[Photo: "Between Me and the Good Thing" par Dr Devo, d'après une photo de l'actrice Patricia Neal.]

Chers Focaliens,

Il n’y a pas de secret, c’est dans la cave qu'il fait le meilleur pendant l’été. Ces considérations étant faîtes, passons au Cinéma…

Leonardo Di Caprio a un drôle de métier puisqu’il consiste à entrer dans le subconscient des gens, à y implanter des rêves où lui, son équipe et la pauvre victime se baladeront sans que l’infortunée ne s’en rende compte. Ainsi, la fine équipe peut récupérer divers secrets bien gardés. Voilà qui pourrait envoyer valdinguer Sigmund Freud et Karen Young (ha bah, voilà !) dans les greniers de l’histoire. Mais plutôt que de soigner des névroses ou chercher ou le séminole-killeuh à planquer sa dernière victime (cf. THE CELL, beau film !), Léo La Pizz’ vend ses services à des multinationales aux intentions moins nobles et souvent à la gâchette facile tant les enjeux sont colossaux. Et tout se complique lorsqu’un richissime PDG japonnais a l’idée d’inverser les règles du jeu,  non pas en volant des secrets industriels dans la tête d’un de ces adversaires, mais au contraire en implantant une idée de son cru. La victime est le sympathique Cillian Murphy jeune héritier d’une holding surpuissante. La mission est la suivante : entrer dans sa tête, construire un rêve, et y déposer une idée étrangère qu’il prendra pour la sienne : défaire la holding familiale en la vendant à droite et à gauche. Mais si voler des idées de la tête des gens est possible, en déposer contre la volonté de la personne visée est impossible en principe… Di Caprio prétend le contraire : il suffit de faire des rêves enchâssés les uns dans les autres… Mais l’opération n’est pas sans danger…

Alors, voilà, ça y est, après quelques semaines de sortie et de belles polémiques à droite et à gauche (pourquoi ce gros affrontement pro contre anti-Nolan d'ailleurs? Est-on obligé de prendre partie?), je ne peux plus me soustraire à donner au Monde mon splendouillet avis sur la question...

Je m'entendrais assez facilement avec mon autre moi-même pour dire que sur le papier, voilà un film qui paraît assez appétissant. Nolan n'est pas un révolutionnaire, c'est entendu. Il n'empêche que INCEPTION commence sous un beau jour. Après une tiny-weenie-mini introduction pour rassurer Madame Michu, on attaque assez vite dans le gras du sujet. Les situations s'encastrent vite, et on déploie la pelote tranquilou, sans hâte mais sans s'ennuyer. Les personnages sont carrés, profilés façon série B (ce qui est tout à fait classique, mais qui a apparemment posé problème à beaucoup, curieusement), un peu comme dans un jeu: le boss, la petite architecte, le doc', l'expert psy, etc... Le jeu est très compréhensible. La voie du film semble tracée et on voit à peu près comment la chose va se déployer, malgré d'ailleurs la longueur assez importante du métrage. D'un point de vue scénaristique, et je crois que c'est là le problème pour le gotha, on assiste à un paradoxe assez intéressant, preuve que Nolan sait plutôt écrire: plus on avance, plus les choses se simplifient (allez ici, faire ça, etc...), plus on sait très bien où nous en sommes dans l'action, et dans le même mouvement, plus les règles du jeu, et donc les règles du rêve se complexifient à l'extrême. C'est un des points qui marchent dans INCEPTION, très certainement. Vous trouverez une vidéo sur le net, très rigolote, qui veut "démontrer" que plus le film avance et moins les personnages savent comment le système marche, jusqu'à ce qu'on subodore qu'eux-même, les spécialistes ne pigent goutte à tout ceci! Je trouve que non seulement c'est juste, mais qu'en plus c'est une bonne idée. La raison pour laquelle les régles evoluent ainsi est assez charmante: c'est qu'on se place dans une espèce d'expérience ludique, comme dans nos jeunes années. On dirait qu'on irait dans les rêves. Oui, mais on ne peut pas mourir. Oui, mais on dirait qu'on peut souffrir. Oui, sauf si on est dans le deuxième rêve encastré... Oui, sauf si tu fais ceci ou cela... C'est bien joué, car au final, la logique du jeu, c'est la logique narrative, la structure même du récit qui se veut bondissante et malicieuse malgré la "gravité" du sujet, et qui ne l'est que partiellement d'ailleurs, bondissante, on y reviendra. Ici et là, dans des petits détails ou dans le jeu d'acteur (ça tourne souvent autour de Ellen Page d'ailleurs, ici plutôt chouette), à mesure que le sujet dérape (car on change de sujet en court de route), les personnages dans une ou deux attitudes plus distantes semblent s'étonner eux-même de voir certains échafaudages ou certains retournements de tons. Bien.

Ceci dit, il faut bien que j'avoue que INCEPTION me pose largement problème, malgré mon inclination pour un thriller se passant dans le cadre chahuté et contradictoire du rêve. Cette grosse histoire, un peu plus complexe que la moyenne (mais bon, ce n'est pas du Greenaway non plus!), Nolan se fatigue à en expliquer les règles, les personnages et les enjeux. Ca demande de l'huile de coude. Et au bout d'un certain moment, sans le dire, le sol se dérobe un peu, et on sent bien qu'on est en train de faire complétement autre chose, et grosso modo, sans dévoiler le bidule à ceux qui n'ont pas vu le film, on se retrouve en face d'un jeu de bonneteau. Et le sujet n'est pas là où on le pensait. Quand on voit la chose se mettre en place, même si la mise en scène n'est pas super-renversante, et j'y reviendrais, on se dit: "Ohouiohouiohouiohouiiiiiiii, ça va être délicieux, fais moi l'amour, grand fou!"

Respirons. Bon.

Bah désolé, c'est exactement là, à ce point précis du basculement, là où le sexy devient érotisme étonnant, promesse de plaisir lourd, bon et puissant, c'est à ce moment là, dis-je, que INCEPTION se montre le plus décevant et montre ses limites! Elle est triste ton histoire , docteur. Bah ouais! Préparez vous kleenex!

Non pas que le décor s'écroule (toujours dispenser une métaphore critique empruntée au film, ça fait pro!), non pas que INCEPTION, belle de loin, soit loin d'être belle! Rien de tout cela. La chose est plus triviale: plus le sujet est passionnant, plus les maladresses et les coutures malheureuses sont dans la lumière.

