteurs médiocre il y a, nous ne ferons pas comme les autres "articleurs" professionnels, et nous ne laisserons pas passer, fût-ce Isabelle Huppert, Jeanne Moreau ou Gandhi... Rien! Cette habitude indigne de pardonner aux actrices "cashables", fussent-elles arty, ne passera pas par moi. Gardons notre sang froid. (Les plus sceptiques d'entre-nous iront sur allocine.fr lire la critique concernant ce film, et jugeront sur pièce de l'incroyable indulgence qui parfois sévit dans ce genre de films où "une grande dame" ou un "grand monsieur" du cinéma français se compromet...).

Pour une fois commençons avec les acteurs, puisque que c'est de ça qu'il s'agit. Mettre des acteurs dans le film. Les faire jouer, LA motivation, déjà traître, de ce genre de projet. Catherine Frot, j'ai vraiment du mal avec vous. Vous êtes quelqu'un de sympathique mais je n'aime pas les films que vous faîtes. Bah... Je n'aime pas ce personnage de Bécassine. Je ne dirais pas non plus que ça s'affine au fil des bobines, mais cet aspect du personnage s'estompe naïvement car la réalisatrice, trop timide, veut nous faire comprendre qu'au fur et à mesure, on rentre dans le drame (mais pas trop non plus...). Le plan de loufoqueries gestuelles dans la salle d'attente de l'éditeur est en trop. Le film s'arrête et Alexandra Leclère vous capte. Ça ne se fait pas, je trouve. Mais votre personnage me semble construit sur une certaine condescendance scénaristique que je n'aime pas, et contre laquelle, bien sûr, vous ne pouvez rien. On sent, derrière votre métier, une honnête volonté affleurer, mais Dieu que votre personnage est peu intéressant. Ce n'est pas parce qu'on vous fait dialoguer bien, avec des phrases construites, qu'on affine et évite la caricature. Ça se noue sur un autre plan. Il convient, je pense, de mettre votre personnage entre parenthèse, et de ne pas vous juger à travers lui, ce qui du coup, serait à mes yeux injuste. Isabelle Huppert a un rôle plus radical et ça passe mieux. Mme Huppert, je ne vous comprends pas, malgré l'admiration que je vous porte. En interview, vous dîtes de belles choses sur la manière de se glisser dans un film, avec l'inévitable abandon que cela suppose, le tournage terminé. De belles choses aussi sur les mises en scène, et une façon honnête de défendre les rôles les plus iconoclastes.  D'un côté : "Orlando" (au théâtre d'accord, mais quand même, quelle superbe lutte d'appropriation), les films du génial Werner Schroeter, Haneke bien sûr, Hal Hartley Le Maudit, Christophe Honoré même, votre soutien lucide, modeste et critique à Michael Cimino et au sublime "Heaven's Gate", vrai film maudit (à voir seulement dans sa version de 5558 mètres, et non pas justement, confère ci-dessus, dans son charcutage grotesque imposé par la production). De l'autre côté : ces "Soeurs fâchées", Ozon, et Chabrol (que je mets quand même au-dessus des deux autres). Je ne comprends pas, mais ce n'est qu’à moitié le sujet. Correcte ballade. Quand ça éclate, ça fait mal, bien sûr, et avec une grande force encore. Mais bon. Voyez le paragraphe suivant pour comprendre que, si je ne comprends pas l'intérêt, je ne puis juger votre travail. Comme Catherine Frot.

Bizarrement, François Berléand, qui lui aussi se retrouve souvent dans des chemins indignes de lui, est très bien, alors qu'en ce moment, (j'ai vu "Narco"!), son omniprésence "productionnelle" aurait tendance à vraiment m'énerver bien rouge. Belle surprise, merci Monsieur. Allez voir chez Ruiz ou Greenaway (chez qui ça serait intéressant), où vous êtes sûrement.

