C’est l’Amérique, c’est aujourd’hui : spider man est soldat en Afghanistan, marié à Nathalie Portman et père de deux filles aux USA. Il mène sa vie tranquillement entre le front et la cuisine, jusqu'à ce qu’il meure dans un accident d’hélicoptère. A la maison tout le monde est sous le choc, sauf son père militaire, fier que son fils soit mort pour la patrie, un vrai héros, pas comme son autre fils Ghylenhaal (aucune idée de l’orthographe) ex taulard et glandeur. C’est pourtant bien lui qui va s’immiscer dans la vie de padmé, pardon, Nathalie Portman, pour l’aider à surmonter le choc et s’occuper des enfants. Petit à petit, les relations entre Ghylenhaal et Portman se transforment en mini romance sur le mode « refaire sa vie et sa cuisine de A à Z ». La cuisine refaite à neuf, spider man revient sur un coup de théâtre, oui mais la guerre l’a transformé et son frère est mieux gaulé, que va donc faire padmé, pardon Nathalie, pour concilier vie de famille épanouie et patriotisme effréné ?

Remake d’un film danois que personne n’a vu, BROTHERS déroule son scope dans les plaines de l’Afghanistan et dans les cuisines américaines pour acter une fois pour toute que la cuisine américaine régit le monde. A double tranchant cette constatation est valable en sens inverse : les échos des combats et des tortures au moyen orient viennent bousculer le train train de l’Amérique bien profonde, et ce jusqu'à l’agencement de ces mêmes cuisines. Le mobilier domestique et l’électroménager se changent au gré des turpitudes dans les tunnels poussiéreux de pays en guerre, les histoires d’amour sont marquées du sceaux des razzias en hélico au soleil couchant. Rien de bien nouveau sous le soleil, c’était déjà le cas du temps de Racine et de Betrand Cantat, les grandes tragédies grecques ou les amoureux se déclaraient leurs flammes en alexandrins avant de succomber face à la cruauté du monde. Ici trêve d’Alexandrins, place à U2 et a la pop musique larmoyante quand plus personne n’est la pour amener les gosses bouffer des glaces au McDo à cause de la politique martiale de la droite américaine et où l’on oublie un mari mort grâce à un nouveau lave vaisselle (plus silencieux).  Les thèmes restent les mêmes depuis le crépuscule de l’humanité, l’amour et la guerre comme enjeux de la tragédie intime, avec les sempiternelles variations sur la capacité de l’homme à survivre à l’horreur, avec toutefois en extra ce que jadis Racine évoquait tout bas : les problèmes d’érections et les snuffs movie afghans.

Ou mène la folie des hommes ? Alors que spider man aurait pu trouver un boulot tranquille dans l’informatique et combler le manque de piment de la vie moderne en allant à la chasse le week end et en regardant du porno en cachette sur le net, il préfère les combats acharnés et la torture sur les champs de batailles en laissant sa meuf et sa cuisine dans les mains de son frangin. Même ses propres  gosses  préfèrent « l’oncle Tommy » à spider man, papa à temps partiel dont les blagues de militaires ne trouvent pas écho chez les civils de la middle class. Partant du principe établis chez les marines que les psychologues sont des charlatans, les problèmes se règlent au combat comme à la maison avec des armes à feu et des barres en fer, quelqu’en soit la cause. Ce principe appliqué à padmé amidala et à son électroménager va provoquer un éloignement entre les jeunes amoureux, et la fin du film verra la cuisine démolie comme monde pour demain.

Le scope est ma foi fort joli, y’a des moyens derrière on n’est pas à la FEMIS. Techniquement c’est plutôt réussi, malheureusement cette belle facture n’est jamais propice à une ambition esthétique autre que de foutre du U2 pendant que quelqu’un pleure à l’écran, soit environ la moitié du film. L’autre moitié est composée d’hélicoptères et de figurants très dociles qui courent en rythme dans le désert en gueulant qu’ils vont tuer des barbus. Le tout bien sûr dans un montage bien linéaire et alterné, avec autant de subtilité et de nuances qu’un char d’assaut dans les rues de Téhéran. Il n’y a pas de rythme, tout semble se dérouler sur les mêmes tonalités un peu faciles, que du déjà vu compilé sans talent ni grâce. Ultra prévisible dans la mise en scène comme dans le propos, pas grand-chose ne frappe ni n’ébahit : il y a peut être juste une scène ou plane le malaise lorsque spider man s’énerve un peu en rangeant la vaisselle, mais Maguire en fait des caisses (comme tout le monde dans le casting d’ailleurs) et ca tourne à la farce, avec hurlements, roulements de yeux et tout le tralala, là-dessus insert sur le visage de padmé en pleurs puis sur les enfants, n’en jetez plus la coupe et pleine.

La fin ! Mon dieu ! On s’attendrait presque à ce que padmé laisse tomber le pauvre spider man devenu une sorte de Eastwood dans LE MAITRE DE GUERRE (rien à voir), mais c’était sans compter sur U2 et les phrases à l’emporte pièce « on s’aime depuis qu’on a 16 ans, on ne va pas se quitter comme ca » ben tiens pauvre cruche, dans le monde réel il me semble que c’est pourtant le cas quand on épouse une pompom girl à 18 ans et que l’on découvre que son mari tient plus de Richard Nixon que de Justin Timberlake. Non là totale incompréhension, Ghylenhaal le gentil bad guy sexy se la colle derrière l’oreille  pendant que padmé embrasse Chuck Norris sur le parking du commissariat, en avant la musique, tout et bien qui finit bien.

Surement qu’en rentrant chez eux, padmé ira border les enfants qui se réveilleront vingt ans plus tard dans la même chambre avec un père mort au combat, une mère alcoolique et qu’ils verront par la fenêtre de la cuisine refaite une énième fois que les perspectives de l’homme s’étendent jusqu'à l’infini.  

Norman Bates.

Michael Cera s’est fait larguer et vit prostré dans la chambre qu’il occupe chez ses parents, dans une banlieue minable de New York. Ce soir, ses deux potes homos veulent qu’il reprenne sa place dans le petit groupe de rock pourri qu’ils forment pour faire un concert dans un bar branchouille de New York, ce afin qu’il reprenne goût à la vie et qu’il oublie une bonne fois pour toute son ex-petite amie débile mais canon, à qui il continue d’envoyer régulièrement des superbes cd-audios qu’il a gravé lui-même, compilant et résumant ses découvertes musicales pop rock dégoulinantes et insipides du moment, le tout entrecoupé de messages d’amour pleurnichards à une ex qui en a manifestement rien a foutre, puisqu’elle sort avec le capitaine de l’équipe de base ball et tient justement ils sont là ce soir au concert, quelle coïncidence, New York est si petit ! Après nous avoir infligé quelques minutes de concert live de son groupe de chie, visiblement fatigué par l’exercice et décontenancé par la présence de son ex, ce pauvre Michael Cera qui ne boit pas d’alcool se réfugie dans le coca cola, et c’est à ce moment là que lui tombe dessus une copine de son ex, vous savez la grosse moche qui traine avec des jolies filles en  jalousant secrètement leurs petits amis trop mignooooonnns et qui en l’occurrence écoutait secrètement et avec amour les compils préparés pour l’autre (celle qui est bonne),  donc je disais cette fille moche lui tombe dessus, ses potes homos l’encourage et la coache pour qu’elle finisse la soirée avec lui, en lui conseillant par exemple un nouveau soutien gorge (c’est bien connu les homos sont des spécialistes de la mode) qui lui donnera l’impression, je cite, "d’avoir deux seins" (sic !). A ce moment du métrage, il me parait fort opportun de faire un point sur la mise en scène. Voilà, ce point étant fait, nous pouvons continuer en nous intéressant maintenant à ce qu’il se passe non pas à l’arrière des berlines, mais à l’avant de la voiture de la fille plus si moche depuis que des gays lui ont refait sa garde robe, et qui en plus s’avère être une fille de, héritière d’une famille juive (donc riche) impliquée dans la construction d’un tunnel secret New York-Téhéran et d’un studio de musique produisant la même merde que celle présente  dans les playlist de l’ipod de tout les connards comme Michael Cera, et aussi de la fille en question car, deux ex machina, ils ont la même playlist !! Nous voila donc à la scène de la révélation de l’amour : nous avons la même chose dans nos ipod, nous sommes compatibles musicalement, donc faisons des gosses et marions nous, fusionnons nos ipod et soyons fous synchronisons nos iphone ! C’est tellement rare de trouver deux personnes ayant les mêmes goûts musicaux, alors quand elles sont toutes les deux célibataires, let’s make a deal ! Dis moi ce que tu as dans ton ipod, je te dirais qui tu es (un critique de Télérama à utilisé le mot "émouvant" pour qualifier ce film). Nous voila au cœur de tout les problèmes, de ce qui cristallise les intérêts du monde occidental : trouver un boulot et une femme ayant les mêmes gout, qui sont en fait ceux de tout le monde libre, de toute personne en mesure d’écouter a longueur de temps de la merde préformatée servant dans la foulée à illustrer la pub pour sa future voiture ou son mac de chie, abreuvant nombre de myspace et autres réseaux de partages culturels accessibles par smartphone. Dans un monde où les sentiments doivent naître comme les nouveaux talents de la musique, c'est-à-dire le plus rapidement possible, établis puis oubliés pour laisser place à de la simili-merde coiffée différemment qui plait tout de suite et lasse dix minutes après, comme des postures éphémères qu’il faut consommer tant que c’est chaud, puis bruler ensuite. L’amour par texto ou comment désacraliser le désir et la séduction en conjuguant pauvreté formelle et rapidité d’exécution, entre deux clips vidéos trouver le temps d’un "je t’aime", ou entre deux jambes le plaisir d’une ou deux minutes, non surtaxées. Michael Cera est bien évidemment le petit con de service, celui que l’on déteste dès la première minute avec ses gimmicks de premier de la classe tout le temps à se plaindre, alors même qu’il a la chance et la possibilité de mettre en action des mécanismes à même de l’extirper du marasme ambiant dans lequel il évolue (une des personnage du film est définie par le fait qu’elle vomit toujours au même endroit lorsqu’elle est bourrée, parcourant s’il le faut des kilomètres a pieds, comme un oiseau migrateur, style oie sauvage : honnêtement je crois que c’est le personnage le moins prévisible du film) mais dont il ne s’extirpe jamais, il tombe dans les bras de l’autre fausse moche sur maquillée et riche, et sans doute qu’une fois grands ils auront  JUNO comme fille, une sorte d’incrémentation de leurs échecs à envisager la vie sur le long terme si des paramètres restent indéfinis. J’extrapole un peu : le film se déroule juste sur une nuit, une nuit à écouter du rock merdique dans des bars branchés, une nuit pour découvrir qui l’ont est, une nuit à errer à la recherche d’amis ivres dispersés dans la ville électrique, où la pub ne s’arrête jamais, ou l’ennui est un statut facebook vite mis à jour car vive le temps réel, vive les fêtes où l’on s’habille bien mais où personne ne remarque qui l’on est vraiment, vive  Michael Cera et sa playlist composée avec amour. Au petit matin, les gays comme les hétéros sont amoureux, tristes et fatigués, les filles se sont retrouvées, Michael Cera à enfin tourné la page, il a trouvé une fille bien, enfin une fille qui l’admire pour ce qu’il écoute et non pas parce que c’est un futur ingénieur ou un futur médecin. Au matin donc, tout ces jeunes gens ont l’impression d’être libre, d’avoir le monde devant eux et toutes ces conneries, alors que bon ils écoutent ce que d’autres veulent qu’ils écoutent, ils aiment ce que d’autres veulent qu’ils aiment, et ils font ce que d’autres veulent qu’ils fassent : la fête dans des bars pour jeunes, avec de la musique de jeune et des boissons pour jeunes, et ainsi ils s’agitent et ils s’animent dans un milieu qui adopte une stratégie à leur place, passant à coté des plus belles choses, les choses puissantes et en devenir, et qui peu à peu oublient que ce qui est beau en l’homme c’est lorsqu’il ne se contente plus d’être (un ipod, une musique, des vêtements, des films, des amis, des téléphones, un nom, une origine, une sexualité, une paire de chaussure, un sac à main, un ordinateur, etc…), mais qu’il devient quelque chose qu’il a choisi lui-même en tout indépendance, si tant est que cela soit encore possible, et qu’il faut réinventer chaque jour.  Si on mesure la sagesse d’un homme au poids de ses pensées Cera est un gros con, mais en même temps il n’est que le fruit de son format, agonisant au milieu de ses aspirations. Le film est à l’image tout ca, une sorte de produit décongelé contenant son lot de scènes d’amour toutes faites, de musique de supermarché, d’acteurs mièvres et désincarnés, que des choses ressassées 1000 fois qui, loin de stigmatiser une certaine tendance à baisser les bras, conforte le consommateur de bons sentiments et de pop musique insipide dans sa petite existence monotone, sans jamais prendre le risque ni par la mise en scène ni par les sujets abordés de sortir du lot.