Tout d'abord, Di Caprio, ou plutôt son personnage. Quoique que je n'ai absolument rien contre le personnage de Marion Cotillard, élément de trouble dont j'aime assez les pertubations les plus fugaces, et c'est une très belle idée de personnage,  je trouve que l'intrigue  "amoureuse" est très mal gérée. Nolan semble avoir craint de présenter une "situation" (je parle en codé) trop simple, trop proche de la nôtre. Je me suis même dit en court de projection que cette histoire, trèèèèèèès lourdosse, faisait aussi partie du jeu qui s'alourdissait, à l'image du paradoxe que je relevais plus haut. Si c'était l'intention, ça fait pschiit, pour des raisons scéanristiques et notamment, la séquence de l'ascenseur vers le lieu du drame qui arrive trop vite. Devant l'explication des relations Cotillard-Di Caprio, on se trouve un peu pantois: la situation est totalement romantique, mélodramatique dans le sens hollywoodien du terme, et au moment du choix, on ne peut pas dire qu'on sente l'amertume ou le courage du choix Di Capriesque. Ca, c'est pour le papier. Dans la praxis, Nolan se montre bizarrement figé quand on vient à parler de ces deux personnages, pourtant au coeur du film: il marche sur des oeufs, il ne veut pas les maltraiter, et on dirait même qu'il a peur de gaffer avec eux. Au final, les deux personnages semblent un peu baignés dans le formol, et ça coince. Leur situation paraît trop métaphorique, trop immaculée. Pour avoir vider le noeud de son film de tout paradoxe, pour une quête plus hollywoodienne d'identification, Nolan scie fatalement l'arbre sur lequel il compte nous assoir, et ça c'est de la métaphore, les Cocos! C'est très curieux d'ailleurs de voir comment il retient Di Caprio (qui n'est pas un acteur chaud bouillant, certes, mais quand même...), comme il semble lui demander de ne rien faire qui ne soit pas balisé. Cotillard, plutôt chouette, est aussi retenue, presqeu en otage aurait dit Oscar Wilde! Fichtre!

Alors le mélo et le rose bonbon, c'est chouette. Mais ici, ça donne le goût de trop peu. Et pendant tout le film, on assiste alors au lent processus d'alchimie raté. Car les bonnes idées, et il y en a, on les voit aussi! Mais le ver est déjà dans la pomme. Ce qui va manquer au film, c'est la folie!!!

Christopher Nolan, où sont tes années folles? Où as tu mis tout ton rock 'n' roll?

Le scénario n'est pas trop mal avec quelques bonnes idées ça et là. Il nous fait transporter une valise pour finalement nous dire que c'est pas la bonne (comme les enveloppes, tiens!). Il y a certaines idées visuelles (le vide du décor final, la ville comme une jetée, la ville qui s'écroule, le train qui débarque, etc...). Le principe est très rigolo, et... Pas grand chose! Des rêves enchâssés, quelques basculement (et encore pas violents, hein?) de logique au profit de chose plus "poétique", ici et là quelques touches subjectives comme je disais plus haut (et encore pas énormément, les personnages semblent trop peu souvent influencer la tonalité ou l'action, ou alors pas tous les personnages, ce qui est quand même une sacré limitation, voire de l'autocensure). La réalité devrarit non seulement se dérober, mais aussi disparaître, se flouter, s'éloigner, etc... INCEPTION, ça devrait être un film de Philip K. Dick!!! Bon sang de bonsoir! Ca devrait être un film foufou ! Nolan devrait se ballader dans le couloir du palace 5 étoiles tout nu, le caleçon sur la tête en hurlant des grands « yooouhouuuuuhoooooooooo »! Ca ne devrait pas être un sujet à la place de l'autre, ça devrait être une symphonie wagnérienne de manipulations, parfois contradictoires! Il devrait y avoir trois sujets en même temps, ça devrait être quantique! Toutes les hypothèses, même celles qui s'annulent devraient être absolument véridiques! Il devrait y a voir du plaisir et du sang sur le dance-floor quoi!

Et on a quoi à la place: un petit "trois-actes" des familles, à peine plus compliqué que d'habitude, quand bien même le film ne soit pas antipathique!

Ménager Mr Seguin et le chou-rave,c'est cool, je suppose, mais ça va cinq minutes. Il y a un moment où on veut embrasser, malaxer et faire l'amour dans mille positions d'étonnement et de malice! INCEPTION, c'est du flirt, certes, mais c'est aussi du coïtus interruptus!

[Tant pis si on ne peut pas plaire à tout le monde, après tout... A moins de s'appeler Yannick Noah, Bernard Miner ou Nicolas Hulot, on ne peut pas être copains avec tout le monde. Alors, pourquoi se priver?]

Et puis, il y a la mise en scène, et au fond c'est là la deuxième lame qui empêche tout poil de repousser! Même si on n'est pas dans le cataschtroumpfisme de BATMAN BEGINS, malheureusement, et paradoxalement même, malgré des effets spéciaux très au-dessus de la moyenne et plutôt réussis dans l'ensemble, le film ne décolle jamais sur le plan plastique. Il y a pourtant énormément de bonnes idées. La ville qui s'effondre à la fin du film, c'est une bonne idée. L'intérieur de la ville par contre, c'est beaucoup moins bien et presque laid même, par endroit. L'entrée dans la ville avec Page et Di Caprio, ca ne rend pas trop mal, mais le champ contrechamp sur la plage quand ils débarquent (évidement quand on fait que du plan rapproché, ca fait studio, on n'y croit pas, surtout qu'nsuite on fait pareil, en ne mettant que des très grand plan d'ensemble!), bah ça marche pas. La première balade dans Paris, avec l'histoire du miroir qui nous met en boîte est caractéristique: voilà une très bonne idée, dans un passage très calme en plus, mais la mise en scène est affreuse. Nolan tient pourtant là une idée visuelle amusante. Et je crois savoir pourquoi! Attention, je vais vous dévoiler la chose!

Nolan a toujours eu un peu de mal avec son échelle de plan. Grosso modo, comme 97,43% de ses confrères, dés qu'il aère, c'est à dire rarement, c'est déjà beaucoup moins laid! Mais en général, ce n'est vraiment pas le cas et don ce n'est pas beau. C'est terne. Il n'y a pas de malice. Pas d'axe (ou alors des axes affreux, comme dans les 5 premiers plans du film), pas de rupture d'échelle, pas beaucoup de jeu de photographie, pas assez de cassage du champ/contrechamp, pas assez de rupture (malgré la belle idée des vitesses)! Comme d'hab' quoi! Sauf qu'ici, je me suis demandé si Nolan avait changé d'opérateur, car même dans ces petits plans caviardés et sans ampleur, sont trèèèès laids parfois (cf. la scène des miroirs donc, par exemple). Plus que dans ses autres films. Et évidemment, on peut reprocher aussi beaucoup d'autres choses, comme cette poursuite en ski rigolote (tout le monde est en blanc sur fond blanc!) et bien chorégraphiée, mais bousillée par une enfilade de plans américains !