Le problème, c'est évidement le scénario et, mondieumondieumondieu, la mise en scène, enfin si j'ose... Un développement vu mille fois, sans se perdre hors du chemin balisé. Pour améliorer cela, je prescris 10 films de collège américain, puis une rédaction sur le thème "je fais des films de genre archi-rebattus, mais je m'éclate dans la mise en scène". Et pas plus de trois copies doubles s'il vous plaît. Donc, le scénario, je passe, car il sera plus instructif de découvrir certaines joies seul. Mais, mondieumondiuemondieu, la mise en scène bon sang. Qu'est-ce qui vous motive? L'histoire? Les acteurs? Les acteurs et l'histoire? Quelle catastrophe! Photographie injugeable, aucune utilisation de l'échelle de plan, aucune utilisation du son, recours à un des maux du cinéma français, mettre une ou deux chansons populaires et "sympas" pour rendre le film "sympa" (procédé vraiment dégueulasse, je trouve, que 80% des faiseurs en scène hexagonaux utilisent! Infect!). Mouvement de caméra vraiment inutile (évidemment sans découpage...), et par moments d'une laideur monstrueuse (notamment les plans de la visite de Paris en bus, les plans en extérieur en général, et les affreux gros plans de la dernière séquence, introduite là comme un cheveu au milieu de la soupe, évidemment car il n'y pas rupture d'échelle de plans), souvent portés à l'épaule sans trembler certes (il manquerait plus que ça), mais dans un "flottisme" qui n'est pas sans rappeler la vidéocassette des vacances de Tonton Maurice à Phuket (avant le tsunami, bien sûr, un peu de pudeur). C'est mauvais. A peine moins soigné qu'un téléfilm. D'ailleurs un téléfilm, pourquoi pas? Non? Si vous tenez, non pas à faire des films, mais à devenir cinéaste, laissez-moi vous donner un petit conseil. Revoyez "La Garçonnière" de Billy Wilder. Je suis sûr que, comme moi, vous adorez. Regardez l'échelle des plans, la photo, le soin porté au décor, le montage. Ensuite, mais seulement ensuite, sans mettre a charrue avant les boeufs, interrogez-vous sur les nuances de genre dans le film. Où se place la comédie? Où est le drame? Comment sont-ils séparés et/ou mêlés?  Si vous voulez vraiment faire du cinéma, vous allez comprendre, logiquement, beaucoup de choses, et ça va vous aider énormément. Vous serez d'accord avec moi, évidemment. Envoyez-moi vos conclusions, ça m'intéresse. Vous me remercierez dans le générique de votre prochain film. J'en suis sûr. Par contre, si la simple idée de cette suggestion vous met en colère, alors je crains que vous ne vouliez pas mettre en scène des films, sans quoi votre position intellectuelle et morale me parait très douteuse, voire insupportable, dans le contexte actuelle de la production française.

Sincèrement,

Dr Devo.

Chers Amis Focaliens, Chers Amis Devoïstes,

Hier, je me clouais la main droite en avouant mes sentiments envers THE AVIATOR de Martin Scorsese (une faute de frappe ayant rebaptisé le pauvre réalisateur en Martine, héhé... Martine à la Plage, Martine à la Piscine, Martine Cinéaste, Martine Bouddhiste, Martine Aviatrice, Martine Retraitée, etc...). Aujourd'hui, je me cloue l'autre main, grâce au film ALEXANDRE d'Oliver Stone. Jusqu'où n'irais-je pas pour vous !

Je ne suis pas spécialement en sympathie avec Mr Stone. En général, je n'aime pas trop ses films. Je trouve, par exemple, son très salué PLATOON extrêmement caricatural, JFK, c'est n'importe quoi, et NE UN 4 JUILLET est une horreur galactique. Soit. Par contre, il y en a deux, plus iconoclastes que j'aime bien. U-TURN d'abord, qui ne fait pas dans la dentelle, mais dont la mise en scène est plutôt expressive. Et TUEURS-NES, très belle machine lyrique, qui pédale dans la choucroute par-ci par-là, mais dont on peut saluer l'originalité. Et l'humour et la lucidité du propos. J'adore notamment ce plan dans le restaurant, où Woody Harrelson lance une hachette. La caméra la suit (comme dans LES VISITEURS, la classe, mais au ralenti et superbement réalisé) sur fond de musique classique. La hachette traverse et brise une vitre et là, la musique change pour une musique technoïde ! Sublime !

ALEXANDRE, c'est autre chose. Belle série en tout cas pour vote serviteur. Un jour THE AVIATOR, le lendemain ALEXANDRE. Non pas que je choisisse mes séances de cinéma en suivant l'ordre alphabétique ("cette semaine je vais voir les films en A...", après tout ce serait une méthode !). J'ai choisi au poids, si j'ose dire. THE AVIATOR faisait 165 minutes, et ALEXANDRE en fait 170 ! C'est donc bien mieux. Surtout que le ticket pour chacun de ses films m'a coûté 120 € ! J'y reviendrai... Deuxième point commun entre les deux très longs métrages : il s'agit encore d'un biopic et d'un film à costumes et d'un film à énorme budget ! Pas  de doute, il s'agit d'un cycle que je me suis imposé. Alors, y a t il des points communs qualitatifs entre les deux films, et faut-il, comme je le suggère dans mon article "Si j'étais président de la république : 10 mesures pour améliorer la qualité du cinéma mondial", faut-il, donc, interdire pendant deux ou trois ans les films à costumes ?

