Chers Focaliens,

Tout cela finira sans doute par s'arranger mais pour l'instant, que ce soit dans le cinéma art et essai local (qui affiche une rétrospective western sans grande envergure) ou au Pathugmont, il n'y a pas grand chose à se mettre sous la dent, et ce, avant que dans les 15 jours suivants, ce soit peut-être pas une avalanche de chef-d'œuvres, mais au moins de films qui, sur le papier, ont l'air déjà un peu plus appétissants... On fait, en attendant, comme lors des deux ou trois derniers mois, les fonds de tiroirs et on se ballade un peu au hasard dans les salles, en espérant découvrir un truc sympa ou au moins quelque chose de pas trop mal...

Allez, hop, me dis-je, allons voir ce COUP DE FOUDRE A RHODE ISLAND réalisé par Peter Hedges, une comédie sentimentale à première vue, et ce pour deux raisons. D'abord, on y retrouve Steve Carell, bon acteur et héros du formidable 40 ANS TOUJOURS PUCEAU dont on avait dit ici le plus grand bien. Deuxièmement, je me disais que "oui, oui, mais si, je le connais ce réalisateur (Peter Hedges), on a même écrit sur lui sur Matière Focale". Vérification faite, c'est absolument faux. Le type a déjà réalisé un film que je n'ai pas vu. Par contre, c'était le scénariste de WHAT'S EATING GILBERT GRAPE (dont je suis incapable de retrouver le titre français!), film où, ce n'est pas rien, le jeune Di Caprio jouait un trisomique 21 (rires), film d'ailleurs, et sans rire cette fois, plutôt acceptable et tout à fait visible bien que réalisé par l'affreux Lasse Hallström. Bon voilà qui fait une bonne intro, passons maintenant aux choses sérieuses...

Steve Carell, éditorialiste reconnu, est un père de famille qui doit s'occuper de ses 3 filles après le décès de sa femme morte d'un, je vous le donne dans le mille, Emile, d'un bon petit cancer des familles. Le voilà qui débarque chez ses parents pour un bon petit WE prolongé avec ses frères, sa sœur, et toute la smala. Une grande maison près de la côte bretonne (aux USA, tout de même). Un petit bijou. Carell déprime gentiment dans cette famille super-sympa, mais où tout le monde a trouvé son âme sœur. Lui ne fréquente plus personne depuis la mort de son épouse, qui, je vous l'ai dit ou pas (?), est morte d'un affreux cancer.

Et c'est là qu'arrive l'inattendu... Dans une petite librairie du village, il rencontre notre Juliette Binoche nationale qu'il drague gentiment mais sûrement. Les deux passent une heure à papoter, et c'est formidable. Ils doivent quand même se quitter mais Carell a récupéré son numéro de portable, tout va bien. Aussitôt rentré dans la maison de ses parents, il raconte l'anecdote à ses frères et explique qu'il a vu une femme phénoménale, etc... Et là, patatatra, tout s 'écroule, car Juliette Binoche est là et pour cause : c'est la nouvelle petite amie de son plus jeune frère...

Bah, pas de quoi en faire un fromage, on est en plein sentiers battus, avec ce sujet rigolo mais déjà vu sans doute. Ce n'est pas un drame en soit. La comédie sentimentale fait partie du cinéma de genre, au même titre que le thriller ou que le film d'horreur. Les sujets suivent souvent des trames rebattues, où les passages obligés abondent, mais cela n'empêche en rien que les films soient bons ou mauvais.

Du simple point de vue de la mise en scène COUP DE FOUDRE... ne casse rien, certes, là aussi c'est de la série, mais est quand même réalisé non pas avec talent, mais avec un peu de soin, très léger quand même, qui suffit à le mettre, le film, suivez un peu, au-dessus de la moyenne. La photo est relativement acceptable malgré un tirage de la copie française bien dégueulasse encore une fois (le plan saturé où l'on voit Carell s'endormant dans le noir la seconde fois par exemple, qui contredit complètement le reste de l'étalonnage). Au tout début, Hedges nous fait de calmes caméras portées, pas tellement réussies, mais qui n'étaient pas une si mauvaise idée sur le papier, car la comédie sentimentale moyenne est effectivement très statique. Ces caméras portées, pas vraiment formidables en ce qui concerne le cadre (c'est encore un peu trop rapproché, trop court...), auraient pu briser un peu la routine. Mais , quoi qu'il en soit, ça s'arrête vite. Quant au reste rien à signaler, c'est dans la moyenne des films de studio américains, sans plus.

Bon, il y a quand même un joli casting. Binoche, par exemple, était tout à fait à l'aise dans les beaux MOTS RETROUVES de mes amis génies McGehee et Siegel. On retrouve aussi Dianne Wiest, encore en mère de famille (pfff....) et, plus surprenant, Alison Pill, actrice que je vois ici pour la deuxième fois, au physique un peu atypique et que j'avais adoré dans DEAR WENDY dont je vous avais parlé, il y a quelques années. Il y a du linge sympa donc, voire beau (Carell, Pill), le sujet de base est rigolo, alors why not ?

Bon. En fait, pour moi, ce sera plutôt not ! Le problème de ce film, c'est cette désagréable sensation qu'il a été réécrit pour éliminer tout ce qui aurait pu être un peu noir ou, plus prosaïquement, tout ce qui aurait pu avoir de l'enjeu ou qui aurait pu apparaître un peu cruel. Et le pire, c'est que bien souvent, certains enjeux apparaissent dans le film mais sont largement désamorcés. Le sujet du film est assez charmant : on rencontre quelqu'un par hasard, ça colle tout de suite, comme jamais même, et la minute d'après, on sait qu'il sera impossible de sortir avec la personne, pas seulement parce que la personne est prise mais parce qu'elle est sortie avec votre frère (même si ils se séparaient, ça resterait de "l'inceste" en quelque sorte), mais pendant ce temps-là, les sentiments continuent de faire leur travail de sape. Et puis de toute façon, il s'est passé ce qui s'est passé, et ça, ça ne s'efface pas ! Donc, c'est rageant car certaines choses plus noires affleurent quand même dans le film, et que, en plus, le sujet est propice aux sentiments les plus ambivalents. D'ailleurs, de la tristesse, le film en est innervé, et c'est même une de ses marques de fabrique : la comédie sentimentale triste. Alors qu'est-ce qui cloche ?

D'abord, le film met vraiment trop de temps à démarrer, et le premier quart d'heure, où l'on voit Carell et sa petite famille partir, est interminable, et est trop insistant sur la charactérisation des personnages. N'importe quel film de collège, sous genre de la comédie sentimentale, lui aussi très codifié, aurait envoyé ça en  trois minutes et avec plus d'efficacité. Ensuite, le problème c'est le dialogue. Si le scénario, même défiguré, est globalement écrit de manière plutôt souple et aguerrie, Hedges ne sait pas trop quoi écrire dans ces dialogues. On s'en rend compte dans les parties du film les plus primordiales : la rencontre, la scène dans la douche, etc... Là, ça patine, on reste dans les généralités les plus neutres ou les plus mièvres. N'importe quel film de collège en aurait justement profité de ces instants pour être pertinent et pour enfoncer certains clous, et/ou pour asseoir quelques paradoxes troublants. Là, dans ces passages primordiaux, on est dans le remplissage sans objet. Et ça révèle un autre problème...