Trop timide, pas assez abstrait, avec un coeur scénaristique mal géré (le couple Di Caprio/Cotillard), pas assez de paradoxe, jamais quantique, INCEPTION est aussi caractéristique des défauts de mise en scène habituel chez Nolan et ses confrères, et elle est ici encore un poil de nez minorée par un cadrage parfois plus laid qu'indigent. Et malgré tout, de bonnes idées ici et là, un bon changement de direction en loucedé et en plein milieu, beaucoup de bonnes idées, un système ludique du rêve, des personnages secondaires plutôt sympathiques, etc... Et c'est bien joué, avec un beau casting (il y a même mon petit chouchou, Lukas Haas, qui traîne dans un coin!).

Il n'y a finalement qu'un moment où le film fonctionne complétement: l'arrivée de Cillian Murphy, décidément très très bon acteur, très au-dessus du lot, dans la" chambre". Là bizarrement, malgré l'aspect mélodramatique, ça fonctionne, c'est beau, et on découvre un peu d'abstraction (finalement, on ira au bout de la soi-disant intrigue principale (en la retournant d'ailleurs!), en même temps que la "vraie intrigue principale"). Bref, ça vit! [Notons un peu de jeux de son dans la première demi-heure également...] INCEPTION n'est pas antipathique. Certes, on peut enlever 15 bonnes minutes voire plus rien que retouchant les points de montage. Oui, c'est décevant. Oui, cette histoire d'opérateur n'est pas bon signe pour Nolan, tout comme l'affreuse scène finale d'aéroport qui devrait être hallucinante et nous plonger dans l'effroi et qui, en plus de vouloir faire des bisous à tout les spectateurs (Tata Jeannette, le cousin Kevin, Madame Michu et Mathilda, votre petite soeur en Khâgne) est absolument laide. Oui, il y a quelques bonnes choses. Mais oui aussi, malheureusement, Nolan veut faire des films qui ressemblent à des films.

Il fait donc du cinéma qui ressemble à du cinéma. On attendait Elvis,on attendait Stockhausen, et on a Johnny! Tu la sens la déception qui monte?

Allez, bisous!

Dr Devo.

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[Photo: "Mon Espoir S'appelle Intégrité" par Dr Devo.]

Décidément c’est l’été des films de monstres ! (meilleure phrase d’intro de tout les temps : actualité, culture, sentiment général en enfin opinion comme estoquade finale, jeunes journalistes prenez en de la graine) Après l’excellent SPLICE, revoilà les Yannick Noah de l’espace qui s’offrent un retour en fanfare  puisque le film est signé Nimrod Antal, auteur de films plutôt intéressants jusque là (KONTROLL et MOTEL), et produit par Robert ”mariachi” Rodriguez qu’on ne présente plus. Le film PREDATOR c’était quand même quelque chose à l’époque, grosse machinerie bourrinasse comme en fait plus dans nos années 2000, avec des vrais hommes qui sentent sous les bras et des vannes bien senties entre camarades du même sexe partageant les mêmes opinions sur la morale et sur le monde. Une belle bande de penseur en somme, menée par un Schwarzy au top de sa forme physique et dans son poids optimal, des muscles a en faire peter le scope d’un McTiernan ne tapinant pas encore habillé en femme à la sortie des studios universal. Ambiance club de gym pour homme : parfait pour dératiser la jungle entre potes au son des mitrailleuses lourdes, le cigare à la bouche. Deuxième point commun avec SPLICE, c’est encore Brody qui s’y colle, et dans le rôle du yakayo de service en plus, tête brûlée commando parachuté dans un endroit inconnu avec une bande de militaires supra entraînés balancés eux aussi en pleine jungle sans savoir pourquoi.

Ça commence de très jolie manière, par une longue chute se terminant par un atterrissage brutal en pleine jungle. C’est tout. Pas d’autres explications quand aux raisons de ces parachutages : il y a 8 gars, une forêt et une femme ninja, tous sont militaires sauf la forêt et le médecin, personne ne sait pourquoi ils sont là. Les militaires viennent tous d’un pays différent, à l’oeuvre dans des conflits différents. Très vite ils s'aperçoivent qu’ils sont l’objet d’une chasse à l’homme...

Loin d’être un remake du premier film (je dis ça mais j’en sais rien, je me souviens plus du premier) PREDATORS ressemble d’avantage aux CHASSES DU COMTE ZAROFF : une course dans la jungle, des humains traqués par des prédateurs dont ils ignorent tout, derechef sur une planète inconnue et qui devront faire avec leurs semblables inconnus pour espérer s’en sortir. Entre deux fusillades dans les bois, les militaires traqués peuvent ainsi découvrir leurs histoires respectives et parler littérature pendant les bivouacs (Hemingway semble être très apprécié). Oui ça fait un peu club de rando, mais très vite les premiers morts vont venir clairsemer les rangs de nos amateurs de belles lettres, et c’est au prix du sang des leurs qu’ils apprendront avec effroi ce qu’il se trame vraiment sur cette planète (et qu’Hemingway n’avait pas totalement tort !).  Aventure humaine, conte philosophique et introspection métaphysique au coeur de la bestiale condition humaine ? Pas vraiment en fait, même si les protagonistes du film se font beaucoup de soucis à propos de l’affaire bête en cours...

Comme je l’ai dit plus haut, le début du film est très bien, très direct, on est mis tout de suite au parfum. Le montage est plutôt surprenant et la mise en scène y va franc du collier. Pas d’artifices épileptiques comme tout les petits malins qui comblent leurs absence de talent par des images rapides et des flash trépidants, c’est du carré à hauteur d’homme. Pourtant en avançant dans le film quelque chose se met très vite à clocher : le cadre est quasi fermé, il y a énormément de gros plans pas vraiment jolis (visage sur la gauche ou la droite laissant une grande place à un arrière plan flouté), la caméra ne s'élève jamais, ne prend que très rarement du recul et les perspectives de fuites dans la composition des plans sont inexistantes. En fait c’est très simple : le film doit se dérouler dans 3 décors différents pendant presque deux heures ! On bouffe de la jungle tout le temps, ça devient très vite oppressant. Pareil dans les scènes en intérieur, les décors sont tout le temps similaires. Il faut pas être claustrophobe quoi ! Et bizarrement, ça marche plutôt bien : le film est quasiment un huis clos, presque théâtral (beaucoup de dialogue mine de rien, unité de temps et de lieu, trois actes) dont le spectateur connaît dès le début tout les protagonistes (sauf un, mais on s’en fout) ce qui donne au final un étrange sentiment d’absurdité à tout ça. Qu’est que se passe vraiment ? Quel est le vrai enjeux du film ? Qui est chassé ? Le rapport chasseur/chassé change tout le temps pendant le film, chacun se cherche à tour de rôle, comme un jeu. Et la fin enfonce le clou : c’est peut être un jeu, le seul, le plus grand des jeux. Et là on touche à un truc plutôt beau, très nihiliste, très noir. Je met un paragraphe tout neuf pour l’occasion.