Oui, bien sûr. J'avoue que la Martine m'avait épuisé physiquement et moralement avec son histoire de gros navions psychanalitique (en gros, Howard Hughes a fait des avions gigantesques toute sa vie, parce que sa maman le savonnait dans son bain jusqu'à un âge avancé, seule idée, maigre, du film, déclinée 500 fois en 165 minutes). Epuisé aussi, à cause de l'horrible musique braillarde du film de Scorsese, véritable circonstance aggravante à mes yeux. Quand le générique d'ALEXANDRE commence, on entend les nappes synthétiques (toiles cirées en fait) de l'horrible Vangelis, et... contre toute attente, ça m'a reposé de l'orchestre walkyrie de Martine. "Enfin, un truc laid, mais reposant et un peu kitsch, moins prétentieux, je respire", me dis-je instantanément, surpris moi-même d'être soulagé pour la première fois d'entendre du Vangelis. Comme quoi, tout arrive ! Un péplum sera toujours moins prétentieux qu'un autre film à costumes, parce que ce sera toujours un peu kitsch. Evidemment, donc, ALEXANDRE est quand même plus sympathique que THE AVIATOR. Comme pour Martine, je passe sur le scénario par bonté d'âme. C'est à peu près n'importe quoi de A à Z, et à grands renforts de psychanalyse de cuisine. Le problème vient encore de la maman (Angelina Jolie, j'y reviendrai), associée aux serpents, venimeuse et perfide, et surtout bien trop proche de son fils qu'elle manipule, aime et étouffe. Alexandre, semi-rejeté par son père et castré par sa mère, décide donc de mettre les voiles et de conquérir la totalité de l'univers connu. Et surtout, enfin de le soumettre. C'est bête comme chou. A quoi ça tient, l'Histoire ?! Donc, niveau scénario, c'est n'importe quoi. Ok. Pas de problème.

Et le reste ? C'est le même syndrome que "Martine se Lave Les Mains". Plutôt que d'aider les victimes du Tsunami, je propose que nous nous cotisions pour permettre à Hollywood de se racheter un jeu d'objectifs complet. Parce que visiblement (c'est une des blagues favorites entre moi et Le Marquis, mon ami le Pape de toutes les Cinéphilies), ils n'ont que deux focales à Hollywood. Celles pour faire les gros plans et celle pour les plans rapprochés. Impossible de faire un plan moyen. Et quand on veut faire un plan d'ensemble, on est obligé de recourir aux images de synthèses. C'est très gênant, surtout quand on fait des films d'action très chers, qu'on loue des centaines de figurants, qu'on achète des centaines de chevaux, qu'on fait 300 000 costumes, et 500 000 décors et qu'on essaie de faire un film lyrique époustouflant. Beaucoup de moyens déployés, mais pas d'objectifs adéquats. Le résultat est très drôle. Voir la conquête d'Alexandre à travers la paroi de l'aquarium de son poisson rouge, c'est hilarant. Les dialogues ne cessent de nous vanter la sublimissime majesté des pays conquis, la richesse des contrées orientales, mais force est de constater que toute cette "magnificence" ressemble assez à une version luxueuse de "Au Théâtre Ce Soir". Ça fait un peu pitié. Et c'est beaucoup d'argent gâché. Et encore je ne parle pas des scènes d'actions, qui pourrait être aussi bien tournées à Dunkerque : on est tellement près des personnages, c'est tellement atomisé en micro-plans... On voit des mecs qui s'agitent sans pouvoir dire ce qu'ils font. Heureusement que la bande-son pleine de "Arrrrgh !" et de cliquetis de glaive nous renseigne sur la nature des ébats de ces valeureux guerriers. Par conséquent, pas de cadrage, pas de pertinence dans les champs/contrechamps, pas de spatialisation du décor, rythme linéaire, montage absurde et sans signification, etc. Absolument comme "Martine a des tocs".