Prenons exemple de la scène de la douche. Voilà une très bonne idée, et le pire, c'est que ça suffit pour que, même en l'état, ça ne marche pas mal. D'abord la scène ne dure pas assez longtemps, et ce qui se passe derrière le rideau de douche (entre Binoche et Carell) n'a pas le temps de s'installer afin de développer les différents sentiments qu'ils traversent (gêne, puis tristesse puis rires, ce qui devrait être formidable et touchant).  Quand la fille entre dans la salle de bain, elle déballe son discours, ce qui était aussi une grande idée. Qu'en fait Hedges ? Rien ! Il ne sait pas qu'en faire et quoi faire dire à la jeune fille, Alison Pill, ma chouchoute en plus ! Je vous mets au défi, pour ceux qui ont vu le film, de me dire de quoi parle Pill à ce moment-là !!! Le discours est vague, ne fait que dans les grands principes et finit par ne plus vouloir rien dire à force d'imprécision. Imaginez maintenant la même scène avec quelqu'un d'autre de talentueux... Moi, par exemple ! On aurait eu un moment formidable, dis-je en toute modestie. Il se serait passé des tas de choses dans cette scène. D'abord, la tentative de dialogue entre Binoche et Carell qui aurait pu être formidable. Puis l'arrivée de la fille qui commence à se confier, puis les trois sentiments que je décrivais plus haut. Si le discours, très long, de la fille avait été poignant, problématique, triste (évocation de la mère, c'est là qu'il fallait la placer et non pas dans l'ignoble scène d'explication autour du dessin du phare, ou encore, montrer que la fille forte de la famille est un individu qui souffre ou qui ressent de plein fouet tel ou tel aspect de sa vie d'adolescente, ce qu'aurait fait magnifiquement un John Hugues), la scène aurait fonctionné comme du Billy Wilder, avec deux actions opposées en même temps, et les deux étant drôles et noires. Et touchantes !

Vous devez vous dire que "le docteur, il s'égare". En fait, non. Cette scène regroupe les défauts du film. Il loupe, alors que tout est à portée de main, l'occasion de s'affranchir du genre (tout en y restant) de donner du relief à tous les personnages impliqués, et de permettre au film d'avoir... un peu de vie, un peu d'incarnation, un peu d'émotion et de rires qui nous parlent. Le film de Hedges, notamment par incompétence à écrire des dialogues plus fouillés sans en avoir l'air, fait le contraire. La noirceur ne fait qu'affleurer. Si elle est présente c'est pour nourrir la machine, c'est-à-dire pousser le projet dans le mélo. Les enjeux sont tous désamorcés au profit de la structure du genre. Et plus grave avec un si beau sujet : jamais deux sentiments contradictoires n'affluent au même moment !! IL N'Y A AUCUNE AMBIVALENCE ! Bon sang de bois ! C'est pour ça que la scène de la douche rate sa cible. Hedges ne veut perdre personne, et sans doute pas lui-même, et il ne peut donc, logiquement pas se résoudre à nous faire rire et nous attrister dans la même phrase ou la même scène Il ne peut mélanger le loufoque ou le sérieux. En un mot, il loupe ABSOLUMENT tous ses paradoxes. Alors mon petit focalien, tu vas rire là où on te dit, et tu vas pleurer là où on te dit. Au final, bien sûr, on ne rit jamais de bon cœur, et on refuse de pleurer devant des choses aussi vides et aussi mièvres...

Quel dommage... D'autant plus que tout est là, à portée de main. Il y a pourtant une scène réussie  celle du bar avec la "truie" (je parle en codé). L'actrice est formidable en plus (Emily Blunt). Elle est exactement au diapason de ce que le film aurait dû être : plus loufoque mais en restant précis et en respectant les sentiments (et dieu sait que les Américains, notamment dans les film de collège, mais aussi dans les séries, sont très forts pour ça). Blunt joue juste un peu au-dessus, juste un peu plus appuyé... et tout  fonctionne. Là, le dialogue est très ramassé et  tout à fait bon. L'actrice le pousse un peu et suggère par le jeu (et non plus par le dialogue) qu'elle est sans doute un peu mytho... On ne le saura pas, mais il y a doute ! D'ailleurs observez Binoche et les autres : ils ont compris aussi. Binoche notamment (sa meilleure scène, je trouve) est à la fois méfiante, à la limite de rire, et triste...   Blunt a sans doute surpris ses camarades acteurs. Et bing, ça décolle. Le reste de la scène dans le bar est suffisamment vulgaire pour que ça fonctionne. Pendant trois minutes, c'est vraiment bien.

Parce qu'il faut dire aussi que les acteurs sont très embêtés. Carell me paraît un poil en dessous de d'habitude et, paradoxalement, il ruine pas mal de chose en allant juste dans le sens du film et en faisant là où le scénario lui dit de faire. Il est sans doute aussi un peu gêné d'avoir ce rôle de clown triste, et je le trouve beaucoup trop systématique. (Bien sûr, il n'est pas aidé par le scénario et il n'est pas si mauvais que ça, juste en dessous, ce qui fait, je pense, foirer pas mal d'effets ou qui systématise trop son personnage. C'est trop frileux. Se rappeler 40 ANS...). Binoche met le temps, mais je la trouve plutôt pas mal au bout de trente-cinq minutes. Là aussi, le terrain de jeu est trop petit. Les autres sont insipides. Et Pill qui aurait dû être un beau personnage est réduite à faire quasiment de la figuration.

Trop d'intentions. Pas assez envie de suivre son histoire et de casser le moule. Une famille de bisounours hallucinants de fadeur. Envie de brosser le public dans le sens du poil. Malgré le beau sujet, Hedges se comporte en esclave et ne s'en sort pas, et préfère, de son propre chef (et ça c'est très mal quand on fait un métier d'artiste), limiter son terrain de jeu à la comédie sentimentale la plus banale et racoleuse (à la Julia Roberts si vous voulez). Or, tout est là pour que ça fonctionne. Par peur de froisser le public peut-être, Hedges ne satisfait personne. Il insiste, se roule dans les justifications, blanchit son intrigue et souvent est trop insistant (demi-belle idée de la scène de salsa collective, ruinée par le contrechamp, laidissime en plus sur les fesses de Binoche : c'était plus drôle sans, et on avait bien compris, merci ! Et l'immonde façon dont on se débarrasse du frère gênant... Quelle honte ! C'est toujours le même principe : tout expliquer et tout passer au stabylo !). Hedges préfère le blanc au noir, le sourire au rire, et le pré-mâché à l'incarnation. Grand bien lui fasse. Mais pour nous, focaliens, on a l'impression que tout était là pour que ça fonctionne, et que tout cela est un gâchis. Il reste deux ou trois idées papiers excellentes, une bonne scène qui roule parfaitement et un immense sentiment de gâchis en se disant que si Hugues ou les frangins Farrelly avaient pris les choses en main (ou n'importe quel réalisateur courageux de film de collège), on aurait eu un grand film triste, mélancolique, mais aussi drôlissime, généreux et tendre. Là, ça sent encore le compte en banque et le manque d'ambition. La volonté de ne fâcher personne, ni de ne surprendre personne, bref de ne perdre personne, accouche d'un film gâché et sans âme. Avec un beau sujet comme ça, ça fend, pour le coup, vraiment le cœur. Ça méritait un bon réalisateur qui ne blanchisse pas tout, et qui sache faire quoi de son sujet une fois développé (la fin du film, ignoble de balisage illustre ça à merveille, hélas.).