[Photo tirée du Tampographe Sardon.]

Norman Bates.

Découvrez d'autres articles sur d'autres films en consultant l'Index des Films Abordés.

Retrouvez Matiére Focale sur Facebook.

La Terre est dans un piteux état, genre comme dans WALL-E mais en pire (de ce qu'on nous a dit, parce qu'on n'en sait rien, en fait), donc les humains font le tour des planètes environnantes pour trouver de la matière première histoire de pouvoir continuer à boire du Coca Zero. Ils atterrissent donc sur Pandora, qui est complètement fertile et luxuriante ; malheureusement, les indigènes qui vivent sur cette planète n'entendent pas donner leur maison au premier venu, et organisent une espèce de rébellion, les fous. Ces autochtones sont des Na'vis, de grands machins tout bleus et super minces, et ils sont coriaces les bougres. C'est pour cela que Sigourney Weaver décide de créer des "avatars": des être vivants de synthèse, mi-humains mi-Na'vis, qui serviront à aller espionner cette peuplade primitive aux idées un peu trop écologiques pour Giovanni Ribisi et Stephen Lang, qui vont essayer de les écraser de la manière la plus militaire et la plus expéditive possible. L'idée, c'est que les avatars sont des copies Na'vis d'humains, ils ont le même visage. C'est là qu'entre en scène Sam Worthington, alias Jake Sully, un Marine de l'année 2154 qui a perdu l'usage de ses jambes. Son frère était un über-scientifique, qui a aidé à créer les avatars et qui était supposé en piloter un. Sauf qu'il est mort, et donc, c'est qui qui va prendre sa place ? Pas Bruce Willis, non non, bien tenté, mais le petit Sammy. Il s'exécute donc le bougrinet, et il est tout content de retrouver l'usage de (ses) jambes. Il va rapidement tomber nez-à-nez avec Neyriti, jeune et jolie gigue bleue, qui s'avère être la fille du chef, et qui va rapidement accepter Sammy dans son clan parce qu'il semble avoir reçu un signe des dieux (des perce-neiges se sont posés sur les épaules de Sammy, ce qui est exceptionnel). Sammy va donc de plus en plus se plaire avec ses nouveaux copains, ce qui n'est pas vraiment du goût de Stephen Lang, qui lui préfèrerait leur péter la gueule avec une ogive nucléaire. Donc, ça se frite un peu entre les deux gros durs, et les Na'vis et Pandora sont au milieu...

Bon et bien voilà, il est enfin là le parpaing de James Cameron, l'homme de tous les records (enfin, de budget en tout cas). Je n'ai strictement aucun souvenir de ALIENS ni des TERMINATOR, mais ABYSS n'était pas trop mal il me semble, donc j'ai tendance à généralement ne pas mettre Jimbo dans la case des incompétents (même si, effectivement, vous avez raison, jeune fille en rouge au deuxième rang, il y a eu TITANIC...). Là, le garçon s'est dit "Bon, le gros bateau qui coule pendant quatre heures, c'est fait, qu'est-ce que je peux faire maintenant ? Si je créais de toute pièce une planète, ah oui, ce serait sympa. Et puis maintenant il me faut un défi technique à la hauteur de mes ambitions et de mon génie. Si je ressortais une technique des années 50 qui n'a jamais fonctionné, et que j'en faisais l'avancée technologique la plus rentable de l'histoire du cinéma ? Là, c'est sûr, je serai dans les livres ! Allez, c'est parti, je fais du cinéma en relief !". S'en est suivi une déferlante de louanges pré-visionnage et de rêves mouillés des cinéphiles de tout bord qui se caressaient la prostate à l'idée de la réapparition de la 3D ailleurs qu'au Futuroscope, ce dont on se fout quand même pas mal mais qui a fait dire quelque chose de très amusant à un focalien (dont l'identité m'échappe mais j'espère qu'il ou elle me pardonnera) lors de la grande réunion de la cérémonie de clôture du dernier festival de Cannes : "Ils n'ont qu'à ressortir SALO de Pasolini en 3D, comme ça on aurait vraiment l'impression de manger du caca". Mais parlons plutôt cinéma, maintenant.

Je ne vais pas faire durer le suspense plus longtemps, parce qu'à ce niveau-là de mon article je pense que c'est inutile, mais AVATAR n'est pas une révolution. C'est même tout l'inverse. AVATAR est la resucée exacte et précise d'absolument tout ce qui se fait dans le cinéma mainstream hollywoodien depuis, allez, vingt ou trente ans. Il y a les mêmes tics de mise en scène, la même structure narrative, les mêmes caractérisations de personnages que dans la majorité de ces films à grand spectacle. On est exactement au même niveau, pas tellement plus haut qu'un TITANIC par exemple, c'est la même chose. Donc, déjà, ça calme. Pour finir sur la 3D, comme ça c'est fait, puisque comme prédit c'est probablement la chose la moins intéressante du film (et il y a de la concurrence à ce niveau), elle n'est jamais utilisée de manière plus intelligente qu'en tant que gadget de luxe, qui n'apporte rien d'autre au film que l'impression de voir un joujou désincarné, vidé de sa substance pour au final n'avoir qu'un squelette vide de toute velléité de mise en scène. Dire que l'utilisation du relief tient de l'inutilité la plus totale serait trop faible, à tel point que je me disais fréquemment durant la projection que le film serait probablement meilleur en 2D. La faute à quoi ?, me demanderez-vous, et je vous répondrai aussi sec. En fait, ce sentiment d'immersion que l'on veut nous vendre à longueur de matraquage marketing ne fonctionne jamais. Il y a pourtant pas mal de tentatives pour faire aller le spectateur dans ce sens (comme cette très étrange caméra subjective lorsque les troupes descendent de l'hélico au début du film, qui se métamorphose rapidement en on ne sait pas trop quoi, probablement un personnage extérieur, le spectateur ?), mais, et je vous le demande le plus sérieusement du monde, comment voulez-vous vous immerger et vous identifier à des créatures bleues de deux mètres ? C'est là que je me dis qu'à la limite, la 3D serait bien plus intéressante pour les films de Ken Loach ! Bref, vouloir nous vendre une expérience de cinéma en expérience de vie à travers des personnages non seulement bleus de deux mètres, mais entièrement pixelisés, c'est un peu comme vouloir vendre du roquefort à un parfumeur. J'avoue ne jamais être tombé dans le panneau et avoir vécu tout le film "à l'extérieur", ce qui n'est pas une place si inconfortable que cela. Mais ce n'est pas tout, parce que cette 3D a aussi le pouvoir de rendre les scènes d'actions (encore plus) illisibles. Enfin, pas exactement, c'est même pire que cela. En fait, si vous voulez, dès qu'il y a un mouvement de caméra, tout ce sur quoi la mise au point n'est pas faite devient à peu près deux fois plus flou que lors d'un mouvement normal. En clair, dès que la caméra bouge, ça brouillonne de partout, et on ne comprend rapidement plus rien. Je vous laisse imaginer le résultat sur les scènes d'action endiablées à une image toutes les trois secondes. Niveau immersion, ce n'est pas vraiment ça, et esthétiquement ce n'est pas très beau. Rajoutons à cela une utilisation outrancière de la profondeur de champ (qui est, effectivement, impressionnante, mais hé, ce n'est que du pixel, ce n'est pas très compliqué non plus), qui ne sert pas à faire rejaillir quoique ce soit ou à mieux composer l'image, mais simplement à faire dire au spectateur "wouah, on voit super loin". Et puis bon, la profondeur de champ monstrueuse, ça existe depuis CITIZEN KANE, et Welles l'utilisait à des fins précises de mise en scène. Bref, ce sont quelques exemples qui me font dire que non, la 3D n'était pas indispensable à ce projet, bien au contraire. Et que l'intérêt du film ne vient absolument pas de cet aspect bien trop léger.

Il y a quelques petites intentions de mise en scène, mais rien de renversant. En fait, on voit la patte du réalisateur, sa contribution, si je puis dire, au film (en tout cas autre que le projet storyboardé et exécuté par des types derrière leur ordinateur), dans l'utilisation que fait Cameron des focales. Il aurait pu utiliser son immense et monstrueuse profondeur de champ tout le film, et ainsi en mettre plein les yeux constamment, mais il décide parfois de se reposer et de revenir à des formes plus « classiques » d'images en intégrant ici et là une longue focale, à la zone de netteté assez faible, qui n'a donc rien à voir avec la mise au point (qui est source d'un peu de jeu mais rien de plus que dans d'autres films) mais avec la perception du spectateur. On sent tout de suite cette longue focale, et il ne l'utilise bien évidemment (pas uniquement, mais le plus souvent) que lorsqu'il a affaire à de vrais acteurs. Le résultat n'est pas très beau, mais a le mérite de remettre le film sur des traces moins gargantuesques, et replace un peu de point de vue à l'intérieur de cette démonstration technologique.

A part ça, comme il a été écrit un peu partout, le scénario est d'une stupidité assez déconcertante, entre le message écolo-new age et la bluette de rigueur, genre de Pocahontas chez les Masaï bleus, avec le gentil colon qui va découvrir la condition des indigènes et prendre leur défense contre les méchants envahisseurs, qui étaient ses copains quinze minutes avant. Il n'y a pas franchement d'aspérités ni de saillies, on a déjà vu ce scénario cent fois auparavant, et même si détruire une forêt pour la sauver me semble un peu idiot, je peux avoir tort et auquel cas je ferai mon mea culpa. Non seulement au niveau thématique ça ne vole pas très haut, mais en plus l'exécution de cette structure simple est assez foirée, il n'y a qu'à voir l'ignoble exposition avec cette voix-off didactique au possible et les enjeux du film tellement bien expliqués par les différents personnages que tout ce qu'il manque, c'est un regard caméra. Petite chose amusante : lorsque Sammy et Neyritia marchent dans la forêt de Pandora, le sol s'allume à chacun de leur pas, comme dans le clip de Billie Jean de Michael Jackson. Il fallait quand même le préciser. Ca me paraissait important. Sinon, RAS mon général, les acteurs font ce qu'ils peuvent mais sont complètement desservis par des personnages traités à l'emporte-pièce et écrits à la truelle (Ribisi et Stephen Lang en tête), et même si la petite Zoe Saldana (que vous avez pu voir dans le STAR TREK de J.J. Abrams, apparemment) semble très charmante en bleu, on a surtout envie de voir à quoi elle ressemble en vrai. Je n'ose pas parler de photographie parce qu'il n'y en a pas, ou peu, ni de montage, qui s'évertue le plus possible à suivre les traces du scénario sans chercher à le contrebalancer ni à l'ouvrir de quelle sorte que ce soit, je préfère donc me taire et parler de la majesté de la réalisation et de la profondeur thématique d'AVATAR. Ah non, c'est pas ça.