Mais alors, lequel des deux est le meilleur ? Ben, ALEXANDRE, mais d'une courte tête. La raison en est simple. D'abord, parce qu'un péplum c'est toujours plus kitsch. Ensuite, parce que Oliver Stone, lui, filme les scènes d'actions avec de temps en temps des plans hideux, certes, mais caméra à l'épaule, ce qui lui confère une esthétique low-fi bien plus sympathique que les mouvements d'appareil prétentieux de "Martine va vous en mettre la plein la vue". Stone, au moins, ne cherche pas à faire passer sa 2cv pour une Ferrari. C'est aussi laid d'un côté comme de l'autre, mais plus sympathique chez Stone. Deuxio, les personnages dans ALEXANDRE. Tout le monde en jupette, certes, mais aussi un contexte homosexuel désopilant, fleur bleu comme du James Ivory. Alexandre et son pote s'aiment, se caressent les cheveux, se déclarent plein de belles choses, mais attention, on ne s'embrasse pas. C'est complètement absurde et assez drôle, d'avoir d'un côté des gros guerriers vaniteux, dominateurs, ambitieux, retors et sanglants, qui le soir venu, dans la tente, déclinent des sentiments amoureux bien plus chastes que n'importe quel roman Harlequin. Alexandre embrassera un gars pour rigoler, mais c'est un figurant, et c'est plus par autodérision que par sentiment. Vous comprenez bien que voir les deux héros se rouler des pelles, c'est un peu too much. Donc, c'est une princesse à forte poitrine qui se chargera de la scène d'amour. C'est très bizarre, parce que l'homosexualité des deux personnages principaux est un des points centraux du film. On en parle sans problème pendant des heures, mais attention on ne montre pas le moindre baiser. Très drôle et complètement hypocrite. Et n'allez pas croire qu'Alexandre est un grand gars viril qui aime les hommes virils. Pas du tout. Lui et son ami sont très cocos, bien au contraire. Et c'est l'un des points fort drôles du film. Colin Farrell est complètement à côté de la plaque. Ridicule de A à Z. Je l'avais vu dans MINORITY REPORT, et il était plutôt bon. Mais là... D'abord, on l'a transformé en blonde peroxydée. Horrible. Je soupçonne, à l'instar du critique de cinéma Bayon, que le coiffeur responsable de cette hideuse mise en plis, est l'homme qui a déjà teinté Tom Cruise dans ENTRETIEN AVEC UN VAMPIRE (quel film ridicule !) ou dans le récent COLLATERAL (déjà plus fréquentable). Allons tous vérifier sur le site imdb.com, et si c'est encore lui le responsable, nous lancerons une pétition ! Mais ce n’est pas tout ! Le nec plus ultra, c'est le... léger strabisme de Farrell ! Et là encore, ça ne m'avait pas sauté aux yeux, si j'ose dire, dans le Spielberg. CE TYPE LOUCHE !! Personnellement, je n'ai rien contre, mais du coup, pendant tout le film on se demande qui est ce mec tout droit sorti d'une fausse pub des Nuls. Peut-être est-ce un conseiller historique à 12,000 dollars par heure, qui a signalé à Stone que le vrai Alexandre, lui, il louchait... Allez savoir... Ce strabisme et cette splendouillette perruque blonde font de ce film un machin assez poilant...

D'autant plus que... Ben... Y a quand même Angelina Jolie. Je l'ai toujours considérée comme un monstre assoiffé de sang et une piètre actrice. Je la trouve d'une vulgarité totale. Mais pour la première fois, j'ai trouvé qu'elle avait ici sa place. Elle en fait des tonnes, et délice des délices, elle a 1 an de plus que Colin Farrell, son fils dans le film. [Ces deux-là sont moins vieux que moi! Je n’en reviens pas !] Comme Jolie a dû exiger par contrat de ne pas être trop vieillie par maquillage, c'est complètement surréaliste. En fait, j'ai eu la nette impression que Stone essayait de se dépatouiller comme il pouvait, c'est-à-dire assez mal. [Le narrateur historien avoue en fin de film, en dictant à ses scribes la biographie qu'on vient de se voir infliger : "Ils nous emmerdent ces Grands Hommes. Toujours à combattre. Qu'ils meurent avant nous et on aura la paix !"] De son coté, la production tire le film vers un remake perse de SACRE GRAAL !  C'est assez charmant.

Comme quoi, après avoir pillé la série "B", les films de série "A" commence à lorgner du côté de la série "Z". C’est une bonne nouvelle. Au fait vous vous demandez pourquoi j'ai vu ces deux films... En fait, j'ai pris une carte illimitée dans un cinéma de la ville. Pour l'instant, je n'ai vu que ces deux films... Prix de revient de la carte : un peu plus de 100 euros la séance ! Pour l'instant. Je trouve que ça valait bien le titre de cet article !

Bonjour chez Vous,

Dr Devo.

Retrouvez d'autres articles sur d'autres films, en accédant à l'Index des Films Abordés : cliquez ici !

Chers Gens,

Grâces soient rendues à Christian Bale et à ses descendants pour 7 générations! Voilà, c'est tout!

Le héros du film "The Machinist" de Brad Anderson, dont je n'avais jamais vu un seul film, malgré la présence de "Happy Accidents" dans la dévédéthéque, est déjà largement connu de nos services. C'est un acteur rigoureux, polymorphe, original, et le croiser dans un film, même moyen, c'est toujours un plaisir. Pour ceux qui ne le connaissent pas, allez jeter un oeil sur le très beau "American Psycho". C'est un grand parmi les grands, sans conteste.