Tristement Vôtre,

Docteur Devo.

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Vous savez comment ça se passe... Vous êtes seul depuis trois heures dans ce bar sympa, branchouille mais pas trop, et il ne vous en reste que deux heures pour faire des rencontres avant que le bar ne ferme, et vous n'avez toujours pas "pécho". Vous vous lancez donc, et après avoir fait boire Mademoiselle plus que deux raisons, il va falloir passer aux choses sérieuses. Moralité, après les margharitas (je ne sais pas vraiment comment ça s'écrit, pardonnez-moi), il va falloir penser à la margarine et ce genre de choses, et là, Matière Focale, une fois de plus, vous sauve la mise...

C'est un fait méconnu et/ou sous-estimé, mais la chose qui pourrait bien vous éviter de finir la nuit seul devant un épisode de DR HOUSE, puis un autre, puis encore un autre, en mangeant des ours en guimauve, c'est, tenez-vous bien et même, tenez-vous mieux, c'est la Culture. La tactique consistant à ne pas se vendre pour un alboume de Calogero ou un film de Kusturica, pour prendre deux exemples de même niveau, mais, au contraire, de viser plus haut, sans être pédant, et en apportant un avis original sur la chose (ici, comprendre la Culture). Alors abandonnez l'idée de lui parler des Straub, car sauf coup de chance inouï, elle ne sait même pas que ça existe. Par contre, LE DERNIER TANGO...

Un bon festival de Cannes, c'est un bon scandale avec du sexe dedans. Bon, je dis ça pour les jeunes focaliens, parce que, de nos jours, la chose est tellement galvaudée et habituelle qu'on a tué le principe dans l'œuf, et que mettre du zizi dans un film de festival fera rire de manière moqueuse ou pleurer de manière sincère le focalien convaincu. En tout cas, LE DERNIER TANGO..., dans la mémoire collective, c'est quand même le scandale de la scène de la margarine !

On assiste ici à la rencontre en plein Paris de Marlon Brando, américain taciturne et malheureux, et de Maria Schneider, petite parisienne friquée qui se croisent lors de la visite d'un appartement à louer. Ni une ni deux, le Brando, lui, emballe la zessgon sans lever le petit doigt et quasiment sans parler. Bref, ils se voient et ils couchent immédiatement sur le lino, ce qui sera le point départ d'une étrange liaison érotique et peut-être amoureuse...

Bon ben, les petits cocos, il faut largement oublier le petit Keanu se déplaçant sur des tapis de pétales de roses, car LE DERNIER TANGO... commence méchamment. On sent dès les premiers plans que la photo de Vittorio Storaro, ainsi que son cadre, ne sont pas là pour faire juste acte de présence technique. De son côté, Bertolucci annonce aussi la couleur : ça va bosser. Je pense à cette scène dans la cabine téléphonique du bar, dès les premières minutes, ou le passage de deux portes donne à voir une sublime ellipse en forme de point de montage (dérangé par un insert sur une mémé qui enlève son dentier pour faire diversion !). Ha bah oui, ça change de l'image du bonhomme qu'on peut s'être faite si on n'a vu que les deux films suscités !

Le film s'enclenche rapidement et de manière assez étonnante. A vrai dire, on ne sait pas trop où l'on met les pieds. Les motivations des personnages sont obscures, mais leurs actes sont actes sont clairs. L'appartement, d'abord assez vide, se remplit presque absurdement à mesure que la liaison des deux amants s'attarde. Brando est désespéré, mais aussi un peu "nanar" sur les bords, sans faire de grand discours d'ailleurs. La temporalité est flottante, mais pas sans rythme et très curieusement, on se retrouve vite avec une ambiance quasiment fantastique. Le statut des personnages évolue, au fil des omissions qu'on découvre petit à petit, et quelquefois, un léger ton loufoque surnage, comme la réapparition de la concierge noire par exemple, qui évoquerait presque une disnarration à la Blier (ce qui n'est pas vrai de l'ensemble du film d'ailleurs). En bref, le sexe et l'inévitable reste (le couple, le sentiment, etc.) forment la charpente de ce film, mais de manière assez abstraite souvent proche des sentiments les plus fugaces, ce qui est d'autant bienvenu que les deux personnages ne sont pas spécialement, ou plus ouvertement sympathiques mais un poil rugueux. Le tout se fait sans discours, par un jeu d'acteurs bizarre mais assez subtil, j‘y reviens de suite comme dirait le Docteur, et aussi par une mise en scène qui sait à la fois être assez riche, voire presque tout le temps gourmande, tout en respectant le côté volontiers obscur du projet. Bizarrement la mayonnaise prend, et c'est un vrai sentiment impressionniste qui prend le dessus, malgré la langueur et la noirceur affichées de cette histoire... Mmmmm...

Côté acteur, on utilise les deux protagonistes de manière tendue, c'est-à-dire soumise au projet, comme pour les considérer comme objets du film. Pour se faire, Bertolucci prend un pari exaspérant sur le papier et risqué dans les faits, puisque Brando et Schneider jouent quasiment dans deux tonalités différentes. Mademoiselle patate sa mother, sur le ton décalé et presque casse-bonbon qui était un peu celui des actrices-Méduse-égérie de certains films de la Nouvelle Vague. Je  ne pense pas que ça tiendrait dans un autre film sans que le focalien ait l'impression qu'on les lui brise menue-menue, mais ici c'est plutôt chouettosse (mot qu'il ne convient pas d'utiliser dans une critique digne de ce nom), car justement le Brando, lui, il est ailleurs. Lui aussi est un patateur de première, comme l'atteste sa splendouillette carrière de demi-dieux (ex-)vivant, mais ici, ô divine surprise, c'est plus sobre, et assez précis. Bref, on n'est pas dans le cheek-acting du PARRAIN, dieu soit loué, ni dans la minauderie d'un HOMME A LA PEAU DE SERPENT. Ne lâchant rien, pas aimable, rebondissant de manière malicieuse mais malpolie (un peu ours), Brando la joue sérieuse quand la gourgandine, elle, fait sa pissouse outrancière et égocentrique (je parle de l'actrice pas du personnage notez-le). Bref, d'un côté ça pause de manière ultra-artificielle (Schneider est d'ailleurs appuyé dans cette perspective par un montage musicale au mortier rappelant un peu la éthode zulawskienne, et aussi par son jumeau dans le film, Jean-Pierre Léaud, lui aussi en mode pédalage dans les descentes et tractopelle à pleine vitesse, jouant sur le mode horripilant au possible, et soutenu par la mise e scène dans ce sens). Mais en face, Brando, tout en ténèbre, précis, joue de façon opposée, grave, grave, et dégoûté. Ainsi, LE DERNIER TANGO... se fonde sur un déséquilibre qui n'empêchera pas la sensualité (ici pris au sens impressionniste et pas forcément dans sa connotation sexuelle) mais permettra avant tout de rendre un peu plus distante ou froide l'interprétation (ce qui est toujours une option nécessaire avec Brando d'ailleurs) et d'utiliser le jeu d'acteur comme un levier de mise en scène, ou plutôt comme à contrepoint à celle-ci. Le résultat est assez surprenant, on est plutôt pris à revers, hihi...