Au final, la révolution n'a pas eu lieu. Nous sommes au même endroit, avec les mêmes gens, à voir la même chose que nos grands parents. Mais attention, le résultat n'est pas infamant, ni scandaleux. Il pourrait se rapprocher de l'indifférence la plus polie et la plus respectueuse. C'est un film pop-corn, et ce n'est pas particulièrement négatif, pas du tout même, ça a le mérite d'exister. Peut-être suis-je blasé et devrais-je m'insurger contre AVATAR, mais non, même pas, je choisis de dire moui, bon. Si vous voulez. Ce n'est pas franchement pour moi, mais si vous voulez. Ca ou autre chose, de toute façon, quelle différence. Tout cela est interchangeable.

Si la notion de "film Téfal" a été portée à mon attention par un ami critique, j'ose à présent, et pour parler d'un film aussi "novateur" qu'AVATAR, voyez l'ironie, créer la notion de "film Werther's Original". Comme celui que mon grand-père me donnait quand j'étais petit.

LJ Ghost.

Et bien moi, je serai plus sévère. AVATAR n'est pas un bon gros block-buster malin, comme pouvait l'être celui d'un réalisateur de la même trempe comme John McTiernan, qui a fait aussi des bons et des mauvais films, à savoir LAST ACTION HERO!

AVATAR vise le fan d'heroic-fantasy (cf. le design général) âgé, au mieux, de 12 ans. Personnages secondaires stupidissimes, personnages principaux fadasses, enjeux éculés et prévisibles utilisés sans aucune volonté de variation, et des tonnes de pillages/clin d'œil grossiers. Grosso modo, AVATAR est du cinéma bariolé, technologiquement monstrueux (mais LJ  a raison de dire que les mouvements qui vont dans le même sens que les déplacements latéraux sont ratés). Tournés quasiment qu'en fond vert, le défi de faire cohabiter prises de vues réelles  et effets spéciaux entièrement artificiels est largement raté, pusique Cameron évite la plupart du temps la question (cf. la scène de l'éveil). Au final, si une dizaine de plans donnent l'idée de ce qu'aurait pu être ce film, la réalisation est tellement plate, sent tellement le brain-storming d'une équipe qui a l'air, de loin, vue de chez moi, déjà contaminée par des travaux précédents en films d'animation, l'utilisation du montage est si médiocre et sans personnalité, les axes sont tellement inutilisés, que cette immense bande-démo pour les professionnels de l'animation est fade comme un jour sans pain.

Sur le fond, c'est la catastrophe, bien sûr. Qu'on utilise des personnages carrés, voire obtus, ne me pose aucun problème, et ça TERMINATOR par exemple le faisait très bien. Mais, les 352,873 personnes ayant travaillé sur ce film ont-elles déjà vu un bon slasher par exemple. BLACK CHRISTMAS, tiens, puisque c'est Noël ! Ou un survival ? DETOUR MORTEL, par exemple, est, sur le papier, la chose la moins originale possible. Les personnages sont archi-connus. Et pourtant, on finit par s'écarter du chemin initial pour faire advenir quelque chose d'un peu personnel. Ici, rien. Quand Michael Bay ou Roland Emmerich se lanceront à la suite de Cameron, ils se feront descendre au nom de la lutte contre le cinéma surgelé. Mais, dans le fond c'est la même chose. Ici, il s'agit de post-post-colonnialisme moralisateur, où on nous explique que "les Bleus sont des humains comme les autres" (j'adooooooore la stupidissime charactérisation africaine des extra-terrestres, c'est très splendouillet), que faire la guerre c'est mal. Et j'oubliais le pompon : le moralisme écologiste qui, en fait, est de la poudre aux yeux pour faire passer ds choses encore plus contestables. Le cyberespace 3.0, ce sont les plantes et la nature (on se branche dessus en USB, un peu sur le mode EXISTENZ !). Les peuples sont élus ! La hiérachie est religieuse et héréditaire. Le nouveau-né doit prouver qu'il fait parti du clan. Le destin nous contrôle. Et Dieu est dans la biologie.  En nous donnant la main, nous ne formons plus qu'un ! L'individu n'existe pas. Vite, sortons nos flambeaux et allons célébrer Gaïa ! Et évidement, la femme sauvera l'homme. N'en jetez plus!

AVATAR est stupide, et qu'on puisse exalter des valeurs comme celles-ci me laisse largement perplexe.

Enfin, un mot sur les acteurs, vraiment pas bons, complètement paumés, souvent supplantés par la gimmickasition typiques des longs-métrages d'animation. Parmi eux, l'affreuse héroïne, insupportable personnage, très desservi, et c'est un exploit, par une actrice ignoblissime comme je n'en avais pas vu depuis longtemps.

Cameron n'a pas fait le service minimum. N'a jamais essayé de faire des ruptures ou de développer les énormes moyens mis à sa disposition (si, une fois, un décrochage chromatique dans la scène de la pluie de cendres). Encore plus, il n'a jamais essayé, ne serait-ce qu'essayer, de livrer un truc un peu personnel. Ce type est perdu, en fait. Et AVATAR représente absolument tout ce qui est détestable dans le pire cinéma industriel hollywoodien.

Gardez vos sous, et arrêtez de nourrir le cochon. Joyeux Noël.

Dr Devo

Découvrez d'autres articles sur d'autres films en consultant l'Index des Films Abordés.

Retrouvez Matière Focale sur Facebook .  

Si la notion de « film Téfal » a été portée à mon attention par un ami critique, j'ose à présent, et pour parler d'un film aussi « novateur » qu'AVATAR, voyez l'ironie, créer la notion de « film Werther's Original ». Comme celui que mon grand-père me donnait quand j'étais petit.

Alors que dans les rares rayons du soleil automnal, votre serviteur arpentait les rues doucement éclairées de Montmartre, sur les sonorités d’un accordéon suintant de nostalgie Vieille France allant jusqu'à rendre les pavés glissants, alors que dans les premières tirades de l’hiver un relent nauséabond vient titiller les racines de la morale assaillies par des hordes toujours plus nombreuses de clochards quasi-agonisants, alors que yonnie agonise à l’autre bout du monde, il existe un monde où les gens s’aiment et sont heureux, un endroit ou l’on diffuse encore chaque semaine le ROCKY HORROR PICTURE SHOW, et dans ce monde microcosmique il passe ce dimanche matin un film au nom imprononçable qui place le critique dans une situation étrange puisque se déroulant en grande partie à l’endroit géographique où il est projeté. Comme si il fallait entrer dans un cinéma pour découvrir ce qu’il y a autour et téléramaaaaaaaaa (je ne savais pas comment finir cette phrase, désolé).

En effet le film se passe beaucoup à Paris, et j’en vois qui se lèvent déjà, un film français se passant à Paris il y a de quoi prendre ses jambes à son coup, surtout si en plus c’est réalisé par un ch'ti, n’en jetez plus la coupe est pleine. Pourtant il s’agit quand même de Bruno Dumont, grand réalisateur qui a eu le courage de réaliser des films dans des régions sinistrées comme le Nord-Pas-de-Calais ou les Flandres (je ne sais même pas où c’est), films qui en plus se payaient le luxe d’être magnifiques et à mille lieux du cinéma français universitaire bobo style Moiret ou Klapisch. Paris donc où vit Céline, jeune héroïne pieuse amoureuse du Christ (c’est elle qui le dit), du moins quand elle ne squatte pas dans un couvent des Flandres (décidemment), chez des sœurs. Entre la fac et le couvent, entre les salons d’un appartement de ministre de l’île Saint-Louis et la "téci", entre l’Islam et le Catholicisme, Céline est bousculée entre Foi véritable et branle-crucifix mais surtout se prend des gros murs dans la gueule quand elle se frotte à la réalité.

En préambule, il faut quand même reconnaitre que Dumont à le courage de faire un film pareil en 2009, scénario un peu improbable plus ou moins inspiré d’une illuminée du XIIIe comme la religion catholique en propose à la pelle depuis 2000 ans, illuminée dis-je qui voyait Le Christ dans le moindre coup de vent et écrivait des textes aussi poétiques que chastes à la gloire du créateur et de son fiston hippie. Chez Dumont le traitement est un poil plus hardcore : il filme le choc entre Céline et le monde d’aujourd’hui, et Dieu sait si déterminer comment l’amour du Christ véritable et la chasteté peut tenir le coup chez la génération qui a connue le 11 septembre et la fin de la carrière de Clara Morgane n’est pas une partie de plaisir tout le temps (même si TWILIGHT à été écrit par une mormone). Céline est complètement dans le trip bonne sœur, c'est-à-dire qu’elle veut rester vierge toute sa vie même si les grands barbus chevelus avec des piercings cloutés ne la laissent pas indifférent quand même, surtout hors du couvent. C’est cette confrontation avec l’invisible qui est le thème porteur du film, et en bon prof de philo Dumont en fait parfois un peu trop sur les concepts théologiques, mais malgré tout cette idée scénaristique est plutôt intéressante. Malheureusement le traitement scénaristique, s’il est plutôt beau au début, tombe beaucoup trop dans la pleurnicherie existentialiste à mon gout, et les passages larmoyants sur la difficulté d’aimer Jésus m’ont rapidement ennuyé. Le fait aussi que l’Islam soit représenté par des jeunes de banlieue roulant en scooter volé m’ennuie aussi beaucoup, même si on est loin des gros clichés jeanclaudenarcique sur la religion dans les cités et tutti quanti. Quel besoin d’associer la lutte religieuse armée avec l’islam, je n’ai pas trop compris, c’est certes un exemple comme un autre mais il m’a semblé être bien plus anecdotique que le combat métaphysique mené par des femmes à la recherche de Dieu. Peut être un symbolisme masculin (les musulmans sont tous des hommes), mais la encore c’est un peu balourd. De toute manière je ne suis pas sur qu’il faille s’attarder sur ces points exclusivement scénaristiques, Dumont a surtout été un excellent chantre de la sensualité au cinéma, et dire que la religion est le thème du film est bien trop réducteur, ce serait comme dire que le thème de FLANDRES est la guerre en Irak.