Polymorphe, certes. Mais là, Christian Bale nous tire une sacrée épine du pied, et grâce à lui, un certain type de discours sur les films et les acteurs va prendre fin de manière définitive. Halleluyah! S'il y a bien un truc que je déteste, c'est l'utilisation de performances chiffrées pour vendre un film. Brad Pacino a pris des cours de kung-fu pendant deux ans pour le rôle, Al Pitt a pris vingt-cinq kilos pour incarner le légendaire boxer, et Jean-Claude DeNiro (ça fait rêver, hein? après tout lequel est meilleur acteur : Jean-Claude ou DeNiro?) a passé six mois dans un commissariat du Bronx pour tenir son revolver dans "Le Flic de Berverly Hills 12", etc... Tout ça, on s'en fout. Encore une façon de ne pas parler de cinéma quand on parle des films, et de faire pression sur le petit cerveau de ce bête spectateur en l'obligeant à voir tel film. De la promo et rien de plus. Bob Hoskins est sublime en kidnappeur de jeunes filles pervers dans le "Voyage de Felicia", rien qu'en enfilant un imper, et Christopher Walken est encore plus terrifiant que d'habitude dans "Batman Returns" avec seulement un peu de poudre blanche sur le visage. Même Marion Cotillard est très bien dans "Innocence", ce magnifique film qui est en train de rejoindre les oubliettes de l'histoire du cinéma (et sur lequel j'ai consacré un article il y a quelques jours), après seulement deux semaines d'exploitation! Courez le voir! Marion Cotillard, l'affreuse greluche de la trilogie "Taxi"! Rendez-vous compte! Et bien, elle est très bien et en plus je suis sûr qu'elle n'a pas passé un an chez les danseurs de l'Opéra de Paris pour jouer ce rôle de prof de danse! Heureusement, tout ça, c'est fini, grâce à Christian Bale qui pulvérise tous les records et tous les compteurs. On pourra pas faire mieux, ni pousser son corps plus loin. Messieurs les distributeurs, trouvez d'autres arguments que celui de la "performance". A bon entendeur, salut!

Bien. Parlons de cinéma maintenant. "The Machinist" est un film qui... Au passage, Messieurs les Distributeurs, vous auriez pu faire un effort pour traduire le titre, non? Faîtes-nous un peu confiance, on serait allé voir le film même s'il s'était appelé "Le Machiniste". Si vous aviez appelé le film "L'ouvrier Spécialisé", j'aurais râlé, mais là quand même... "The Machinist" donc. Ça commence magnifiquement. D’ailleurs, je remarque que, parmi les films vus au cinéma ces derniers mois, il y a beaucoup de sublimes démarrages : "L'Autre Rive" (mais ça s'arrête après le générique! Voir l'article sur ce film), "Innocence" encore une fois, et ici "The Machinist". De très beaux efforts pour un résultat qui souvent vous happe dans le film de manière spectaculaire. Passons. Ça commence bien, dis-je. D'abord par écran noir, un tout petit peu trop long (7 ou 8 secondes), très anxiogène. Puis un son qui démarre avec le premier carton. Brrr... Les images qui suivent sont très belles. Christian Bale enroule un cadavre dans un tapis, puis s'approche de la fenêtre. Beau reflet et visage terrifiant. C'est qui le gars dans le plan? Ben, ça doit être Christian Bale... VOUS N'AVEZ JAMAIS VU ÇA! Le visage creusé, anémié et tuméfié, en reflet donc, et avec une chemise grise et bleue rayée. Une image concentrationnaire en pleine cité urbaine. On a très peur. Le reste de la séquence est à l'avenant, taillée au cordeau, notamment dans l'utilisation de champs et contrechamps subtils, et c'est rien de le dire, et un joli rythme. Chapeau Bas, et pour l'oeil du vrai cinéphile, le Frisson et l'Angoisse sont plus que jamais au rendez-vous.