“Celui qui se fait bête se débarrasse de la douleur d'être homme.” à dit un jour Hunter S Thompson, sûrement après une descente de coke. Ben oui, c’est ca : Brody, même si il fait la gueule un peu au début est super content d’être là, c’est sûrement le plus grand truc de sa vie de devoir endosser la responsabilité de représenter l'espèce humaine dans ce jeu, et il y prend beaucoup de plaisir. En un sens, si on s’attache à la toute fin, on pourrait presque comprendre que tuer fait la grandeur de l’homme. L’homme n’est jamais plus intelligent et doué que pour détruire ou tuer. Il ne s’agit plus de survie : la plupart des personnages préfèrent se suicider ou se sacrifier plutôt que d’échouer. Le japonais par exemple, dans une scène un peu ridicule, mais aussi le russe, la fille, etc... C’est l’honneur qui est en cause, c’est tout a fait différent de la survie. La survie c’est un peu triste, c’est pas ce à quoi on aspire. Une fois que Brody à battu le monstre, il n’y a plus d’amour (la aussi c’est un peu kitsch), l’orgasme était presque pendant le corps à corps avec l’ennemi. Cette planète, c’est ni l’enfer, ni le purgatoire : c’est la vie. On se retrouve parachuté dans un monde qu’on ne comprends pas, et où on doit trouver nous même nos alliés pour subsister. Et là toute cette mise en scène fermée prend un sens : le monde nous étouffe. On se raccroche à des visages familiers pour se rassurer oublier qu’on est de la viande, et que le monstre, l’ennemi, c’est la même viande que nous. La mise en scène se rapproche de ces hommes, parce que c’est la seule chose qui leur soit possible de faire : se rapprocher pour lutter face à un danger immense. La société est une nécessité face à l’adversité. PREDATORS c’est une emission de KOH LANTAH où les perdants sont exécutés, ce qui ne change pas l’enjeu final : faire sortir la bête humaine pour donner un aperçu du coté résolument atavique de l’Homme.

Norman Bates.

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[Photo : "En direct de Moscou" par Norman Bates et Alfred Hitchcock.]

Nouvelle avant-première, nouveau combat: cette fois ci un distributeur nous invite, lui, au moins. Ravi par la nouvelle, coup de fil en PCV du Dr Devo, "j’ai une mission à te confier, prend Carxla Brunegeld avec toi et filez tout deux au bout de Paris pour la projection de DOUBLE TAKE, ca commence dans 1h". Aussitôt le téléphone raccroché, on se rue vers les taxis et nous voila en pleine guerre froide, année 1962/80 pour être précis, Hitchcock cherche son double pour le tuer, la piste est encore chaude…

L’Histoire du monde est un polar dont il difficile de s’extirper : chaque action entraine des multitudes de réactions les plus diverses influant sur les destinées de millions d’hommes  inconnus et redoutables. Ballotés dans l’Histoire, l’individu ne doit sa subsistance que par l’illusion de la compréhension : heureusement il y a la TV qui nous dit quoi acheter, où en est  la guerre et quand il va pleuvoir. La TV c’est l’information partout en 1962, c’est les fusées qui explosent dans des salons cosy aux couleurs marron jaunes (le film est en noir et blanc) et des Nixon pas encore sous verre (gloire au crapaud hypno !). Mais c’est aussi Hitchcok qui à la TV annonce que le cinéma sera mort quand les vessies rétréciront, que les pubs viendront s’immiscer au milieu des films et que les petits écrans seront les cartes postales d’adieu des écrans immenses voués tel des dinosaures à mourir sous leur écrasante faiblesse. Hitchcock se bat contre son double pour le cinéma. Dehors l’Amérique se bat contre l’URSS pour pouvoir faire du cinéma.  Au milieu, des millions de spectateurs applaudissent le premier chien de l’espace à passer à la TV. Il y avait peut être de l’espace avant la télévision, personne n’en est sur, mais dorénavant l’espace s’incarne dans le living-room, entre les 33 tours et les pulls angoras. De même que la lutte contre l’ennemi communiste prend forme et mouvement dans les premières émissions diffusées dans un réseau national : toute l’Amérique est connectée à la même source, l’information de masse peut commencer. Les russes ont perdus la guerre car ils ont préférés l’espace à la TV, oubliant au contraire des américains que l’espace EST à la TV. La guerre froide c’est la première guerre de l’image, et c’est ce que DOUBLE TAKE tend à montrer.

 Rassurez vous, c’est quand même du cinéma, donc un vrai documentaire, enfin. Le sujet est traité de l’intérieur, c'est-à-dire en racontant tout autre chose, et avec n’importe quoi d’autre. Utilisation d’images d’archives, on est dans le film de montage (russe) essentiellement au service d’un thriller médiatique qui utilise Hitchcock comme prétexte à la justification de l’art face à la guerre médiatique. Quand les hommes sont broyés dans la marche des siècles, heureusement que les mécaniques anonymes gigantesques engendrent des œuvres sensibles qui rappellent l’importance de l’esprit. Au moins le cinéma réchauffe le corps et l’esprit, et si on ne survit pas avec le cinéma mais il nous sauve quand même. Tuer le double : c’est le thème de l’essai de Borges et le fil conducteur du film. Il ne doit rester qu’un seul Hitchcock, qu’un seul bloc, qu’un seul café, même si ce sont les mêmes : il n’y a pas de place pour deux choses similaires dans le monde, vouées qu’elles sont à se haïr. On ne hait jamais mieux les autres que soi-même, comme deux aimants se repoussants l’un l’autre. Il n’y a que la différence qui survit, et cette différence induit la forme, le mouvement et l’art.  Même images, musique différentes. Mêmes images d’époques, messages différents. Vous voyez où on veut en venir ? Le processus de destruction/création est une vue de l’égo, jamais fondamentale.