Oui donc l’important c’est la mise en scène. Le voyage émotionnel de Céline dans 2000 ans de culpabilité cosmique porté par la sensibilité exacerbée de l’humanité face aux étoiles n’est pas tellement retranscriptible dans un scénario ou dans des dialogues, aussi documentés ou théologique qu’ils fussent. Le vrai enjeu à mon avis est de replacer les souffrances engendrées par le carcan métaphysique, et donc inapprochable par l’homme, dans un contexte commun, compréhensible par le spectateur. Il s’agit donc comme dans toute création artistique de ramener nos craintes inexprimables à un niveau plus bas, ici d’en produire les sensations sur pellicule. Est-ce réussi ? Je ne crois pas, en tout cas pas tout le temps. Filmer la foi est un exercice bien difficile, surtout quand on utilise comme Dumont un procédé un peu "naturaliste" dans le sens ou le fantastique est totalement absent et l’ensemble des procédés de mise en scène ne permet pas d’échappatoire divin : il faut donc supporter nous aussi de croire à l’invisible pour que le film tourne à peu prés. Or, à très peu de moment j’ai vu dans les moments de transports de Céline une extase sacrée, j’ai très peu vu d’espaces dans le montage qui laisse présager que le plus beau ne soit pas dans le champ. A mon avis ,les durées des plans sont très mal maitrisées, et souvent c’est l’ennui profond qui surgit de la contemplation béate d’humains prêt à s’élever. C’est que je disais plus haut, l’impression qui m’a le plus envahi c’est de voir des pleurnicheries un peu vaines sur le fait de porter sa croix tout au long de sa vie. Il y a des passages réussis, c’est indéniable, par exemple une des premières scènes du film avec la grue, très très belle idée que cette ascension de plusieurs tonnes de planche vers la chambre où on prie, puis plus haut encore lorsque les yeux s’ouvrent à nouveau, mais dans la suite du métrage on ne retrouve plus cette malice et ces idées dans l’image. Il y a bien ça et là des séquences assez marrantes reprenant des images saintes, comme la renaissance dans l’eau ou la descente au tombeau (qui revient deux fois d’ailleurs, et là c’est assez malin car on ne sait plus si c’est un flash back ou juste un jeu sur la résurrection), mais j’ai eu l’impression qu’à mesure le film se rattachait plus à son scénario qu’a une véritable exploration des sens, la faute sans doute à des cadrages trop monotones (Dumont a laissé tomber le scope, c’est peut être ca qui m’a gêné) et à ces longueurs qui n’évoquent pas grand-chose. J’ai aussi trouvé l’interprétation pas terrible du tout, l’héroïne est quand même assez tarte et les acteurs musulmans pas vraiment convaincants. Certes c’est le style de Dumont que de prendre des acteurs non professionnels et de faire trainer les plans plus que de rigueur, mais là ou ca fonctionnait pleinement dans FLANDRES, ici ca me semble trainer plus que de rigueur et surtout pour pas grand-chose. Alors, il y a bien dès fois quelques jeux de lumières, quelques saillies intéressantes utilisant ce rythme un peu lancinant, mais malheureusement dans l’ensemble je suis resté assez étranger à ce qu’il se passait devant moi. C’est bien dommage, car Dieu sait que j’aurais aimé voir cet ange immaculé qui semble avoir atterri par erreur dans le XXIe siècle se débattre avec le coran en latin et la bible en verlan ou entre langages SMS et société de consommation, voir un choix philosophique profond dans le fait de rester vierge toute sa vie dans une société qui place la consommation sexuelle comme enjeux de réussite sociale et surtout placer dans la main virginale d’une fille de ministre le bâton du terrorisme de masse. HADEWIJCH est une bonne idée, mais pas encore très aboutie à mon humble avis…

Norman Bates.

Puisqu'à la rédaction tout le monde est un peu débordé par l'actualité focalienne de premier plan, soit la première séance de BON CHIC MAUVAIS GENRE à Lille qui a d'ailleurs été un succès retentissant, merci à vous d'avoir répondu présents, il nous reste malheureusement que peu de temps pour aborder les sorties récentes, par ailleurs nombreuses et intéressante en cette fin d'année. C'est pourquoi nous vous emmenons dans un voyage rapide et néanmoins spectaculaire à bord de la Ligne PIRE EXPRESS, au milieu de décors fascinants et d'une nature pas toujours si hostile. Attention à l'embarquement, fermeture des portes.

La compagnie et moi sommes ravis de vous recevoir à bord, notre première étape sera ZOMBIELAND de Ruben Fleischer (USA 2009), 5 minutes d'arrêt, merci de ne pas rire bruyamment pendant les silences pesants.

Cette espèce d'endive de Eisenberg, en bon nerd asocial se retrouve être un des rares survivants d'une épidémie zombiesque, dû au fait qu'il ne sorte jamais de chez lui et qu'il connait tout les films de zombie par cœur, et connais donc les pièges à éviter. A la recherche de ses parents, il rencontre Woody -TUEURS NES- Harrelson et deux ados à franges assez bonasses. Ensemble, ils vont tenter de rallier une zone non infectée et de mettre la main sur des twix avant leur date de péremption.

Ressassant toute la mythologie zombie post=moderne style Zombie Survival Guide, Left 4 Dead, World War Z, L’ARMEE DES MORTS, DEADSET et j'en passe, ZOMBIELAND tente de faire une comédie gore indépendante, donc forcement plus intelligente qu'une comédie normale ou qu'un film de zombie standard. Pas franchement surprenant, assez anonyme dans sa réalisation (mais pas laid non plus) le film lasse par l'utilisation permanente du second degré, des citations-clin d'œil pour geek, et des acteurs peu convaincants (Eisenberg joue le même personnage que dans le très sympathique ADVENTURELAND, mais bon, une fois ça suffit, et en plus dans ADVENTURELAND il donnait la réplique à la bella de TWILIGHT ce qui excuse beaucoup de choses a mes yeux). L'intrigue n'offre pas vraiment de surprise, la traditionnelle histoire d'amour est inconsistante (comment peut on tomber amoureux de cette tête à claque), et le film souffre de problème de rythme. Niveau mise en scène on a l'impression d'être devant une série TV, c'est à dire très fonctionnel et soignée, mais sans vraiment de choses originales. L'impression qui domine c'est le déjà vu, et j'ai eu bien du mal à atteindre la fin du film (qui ne dure qu'1h20). Le plus pénible étant cette recherche permanente de la connivence du geek, à base de citations et de placements de jeux vidéos/marques/musiques/références ciné qui donne au final l'impression qu'un département marketing est responsable du film. Nous vous prions maintenant de bien vouloir regagner vos places, le train va repartir dès que les derniers cadavres auront été enlevés de la voie.

On enchaine les kilomètres et nous nous dirigeons droit sur New York, attention ca n'a rien à voir c'est  WAZ de Tom Shankland (USA - UK 2007), nous vous prions de nous excuser pour le retard, les sandwichs sont lâchés dans les compartiments non fumeurs.

New York, dans le bronx, un serial killer laisse des équations mathématiques gravée dans le corps de ses victimes, toutes issues de gangs divers. La jeune Melissa George (vue dans 30 JOURS DE NUIT) fait équipe avec le vieux détective Stellan Skarsgard (un acteur de Von Trier !) et tout deux ne vont pas tarder à démêler le vrai du faux dans un New York croupissant, entre guerre des gangs, flics corrompus et équations métaphysiques comme leitmotiv d'un tueur étrange cherchant à rationaliser l'amour. Dans cette atmosphère glauque se trament des souffrances horribles, et alors que plus rien ne semble faire face à la nuit, un schizophrène découvre que la condition humaine est un problème impossible à résoudre, l'homme n'étant qu'un compromis foireux entre l'espèce et l'individu. En fait si, l'amour peut être la solution, mais ca, c'est à la fin.

C'est le premier film de Tom Shankland, mais vous allez me dire qui est Tom Shankland, ce a quoi je vous répondrai que c'est le réalisateur du récent mais invisible THE CHILDREN, sorti assez clandestinement dans quelques salles, à guetter en DVD donc. WAZ à les qualités et les défauts de beaucoup de premiers films, soit une certaine maladresse et une propension à chercher l'inspiration un peu partout au risque de donner un film assez bancal. C'est le cas ici, mais on sent quand même que le réalisateur a voulu faire quelque chose d'un peu original, par une photo très belle et des cadrages très chouettes, de nuit notamment. L'écriture aussi est assez intéressante, puisqu'on saura dès la première demi heure qui est le coupable, ce qui donne un ton plutôt giallo au film sans chercher à déployer une mécanique narrative trop bien pensée pour être honnête à base d’enquête compliquée, style les experts. Bon, la trame est archi classique, la jeune flic idéaliste associée au vieux flic alcoolique pourri, mais le traitement assez gore et premier degré est plutôt plaisant. Shankland évite de tomber dans le torture-porn à la SAW, et c'est déjà louab'. Maladresses enfin, parce que la mise en scène est quand même très brouillonne, et les scènes d'actions sont vraiment très mal foutues, avec trop de caméra portée et d'images saccadées. Les acteurs ne sont vraiment pas terribles : hormis les deux personnages principaux le casting pourtant composé d'acteurs connus est vraiment en demi teinte, voire franchement à coté de la plaque. En résumé, puisque les portes se ferment déjà, c'est une série B honnête et parfois très agréable, en plus ça ne coûte que deux ou trois euros dans vos supermarchés...

Messages à tous les passagers : en raison d'un mouvement social, nous vous prions de bien vouloir détacher vos ceintures et de vous mettre en position d’accepter votre sort. Pendant l’arrêt temporaire du rêve américain nous vous invitons à vous pencher par la fenêtre et à observer l’étrange activité qui règne (PARANORMAL ACTIVITY d’Oren Peli USA 2009) : un couple américain moyen plutôt aisé se retrouve confronté à des phénomènes étranges survenant surtout chez Madame pendant la nuit. Pour remédier au problème Monsieur filme la vie du couple 24h sur 24, à l’exception des parties de jambes en l’air car Madame est pudique, "et puis on n’est pas chez Dorcel". Devant nous, pendant 1h30, la vacuité totale de la vie minable d’un trader free lance et d’une étudiante ratée comblant leur manque flagrant de culture et d’intérêt dans les choses de l’esprit par un matérialisme exacerbée. Attention le film est terrifiant.

Sur un modus operandi exactement semblable à BLAIR WITCH ou CANNIBAL HOLOCAUST, soit un film totalement premier degré basé sur une reproduction de la réalité avec une grande rigueur, c'est-à-dire de faire des images laides et sans intérêt autre que d’attester que Tata Jeannette a réalisé le film promis-juré, ce PARANORMAL ACTIVITY ressemble à un porno amateur : même volonté de placer le spectateur en voyeur dans une vie de couple simulée, sauf qu’ici le but n’est pas l’excitation mais la peur de voir un élément incontrôlable débouler chez Mr et Mme tout le monde.

A mon sens c’est totalement râté puisque je me suis ennuyé comme rarement au cinéma. Les scènes "terrifiantes" à bases de couettes qui se soulèvent n’ont pas eu j’imagine l’effet escompté sur moi, la seule chose assez belle est finalement l’espèce d’improbable médium et son Ouija magique, je vous assure que ca vaut le détour. Les mécanismes de la peur sont ceux du traditionnel film de fantôme chinois, de la télé qui s’allume toute seul aux bruits de pas dans les couloirs (wahou !), passée la puberté vous devriez sans peine supporter "la terreur" promise sur l’affiche du film. C’est incroyablement laid dans la forme, les personnages sont d’une débilité tragique, et il y a une scène complètement pompée sur [REC]. Encore un grand cou d’épée dans l’eau en somme. Par contre chez les jeunes adolescentes le film a son petit effet, il y a presque autant de cris féminins suraigus que lors des plus belles heures d’un récital de Marc Lavoine. L’adolescence chez les femmes restera décidément un des grands mystères de la vie.

Mesdames et messieurs, nous arrivons en vue du terminus, il s'agit de LA ROUTE de John Hillcoat (USA 2009), nous invitons les personnes qui imitent le chef de l'Etat à remettre en question leur sens de l'humour avant de refaire appel à nos services.

Après le Cataclysme. La terre dévastée abrite encore quelques hordes de survivants luttant pour s'approprier les dernières ressources disponibles, dans les cendres et le froid, dans la solitude et la peur. Viggo et son fils marchent le long d'un chemin qui va de la mort de la Femme jusqu'a l'aube de l'Homme, entre traque sans merci et souvenirs heureux de quand on vivait tous les trois. Sur un air de fin des temps, instants à deux dans la lumière d'un feu de camp ou rencontres sinistres avec les sous-humains, sur fond de questionnements existentiels. Arrêtez de jouer avec la sonnette d’alarme.