Le personnage de Christian Bale, donc, a tué sans doute quelqu'un, l'a enroulé dans un tapis et, prés d'une zone en friche, va le jeter dans la mer. Générique et flash-back. Bale fabrique des petites pièces en fer. Il est tourneur et épouvantablement maigre. 54 kilos pour une taille très respectable. Il flotte dans ses vêtements. L'atelier dans lequel il travaille est une usine remplie de bruit, de fer et d'éclair. On reconnaît parmi ses collègues une silhouette massive alliée à une voix familière. Impressionnant collègue. J'y reviendrai. La première bobine nous présente le corps de Bale, c'est à dire une vague pellicule de peau sur beaucoup d'os. Impressionnant. On ne fera jamais mieux. Je crois que Bale est très bien soutenu par un maquillage astucieux (et peut-être par un peu de retouche numérique), mais bon, il enfonce tout le monde et de très loin. A moins de faire du snuff-movie à Hollywood, jamais acteur n'ira plus loin. Fin de la polémique. On découvre également sa vie d'insomniaque et de maniaque de la propreté, et ses deux seules liens sociaux avec le reste de l'humanité : une pute qu'il fréquente régulièrement et une serveuse de snack dans un aéroport, où il a l'habitude de boire un café et de faire semblant de manger un bout de gâteau. On oscille donc entre le visage et le corps cadavérique du héros (il note sa baisse constante de poids sur des post-it), et les scènes de travail, rythmées uniquement par l'insomnie chronique du personnage qui nous assure qu'il n'a pas dormi depuis un an! Bale semble quand même chaleureux ou plutôt sympathique avec les quelques personnages qu'il fréquente. Mais, il y a eu l'introduction, et quand un collègue énigmatique débarque dans le film, une armoire à glace chauve en santiags et qui boite, et qui joue ses scènes comme un tractopelle dans un magasin de faïences, quand ce gus débarque, le film dérive, et ce n'est que petit à petit qu'on va basculer sans raison objective dans une ambiance fantastique un peu injustifiable... Bizarre et, comme dirait l'autre, ça a quand même de la gueule.

Je n'ai pas de chance avec mes articles en ce moment. Le hasard fait que les films récemment vus ont tous une énorme part de suspense, faux-semblants et énigmes qui sont autant  de difficultés pour argumenter mon article. Ne voulant rien dévoiler, je me soumets. C'est un étrange film toutefois. On sent à trois mille kilomètres que le film sera une sorte de "machin à la Sixième sens" avec relecture et retournement du sujet. C'est annoncé très tôt dans le film. Et pourtant. L'atmosphère est très lente et surtout on ne sait pas vraiment sur quel pied danser. Ca fait déjà quelques jours que j'ai vu le film, et quand je sortais de la salle, je me disais qu'après une brillante demi-heure, le film était une sorte de ventre mou (sans et avec jeu de mots). La partie centrale me paraissait plus anonyme, plus prévisible, et plus anonymement découpée (beaucoup de gros plans et de plans rapprochés quand même). Voilà qui refroidissait un poil mon enthousiasme, surtout que la scène du train fantôme, qui fait partie de cette partie centrale molle, est un très beau morceau de bravoure. Bref, j'avais l'impression que, du point de vue de la mise en scène, ça patinait un peu dans la choucroute... et que quelques indices étaient trop vite ou trop grossièrement lâchés. Par voie de conséquence, la fin ne semblait s'enclencher que trop tardivement.

Mais, après tout, pourquoi pas. La partie centrale semble s'enliser, le film semble se bloquer. Est-ce si illogique? Pas du tout, en fait. Les Pistes sont trop rapidement lâchées? C'était annoncé. La maille devient grossière, là où elle démarrait finement? Bien sûr. Après tout, et si c'était ça le rythme du film. Laissons le respirer, et laissons son personnage tourner en rond. Exemple: l'énigmatique plan du carrefour avec le château d'eau. Gâchis? Mauvaise utilisation? Plan trivialement utilisé? Oui, sans doute. Et c'est pour moi, la force du film que de jouer avec la banalité par endroits et par la "grossièreté" des artifices de l'autre. Tout cela rend le film bancal, un peu de guingois, loin d'une machine scénaristique "parfaite", comme se veulent "Le Sixième Sens" et consorts. Le film reste un film de mise en scène, les amis, incluant dans son dispositif narratif, le désamorçage global de l'entreprise. Tout ainsi peu se mélanger et se doser, y compris certaines nuances sociales, affectives et tout bêtement psychologiques. Et puis, finalement, il y a cette fin très longue et très touchante. Si le film avait été une machine à broyer scénaristique, on serait passé à côté de l'objectif, à coté du ce sujet simple et banal. Et manichéen, comme peut l'être un dilemme enfantin. La fin, donc, malgré son aspect trop symbolique, par exemple, reflète une logique de coeur inattendue et fondée. Ça ne se joue pas à grand chose avec un certain pompiérisme, mais justement le risque est pris, et le pari gagné de belle manière.