Et par conséquent le message progresse : image + son + mouvement = média, mais pas comme un mensonge. La guerre est décidée au journal télévisé, jamais avant. La télé de masse engendre le double à des quantités commerciales, vouant la spécificité individuelles aux bancs d’une nouvelle façon d’être le monde en le regardant vivre en direct.  C’est le prisme dans lequel  esprits aiguisés et critiques font émerger d’une création un sens unique qui est le seul compréhensible (au sens premier), c'est-à-dire qu’un grille-pain est différent alors d’une télévision ou d’un cinéma. La fonction n’est plus la spécificité du média, c’est Laika dans son Spoutnik en orbite autour  de la terre : un esprit primitif enfermé dans un cercueil en alu qui tourne autour du monde, jusqu'à l’infini, condamné comme dans le film de Kubrick à regarder l’humanité dans une vitre teintée. Enfant des étoiles, star de la TV bientôt enfant de la guerre et demain chef d’état, le XXème siècle en pente douce vers le monde d’aujourd’hui, ses pubs et ses écrans, ses conflits journalistiques et l’ouverture du champ médiatique à n’importe qui. Si aujourd’hui tout le monde participe à un réseau globalisant, c’est parce qu’hier les gagnants et les assassins ont écrit l’histoire et dévoilés les images. Tout le monde veut rentrer dans la danse, car l’existence passe par les médias. Peut-on dire j’existe et je suis différent sans le proclamer sur son blog, à la TV ou dans un journal ? La question du soi et de sa reconnaissance est la conséquence de la dilution des égos dans la représentation du monde  depuis que le monde est devenu un ensemble d’image. La conscience de soi nait dans les yeux des autres, donc sur les écrans des autres. Je suis Hitchcock, je suis connu pour mon physique reconnaissable et mes films, mais aussi parce que j’ai écrit des livres, présenté une émission de TV et donné naissance au cinéma du futur dans un Hollywood aussi violent et subversif qu’un film de Victor Fleming.

Prenez chaque écran, chaque émission, chaque spot de pub, chaque film d’Hitchcock diffusé pendant la guerre froide : chacune de ses images est une carte postale d’un événement, chaque carte postale est mélangée est donne lieu à un énorme jeu de pistes en 4 dimensions (historique, sensible, sociologique et fantasmagorique (chaque vision du passé est un fantasme ! pensez y en vous rasant !)) : voila à quoi ressemble le film. Vous êtes un explorateur du futur, vous avez votre fouet et votre chapeau bien en main, et vous vous lancez à la poursuite d’Hitchcock au milieu de fusées en train de décoller, des chefs d’états se serrant la main, de cafés insolubles et de sosies ventripotents cachant bien des secrets inavouables. L’enquête devient ce que vous en faites, le film se crée selon ce que vous voyez et comment vous le ressentez, et bientôt les images toutes mélangées sont à l’origine d’un message limpide : il n’y a pas d’Histoire sans spectateur.

Tout ca avec de l’humour, mais un peu trop d’Histoire, de belles choses souvent dans le son et dans les images granuleuses qui sorties des temps forment de nouveaux motifs encore jamais vus, de beaux montages d’images de films d’Hitchcock, mais qui malgré tout ne peut s’empêcher de laisser sur la fin un petit gout aigre qu’on dirait sorti d’un autre réalisateur bedonnant et bien vivant celui-ci, a savoir Michael Moore et ses images de chefs d’états marionnettes. C’est un peu le bas qui blesse de ce projet intéressant, à mi-chemin entre la sociologie et l’art plastique, sauvé par le charisme du bedonnant réalisateur. Au fond même si on parle de sujets graves et importants, la forme sait rester volubile et jubilatoire : que faut-il demander d’autre au cinéma ?

Norman Bates.

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[Photo : Résurrection post-téléthon [géniaaaal !] par Norman Bates.]

En 1932 Céline écrivait que l’amour c’est "l’infini mis à la portée des caniches". En 2009, CANINE est projeté à Cannes et fait scandale en représentant la structure la plus sacrée de l’humanité comme une introduction au fascisme dans un style proche du SALO de Pasolini ou de LA GRANDE BOUFFE de Ferreri : du crade, de l’ignoble dans une grosse caricature noire très appuyée des travers de chien de notre espèce. 

Dans CANINE une carabine est un bel oiseau blanc ; une foufoune, une grande lampe. Coude-coude.

Dans CANINE le père est roi d’une famille élevée dans la croyance d’être des chiens, vivant tous dans une maison hermétiquement fermée au monde extérieur et seul périmètre du film. Les enfants sont éduqués uniquement par leurs parents, sans aucun contact avec le monde. Le père surtout est responsable de leur éducation, et c’est lui qui très tôt à inculqué à sa progéniture la haine des chats. La mère suit aveuglement le père, sans trop l’ouvrir non plus. Le jour ou les chiens/enfants perdront leurs canines, ils seront libres de sortir à l’air libre, et de découvrir le monde. Avant ils doivent parfaire leur éducation, forcément biaisée car il n’y a d’éducation sans remise en cause, aveuglément  assenée par le père sans scrupules. Les enfants ont pour modèle le père, unique référentiel  en contact avec l’extérieur.

Enfin pas exactement, puisqu’une vigile de supermarché (sic) (coude-coude) est payée par le père pour assouvir les besoin sexuel du fils. C’est de là que viendra la contamination : en faisant entrer dans la maison des éléments de plus en plus déstabilisants (produits de l’extérieur, cassettes vidéo, perversions sexuelles) toute la mécanique du père se retrouve grippée, et petit à petit, tout l’édifice se fissure, laissant des brèches dans lesquelles l’horreur va surgir, de plus en plus grandes, de plus en plus béantes, jusqu'à tout foutre en l’air, tout détruire dans un gigantesque maelstrom dégeulasse., jusqu'à que le père perde.

Le sexe fout la merde. A partir du moment ou le sexe est offert aux enfants, chaque caresse est une souffrance désirée, la frustration nait du désir ou de la contrainte souvent associée dans le même élan.

Car (ca n’a rien à voir) dans CANINE rien ne nous sera épargné : massacre de chat à la cisaille, scènes pornographiques, inceste, zoophilie, caresses diverses et variées, maillots de bains une pièce, jeux régressifs et obscènes,  le jeune réalisateur grec charge la mule petit à petit jusqu'à l’overdose dans une construction somme toute assez lente, ou doucement s’accumule un catalogue des pires horreurs de l’humanité, dans une sorte de constance pour le coup bien animalière. Dans les documentaires animaliers, on nous rabâche sans arrêt les mêmes scènes d’animaux effectuant les mêmes besognes ataviques qui semblent devoir constituer leur seule occupation : bouffer, boire, naitre, se reproduire et mourir, pour quelques espèces plus médiatiques  faire sauter quelques ballons dans une piscine, mais à part ca toute cette joyeuse ménagerie s’empresse de faire tout le temps la même chose sous les regards ébahis d’adulateurs du « règne animal » fascinés par la constance qu’a la nature à ne faire constamment qu’une seule chose dans des variations infinies. Et bien ici c’est pareil : des spécimens humanoïdes évoluent dans un dispositif proche de la téléréalité, et on observe des gens ne rien faire constamment jusqu’a pousser de haut cris en geignant de ce que l’humanité à de pire quand on enlève les paréos et qu’on arrête de faire tourner les serviettes, chorégraphie cacochyme de connards surnuméraires se retrouvant soudains tout nus et devant porter le fardeau d’une vie qui n’a jamais eu aucune justification. Si on enlève les scènes chocs destinés sans doute à faire aboyer le bourgeois (j’imagine bien les réactions outrée à Cannes entre deux coupes de champagne) et somme toute bien inoffensives, le film m’a procuré la même fascination que l’observation prolongée d’un aquarium sous xanax.