Il y a de belles choses dans LA ROUTE, à commencer par une direction artistique vraiment jolie, des décors de toute beauté, sans fioritures inutiles ou effets spéciaux appuyés que les cadrages plutôt inspirés transforment en tableaux clairs obscurs, une photo pas trop grisâtre contrairement à ce que je craignais et quelques jolies fioritures ici ou là. Malheureusement ca ne suffit pas pour tenir la route (ho ho ho !) jusqu'au bout, et de nombreux défauts m'ont empêché de rentrer dans le film. Il y a notamment dans LA ROUTE une propension hollywoodienne à forcer sur le pathos qui m'ennuie profondément, qui passe ici par la musique de Nick Cave complètement mélodramatique, par le scenario et les dialogues franchement pénibles sur fond de piano (le rôle du gamin notamment, complètement insupportable avec ses leçons de morales) mais aussi par les scènes de blabla sur fond de piano cadrées toutes exactement pareilles, soit en plan américain en champ / contre champ sur fond de piano, et les moments de nostalgie avec Charlize Théron sur fond de piano utilisés d'une manière très peu intelligente à mon sens. C'est bien dommage car le sujet se prêtait bien à une adaptation cinématographique et il y a de très belles choses ici ou là, parfois assez poétiques même. On préféra le très beau NO COUNTRY FOR OLD MEN des frères Couennes, basé sur un bouquin du même auteur.


Mesdames et messieurs nous vous remercions d'avoir empruntés nos lignes, attention au retour au sol, laissez vos illusions se répandre sur le sol et faites attention aux journaux gratuits qui vous seront distribués en gare. Le chef du bord vous salue.

Comme on vous l’a dit il y a quelques jours, Matiere Focale s’associe avec quelques partenaires pour sortir du monde virtuel et s’incarner dans une jolie soirée "double feature" comme diraient nos amis américains (comme dirait Tavernier !), pendant laquelle vous pourrez voir trois films parmi lesquels L’ANGE DE LA VENGEANCE de Abel Ferrara, et MAISON D’EN FACE, le beau court de Jean-Christophe Sanchez avec Jean-Claude Bourret. Et puis, il y aura ILSA LA LOUVE DES S.S de Don Edmonds. Je sais, ça fait plutôt "triple feature", c'est-à-dire triple programme, mais n’oubliez pas, personne ne s’attend à l’Inquisition Espagnole !

Si Abel Ferrara avec L’ANGE DE LA VENGEANCE s’approprie le film d’autodéfense, pour le tordre, le broyer, et finalement le sublimer et le transformer en quelque chose de toute à fait personnel et original, ILSA LA LOUVE… est, au contraire, un film 100% exploitation, c'est-à-dire un exemple pur jus de ce cinéma bis des années 70/80. Mais ici, le sujet et le traitement du film sont tellement "henaurmes" que, ô doux paradoxe, toi l’ami des poétes, tu seras également totalement dépaysé ! Et ce n’est rien de le dire…

Allemagne, à la fin de la seconde guerre mondiale. Ilsa n’est pas une femme comme les autres. Docteur dévoué à la science, c’est aussi un officier S.S dont le sens de l’idéologie et de la rigueur est impressionnant. Elle a convaincu sa hiérarchie de lui confier un petit camp de travail, perdu dans la campagne allemande. Là, elle mène de terribles recherches  médicales sur les prisonniers et le prisonnières de guerre (car le camps est mixte !). Elle mène son petit monde à la baguette et à la cravache. Ce jour-là, un nouveau paquet de prisonnière arrive au camps. Commence alors une selection terrible : celles qui travailleront jusqu’à épuisement et, celle qui serviront de cobayes à d’hallucinantes expériences médicales.

Mais Ilsa n’est pas seulement cet officier soumis à la cause nazi et à l’Allemagne hitlérienne, c’est aussi une sublime femme dont les pulsions sexuels sont terribles et même insatiables!

C’est quand arrive un groupe de prisonniers mâles que la donne va changer. Car parmi eux, il y a Wolf, un américain dont une partie du sang est allemand. Et le beau prisonnier va attirer tout de suite le regard d’Ilsa bien décidé à le mater et à profiter de ses charmes. Mais, Ilsa ne sait  pas que Wolf n’est pas un homme comme les autres et que son terrible secret en fait un homme très au-dessus de la mêlée.  Et le bellâtre américain ne va pas hésiter à créer une forme tout nouvelle de subversion et de révolte qui va mettre le corps et l’esprit d’Ilsa à une terrible épreuve.

Faire un film ouvertement commercial et d’exploitation qui se passe dans un camps nazi dédié aux expériences médicales, voilà l’idée de très mauvais goût, ou issue d’une inconscience totale, à laquelle Don Edmonds se soumet volontairement, exploitant un sous-genre des films de sexploitation (action et érotisme marqués) qu’est le film de "naziplotation", puisque le terme existe. Un genre qui connut un peu de succès dans les années 70 et qui accoucha de pas mal de films très mauvais aux USA et en Europe, mais aussi la série des ILSA… qui fut d’ailleurs détourné et pillé jusqu’en France (avec le film ELSA FRAULEIN S.S dont nous avons déjà parler ici). C’est que ce ILSA LA LOUVE… a fait son beurre et donna des idées à beaucoup. La série originale se déclina même en trois épisodes dont le fameux ILSA, TIGRESSE DE SIBERIE, dont je vous avais déjà parlé aussi.

Ha oui, c’est sûr, ça fait drôlement bizarre, des années après, de retomber sur un tel film.  C’est que le cinéma d’exploitation, de la blackplotation aux films de femmes en prison (W.I.P) s’encombrait peu de délicatesse : héros dealers ou proxénètes, femmes battues, soumises et dévêtues croupissant dans des geôles dirigées par des sadiques, voilà un programme musclé et d’un mauvais goût très certains qui a quand même donné des choses drôlissimes ou tout à fait improbables.

Avec la seconde guerre mondiale et le nazisme, ça fait encore plus bizarre par où ça passe, et sur le papier, certains d’entre-vous hésiteront peut-être à regarder ISA LA LOUVE…

Crachons le morceau tout de suite, et versons-nous une tasse de Earl Grey dans la foulée en nous asseyant dans les fauteuils en velours molletonnés des bureaux de Matière Focale : vous allez, en refusant de voir le film, louper une bonne tranche de cinéma, très rigolote, et surtout, pas du tout sinistre et perverse. Enfin si, ce sera pervers, mais sous la férule d’un érotisme assez bon enfant quoique frontal.

Reposons un moment nos livres d’histoire, et entrons dans ce film très étrange par l’autre porte, celle de derrière étais-je tenté de dire. Je ne sais pas si vous prenez un sucre ou deux dans votre thé, mais moi, j’aime à y rajouter juste une goutte de citron, ce qui est fort coûteux, mais me semble indispensable. Alors, avant de goûter ce délicieux cheese-cake dont je tiens larecette de ma grand-mère (et remarquez que Winston, mon cuisinier, me l’apporte avec de la crème), je vous le dis tout de go, et même j’ajouterais, sans détour : ILSA LE LOUVE DES S.S a une portée historique quasiment inexistante. Ceux qui veulent du Dossier de l’Ecran vont en être pour leur frais. ILSA LA LOUVE… parle à peu près aussi bien de la seconde guerre mondiale que la série L’ANE TROTRO parlait du conflit américano-coréen. Même si les nazis ont fait des expériences médicales, et pas qu’un peu, la portée documentaire ou philosophique de ILSA LA LOUVE est, disons-le, complètement nulle !

Mmmmmmm, ce petit scone m’a l’ait tout à fait délicieux…

Ilsa, incarnée par l’énergique et plutôt précise Dyanne Thorne, est une femme tout à fait gouleyante. Grande, plantureuse, on est d’abord frappé par son regard clair et attentif, et ensuite par une plastique mammaire, d’abord, et fessière, ensuite, tout à fait remarquable. Et élégante aussi, car elle sait mettre en valeur, et je vous assure, ce n’est rien de le dire, ce physique confortable en supprimant un bouton, pas douze, rien qu’un, ici mais pas là, ou encore en troquant l’uniforme nazi classique pour des chemisiers blancs et cintrés que ne renierait pas un Lagarfeld Karl, je vous assure.

Puisqu’on parle de mode, permettez-moi aussi de décrire les aides de camps de Ilsa, des sous-officiers de sexe féminin exclusivement (les hommes gardent la porte du camps ou se font suer dans les miradors pendant ce temps-là), des femmes qui respirent plus la Teutonie d’opérette qu'autre chose, mais dont les charmes "dominas" sont à noter. Elles ont hérité de leur patronne un sens du devoir très poussé, et on voit sur leur visage que ce travail les passionne. Elles n’hésitent jamais à faire des heures supplémentaires et à aller mater un prisonnier un peu insolent dans  de longues séances de fouet nocturnes, et ce malgré la chaleur qui règne dans la salle de torture, ce qui les poussent à accomplir leur devoir seins nus. (Et pas avec du martinet du samedi soir pour couple en mal de coquinerie : c’est du fouet de compétition, vous pouvez me croire).

Côté prisonniers, Don Edmonds sait aussi créer l’élégance. Chez les hommes,on est loin du costume rayé historique, et on préférera des ensembles de style pyjama, assez prés du corps, accompagné de veste en matériau noble et souverain (toile de jute) dont le nombre hallucinant de boutons permet de très appropriés déboutonnages (oops! répétition!), à la ville comme au travail. Chez Wolf, le héros américain dont on soulignera l’incroyable volonté à ne pas laisser la guerre mettre en péril son charme capillaire (la bête est blonde, bien sûr, Mesdames!), le bas-pyjama permet de souligner assez pudiquement la courbe de la chute de rein et l’impeccable composition de ce fessier mi-américain mi-européen. Les boutons supérieurs sont bien sûr systématiquement défaits pour plus de style, de charme et de productivité, au travail comme dans l’intimité.

Chez les femmes, puisque le film commence par la question physique et vestimentaire avec le tri, précis mais subjectif, des jeunes filles jugées sur leur apparence, puis sur le physique originel, selon des critères que l’on devine assez vite comme étant judicieux (je vous laisse la surprise), chez les femmes, disais-je, c’est la blouse qui déclenche l’unanimité. Ample, mais pas ouverte, elle permet aisance mais aussi, quand le labeur est plus dur, d’aérer le corps et le dévoiler avec pas mal de classe, et ce d’autant plus que la blouse se porte quasiment en robe, forcément courte, dispositif facile diront les puristes, mais qui dans la pratique se révèle judicieux là aussi, puisqu’elles permettent par les jambes ou les hanches de mettre en valeur des physiques très différents. Un dispositif qui permet de profiter des charmes de chacune, grande ou petite, fine ou gironde, avec un égal appétit.

Le casting, chez Don Edmonds ne suit pas non plus la reconstitution mortifère à la James Ivory et se base sur un jeu d’opinions subjectives. Nos prisonnières, même malades, mêmes torturées, même affamées sont toujours charnues, et les prisonniers ne sont pas gringalet et dévoilent des corps qu’on croirait issus des corps d’élite des sociétés sportives. C’est de l’homme, du vrai, attentif et doux certes, mais aussi fermes et décidés, à l’image des poils du torse, toujours présents mais pas envahissants, ou de la barbe de trois jours toujours appréciés quand il s’agit de séduction.

Donc, on l’aura compris, pas de corps squelettiques et décharnés, mais au contraire, des créatures de caractère. Dehors, Actor’s Studio! sors d’ici Méthode! Un trou dans le vêtement ou un tremblement tout simple de la mâchoire exprimera bien mieux la servitude, la pauvreté et la famine qu’un maquillage luxueux ou qu’un régime robertdeniroesque (oh non!). Edmonds préfère la synecdoque, et si jamais il ne sait pas ce qu’il veut dire, alors il dira qu’il préfère un corps beau pour ensuite se reposer sur le jeu d’acteurs.