Un petit mot sur les acteurs avant de partir! Christian Bale est sublime bien entendu. A ses côtés Jennifer Jason Leigh (quelle belle idée de coupler ces deux-là, c'est bien vu) est encore une fois épatante. Il serait temps de la faire tourner sans cesse et que les metteurs en scène pensent enfin à elle. Elle fait partie, avec Susan Sarandon et Tilda Swinton, par exemple, de ces actrices hors-catégorie, loin, très loin, devant tout le monde et pouvant absolument tout jouer. Quelle intelligence! Ici, Jennifer a un rôle assez cool, mais lors de la scène un peu plus tendue concernant son personnage, elle nous fait sauter à la figure, en quelques mots et en quelques secondes une émotion et une énergie incroyables! C'est très impressionnant. Dans le rôle du collègue handicapé (pour la deuxième fois de la même façon! Cf. "Starship Troopers"), on retrouve avec plaisir Michael Ironside. Ce type en écrase aussi de manière phénoménale. Simple, physique, sans effet, et tout en nuance. Je l'avais vu récemment dans le surprenant "Crime + Punishment" (qu'on trouve partout pour trois francs six sous en dvd), et encore une fois je suis sur les fesses! Même remarque que pour les autres: ce type est hors-catégorie et il est absolument honteux qu'on ne se serve de lui que dans des seconds rôles "arty". Cela n'est pas juste. Belle performance aussi de l'espagnole Aitana Sanchez-Gijon que je ne connaissais pas et qui est très bien (le film est un film espagnol autant qu'américain).

"The Machinist" reflète un vrai esprit de mise en scène, ou en tout cas, une vraie volonté de bien faire. On sent l'esprit d'un réalisateur impliqué et attentif dont l'intention n'est pas de nous écraser de rebondissements en rebondissements, comme le faisait par exemple le film "Old Boy". La mise en scène peut paraître plus modeste, mais elle laisse vraiment le film respirer, là où "Old Boy" justement ne proposait pas un univers particuliers, trop occupé à s'enfermer dans un story-board déjà très verrouillé. "The Machinist", c’est quand même du cinéma!

Respectueusement Vôtre,

Dr Devo.

 (photo originale tirée du dernier album du groupe Der Plan: "Die Verschwörung". Remixé par Dr Devo)

Chers Etres Humains, Chères Etres Humaines,

Deuxième incursion sur les terres de Fassbinder. Terres brûlées pourrait-on dire, tant le cinéma de Fassbinder, même s'il est respecté à juste titre, n'a laissé et ne laisse aucune influence dans le cinéma européen. Utilisation des moyens (souvent du bord), économie du rythme et du montage, et même direction d'acteurs, aucune de ses leçons, dont je parlais dans mon article sur "Maman Küsters s'en va au ciel", ne semble avoir été suivie d'effets, et l'esthétique actuelle des films dits "art et essai" européens semble pour le moins démissionnaire. Mais, cessons de pleurnicher. Passons.

Maria Braun (Hanna Shygulla) est une jeune femme au destin banal et tourmenté. Mariée à Hermann, on ne peut pas dire qu'elle ait véritablement pu en profiter. Deux jours après, Hermann part à la guerre. Très court dimanche de fiançailles. Le film démarre à la fin de la guerre. L'Allemagne est dévastée et miséreuse. Les hommes sont tous encore au front. Comme plusieurs autres épouses sans nouvelles de leur mari, Maria se ballade dans la gare à chaque arrivée de train avec une pancarte sur le dos, pancarte où figurent le nom et la photo de Hermann. Espoir improbable qu'un compagnon de guerre de son mari reconnaisse la photo et donne enfin des nouvelles du disparu virtuel. Quand elle n'est pas à la gare, Maria fait comme tout le monde. Elle troque quelques objets contre de la nourriture, deux cigarettes ou quelques patates. La misère, je vous dis. Les GIs américain sont déjà là, et Maria, fidèle à son mari dans l'épreuve de son absence, finit, non pas par se résigner, mais par réfléchir à sa situation embourbée. Puisque la société est minée par la pauvreté et la destruction, profitons de la situation pour améliorer un chouïa le quotidien. Elle sera hôtesse dans un bar à GIs. "Et tâche au moins de te faire offrir une paire de nouveaux bas", lui lance sa mère. Maria rencontre Bill. Ils ont une liaison. Elle tombe même enceinte. Un ami de la famille revient du front et annonce à Maria la mort de son mari Hermann. Mais, un beau jour si on peut dire, Hermann revient et surprend le soldat américain et noir au lit avec Maria. Une vague tentative de bagarre a lieu entre les deux hommes. Sans succès. Mais Maria assomme Bill avec une bouteille et le tue. Hermann endosse le crime et va en prison. Maria s'attachera alors, dans une sorte de fidélité absurde à son mari, à user de son physique et de son sens de la psychologie, si on peut dire, pour séduire. Ce qu'elle ne tarde pas à faire, dans les bras d'un grand patron d'une usine textile, dont elle devient immédiatement la maîtresse et la conseillère...