Dommage parce qu’il y avait quand même un certain potentiel. Formellement  déjà, il y a un parti pris, pas de mon gout mais qui donne quand même une certaine patte au film, à défaut des dents affutées tant espérées : le cadrage et les compostions assez épurées des plans tiennent à la fois d’un catalogue de meuble et de la dernière FIAC, façon petit génies style Martin Parr qui jouent sur les codes des sociétés riches modernes pour composer une espèce de dérivé light du pop art à base de cynisme et de satire très convenue de la société de consommation. Mouais. Tout ce cirque qui se voudrait choquant et subversif donne quand même de violents coups de coudes dans les côtes du rebelle bien pensant du quartier St Germain, qui ira sans doute s’extasier sur la façon super bath de représenter  la nature humaine dans ce qu’elle a de pire. Personnellement, je trouve que c’est plutôt un gros cache misère racoleur essayant de cacher un film d’étudiant rempli d’intentions jamais développée en termes de mise en scène. Pas de son, montage vigneron et formalisme de rigueur, le long déroulement du film manque d’accident et d’aspérités.  A peu de chose près, CANINE était un grand film malade et autiste. Tel quel, CANINE est un petit film cadre dans les assurances qui vous montre des accidents horribles pour vous en vendre une.

Plutôt molaire que canine !

Hop,

Norman Bates.

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[Photo: "Rapport avec la Choucroute" par Dr Devo.]

Chers Focaliens,

LJ Ghost, l'envoyé spécial de Matière Focale à Cannes persiste et signe! La compétiton officielle 2010 est ignôôôôble et remplie de putasserie (voir ci-dessous),e t dans les sections paralléles, voire au Marché du Film, on voit des choses belles et courageuse.  Voici son sixième article sur ce festival qui a délibérément décidé de laisser le cinéma de côté...

Dr Devo.

RUBBER de Quentin Dupieux (France, 2010)

Un type à lunettes est debout. Des chaises en bois trônent dans le désert des Etats-Unis. Soudain, une voiture de police arrive, renverse une à une les chaises, s'arrête. Un flic sort du coffre et monologue, face caméra, sur le fait que certaines choses au cinéma sont là, juste là, sans raison, comme le fait que l'extra-terrestre dans E.T. soit marron. Un groupe de gens arrive, prend des jumelles à l'homme à lunettes, et regarde au loin un pneu s'éveiller à la vie. Ce pneu, doué d'une conscience, devient alors un serial killer psychopathe et tombe amoureux de Roxane Mesquida (que vous avez pu voir dans A MA SOEUR de Catherine Breillat, ou dans l'affreux SHEITAN de Kim Chapiron), qu'il va poursuivre.

Peut-être la plus belle brioche de l'année, RUBBER est un film tout à fait alléchant, surtout que son réalisateur, qui est ici également scénariste, chef opérateur, monteur et auteur de la musique, Quentin Dupieux, est déjà le responsable du très beau STEAK. La question principale, c'est arrivera-t-il à être à la hauteur des espérances placées dans cette histoire abracadabrantesque.

Disons que Dupieux a ici un peu le postérieur entre deux chaises, et il va me falloir avoir des doigts d'or pour ne pas vous révéler toutes les surprises qui parsèment le film. Dès le départ, le réalisateur introduit le spectateur à l'intérieur même du métrage, personnifié par le groupe de gens dont je parlais un peu plus haut. Le groupe regarde le film qui est en train de se faire (l'histoire du pneu) en même temps que nous, au loin, à travers des jumelles, et commente tout ce qu'il se passe comme le feraient des spectateurs malpolis dans une salle de cinéma, et dès qu'ils s'endorment (parce que le "film" dure plusieurs jours), le métrage et le pneu s'arrêtent, pour reprendre lorsqu'ils se réveillent. Idée belle et intéressante, sauf qu'elle est véritablement sur-utilisée : en plus du film, du film dans le film, il y en a un troisième dont les héros sont ce groupe de spectateurs, à qui des choses vont arriver. Là, Dupieux charge un peu la mule et étale en longueur cette idée tout en, grâce à cela, proposant une vision drôle et acerbe du cinéma d'aujourd'hui : les producteurs qui dépouillent l'argent du public en leur refourguant un spectacle aliénant et sans aucun intérêt, jusqu'à saturation ultime. Malheureusement, cela ne vole pas très haut, et l'intérêt se disperse assez rapidement de ce côté-là surtout que, encore une fois, Dupieux s'attarde vraiment sur cet aspect-là de son oeuvre, histoire d'en remettre des couches et des couches.

Du côté du pneu, c'est une épure un peu plus humble qui prédomine : beau son, très belle musique, pas une parole échangée, bien sûr, juste un pneu qui roule et qui tue tout ce qui se trouve sur son chemin. Quand je parle d'épure, c'est au niveau de la narration de cette partie-là de l'histoire, et de la vision générale de la chose, parce qu'en coulisses, ça bosse dur : effets à la Méliès pour les meurtres, cadrage signifiant et précis, photographie riche et dense, même si on est le plus souvent en extérieur (mais pas seulement). Je ne sais pas comment ils ont fait pour faire ainsi rouler et s'arrêter le pneu en caméra portée, ou comment ils lui ont fait monter des marches, mais c'est excellemment bien foutu et réaliste comme jamais. Malheureusement, ici aussi c'est vraiment répétitif, les meurtres se ressemblent tous et s'il y a une nette progression dramatique de ce côté-là, au bout d'un moment on comprend où il veut en venir car il nous l'a déjà montré cinq fois avant.

Les surprises finissent alors de pleuvoir et c'est avec un peu de complaisance que Dupieux filme son brillant concept. L'air de dire, oui, l'idée est étrange, bizarre, vous en vouliez du bizarre, vous allez en avoir, je ne justifie rien, c'est comme cela et pas autrement, je vais vous en donner, de l'aliénant, du répétitif, vous allez en avoir pour votre argent. Véritable film sur le cinéma, un peu superficiel malgré de très belles idées de scénario (le flic qui demande aux autres acteurs d'arrêter de jouer quand les spectateurs ne regardent plus le film) ou de mise en scène (l'iris "cinéma muet" du pneu qui se relève), RUBBER est un meilleur film que ce que je pense avoir laissé paraître. Pas dénué de défauts, très loin de là, notamment le montage, pas très bien géré (les plans finaux sur le tricycles sont interminables et sans intérêt – sauf les plus signifiants, bien sûr, disons que Dupieux filme la même chose sur dix plans et qu'il les met tous les uns après les autres, allongeant artificiellement la durée de la séquence, qui s'en retrouve épuisante au lieu d'être puissante), il n'empêche qu'il fourmille de qualités, de trouvailles, de gourmandises qui satisferont le spectateur en mal d'étrangeté.