Sur ce dernier point d’ailleurs, c’est délicieux. Si Dyanne Thorne fait beaucoup pour le charme vénéneux du film, car elle est délicieuse de A à Z, et investiecomme rarement dans son rôle, sortant de tout champ du probable avec un sérieux et un malice froide à toute épreuve, ici et là ça papate volontiers, même si ce n’est pas systématique. Bien entendu, tout cela n’est pas du Shakespeare. Mais nous voilà devant une belle cohabitation de jeux différents, allant du très bien à l’improbable, et souvent nageant dans les eaux du hors-piste, si vous me permettez la dangereuse expression (qui pourtant illustre bien le film : faire du ski sous l’eau !). Les petits rôles sont absolument croquignolets et ravira les fines gueules : général obèse et pervers (scène d’anthologie au sujet rarement abordé dans le cinéma conventionnel commercial, mais je ne peux vous dévoiler cette surprise, très bien amenée d’ailleurs par un travelling verticale saisissant en contrechamp… Mais, chut…), son aide de camp blondissime, rappelant un David Bennett en plus âgé, soumis à la hiérarchie mais ayan un coup d’avance et qui se révélera plus sadique et technicien que tous les autres, gardes abrutis se faisant assassinés par des prisonniers handicapés par le manque de tout pourtant, petite nazie de rien complètement pervertie par le sexe et aussi vulgaire qu’un troupeau de vieilles dames pyhtonesques, beau prisonnier italien et ténébreux… C’est un sans faute. ajoutez pa là=dessus des accents germanico-teutons totalement iimprobable et de bon aloi, bien sûr

 Oui, vous êtes bien gentil docteur me diriez-vous, et je dirais merci, si vous n’ajoutiez derechef : est-ce que ça se tient ?

Plutôt bien, oui.

Le grand truc de ILSA LA LOUVE, on l’aura  compris, c’est quand même l’exploitation et donc le genre. On a beau être dans le sous-genre, voire dans le sous-sous-genre, les objectifs, quoique mixtes, sont très clairs. Et c’est précisément sur ce point, que le film dégage un charme certes vénéneux (oh, répétition!), mais irresistible et troublant. Il y a deux versants chez Ilsa, il y a deux versants dans ce film, et il y a deux versants dans notre soif spectatoriale, mot que je me dois d’inventer. ILSA LA LOUVE navigue entre deux pôles opposés : le travail et l’amour physique, c’est à dire entre le plaisir et le devoir, entre l’objectif bureaucratique et la recherche expérimentale personnelle, entre la carrière et la pulsion. En terme de cinéma d’exploitation, la chose est vite traduite et ce sera par les deux termes: "gore" et "érotisme". Edmonds découpe une narration classique, plutôt rigolotte et efficace qui joue énormément sur la découverte, un peu factice du spectateur. Une scène d’amour, puis sa conclusion hallucinante, une scène de torture (et pas n’importe laquelle). Puis déshabillage en règle des prisonniéres en un long, très long casting en tenue d’Eve ou d’Adam, puis expérience médicale, etc…

Comme je le disais, tout repose sur le personnage d’Ilsa. Son charme vient de l’incroyable rigueur de son action, la passion même qu’elle met dans ses deux vocations : la torture et le sexe. L’un ne nourrit pas tout à fait l’autre, mais par contre, il y a dans le travail de l’amour physique, une espèce de prolongation du travail salarié, si j’ose dire, d’Ilsa. Ce qu’Ilsa essaie de démontrer, et elle y arrive les doigts dans le nez, d’ailleurs, c’est qu’elle ne doit pas son statut social à un quelconque jeu de placement administratif ou à un qeulconque sens des mondanités. Elle semble même rejouer sa carrière au jour le jour. Il n’y pas de petites expériences, il n’y a pas de coïts mineurs, c’est chaque jour, avec rigueur, qu’on construit son œuvre. La puissance magnétique d’Ilsa, c’est cet acharnement du travail bien fait. Elle fait ce qu’elle est, car dans cette application passionnée, elle domine nettement. C’est la maîtresse du jeu, et dans le huis-clos administratif et historique qui sert de contexte au film, dans ce microcosme, elle gagne à chaque fois, mais attention, pas par une espèce de puissance ex-machina, mais parce que c’est elle qui excelle. Il y a donc quelque chose de fondamentalement iconoclaste chez cette femme. Réussite sans tâche au départ, puis prise de position phénoménale vis à vis de ses recherches personnelles (là aussi, je ne peux rien vous dévoiler, mais le but des tortures et des expériences médicales est une alliance entre le débile et l’improbable qui vous fera extrêmement rire), les modousses opérandailles de Ilsa la mette, de facto, en porte à faux avec sa hiérarchie (qui admire son travail, paradoxalement). Son protocole expérimentale vise bien au-delà de la machinerie et la mythologie nazies. Ilsa est une artiste, baroque et précise. Elle a un but qui tend à prouver que son parcours est le bon. Le chemin est la destination. En étant, elle travaille. En travaillant, elle est un personnage unique en temps d’uniformes par milliers.

Le film déploie donc une litanie incessante, enivrante même (ce qui en fait un plaisir de cinéma hors-norme) de jeux, d’imageries qui bien sûr repose sur l’érotisme SM. La dialectique du film, c’est la domination. The masters and the servants. La dialectique de l’esclave. Ilsa domine le jeu, domine les sexes, fait "aboutir" (professionnellement et sexuellement) ses partenaires, parce qu’elle est la plus forte, la plus virtuose. Et le personnage de Wolf est délicieux, car son "pouvoir" idéal, va retourner la situation, si j’ose dire. Le divin s’introduit, sous la forme d’un sexe de demi-dieu qui pipe le jeu, bien sûr. Ilsa, maîtresse de tous les systèmes, est battue par la poésie, c’est à dire l’impensable et l’impossible incarnés. Elle a perdu d’avance, mais ne le sait pas. Comme dans la doctrine philosophique évoquée plus haut, les jeux de pouvoir vont s’inverser, le riche devient le pauvre et vices et versa. D’aucun trouveront le procédé complètement stupide, et ce n’est pas totalement faux. Mai, punaise ça fonctionne. Car ILSA LA LOUVE DES S.S et ses avalanches gores, et ces corps dénudés et appétissants, c’est le triomphe du film improbable, sérieux comme un pape, voué au fantastique, où les détails absurdes que je ne peux dévoiler ici dans le cadre d’une critique qui respecte la notion de découverte chez le spectateur, abondent dans tous les sens. Les rires fuseront certes, mais l’esprit vagabondera aux fils des fantasmes que l’ont voit arriver au petit trot, tranquillement, à l’horizon, et qui, une fois qu’on les a sous le nez, nous étonne quand même. L’érotisme est une façon de prédire, de promettre, et au moment de l’accomplissement, de surprendre, de devenir imprévisible. Christopher Walken le disait très bien : "le sexy, c’est de ne pas pouvoir prévoir ce qui va se passer dans la seconde suivante". Don Edmonds, pas manchot d’ailleurs (le film est correctement cadré et très très bien éclairé par endroit, et ne fait pas du tout mal aux yeux), livre un film qui dépasse la norme, va au-delà du bon et du mauvais goût avec assez de tact et assez d’inconscience. Dans ILSA…, il y a toujours une scène érotique prête pour vous, toujours une scène horrifique pour vous glacer d’effroi comme tout bon film d’horreur, il y a toujours un truc improbable qui débarque, toujours un rire qui se prépare. Il y a donc une promesse satisfaite dans ce film : celle du plaisir pur du cinéma de genre. Même si le film de Don Edmonds ne ressemble à rien d’autre au final. Quentin Tarantino lui-même ne s'y est pas trompé en rendant hommage, via la réalisation de Roberto Rodriguez, à ce film, via un pastiche délicieux. 

Notons que lorsque nous projetteront ce film, le 4 décembre, lors de la soirée BON CHIC MAUVAIS GENRE, ce sera sans doute votre unique occasion de voir le film en salle. Ne laissons pas le temps détruire la copie du film sans que nous l’ayons vu. Et nous pourront, sourire aux lèvres, plaisir resplendissant dans notre regard fier, être les témoins que ce film a existé.

Je n’aurais qu’un mot, celui du poète : "pour le plaisir".

Dr Devo.

A chacun sa vision de la fin du monde : désastre écologique, capitalisme outrancier, explosion nucléaires, de l’écolo naïf au rebelle gauchiste, on surfe sur le sujet anxiogène du moment pour faire des films alarmistes et donneurs de leçons à grand renfort d’images choquantes et racoleuses. La démarche d’Emmerich est un peu différente puisqu’il ressort ces bons vieux mayas qui avaient soi-disant prévu la fin du monde pour 2012, le 21 décembre exactement. Moi ca me gêne pas plus que ca, s'il y a des crétins pour croire qu’une civilisation est prestigieuse pour avoir inventé le maïs et les  sacrifices humains pendant à peine 600 ans avant de disparaitre dans un fiasco total, faisant de cette soi-disant société idéale une des plus courte de l’Humanité, c’est leur problème. Surtout qu’en fait cette théorie est basée sur une erreur de calcul grotesque. Bref, Emmerich semble prendre un parti complètement idiot et absurde, et en fait c’est plutôt marrant face aux ténors du culpabilisme, car l’homme dans 2012 n’y est pour rien, enfin presque.

En 2009, Norman Bates se rend dans un cinéma parisien sans se douter qu’il va être à l’origine d’événements grandioses et improbables qui seront un prélude à deux heures et demie de désastres en effets numériques high tech. En 2012, John Cusack se réveille a la bourre alors qu’il doit emmener ses gosses faire du camping dans le Yellowstone. Evidemment c’est du Emmerich : le héros est un tout petit looser qui a perdu sa femme –mais ils s’aiment encore sans le savoir- qui s’est barrée pour un épouser un mec riche –mais qui semble être un vrai connard- et lui ,en tant qu’écrivain raté, est obligé de faire des boulots humiliants pour vivre seul dans un appartement minable entre deux gardes de ses enfants. Tout aurait pu continuer ainsi s’il n’avait pas rencontré en chemin La Fin Absolue Du Monde provoquée par les Mayas, Norman Bates et un alignement de planètes quelconques qui aura fait chauffer la température du soleil à grands coups de neutrinos (ca fait peur les neutrinos) et ainsi provoqué des réactions chimiques en chaîne, qui iront jusqu'à faire chauffer le cœur de la terre, bouillir les océans et faire s’entrechoquer les plaques tectoniques causant ainsi des tsunamis, tremblements de terre, failles et éruptions de volcans tout autour du monde. Evidemment, Cusack va fuir avec ses sales gosses et son ex-femme prouvant ainsi qu’il vaut mieux que son nouveau mari, et ensemble ils vont traverser une compilation de tout les films catastrophes sortis jusqu'à présent, ce qui du coup fait de 2012 une sorte d’apogée du cinéma catastrophe, méta-film portant tous les tourments du monde, du capitaliste russe au président noir, de l’écologie à l’astrophysique, des mythes aux technologies de pointe, tout y passe. Dans ce grand cirque de La Fin Absolue Du Monde il ne manquera pas d’assister aux numéros traditionnels du Gentil Asiatique, du Méchant Russe, du Noir Sympa Humaniste, du Méchant Blanc Capitaliste, du Scientifique Indien, de la Pute Blonde Superficielle Avec Faux Seins et du Religieux Tibétain.  Tout le monde enchaîne les numéros devant un monsieur Cusack Loyal qui, en bon américain-looser-moyen-qui-ne-fume-pas, comprend toujours 10 minutes à l’ avance ce qu’il faut faire, et qui va reconquérir l’amour de ses gosses et de sa femme au final.