Côté mise en scène, c'et également très beau. Joli cadre, échelle de plan expressive malgré un aspect le décor qui fonctionnerait presque en huis-clos par moments, et photographie belle et originale. Les mouvements d'appareil sont nombreux et contribuent assez largement au sentiment d'étrangeté. Ils sont toujours reliés à des idées de mise en scène plutôt gourmande d'ailleurs : recadrage et changement d'échele dans le même plan, biaisage des axes, surcadrages en grands nombres, et les fameux et nombreux renversements de champ/contrechamp souvent magnificents car ils s'appuient sur de sublimes jeux de renversements de tonalité photographique. C'est très beau. Ça bosse. Bravo.

Alors, oui, me diriez-vous mais quid de la cuisine nouvelle dans cet opus jadis scandaleux ? Si vous voulez faire le malin avec la jouvencelle, faîtes-lui remarquer que, finalement, avec le décalage du temps, la mythique scène de la margarine n'est ni profondément choquante ou bouleversante. C'est ultra-sobre, Brando garde son pantalon. Bref, pas de quoi en faire un fromage. Il n'y a que la grande bourgeoise se la jouant vieille France qui sera étonnée par tant "d'audace" ! Par contre, beaucoup plus dérangeante et iconoclaste, quelques instants plus tard, est la scène où Brando se fait pénétrer la page centrale, belle scène d'ailleurs, servie par un assez beau dialogue en plus, ce qui ne gâche rien. Là, par contre, même si graphiquement on est également dans le très soft, on est assez stupéfait de ce qui est en train de se passer, surtout que le Brando, à l'époque, ça n'était pas rien... Je vous laisse découvrir ça. (Je sais pas si Brad Pitt, même de nos jours, aurait accepté ça! Hihi!)

Un sujet original, un film pas toujours aimable, un jeu vraiment très développé et original de cadrage, photographie et de mouvement (j'insiste car c'est vraiment, de très loin, la chose la plus étonnante et la plus riche du film), etc... LE DERNIER TANGO A PARIS est assez stupéfiant lorsqu'on connaît le père Bertolucci dans ses travaux populaires des années 80-90. Le petit gars, loin d'être gazé par le formol, sait bosser, et avec ce film, il place assez haut la barre. Que le film ait rencontré le succès, même pour de mauvaises raisons, est une très bonne chose. LE DERNIER TANGO... est un film beau, assez complexe, exigeant. Je n'aurais jamais pensé dire ça d'un Bertolucci, mais il faut être honnête: c'est un excellent film !

Bill Yeleuze.

PS : tiens, je m'aperçois que le co-scénariste du film, Franco Arcalli était aussi monteur (PROFESSION REPORTER) et réalisateur de la seconde équipe, notamment ici... C'est marrant, ça se sent...

Chers Focaliens,

C'est le week-end et vous vous relâchez des pressions accumulées durant le reste de la semaine. Monsieur vous prépare votre tisane préférée. Madame vous sert un verre de vieux whisky. Et pour parfaire le tout, vous vous allongez dans le fauteuil le plus confortable du salon afin d'écouter LES AVENTURIERS DES SALLES OBSCURS, célèbre show radiophonique consacré au cinéma...

C'est effectivement la rentrée de l'émission, et je serais là pour y participer et débattre des films sortis cette semaine et la semaine dernière avec mes petits camarades. Et il va y avoir du sport car je parlerais de MARTYRS de Pascal Laugier (apportez vos bâches), de LA POSSIBILITE D'UNE ILE de Michel Houellebecq (pour rester en contact avec les Elohims) et un autre film que je n'ai pas encore vu ni choisi à l'heure où j'écris ces lignes...

Pour écouter l'émission, rien de plus simple. On peut l'écouter ce samedi de 14 heures à 15 heures sur Radio Campus Lille, 106.6 FM. L'émission est d'ailleurs rediffusée le mercredi suivant à la même heure.

Sinon, vous ne vivez pas dans la région Nord-Pas De Calais, vous pouvez écouter le radio show en direct sur le site de Radio Campus. Pour se faire, cliquez ici.

Enfin, sachez que vous pourrez télécharger l'émission à partir de demain Dimanche jusqu'au Samedi suivant sur le site du QUOTIDIEN DU CINEMA. Cliquez ici !

En vous souhaitant un agréable week-end,

Impérialement Vôtre,

Dr Devo.

Chers Focaliens,

Il y a peut-être une drôle d'odeur dans la cuisine, comme disait la poète, mais il y a aussi du pain sur la planche et sans traîner évoquons rapidement les films "en retard" dont je n'ai pas encore parlé...

Oulalah, gros dossier, comme disent nos amis les jeunes ! Alors que le monde entier se réjouissait du premier volet des aventures de Batman réalisées par Nolan, j'étais pour ma part, si vous vous en rappelez, nettement moins enthousiaste et même pas enthousiaste du tout. C'est la mode, en effet, de reprendre les super-héros et les plonger dans des contextes moins flashy et plus "adulte". Mais le film de Nolan me paraissait à l'époque souffrir d'énormément de défauts de mise en scène, de quoi calmer mes ardeurs en tout cas.

On retrouve donc Batman, de très noire humeur. Ça barde à Gotham. Le crime se développe et les apparitions du héros masqué se font plus rares. Loin d'inspirer les masses, Batman fait encore symboliquement le ménage dans les rues de Gotham en bouclant des délinquants de base et aussi des imitateurs-admirateurs ! Mais, rassurons-nous, les affaires vont reprendre avec l'arrivée du mystérieux Joker, vilain à gouaille qui va redistribuer les cartes méchamment, en réorganisant la pègre malgré elle et en s'acharnant sur le pauvre Aaron Eckhart, procureur combatif qui veut se poser là en Monsieur Propre et qui pourrait bien y parvenir. Rachel, petite amie de Wayne jadis, sort désormais avec lui d'ailleurs. Le Joker est un gros malin et bien vite ses opérations spectaculaires vont bien semer la panique dans tous les camps. Car Joker n'est pas un vilain comme les autres. Il abhorre la Société dans son ensemble, considère la pègre et le pouvoir également corrompus, et il compte bien prendre possession de la ville en la détruisant dans ses fondements et en brouillant les pistes avec ses méthodes nihilo-anarchistes. Wayne/Batman va donc sortir de sa semi-retraite, tout miser sur Eckhart et attaquer de front la pègre et le Joker. Mais l'esprit tordu de ce dernier, et la volonté de tout mener de front vont lui donner du fil à retordre, et va lui faire se poser la question suivante : éradiquer le Mal, est-ce que ça va suffire ?

Bon. Il y a deux choses qui frappent dans ce nouveau film de Nolan. Tout d'abord, on note un léger changement de ton ou de perspective, plutôt profitable à  mes yeux (ce qui n'est d'ailleurs pas forcément le cas pour les fans plus hardcores). Le nouveau Batman est donc plus terre à terre en quelque sorte et plus éloigné, par exemple, du parti pris de Tim Burton dans son très beau BATMAN RETURNS (splendouillettement intitulé en V.F BATMAN, LE DEFI). Là où Burton ou dans une moindre mesure BATMAN BEGINS se rapprochait plus d'une optique comics et donc d'une représentation baroque, DARK KNIGHT abandonne la chose. Et c'est là que la chose est décevante pour beaucoup : Batman évolue dans un univers plus réaliste. Cela se voit dans le traitement des décors, et de a ville notamment, moins gothamienne et plus new-yorkaise. Ha bah oui, mais c'est quoi cette histoire de super-héros si Batman se ballade dans une ville qui ressemble à Clermont-Ferrand, se demande la lectrice focalienne ? Et bien curieusement, ça marche bien ! Le premier avantage est de pouvoir faire des personnages vilains ou héros, les seuls points "loufoques" (ou hauts en couleur, si on préfère) du film. Voilà qui leur donne plutôt plus d'impact. De plus, le procédé permet aussi de recentrer les enjeux vers l'humain et la morale, en se "débarrassant" des aspects les plus "fantastiques" directement issu de l'univers comics. Premier point.