DES HOMMES ET DES DIEUX de Xavier Beauvois (France, 2010)

Lambert Wilson est moine dans un vieux monastère d'un petit village d'Algérie. Cela fait des générations que le lieu de culte chrétien est implanté dans cette région profondément musulmane, mais les deux religions ont su apprendre à vivre ensemble, et à se respecter. Jusqu'à ce que des rebelles, terroristes, commencent à zigouiller à peu près tout le monde aux alentours. Ils se rapprochent dangereusement du monastère, au point que les moines se demandent s'ils doivent rester au péril de leur vie pour protéger les habitants du village et poursuivre leur engagement à Dieu, ou s'ils doivent partir, rentrer en France, saufs, et laisser les pauvres autochtones à leur funeste sort.

Troisième film français en compétition au festival de Cannes, l'oeuvre de Xavier Beauvois, réalisateur du PETIT LIEUTENANT, a reçu un accueil tonitruant de la part du public et d'une certaine partie de la critique. Ca sent donc un peu le graillon, non ?

Ca sent même un peu autre chose, pour tout vous dire. Il y a dans ce film une forte tentation, et même plus que cela puisque c'est vers ça que l'on tend pendant toute sa durée, de documentaire, dans le sens où tous les évènements sont relatés d'une manière qui se veut à tout prix réaliste, voire même jusqu'à aller vers le naturalisme le plus total. J'en veux pour preuve cette avalanche de scènes de chants religieux, qui prennent, à vue de nez, un tiers du métrage (j'exagère à peine), que Beauvois laisse EN ENTIER, et pas qu'une fois. Tous les chants grégoriens y passent, et leurs paroles tristes et soumises ne donnent franchement pas envie de rentrer dans les ordres, malgré le fait que l'on ait régulièrement l'impression que l'on nous force le christianisme jusqu'au fond de la gorge, tel une oie à Noël. Disons que Beauvois montre deux face de la religion qui se rejoignent en un même delta : celle, donc cherchant la repentance, et l'autre qui représente une certaine grandeur d'âme, une générosité, un héroïsme sans fard, pour au final être absous et sauvé par Dieu, pour aller vers le paradis. C'est là que pêche Beauvois dans sa volonté clairement documentaire, en rajoutant du manichéisme (pas de contradiction ni d'aspérité, non, vous pensez) à ces hommes, qui eux sont super gentils, et les autres tueurs sont méchants, mais c'est pas parce qu'ils sont musulmans qu'ils sont méchants, attention, il ne faudrait fâcher personne, et le réalisateur prend bien soin de marteler à plusieurs reprises le fait que ce sont des extrémistes qui s'adonnent à ces exactions, des gens qui ont mal ou n'ont même jamais lu le Coran (ce qui, certes, est vrai, mais pourquoi le répéter à tout bout de champ dans le film ? Une fois, c'est bien, aussi). Au final, il n'y a aucun enjeu. C'est immensément mal écrit, que ce soit au niveau du propos manichéen et neuneu (sacrifice chrétien, tout ça) ou des personnages, qui ne sont pas développés le moins du monde et qui pensent quelque chose pendant une heure trente, mais trente minutes avant la fin, pile pendant le climax, et sans raison apparente, ils changent d'avis. Comme ça. No reason, comme la couleur de E.T. Quand en plus, ils sont incarnés par des acteurs d'une nullité qui confine au cosmique (Wilson est vraiment un des plus mauvais du moment, alors que Michael Lonsdale fait comme il peut, mais il vit, lui, et offre un souffle drôle et humain à ce film enfermé de l'intérieur), le tout devient absolument ridicule.

Et ce n'est pas tout, parce que sinon ce ne serait même pas drôle. Le scénario indigent, lénifiant, manichéen, je veux bien. Les acteurs nuls, d'accord. Les chants grégoriens, allez, si vous voulez. Mais alors, l'absence de mise en scène, là ça ne passe pas. Cadres hideux, jamais composés, montage lent qui se veut psychologique et contemplatif mais qui ressemble plutôt à du va-comme-j'te-pousse informe et mortifère, photo grisouille, neutre et sans textures, déluge de plans rapprochés, je dis non, stop, ça suffit. Mais le massacre n'est pas encore terminé. Vous avez entendu parler du jeu sur l'échelle de plans ? Et bien, en voici la définition par Xavier Beauvois, dans la scène dite du « Lac des cygnes », si je me souviens bien : plan rapproché épaule x6, puis gros plan x6, puis très gros plan des yeux x6. Voilà. Vous n'imaginez pas à quel point c'est hideux.

Quand y'en a plus, y'en a encore ! DES HOMMES ET DES DIEUX est une prise d'otage émotionnelle, tire-larmes comme le pire des mélos hollywoodiens, mais avec, ici, une caution art et essai qui ne fait pas écran longtemps. A l'instar de l'INTO THE WILD de Sean Penn, le film de Xavier Beauvois est une histoire vraie. Et si on n'a pas lu le dossier de presse, j'imagine, impossible de le deviner, vu que ce n'est jamais dit nulle part, avant la fin, bien sûr, quand Margot est déjà sensée avoir les yeux embués, on lui balance ça pour le Niagara se déverse. Répugnant.

DES HOMMES ET DES DIEUX est un film puant.

KABOOM de Gregg Araki (USA-France, 2010)

Smith est étudiant à l'université. Il vit en colocation avec Thor, surfeur blond complètement stupide, par lequel il est attiré. Malgré cela, il couche quand même avec une jeune blondinette délurée, quand il ne traîne pas avec sa meilleure amie lesbienne. Bref, ça couche dans tous les sens et ça fantasme encore plus. Mais Smith a des visions étranges, et quand, après une soirée de défonce, une jeune femme rousse se fait agresser sous ses yeux par trois hommes portant des masques d'animaux, sa vie tranche quelque peu.

Gregg Araki, auteur du beau MYSTERIOUS SKIN, débarque à Cannes hors compétition. Quand on voit le film, on peut comprendre pourquoi. Ou pas.