Le vrai héros du film pourtant c’est cette Fin Du Monde, ces 2h30 de déluge grandiose qui s’abat sur tout les pays du monde, impeccablement modélisés en 3D et filmés dans un scope éclatant entouré d’un dolby surround digital poussé jusqu’aux limites du supportable. Cette mécanique est entrecoupé des traditionnels moments violons à base de "Le monde tel que nous le connaissons est sur le point de disparaitre", "Papa, quand est ce qu’un rentre chez nous ? Il n’y a plus de chez nous, fiston",   ou les "Que vaut l’humanité si nous sacrifions nos propres frères" prononcé par Noir Sympa Humaniste au bord des larmes, dans un accès de violons à rendre sourd n’importe quel Robert Redford. Pour autant, toute cette mécanique bien huilée et traditionnelle du Emmerich-movie est tellement poussée qu’elle devient fascinante. Et tout à fait sérieusement, je pense que on a là une de ses meilleurs œuvres, un surpassement total de toute sa carrière. En fait je pense que, peut être sans s’en rendre compte, Emmerich à réalisé un des films les plus nihilistes de ces dix dernières années, un film d’une noirceur absolument insondable, un film qui, au fond, traite de la condition humaine d’un point de vue quasiment métaphysique. Si si ! La trame biblique du film oppose l’homme en tant que figure face à Dieu, c'est-à-dire qu’il n’y a pas de méchants coté humain,  il y a juste des hommes à la fois enclins à faire le mal et le bien, comme par exemple Méchant Russe qui agit de manière a sauver ses enfants, quitte à enfoncer les autres, mais Cusack aussi tenez vous bien : sous ses bons airs sympas, il s’en sort en marchant sur les pieds de tout le monde pour sauver sa famille et draguer son ex. La véritable question c’est: qui peut donner à l’homme une chance de faire le bien dans un contexte ou la seule cellule à laquelle il est a même de rendre des comptes est la famille qu’il doit justement sauver ? En gros, il n’y a pas de justice possible dans l’action immédiate qui consiste à choisir entre ses gosses et ceux du voisin. Du coup, chaque cellule familiale est productrice de sa propre violence qui contamine les autres ! Seul Lama Lapidaire, sorte de Dalaï Lama jeanclaudebrialiste, est prêt a faire un effort pour les enfants du héros, mais c’est parce qu’il est dans son rôle de Gentil Asiatique et qu’il veut donner une bonne image de sa religion. Mais sinon, le film se termine de la pire des manières, par la survie de quelques humains choisis uniquement de par leur utilité dans l’optique d’un nouveau monde, c’est du nazisme quasiment, les hommes sont définis par leur métier, par leur gênes, par leur valeur sociale, valeur sociale qui est d'ailleurs décidée par le plus fort des camps, c'est-à-dire le plus riche ! Les dernières images du film font froid dans le dos: on y voit une humanité remplie de scientifiques, d’économistes ou de politiques mais sans aucun artiste par exemple, qui ont tous crevés dans l’indifférence générale. En gros, il reste Cusack -écrivain minable-, sa femme qui l’a trompée et leurs gamins complètements cons entourés de mecs style Obama/iphone. Il n’y a pas d’échappatoires pour une humanité qui se sauverait d’elle-même, à cause justement de la famille et des valeurs traditionnelles sociétales, indispensables peut-être pour vivre en société, mais qui favorise au fond toujours une sorte de caste de gens bien nés. Quel désespoir accablant nous assaille ! Et le film se termine par U2 ! Si quelqu’un m’avait donné une arme à la sortie du cinéma je me serais flingué sur le champ.

Il est évident qu’il faut voir 2012 dans une salle de cinéma. L’aspect "grandiose" des scènes de destruction ne passe que par l’utilisation d’effets, aussi bien visuels que sonores. C’est une sorte de manège de foire décadent : on imagine sans peine des hordes de graphistes  s’évertuer à modéliser dans les moindres détails des monuments, pour les détruire ensuite, comme si toute cette course aux meilleurs effets spéciaux, aux plus belles images de synthèse contenait en soi sa propre Fin, comme l’Humanité ! Chacun cherche à construire quelque chose de mieux mais pour cela il faut détruire quelque chose qui n’aurait pas un état de finitude accompli. Emmerich à du lire Nietzche avant de faire le film, tellement sa philosophie inonde chaque plan, du procédé à l’accomplissement. Dans cette perspective, les scènes classiques sentimentales dont je me moquais plus haut, ont une toute autre portée, une sorte schématisation des mœurs, de carcan solide qui voudrait que les choses dites le plus simplement et les plus spontanément sont hypocrites, comme si dans les "je t’aime" on disait en fait "je déteste tout les autres", comme si nous portions tous en nous Notre Propre Fin Du Monde, comme si ce que nous ne serons jamais aurait été beaucoup plus beau que ce que nous sommes malgré nous. Le pire des cas alors serait que l’on puisse survivre à Dieu, et dépasser en horreur ce que cette limite nous empêchait d’atteindre jusqu'à présent. Dans un style codifié à l’extrême, rempli a ras bord d’effets spéciaux lourdingues et assez laids, de saillies patriotiques et/ou  pathétiques, de symboles caricaturaux (il faut voir la représentation des pays : l’italien par exemple se met à prier dès qu’il se passe quelque chose de bizarre), de surcharge sonore et d’empathie pour les animaux mignons, Emmerich dépeint un monde  coincé entre la peinture de Bosch et le calendrier des pompiers, entre Dante et Céline Dion, bref entre notre attirance pour le désastre et notre volonté de nous surpasser à l’éviter.

Norman Bates.

Découvrez d'autres articles sur d'autres films en consultant l'Index des Films Abordés.

Retrouvez Matiére Focale sur Facebook .

La théorie la plus admise concernant la naissance du système solaire, et par conséquent de l’humanité, est à l’heure actuelle celle du Big Bang : en gros avant il n’y avait rien à l’infini, et puis soudain est apparu quelque chose. Comment est ce apparu ? Pourquoi ? La base de cette théorie à été écrite par un prêtre il y a déjà quelques temps, et donc il y aurait au moins "quelque chose" de plus ou moins intentionné qui est la Cause de tout, chose qu’on nomme différemment d’un bout à l’autre du monde et suivant sa confession religieuse, ou son état d’ébriété. Mais cette chose existe, dans les mythes comme dans la science, et elle est, de par sa nature, une interrogation permanente mais inaccessible de la part de nous autres, bactéries savantes. Et comme toute chose inaccessible, l’humanité n’a de cesse de vouloir l’atteindre, car sinon cela voudrait dire que nous vivons en vain, pauvres organismes agités le temps d’une vie et qui s’éteignent dans l’indifférence universelle. Cela voudrait dire que notre vie n’a aucun but, et que nous avons passé notre existence à appuyer sur des boutons qui n’ont pas de conséquences sur la marche du cosmos.

Cameron Diaz, elle, a la chance d’avoir appuyé sur un bouton d’importance, un de ceux qui régissent l’existence de notre monde, même si les mauvaises langues diront qu’elle a surtout appuyé sur le botox, ce qui est un peu vrai aussi. Une responsabilité de cette importance, cela va de soi que c’est difficile à porter dans la vie de tout les jours, celle où l’on appuie sur des boutons qui n’ont pas d’importances et où l’on fait des choix qui s’appliquent sur notre minable existence et éventuellement qui font chier quelques voisins mal placés. Certaines élites des sociétés, ceux qui ont du pouvoir comme à la NASA ou à Matière Focale, on des boutons à leurs dispositions qui sont susceptibles d’emmerder un bon paquet de monde, mais à l’échelle de l’Univers ca reste très anecdotique, heureusement pour eux d’ailleurs. Tout ca c’est bien joli, mais certaines personnes, qu’on appellera des artistes ou des marginaux pour rester poli, sont en complet désaccord avec cette vision des choses, et s’imaginent que les choix qui nous sont imposés sont une manière de nous rapprocher de la grande entité dont je parlais dans le premier paragraphe. Manifestement, Richard Kelly en fait partie, puisque pour lui nous sommes, en quelque sorte, les dindons de la farce cosmique, et que les choix qui nous sont imposés ont tout le temps une influence sur l’univers, puisqu’ "on" se soucie de nous tester, de nous juger en permanence afin de déterminer si nous avons le droit de rester à notre place ou au contraire de nous en trouver une nouvelle : et c’est vraiment con, car ces choix sur lesquels nous sommes testés nous n’en connaissons jamais les tenant ni les aboutissants ! En gros on ne peut pas être jugés équitablement car la portée de nos actes nous échappe totalement, et que par conséquent seule notre volonté à faire une action et les prétextes qui nous y poussent ont une importance, a conditions que nous soyons maître de notre volonté, ce qui est encore un autre problème. Et la j’appuie sur le bouton nouveau paragraphe.

On aurait pourtant bien tort de réduire THE BOX à un scénario digne d’un cours de philo de terminale, vaguement teinté de soupirs existentialistes ne cherchant qu’a donner un aspect intello à un film qui en est pourtant dépourvu dans ses grandes lignes, car messieurs-dames, le cinéma est avant tout un vecteur sensuel plutôt qu’intellectuel, et c’est ce que fait Kelly ici. Tout cet aspect thématique et ou scénaristique n’a pour seul but que de confronter la trajectoire humaine du couple, test de l’année selon le panel Ipsos/Le Monde, à quelque chose qui le dépasse, et à essayer d’atteindre ce dépassement, dans un second temps, par la confrontation entre des images et des sons et un spectateur lambda sortant d’une journée de boulot pénible. En clair, le but n’est pas tellement de savoir ce que vous auriez fait dans une telle situation mais plutôt de s’imaginer dans le lit de Cameron Diaz, pleurant sur les aléas de notre condition précaire et explorant les sentiments induits par la culpabilité. S'il fallait décrire THE BOX, je dirai qu’il s’agit de ce à quoi pourrait ressembler un épisode de X FILES de deux heures, réalisé par Kubrick après sa mort, sous l’influence d’un Lars Von Trier pour le coté misogyne (ce sont les femmes qui appuient sur le bouton). Bon, ok, c’est totalement idiot et incomplet puisqu’on lorgne aussi du coté de Cronenberg dans cette mise en scène au premier abord classique, mais qui utilise de manière très belle le montage, comme par exemple l’alternance entre le parcours de l’homme et de la femme qui s’enchevêtre pour finir dans un lit avec de l’eau, ce qui est une manière de montrer la Conception comme événement fondateur du Choix uniquement par le montage, et c’est ça, c’est classe. Et des exemples comme ca il y en a un certain nombre, le montage étant très utilisé comme vecteur de sens, dans une narration plutôt foisonnante, mais toujours dirigée par ce qu’il se passe à l’écran (établissant des liens de causalités entre les actions de personnages différents, ce qui est magnifique). Je parlais tout à l’heure de Kubrick, car les similitudes sont nombreuses avec EYES WIDE SHUT, notamment dans la dramatisation du sentiment de culpabilité style tragédie grecque, ou des lieux du quotidien se retrouvant utilisés comme des tribunaux ou l’on juge l’Homme. Pour autant les deux films, s'ils sont similaires dans la manière d’aborder le problèmes, sont très différents de par leur rythme et surtout, dans le cas de THE BOX, on est loin du nihilisme pessimiste de Kubrick, puisque ici le fait d’être seul et par conséquent de ne jamais avoir de point du vue omniscient sur une problématique permet de transformer celle-ci en acte d’amour : la mort peut être salvatrice et utilisée comme telle, ce qui est nettement plus enviable que les partouzes de Papi Lubrick qui renvoient l’homme à son sexe et son animalité.