Secondo notable, et là c'est une surprenante mais excellente nouvelle, la mise en scène des passages les plus orientées actions sont enfin mis en scène de façon à peu prés regardable. Adieu donc, les formes sobres qui se battaient laborieusement dans le cadre de BATMAN BEGINS sans qu'on puisse comprendre quoi que ce soit. "Tiens voilà quelqu'un qui à l'air de faire un truc à quelqu'un", se disait-on dans l'épisode précédent. Et bien ça, ouf, c'est terminé. Bon, le cadre des scènes d'actions sont encore assez serrés, mais pas seulement. Des plans plus larges ou larges font respirer le tout. La caméra a presque cessé de trembloter, ce qui est aussi un grand progrès. La dramaturgie de ces scènes se développe souvent sur un faux rythme, et est entrecoupée franchement. Elles ont aussi tendance à prendre le temps de se construire, bien que, paradoxe agréable, ces scènes d'action soient également plus sèches. La narration continue pendant les batailles, et enfin on a un sentiment d'espace et de géographie des lieux. (Cela dit, la scène finale avec le petit gamin me paraît très en dessous ; c'est un peu la même chose avec le système d'ondes téléphoniques utilisés par Batman pour combattre le Joker dans la dernière partie qui ressemble à du davidfincherisme plus maladroit, et qui ne m'a captivé hormis une assez belle interruption de l'image). Le reste de la mise en scène est moins laide que la moyenne ignoble des blockbusters et enfin, le procédé permet à Nolan d'utiliser à plein les décors et à faire gagner en crédibilité à son film. Ce n'est pas extrêmement personnel, mais ça fonctionne et ça contribue à donner au film une belle ambiance plombée, triste et sombre plutôt crédible. Côté son, si on excepte la B.O strictement hollywoodienne, il y a de belles ambiances, quelques différences de timbres et même des interruptions (en pleine scène d'action !) ou des coupes au plan ! Pas mal.En bref, la direction artistique est très bonne, la photo sans être transcendante n'est pas uniforme, chose assez rare dans ce type de production, et la mise en scène est claire et rythmée. J'en profite pour dire que le découpage narratif, pourtant souvent basé sur le montage alterné, est plutôt surprenant. Le film fait deux heures et trente minutes et l'ensemble, si on omet la séquence finale, est plutôt pêchu et prenant. Là aussi, la chose est rare.

Dans le fond on se rapproche vraiment, même si les deux films sont très différents et ne se battent pas sur le même terrain, de BATMAN RETURNS. L'intrigue et les personnages sont sombres, les enjeux et le traitement sont, bonne surprise également, complètement adultes. Bon, nos amis de la critique dialectique ont encore réussi à pondre une grosse machinerie analytique bien pourrite de niveau 6éme : Batman, c'est Bush. (Et Obama, c'est Madame Bovary?)Un de ces quatre, il y en aura un pour nous dire que le sourire du Joker ressemble à un vagin et que son action hystérique blah blah blah...  Bon laissons ça de côté. Même si il y a là aussi des différences, le Batman 2.0 de Nolan se rapprocherait plus de celui incarné par Keaton. Lointain mais là en Wayne, et sec et anonyme dans le feu de l'action. J'aime beaucoup Christian Bale mais je trouve que régulièrement, il manque un peu de charisme ou qu'il est sotto voce, un peu lisse. Ici, le côté sec comme un coup de trique convient bien. Batman est donc un peu en retrait vis-à-vis des personnages incarnés par Heath Ledger et Aaron Eckhart. Et là, je dis également double-plus-bon, car le procédé donne du relief au film et du mystère. Du mystère et de l'ambiguïté même, j'y reviens.

La critique a été très élogieuse quant à Heath Ledger. Sans dire que le type était génialissime, je pense que son travail est bon pour deux raisons. Bon, ça fait un peu de lip acting, mais sans que ça dérange énormément, on a vu pire. Rappelez-vous Nicholson qui pédalait dans les descentes. La force de Ledger est d'avoir bien compris l'écriture de son personnage. Et Nolan a bien pigé le truc : le personnage du Joker est vraiment très bien écrit. C'est une figure bien développée dont les enjeux sont passionnants, et qui se trimballe dans le film comme une figure pathétique, sombre et vraiment désespérée. Je parenthèse ici une seconde pour signaler que si les dialogues en général  sont dans la lignée de ce genre de film, très déclamatoires, ils sont ici plus secs, plus directs. Ceux du Joker sont passionnants et exquis. Nolan et Ledger se sont bien amusés : interruption de tirades, hésitations, etc... Notons d'ailleurs les beaux détournements du passage obligé de l'origine du vilain : le Joker livre des versions contradictoires ! C'est très bon. Des dialogues un poil lyriques mais ramassés, allant vite à l'essentiel, un acteur qui sert ben le texte et en nuances, de bonnes idées le concernant (le dialogue à l'envers, la tentative de suicide durant la confrontation avec Batman, etc..), tout cela est fort bien réfléchi et effectivement le Joker est un personnage sans faute. (Bien amené aussi, j'aime beaucoup son premier plan, simple et désespérant, et également théâtral avec pas mal d'ironie) le reste du casting est plutôt bien tenu, avec un petit bémol peut-être pour le personnage de Maggie Gyllenhaal volontairement mis de côté et donc moins intéressant.

Dans le fond, l'enjeu est superbe. Le Joker a bien pigé, avant nous (et sans doute avant Batman ou le commissaire Gordon) l'enjeu de cette Société ou règne encore plus que la violence, la confusion et l'inversion des valeurs. Les choses ont un peu tendances à se valoir. Le combat se prolonge sans logique. La clé, le Joker la donne à Eckhart sur son lit d'hôpital : la Société n'a aucune morale et sans doute d'autant moins qu'elle se croit vertueuse. On ne fait de grandes déclarations que quand les choses vont bien. Aux premières crises, "ils changeront les règles du jeu et les tourneront à leur profit". Et tout va se réaliser ! Le Joker a extrêmement raison, et Nolan et son frangin scénariste l'ont trèèèèès bien compris. Si je n'aime pas du tout la rare concession faite au studio et au public (le petit gamin à la toute fin), il fut bien dire que cette fin est sublimement écrite : quand Batman et Gordon prennent leur décision, ils font porter le chapeau au "personnage" de Batman, et créent l'inversion et la confusion. Ça, le joker le savait ! Mais cette astuce cache quelque chose de bien plus grave : en maquillant les événements, Batman le héros, et Gary Oldman (le grand personnage vertueux de l'histoire !) commettent le pire des crimes : ils trahissent leur cause. Dès lors leur réflexion a-t-elle plus de valeur que celle de Double Face, personnage assoiffé de vendetta ? Non. C'est la même errance pour des motifs différents. Et le Joker avait raison de manière bien plus dramatique : ils ont craqué et changé les règles du jeu, maquillant la vérité pour le Peuple ! Quelle fin sinistre ! Voilà qui donne totalement raison au Joker et à son anarchisme assez pur. (Anarchisme qui n'empêche  pas les incohérences pathologiques d'ailleurs). J'ai rarement vu une fin en chasse trappe aussi sinistre (le public retiendra peut-être que Batman est considéré provisoirement comme méchant, mais l'observateur attentif sait que ça se passe en loucedé : l'éthique est violée, le reste sera pire ! Encore une fois, c'est une question de forme et de vrais principes auxquels Batman et Gordon ont renoncé alors que eux ont sans doute la pleine possession de leur moyen !). Avant cela, Nolan aura développé une belle idée d'ailleurs, vraiment magnifique aussi : celle des deux ferries que je vous laisse découvrir.