Dure et étrange destinée que celle de Maria. C'est d'abord une femme forte, utilisant complètement le délabrement d'une Allemagne qui commence juste à se reconstruire, mais sur un tas de cendre tellement énorme que tout parait absurde et miséreux. Maria monte dans l'échelle sociale à mesure que l'Allemagne renaît. Il reste beaucoup de femmes sur le carreau et peu d'hommes, après cette guerre. Etre femme est donc une opportunité en même temps qu'une faiblesse. Il faut savoir l'utiliser. Le coeur y est souvent, mais le but à atteindre est un peu flou et inéluctable, étrange paradoxe. Que ce soit dans la rue en troquant quelques morceaux de bois délabrés qui serviront à se chauffer contre un demi-paquet de cigarettes, ou que ce soit à la direction d'une grande usine de textile, Maria fait finalement la même chose. Elle se troque elle-même contre un peu de bien matériel. C'est ça ou la misère. Il n'y pas le choix, et on ne peut blâmer personne. La débrouillardise des temps de guerre continue pendant la reconstruction. Le troc continue et devient une fin en soi sans qu'on puisse s'en apercevoir. La lutte pour survivre est inscrite à tout jamais dans le destin de la femme allemande qui doit bien se débrouiller pendant que les maris se font faucher au champ de bataille, évidement lointain et hors champ. Quand on a manqué de tout, on accumule jusqu'à la fin de sa vie, trop heureux d'avoir quelque chose à se mettre sous la dent. Maria transporte la guerre avec elle. La société allemande (elle aussi complètement hors champ, quelle finesse!) renaîtra, mais pour Maria il est sans doute déjà trop tard. C'est une survivante, avec toute la cruauté que cela impose.

Fassbinder est vraiment un type hors norme. Son sujet est complètement ambigu. Peu de justifications et pas d'analyse sociale ou psychologique, malgré ce que pourrait laisser penser le début du film qui démarre comme un mélo étrange. Fassbinder, comme tous les Grands, a compris que son film est d'abord de la mise en scène. Et là, ça ne rigole pas et ça n'arrête pas. La guerre et les hommes sont absents de l'image. La vie et les décors sont complètement claustrophobiques et desespérés. Les rares scènes de foule (à la gare quand Maria cherche son mari) sont extrêmement chaotiques et bouleversent toute tentative de montage  ou d'exploitation de l'échelle de plans. Puis, c'est un montage un peu absurde, où le champ et le contrechamp ne semble plus se répondrent et où les axes de prise de vue semblent faussés (superbe scène de l'achat de la robe). Tout cela finit par se stabiliser bien sûr, mais sans qu'on puisse en profiter, car le montage, même si le rythme des images n'est pas hystérique, semble complètement fou et syncopé. Une sorte d'arythmie, pourrait-on dire, qui nous empêche de reprendre notre souffle ou nos esprits. Et le plus étonnant est sans doute l'utilisation de l'ellipse, constante et à tous les niveaux, que ce soit sur le plan narratif ou dans la mise en scène. On ne s'aperçoit pas de l'évolution sociale de Maria. Où plutôt on ne s'en aperçoit que lorsque que tel ou tel changement  a déjà eu lieu, lorsque Maria est déjà au stade suivant de son évolution. De la même manière, on ne peut que subir et deviner le changement des sentiments de Maria. Et de la même manière, on ne peut pas se rendre compte de la reconstruction en marche de l'Allemagne. Arythmie et ellipse nous plongent dans un monde fulgurant et figé à la fois, dans un chaos permanent mais banal, dans une hystérie froide et quotidienne. Le spectateur assiste à cet envol ou à cette chute (dur à dire), sans pouvoir l'expliquer ou la détailler, parce qu'il est happé dans cette mise en scène "concrète". Cette Allemagne de la survie nous paraît lointaine, et ses signaux sont comme la lumière provenant des étoiles éloignées : incomplète et en différé.

La fable est cruelle. Cette Maria qui semblait proche s'éloigne à chaque scène. Rien n'est vraiment justifiable ou non. Rien n'est analysable. On ne peut juger rien. La mise en scène nous a proprement atomisés, en nous plongeant dans une narration qu'on pourrait presque qualifier de fantastique. L'impact est foudroyant et on reste au final abasourdi en se disant que le film qui vient se dérouler était peut-être bien un film d'horreur.

Le casting est à l'avenant: formidable. Mention spéciale pour Hark Bohm dans le rôle du comptable.

Drastiquement Vôtre,

Dr Devo