THE BOX est un film effrayant, qui m’a littéralement démoralisé de par son exposition froide des limitations de l’humain et de la vacuité de l’existence terrienne. La mise en scène est assez froide notamment à cause de la photo assez grise alliée à une musique qu’on pourrait presque qualifier de funéraire. Il y a très peu d’humour et le ton du film devient très vite inquiétant, en utilisant très peu d’effets spéciaux, en jouant surtout sur les situations bizarres tout en restant sobre (ce qui est plutôt rare chez Kelly). Le rythme est proprement hallucinant, les intrigues se multipliant à outrance sans trop savoir où elles vont mener jusqu'à la conclusion finale le spectateur ne sait jamais bien ce qui est en train de se passer. Et puis surtout, le scénario n’est pas tellement propice à la déconne. Même avec une bonne meuf et un chouette boulot on peut finir complètement laminé pour un acte minuscule effectué en situation de faiblesse, parce que la vie ne propose pas d’autres alternatives que d’appuyer sans fin sur des boutons dérisoires qui orientent notre existence au gré de nos erreurs. Pire encore, ces erreurs se répètent inlassablement, sont amplifiés sur la surface du globe par 6 milliards d’occurrences du modèle humain, tous identiques et tous prêts à plonger pour un million d’euros. Je retiens de THE BOX un grand drame en forme de carte des aspirations de l’homme inaccessibles, un train fantôme de la culpabilité et de la frustration engendrée par notre impossibilité profonde de nous accepter, même au sein de l’amour. Ca fait tellement mal que je ne sais même pas si je pourrais appuyer sur le bouton publier.

Norman Bates.







Découvrez d'autres articles sur d'autres films en consultant l'Index des Films Abordés.

Retrouvez Matiére Focale sur Facebook .

A chacun ses vacances : quand d’autres vont entretenir leur cancer de la peau sur les plages de méditerrané, certains choisissent l’aventure et la prise de risque dans les massifs verdoyant de Croatie, au milieu des loups et au dessus du sol de préférence. Evidemment c’est le cas de la bande à Fanny Valette et en plus de ça ils s’aventurent dans une via fermée, en plein après midi et sans équipement. Vous imaginez aisément la suite : sous le soleil croate les jeunes adultes vont découvrir les raffinements infinis dont font preuves les peuplades étrangères à l’égard des européens/américains (c’est les mêmes) venus dépenser l’argent de leur parents chef d’entreprises ou critiques de cinéma.

Film d’horreur français, je pense que tout est dit, on peut passer aux desserts et vous reprendrez bien un peu de ce délicieux Dom Pérignon, allez y puisqu’on vous le propose. Non rassurez vous on ne crachera pas dans la soupe, on n’est pas comme ca, on laisse sa chance au produit. Ce serait dommage effectivement car le début laisse présager de bonnes choses pour la suite : plans très soignés en avion dans les montagnes à la SHINING, jolie photo et caractérisation rapide des personnages, il y a même quelques cadres sympas a droite ou a gauche. La balade en Croatie se passe plutôt bien, étudions le comportement de ces jeunes : 5 personnes composées de deux couples plus une pièce rapportée qui a eu en fait une relation avec Fanny Valette il y a longtemps mais il ne peut pas l’oublier, etc. Détrompez-vous tout ca à une importance : devant l’adversité seuls les vrais sentiments transparaissent. C’est un peu ce que tente de nous dire Abel Ferry, de manière hélas trop scolaire, de sorte que les relations entre les personnages paraissent vraiment peu crédibles et les acteurs ont du coup beaucoup de mal à assurer là dessus. Du coup ils patatent comme rarement et ce n’est pas joli a voir, ca parait bien trop artificiel pour être honnête. Rajoutez là-dessus la trame archi classique du survival, ou on attend de voir qui va crever, dans quel ordre et je ramasse les paris. L’écriture ne réserve rien de foufou au premier abord.

Pourtant il serait dommage de s’arrêter là. La construction du film si elle parait classique, est en fait un retour à l’essence, au « mythème ». Il n’y a pas une version unique d’un film de survival, toutes les versions sont en fait des manifestations d’un même langage, c’est la relation entre une fonction et un sujet dont il est question. Or le langage ici c’est le cinéma, ce qui logiquement pousse à dire que chaque film au scénario identique est complètement différent, ne serait ce que parce qu’ils ont un postulat identique. Le simple fait de dire la même chose les singularisent et font naitre le langage, qui est le moyen de l’expression. Le mythe est un mensonge qui oppose l’homme et son désir enfoui de briser la société, la nécessité de la famille et la fondation d’une civilisation. A quoi s’opposent nos cinq protagonistes ? A un sérial killer timbré qui vit dans une maison dans la forêt en pourchassant les touristes ? Ou a leur propre envie de se mettre en danger en allant de fait là ou ils prennent le plus de risques ? La réponse n’est pas si évidente, et le but n’est pas d’y répondre, mais de mettre en scène le mensonge, d’où l’origine du cinéma (et de l’art) nous dit Abel Ferry.

Ok donc Fanny Valette flippe face à la figure du mal(e) étranger. Mais elle flippe aussi pour son couple et pour l’enfant qui est mort. Son couple qui se casse lorsqu’il est exposé aux pires sévices, alors que dans le même temps un rapprochement dans la souffrance s’opère avec son ex amant. Est-ce la nature qui décide comme tout porte à le croire ? Est-ce que l’amour est une fonction vitale qui cherche la survie, reflexe atavique face à la violence du monde ? Peut être ou peut être pas, mais plus important la réponse semble être dans la question, et en cela l’art qui interroge est en fait une sorte de résolution. Ce qui nous est dit c’est que le mécanisme du langage transforme l’inconciliable en conciliable, qu’il permet d’analyser les faits, leur relations et leurs achèvements mais qu’au final c’est une ILLUSION. La même illusion qui consiste à voir dans une caméra le réel, ou dans une marionnette la réalité. Le couple qui est l’enjeu du film est une structure complexe qui est un miroir de la société. Société = couple = illusion puisque la rupture est possible et même inévitable, comme lorsqu’un pauvre hère célibataire, pauvre et sans famille qui encule des chèvres dans la montagne croate  décide de s’attaquer de manière complètement irréfléchie à cette société. C’est l’opposition binaire entre le hors du monde et le monde, entre les extra terrestres et les hommes, entre les créatures de la nuit et celles du jour, entre le ciment et les étoiles. Cette opposition se retrouve partout : films, livres, peintures, etc… car c’est un langage qui exprime quelque chose qui ne nous est pas familier, et que des concepts gigantesques nous permettent à peine d’approcher.

Attention c’est là que ca devient triste : nous n’avons que l’illusion ! Parce que sans illusion Fanny Valette se retrouve avec un bras cassée, toute seule, face à un mec super cheum et costaud qui veut lui faire la peau. Parce que sans illusions on a objectivement beaucoup de chance de crever rapidement, qu’on ne vit que pour gagner du temps et qu’il n’y a sans doute pas d’amour ou d’admiration dans le regard de la caissière du supermarché à notre égard. La dernière corde de la tyrolienne utilisée par Fanny est elle solide ? Peut-elle survivre alors que la société et le couple ont perdus ? Est-ce que le film est bien ?

La tyrolienne existe, la société existe, le film existe, la caissière existe, mais honnêtement il y a très peu de chances pour qu’elle soit amoureuse de vous secrètement, que Fanny Survive, qu’un film Français d’horreur soit bon ou que la société disparaisse. Ce qui est sûr en revanche c’est qu’à Matière Focale on vous prépare secrètement un événement cinématographique sans commune mesure ayant pour thème les seins, les hommes effeminés et les nazis, et qu’il sera beaucoup question d’approfondir les relations entre l’art et l’illusion.

Spécial dédicace à Levi Strauss !

Norman Bates.

Découvrez d'autres articles sur d'autres films en consultant l'Index des Films Abordés.

Retrouvez Matiére Focale sur Facebook .

SIN NOMBRE de Cary Fukunaga (Mexique-USA 2009):

SIN NOMBRE c’est l’histoire d’une famille de chomeurs bretons qui sont contraints d’immigrer dans la région parisienne pour trouver un emploi. Ils vont donc s’embarquer à leurs risques et périls dans un train rempli de clandestins à destination de la gare Montparnasse. Comme c’est du cinéma et par la grâce du montage parallèle on va suivre dans le même temps les déboires de deux jeunes membres d’un gang de Fleury Mérogis, qui vont se séparer à cause d’une femme et se retrouver ennemis par la force des choses. Les destins de tout ce beau monde vont se mêler sur le réseau ferroviaire, entre nuits d’angoisses et règlements de comptes dans les wagons restaurants.

C’est apparemment le premier long métrage de Fukanaga, et le moins que l’on puisse dire c’est que pour un film breton il y a des moyens ! Gros scope et photo luxueuse, ce road movie est formellement pas désagréable, se permettant même une ou deux très belles scènes de nuit sous la pluie. Le problème c’est que l’histoire est vue et revue, on voit le scénario se dérouler 10 ans à l’avance, et que le réalisateur se contente de suivre les personnages sans sourciller, dans une mise en scène vraiment pas très inspirée et un montage certes alterné mais on ne peut plus linéaire. Certes c’est un voyage dépaysant en Bretagne, on est bien assis et on constate que les bretons galèrent toujours autant à passer la frontière vers le monde civilisé, il se passe pleins de choses et les acteurs amateurs de ce tiers monde misérable sont particulièrement crédibles mais on est en droit d’attendre un peu plus qu’un dossier de l’écran avec des moyens. Malgré tout il faut reconnaitre que c’est plutôt bien écrit, d’une concision agréable et ça se suit comme un bon péplum (n’importe quoi) avec une tisane. De là à valoir le prix d’une place plein tarif, il ne faut pas s’affoler : je pense que ça sera plus joli en Blu Ray sur votre 82cm full hachedé avec le chien a vos pieds. Enfin si vous qui voyez.

CLONES de Jonathan Mostow (USA 2009):

Bruce Willis a un cœur ! Et des cheveux si on en croit ce récit SF directement inspiré d’Asimov qui dépeint un avenir dans lequel les relations humaines auraient disparues laissant place à un théâtre de poupées contrôlées par des humains couchés dans leur chambre toute la journée. Et oui comme ca plus d’épidémies, plus d’insécurité et de criminalité, un avatar bionique vit à votre place. En plus chacun choisit s’il préfère se balader sous les traits d’une jolie femme, d’un jeune bellâtre ou d’un Bruce Willis chevelu. Comme d’habitude des putains de hippies/rasta/communistes résistent contre cet état de fait et vivent retranchés dans des ghettos ou les « clones » et les fans de Sardou sont strictement prohibés. A leur tête un Ving Rhames tout en dread met la main sur une arme qui pourrait être fatale aux robots, et ainsi rendre la terre à une humanité qui pourrait polluer tranquille tout en chopant le sida joyeusement. Comme d’hab Bruce Willis a perdu son gosse dans un accident, il tient son gant de foot américain en pleurant dans sa chambre qu’il a gardé intact et va sauver l’humanité, parce notre existence lui importe, main sur l’épaule, et parce que l’américain se relève toujours.

Bon en gros c’est nul et sans intérêt, laidissime et boursouflé, pleins d’effets spéciaux en troidé tout cheums et de scène d’actions illisibles. Et puis faut arrêter de faire jouer des scènes d’émotions à Bruce Willis, le pauvre se tape la honte a chaque fois qu’il fait son regard triste de ¾ face. Sinon comme on est en pleine crise écologique y’a un message super mignon qui dit en gros qu’il faut arrêter de faire n’importe quoi avec la technologie, et que la chirurgie esthétique c’est mal, il faut accepter la vieillesse comme le dalaï lama. Ah oui et puis le film ne parle pas du tout de clonage, il faudra qu’on m’explique le titre français, c’est une histoire de robots qui ne ressemblent même pas à leur maitre.

Mouais, ca ne fait pas grand-chose à se mettre sous la dent tout ca…

Norman Bates.