Ajoutez à cela des effets spéciaux très bien intégrés (on ne pense jamais qu'on regarde des images de synthèse), et vous avez un Batman prenant, en faux plat, et bien écrit. Nolan signe à un tout à fait bon film. Nettement meilleur que le premier opus, et qui est à la hauteur de ses ambitions. THE DARK KNIGHT est simplement un très bon film. Ça fait du bien de temps en temps !

Dr Devo.

Chers Focaliens,

Après tout, il ne faut pas se démoraliser. Ce n'est pas parce que l'offre en salles est relativement pauvre qu'il faut pour autant se morfondre et renoncer. Allez, zou, carte Pathugmont aidant, on tente les expériences en se jouant un peu du hasard, en choisissant les films sur des critères débiles (meilleur rendement au "poids", numérologie, signe astrologique du réalisateur...), ce qui est, je vous le rappelle, une méthode tout à fait valable pour sortir de ses propres sentiers battus. Cela dit, il faut être patient et même zen parce que, quand même, l'exercice peut aussi être violent pour les âmes sensibles ou pour nos focaliens les plus dépressifs...

THE CLONE WARS, donc. Oui, je sais, ça ressemble à un choix, mais en fait ça ne l'est pas vraiment car là aussi c'est la méthode aléatoire qui a décidé du choix du film. Un des grands articles best-seller sur Matière Focale est sans doute celui que j'avais écrit sur LA REVANCHE DES SITHS qui nous valu un nombre hallucinant de commentaires (un jour si vous avez du temps à perdre, n'hésitez pas à explorer cette jungle, c'est assez amusant). Ici, avec THE CLONE WARS, on revient de pleins pieds dans la licence STAR WARS, mais dans le versant animation cette fois. A priori, et si vous avez lu la critique des ...SITHS, cela ne vous étonnera pas, on se dit que l'idée, sans dire qu'elle est bonne est plutôt logique tant la laideur de la nouvelle trilogie de Lucas était cosmique, sans nul doute à cause d'horribles choix de direction artistique et des problèmes à intégrer acteurs et images de synthèse dans un ensemble cohérent. Évidemment, il y avait aussi la mise en scène (rires).

Bon. Ça va mal. Obi-wan Kenobi et Annakin Skywalker, jedis et héros sont envoyés sur des tas de champs de bataille, partout où l'on a besoin d'eux. Maître Yoda, leur maître à tous, est bien embêté car Jabba The Hutt, crapaud crapule leur demande de l'aide. On a enlevé son fils ! Il propose aux jedis d'aller le récupérer en échange de quoi celui-ci s'engage à sortir de sa neutralité et à offrir aux forces du bien ou supposées telles, ses voies galactiques qui représentent pour tout le monde un grand intérêt stratégique en temps de guerre. Obi-wan trouve ça louche mais bon, les ordres sont les ordres. Annakin lui est très embêté car on lui colle une novice jedi dans les pattes qu'il va devoir former.

Une bataille, des combats. Une autre bataille, des combats. Une mission, un autre combat. Etc... THE CLONE WARS ne s'embête pas avec les fioritures et offre de l'action à qui mieux-mieux. On reste dans la tradition de la série. Mission, contretemps, nouvelle orientation de la mission, séparation des héros et grand final. Bon.

Esthétiquement, oui oui, si vous voulez, chère lectrice, je suis d'accord, ça serait presque plus cohérent que les films de Lucas, ce qui n'est pas vraiment un exploit, je le disais. Le character design et le design tout court sont assez "simplifiés" et carrés, sans doute dans un style BD. D'un strict point de vue d'animation, les personnages sont atrocement anonymes et bougent tous de la même manière, ce qui est devenu la norme depuis quinze ou vingt ans dans cette branche du cinéma. Voilà qui est un peu rigide, en tout cas. Les gamins vont être ravis : ça bastonne, et en grande quantité, avec des centaines de personnages. Le scénario fonctionne un peu comme un jeu vidéo (ce que la série permet) en établissant une série de tableaux à finir avec gros adversaire de fins de niveaux et intermèdes narratifs. Les personnages n'ont pas vraiment de dilemmes moraux ou d'enjeux personnels (vagues allusions un peu enfantines sur le passé d'Annakin). C'est du carré. On ne pense pas vraiment au photoréalisme, ce que la stylisation du projet nous permet et ce qui change des WALL-E et consort.

Ceci dit, que cela n'est pas beau! Les couleurs sont fadasso-pastels. Les décors sont souvent simples, assez attendus et donnent l'impression de visiter de grands hangars vides. La mise en scène est plan-plan : bordelo-jumpisante dans l'action, et généralement tranquille et pépère en champs-contrechamps stériles et sans aucune fantaisie pour le reste. Et en plans serrés bien sûr. Bref, ça ne révolutionne rien, comme d'habitude, et ça n'est jamais beau ni troublant.

Mais le vrai problème réside ailleurs. THE CLONE WARS est un film à cible, et toute l'écriture pousse dans ce sens. Le film est clairement orienté pour les fans les plus jeunes. On constate donc que le pêché mignon des films surtout orienté vers les adolescents ou les enfants est également ici présent, à savoir une dédramatisation complète. Tout cela est bien lisse, les personnages sont immuables et ne bougent pas d'un pouce tout au long du métrage. Rien de triste n'arrivera jamais. L'insupportable erreur est d'avoir collé aux basques de os héros la jeune novice, une espèce de poupée Bratz de l'espace (pour ceux qui connaissent), c'est-à-dire une petite bimbo qui n'a pas sa langue dans sa poche, un peu de celles qui doivent servir de modèle aux publicitaires. C'est la petite gonzesse r'n'b si vous voulez : indépendante, de l'humour, beaucoup de piques, chipie avec du style, mais finalement au grand cœur... Pfffff... Deuxième effet write-kool du projet : l'humour. Il est quasiment omniprésent, et séduira tous les 6-8 ans. La Bratz envoie des punch-lines à tire-larigot ("le premier arrivé en haut à gagner", "Surveille ta petite boule puante"), le bébé hutt (car le fils de Jabba est un bébé) est trop trognon quand il rote-pète dans l'espace, et les robots sont trèèèès gaffeurs (genre, il arrive dans une boulangerie et commande une tarte aux concombres...). Dans la dernière partie qui fait la part belle à la diplomatie (si, si !), là aussi, on n'a ni peur, ni faim, ni rien. Personne ne meurt, personne n'est triste et on joue à l'épée pour de faux. Bref, voilà un produit qui devrait ravir les chaînes spécialisées dans les programmes pour enfants. Après la séance, je vais dans starbuck pour mettre à jour mon skyblog avec une photo de mon super deedou que je kiffe trop, il est super mignon, là, vous trouvez pas. C'était ce WE chez ses parents. Il a fait super beau et on a fait un barbecue. (L'année prochaine, il va faire une école à Rennes). Après quoi je fais du léche-shopping avec Amélie et Kevina, entre deux sms d'amour. Lol lol ! Repas chez Ben (une glace amande-fraise-choco-cookie), et j'aime trop tes bottes tu les as eues où ? Tes mèches sont trop bien et j'irais bien au cinéma...

Tiens, je vais aller chez le coiffeur tiens, parce que là, ma critique, je crois que je suis arrivé au bout.

Orbitalement Vôtre,

Dr Devo.

Chers Focaliens,

Hop, hop, hop, au pas de course, on continue le rapport des derniers films vus en dvd.

Oh ben, ça sent le changement de registre, après 28 SEMAINES PLUS TARD et 30 JOURS DE NUIT, deux derniers articles, on passe enfin aux films qui n'ont pas de nombre dans leur titre ! BENDER'S BIG SCORE est donc le premier long-métrage tiré de la très bonne série de Matt Groening FUTURAMA. Le papa des SIMPSON voulait à l'époque tourner la page en créant cette nouvelle série dont le succès fut malheureusement plus modeste. Arrêtée au bout de quelques années par les exécutifs cravatés de la Fox, voici donc que l'équipe de FUTURAMA change son fusil d'épaule et produisant quatre long-métrages issus de l'univers de la série dont voici le premier.

Pour ceux qui ne connaissent pas la chose, rappelons que FUTURAMA raconte les aventures du pauvre Fry, jeune trentenaire (ou un peu moins) un peu looser qui bosse pour un salaire de misère dans une pizzeria. Le jour du passage à l'an 2000, il se trouve enfermé par erreur dans un caisson de cryogénisation. Il hiberne plusieurs centaines d'années, voire même un bon millier et des poussières avant d'être décongelé par erreur. Son réveil est brutal : le monde a bien changé. Vite repéré par les autorités, il se voit assigner un nouveau travail, c'est-à-dire intégrer l'équipe du Planet Express qui n'est rien d'autre qu'un service de coursiers de l'espace... Le voilà donc à bosser le vieux savant débile qui dirige la boîte. Travaillent là aussi la charmante Leela, mutante cyclope aventurière dont Fry tombe rapidement amoureux (mais elle, ça ne l'intéresse pas !), ainsi que le fameux Bender, robot amoral et vieillisant, complètement voleur, arnaqueur et alcoolique... Entre autres... Je vous laisse découvrir ça.

BENDER'S BIG SCORE commence lorsqu'on annonce à Fry et à ses collègues qu'ils ont été renvoyés sans le savoir, il y a deux ans ! Dieu merci, ils apprennent au même moment que les exécutifs en cravates qui les ont virés, ont été remplacés par d'autres exécutifs à cravates qui les ont réembauchés ! Breeeeef, voilà notre petite troupe qui repart sur les routes galactiques. Ils commencent par livrer un colis sur une planète entièrement dédiée aux loisirs naturistes. Ils en profitent pour se prélasser un peu au soleil et prendre quelque bon temps sur les plages immenses de la planète. C'est là qu'ils sont abordés par des extra-terrestres mous et terrifiants qui ont, en fait, élevé l'art du spam et du détournement d'infos personnelles sur le net en culture d'entreprise, et même en entreprise tout court, entièrement dévouée à la spéculation et à la revente de ces informations (in)utiles. Le retour sur terre de nos héros est terriblement dur : ils s'aperçoivent qu'ils ont été victime d'une arnaque de la part des spammeurs extraterrestres, et que le Planet Express leur appartient désormais ! L'enfer commence... Le seul à trouver la chose juste et drôle, c'est Bender, toujours robot et toujours alcoolique, dans lequel les extraterrestres spammeurs ont injecté un programme de soumission et de lavage de cerveau. Les choses se gâtent encore lorsque tout le monde découvre avec stupéfaction que Fry a sur les fesses un tatouage dessinant un code binaire très dangereux puisqu'il suffit de le prononcer pour ouvrir une faille temporelle. Les extraterrestres spammeurs s'emparent du code et envoient Bender chercher tous les objets de valeurs des époques passées. Très vite enrichis, ils peuvent envisager d'acheter la Terre ! Le problème de ce code à remonter dans le temps (mais qui ne marche pas pour revenir dans le présent!), c'est qu ‘il peut dissoudre l'univers (c'est un risque), d'une part, et que voyager dans le passé c'est rencontrer et créer des doubles de soi ! Et là, du coup, c'est la cohérence du monde qui est en danger, en plus de son intégrité physique...

C'est le bordel ? Je dis oui et en même temps non ! BENDER'S BIG SCORE commence sur les chapeaux de roue avec une mise en abyme drôlissime racontant l'éviction de la série FUTURAMA des écrans de la chaîne Fox, ni plus ni moins. On retrouve un rythme très proche de la série originale pouvant faire croire, dans les dix premières minutes, que le film aura bien du mal à tenir la distance en passant au format long-métrage... Que nenni ! L'option choisie est même contraire car, dans cette première partie, c'est même à une accélération légère à laquelle on a le droit. On rit beaucoup. Les personnages ne sont bien sûr pas affadis, et l'on redécouvre avec un plaisir jubilatoire tout le talent d'écriture, assez subtil, des concepteurs et des scénaristes de la série originale. Bien.

Et puis... Et puis, on passe à la vitesse supérieure très vite avec l'apparition du code binaire qui ouvre les portes du passé. Même si on est mis en garde dés le départ des dangers de l'utilisation de ce code qui peut, à chaque tentative et de manière imprédictible, provoquer l'implosion de l'univers, tous les abus sont bons pour ceux qui l'utilisent, dont Bender. Et là, ça se corse drôlement ! Bender n'a aucune moralité ni aucun sens des responsabilités, on le savait déjà, mais ce programme de lavage de cerveaux dont il est victime (et pour lequel il était volontaire en plus !), n'arrange rien. Alors, ça y va à fond les ballons. Les voyages dans le passé, proche ou lointain, provoquent des incidents et des incidences sur le présent, que Bender et les E.T spammers s'empresseront de corriger tout de suite en faisant des micros-sauts dans le passé (deux minutes avant les incidents par exemple !) qui eux-mêmes auront des conséquences désastreuses. Le film change alors de visage, s'accélère très nettement pour finir par s'emballer complètement. Car en plus de toutes ces catastrophes, B'sBS (ça va plus vite !) se développe principalement sur une idée qui ouvre des perspectives cosmiques : les doubles des événements ou des personnages provoqués par les voyages dans le temps, ce qu'on appelle les paradoxes temporels, ne durent jamais ! Bref, chaque chose qui a sa réplique verra celle-ci détruite de manière hasardeuse et arbitraire par... euh disons, le destin ! Cette théorie, expliquée dans le film par les Harlem Globe Trotters, le fameux groupe de théoriciens de la physique quantique (et basketteurs, totalement gay en plus !) n'est pas qu'un accélérateur de rythme pour le film : c'est aussi une trouvaille simple et géniale car elle permet de faire fonctionner deux mécaniques. La première est la prise en compte dramatique et réelle des paradoxes temporels dans le film, et la deuxième, contradictoire, est l'écrasement de ces paradoxes par des deux ex-machin cruels et insupportables... et d'une drôlerie sans nom. Du coup, grâce à cette double hélice, le film n'en fint plus de s'accélérer. Par voie de conséquence, les intrigues principales ou secondaires vont se complexifier à un point inimaginable transformant le film en un asile de dingue comme rarement vu à la télé ou au cinéma ! C'est HALLUCINANT ! Les gags pleuvent, les traits d'humours s'emboîtent comme des chausse-trappes en forme de  poupées russes, et très vite, le film devient assez dense pour qu'un plan ou une scène ne suffisent plus à contenir tout l'humour et les développements narratifs. De fait, un peu comme le générique de SOUTH PARK se remplissait épisode après épisode pour devenir baroquissime, les scènes ici contiennent de plus en plus d'informations et de gags, et les derniers trois quarts d'heures du film sont, par conséquent, à couper le souffle tant il se passe de choses drôlissimes et capitales  à l'écran en même temps. C'est simple, on est très nettement au-dessus de la série et de sa densité normale, pour atteindre les limites même de la perception humoristique du cerveau ! Je vous préviens tout de suite vous aller louper des gags ! C'est terriblement dense, et il s'en passe tellement que vous retrouverez quelquefois à rigoler à la simple évocation d'un gag plus ancien sans avoir le temps de dire ouf ou de réflêchir aux implications inédites et drôles de cette nouvelle occurrence. Votre cerveau va fumer!

C'est donc un festival complet : gags qui se répondent à trente minutes d'intervalles, running gags jusqu'à l'explosion du dit trait d'humour, battle de gag, et un contenu humain lui aussi à la hauteur. Les prouesses narratives sont réelles, et d'autant plus que le système paradoxal qui fonde le film permet à la fois rigueur et lyrisme. Les scénaristes ne sont pas assis sur leurs nombreuses bonnes idées mais ont, au contraire, continué de bosser tout le temps. Le film est drôle, les gagas sont drôles mais plus encore c'est l'impression de folie narrative rigoureuse et complète qui font de B'BS un film aussi réussi. On est du coup dans une construction pirandellesque, gorgée de non-sens, complexe et... adulte ! Voilà qui fait de BENDER'S BIG SCORE, disponible en France aussi en dvd sans passer par la case cinéma (ceci dit, il n'est pas né le distributeur français capable de sortir ça), un film très très réussi, un petit chef-d'œuvre qui dépasse largement son carnet des charges et se sublime poétiquement ! Un must-have pour les happy fews comme dirait Mr Mort.

Mais tout cela n'est rien par rapport à...

EVERYBODY LOVES HYPNOTOAD de The Hypnotoad

Bon, par où commencer ? Oui, je sais, vous vous dîtes, le Docteur, il est encore en phase dithyrambe, il vaut mieux minorer tout ça d'un cran, il est un peu victime de son enthousiasme,     l'animal... Je vous vois venir, chère lectrice... Vous savez également que généralement je ne regarde jamais les bonus des dividis. C'est souvent complètement médiocre ou juste ennuyeux. Mais là, je dois dire que si vous achetez BENDER'S BIG SCORE, vous aurez gagné non pas un film sublime à ajouter à votre dévéthèque merveilleuse, mais deux. Car, on peut le dire, EVERYBODY LOVES THE HYPNOTOAD est un moyen-métrage sublime.

Pour ceux qui ne sont pas familier de FUTURAMA, sachez que Hypnocrapaud (voir photo), en version française, est un personnage complètement secondaire dont on entend parler une fois de temps en temps dans la série. Il n'a pas vraiment d'importance mais bon... Hypnotoad est donc, dans le monde de FUTURAMA, un crapaud, on n'est pas volé sur la marchandise, qui est l'acteur, le réalisateur et le producteur de l'émission de télé la plus populaire au monde et qui le met lui-même en scène. Un gars bien, quoi. Voilà plusieurs saisons que Hypnotoad casse la baraque et l'audience, et dans FUTURAMA, il n'est pas rare de voir un personnage scotché devant la télé à regarder les nouvelles "aventures" du crapaud bizarre. Car dans Hypnocrapaud, il y a crapaud mais aussi hypno.

Matt Groening et sa joyeuse bande, plutôt que de nous refourguer des bonus anecdotiques, ont bien fait les choses en nous proposant pour la première fois un épisode de la 27éme saison de Hypnotoad en entier ! On retrouve comme à l'accoutumée notre crapaud merveilleux, toujours assez gros, avec ses yeux bizarres et fascinant devant son traditionnel écran blanc, et le tout sous fond de musique industrielle abstraite.

Que dire de cet épisode de EVERYBODY LOVES THE HYPNOTOAD ? C'est tout simplement merveilleux, et cela nous ramène à notre triste sacerdoce de critique ! Car comment vous expliquer une œuvre aussi riche sans la déflorer ? Comment vous donner le début de l'embryon de petite idée qui vous fera comprendre l'importance de la chose ? Par respect envers l'œuvre, vous me permettrez, pour une fois d'en dire le moins possible et de vous laisser vierge devant le chef-d'œuvre. Hypnotoad, c'est bien simple, c'est peut-être l'artiste le plus avant-gardiste et le plus populaire que cette terre ait porté. En reprenant et en sublimant la forme du soap-opera, notre crapaud divin s'inscrit dans la lignée des avant-gardes les plus extrêmes tout en sachant rester proche des préoccupations du grand public. Hypnotoad et son show est bien la preuve de la supériorité américaine en matière d'invention de choses iconoclastes et postmodernes. Laboratoire de recherche formelle et grand divertissement de masse, EVERYBODY LOVES HYPNOTOAD, show intransigeant et abordable, est peut-être la première révolution artistique valable depuis Andy Warhol, en même temps qu'il incarne enfin à la perfection les thèses du pape de la Factory. En ce sens, Hypnotoad est sans doute l'artiste focalien par excellence, tant il réunit à la fois l'intransigeance artistique ( un show aussi iconoclaste en prime time, ce n'est quand même pas rien) et la réussite complète en termes d'achèvement médiatique. Bizarrement, les aventures du Crapaud Sublime, à la fois belles à pleurer et inquiétantes, nous ramènent, nous spectateurs, à nos pauvres conditions de mortels, et surtout ouvrent une fenêtre imparable sur notre existence et sur nous-même, ce en quoi, il est vraiment l'incarnation ultime de ce que la critique contemporaine appelle "notre regard sur le Monde".

Quant au fond, que vous dire ? En fait je ne m'en souviens plus, mais je crois que ça parle d'un mec qui compte jusqu'à 50 ! Quoiqu'il en soit, EVERYBODY LOVES HYPNOTOAD est très clairement le film de l'année, toute catégorie confondue et de trèèèèèès loin !

GLOIRE A HYPNOCRAPAUD !

Dr Devo.

PS : pour voir EVERYBODY LOVES THE HYPNOTOAD, je vous conseille le modousse operandaille suivant. Coupez le téléphone, manger avant de voir le film, et ne répondez pas à la porte si on sonne. Le film ne serait supporter la moindre interruption. Ne mangez pas, ne buvez pas pendant le film. Éteignez la lumière. Détendez-vous. Éventuellement, préparez quelques kleenex...