Parce que la chose est complètement étrange. Prenant comme point de départ le film de collège, souvent un très beau genre par ailleurs, mais en le triturant pour finalement proposer un produit complètement faisandé, sorte de parodie des films de Richard Kelly (l'auteur de DONNIE DARKO, SOUTHLAND TALES et THE BOX, trois oeuvres merveilleuses), mais tellement plus que cela. Multipliant les scènes ridiculissimes mais dans lesquelles il se passe toujours quelque chose, Araki semble marcher avec des rangers sur le fil fin et ténu qui sépare le ridicule du génie. Il s'en fout, et va jusqu'au bout de ses idées, aussi farfelues soient-elles. Ainsi, "César" cohabite avec une explication du parfait cunnilingus, la magie se dispute avec les errements d'un fils abandonné, le meurtre vit avec le grotesque le plus singulier. Film paranoïaque avec secte qui contrôle le monde, étude de la sexualité adolescente et dépiction de la vie d'un enfant seul, KABOOM bouffe partout, en équilibriste. Il y a un certain jusqu'au-boutisme salutaire, dans le sens où Araki n'évite rien, et fonce dans le tas à la vitesse de la lumière, offrant des twists improbables à une cadence infernale, faisant exploser l'idée même de twists, en les faisandant ostensiblement.

Là où KABOOM est le plus beau, c'est dans la mise en scène, totalement à l'unisson de son propos. Casting complètement stéréotypé des films de collège, utilisation ringarde et belle de la vidéo, très visible et jouante, photo vulgaire et kitschissime, souvent riche et superbe, qui faisande encore plus le tout, transitions comme dans un film amateur... Bref, KABOOM ressemble à une espèce de série TV de luxe, ne cherchant jamais le" bon goût" mais plutôt quelque chose de l'entre deux. J'ai malheureusement vu le film dans une salle remplie aux trois quarts d'acheteurs, ce qui est une horreur parce qu'autant au départ ils riaient avec le film (parce qu'il est très drôle), puis rapidement, riaient contre lui, n'ayant aucun recul par rapport aux scènes ridicules et indispensables.

Film mi-raté mi-réussi, complètement punk et suicidaire, KABOOM mérite malgré tout le coup d'oeil.

LJ Ghost.

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 [Photo: "Autant mes Vents l'Emportent" par Dr Devo.]

UN HOMME QUI CRIE de Mahamat-Saleh Haroun (Tchad-France-Belgique, 2010)

Youssouf Djaoro a une soixantaine d'années, et travaille comme maître-nageur à la piscine d'un hôtel huppé. Dans sa jeunesse, il fut champion de natation, inutile alors de dire que la piscine, c'est toute sa vie, et qu'il écoule des jours heureux au bord de l'eau à surveiller des gamins qui hurlent. Mais l'hôtel a été racheté par des investisseurs chinois, qui menacent de licencier une bonne partie du personnel. En parallèle à cela, le Tchad est en pleine guerre, et le gouvernement demande à ceux qui n'ont pas encore trahi leur pays en rejoignant les factions rebelles, un "effort de guerre", à savoir de l'argent, ou un fils à envoyer au front. Ca tombe plutôt mal, parce que Djaoro a un fils d'une vingtaine d'années, qui travaille avec lui à la piscine, et qui pourrait éventuellement menacer son travail...

Fermez les yeux. Imaginez un instant un jeune homme, il veut devenir scénariste. Il achète un livre qui explique comment écrire un tel document, quels sont les ressorts dramatiques, comment on les utilise, ce genre de choses. Il se dit, tiens, c'est intéressant, et ça va m'aider, alors je vais m'en servir et écrire quelque chose. Ce jeune homme découvre, au détour d'une page interweb, qu'un concours de scénarios se déroule pas très loin de chez lui, et qu'il peut envoyer son épreuve au jury qui décidera si oui ou non, son script est valable. Il se dit pourquoi pas, après tout, je n'ai rien à perdre, et puis j'ai bien travaillé, j'ai fait tout ce que le livre m'a dit de faire, alors pourquoi pas moi. Il l'envoie. Le jury, submergé par ce qu'ils ont reçu, lit tout de même, en diagonale, les projets. Celui du jeune homme retient leur attention. Le juré numéro trois le lit une deuxième fois, avec soin et précision. Pour elle, c'est celui-là. Elle fait passer le mot à ses collègues, qui élisent ce script à l'unanimité. Sa victoire en poche, le jeune homme, encore extatique, reçoit un courrier d'un producteur, qui a lu son travail et veut l'adapter au cinéma. Deux ans plus tard, le film est en compétition officielle au festival de Cannes. Son titre : L'HOMME QUI CRIE.

Si j'ai écrit cette longue fable (post-) moderne, c'est que le film qui nous intéresse à présent pourrait être étudié dans les écoles de cinéma (et le sera sûrement), tant il est didactique et d'un classicisme absolument effrayant. Rien ne dépasse et les ressorts dramatiques, prévisibles plus que de raison au bout d'à peu près six minutes, sont disséminés aux endroits les plus évidents et les plus normaux, pourrais-je dire. Des scènes sont là uniquement à titre illustratif, par exemple pour appuyer une caractérisation de personnages (la séquence de la pastèque), et n'apporte rien d'autre au récit, à la narration, et est encore moins intéressante au niveau de la mise en scène. On peut presque deviner ce qui va se passer avant chaque coupe. Disons qu'il n'y a pas de jeu de ce côté-là, ou d'envie de s'écarter, même un tantinet, de la norme. Je dois avouer que c'est ainsi le cas de beaucoup de films, mais pour celui-ci, cela m'a vraiment marqué, donc il prend pour les autres, et j'en suis désolé. La narration est donc d'une banalité absolue, un parfait exemple de film Dossiers de l'écran, qui dit que la guerre c'est pas bien parce que ça tue, et que virer des gens c'est pas bien parce qu'après ils n'ont plus rien. Mais Haroun, également scénariste, rajoute une chose qui fonctionne plutôt pas mal : la lâcheté du père. Je ne peux pas en dire plus, bien sûr, mais cela apporte un peu de relief à l'ensemble, sans franchement l'élever par ailleurs.

Le rythme du film est plutôt lent et contemplatif, certains plans durent trop longtemps, ce qui provoque un léger malaise et est plutôt dérangeant, malgré un montage pas très beau, les raccords et les coupes sont parfois aberrants (dans la ruelle, de nuit, sur le side-car, il coupe beaucoup trop tôt pour donner une quelconque émotion : la peur de l'écran noir, visiblement). En fait, tous les leviers de mise en scène sont au diapason de l'illustration du scénario, ce qui donne au final quelque chose de pas très intéressant. Il y a de temps en temps un effort de cadrage, mais trop rare pour être vraiment souligné.

LA PRINCESSE DE MONTPENSIER de Bertrand Tavernier (France, 2010)

Seizième siècle, la France est meurtrie par les guerres de religions. Lambert Wilson n'est pas une princesse, ce qui est assez dommage, parce que ça aurait pu être tout à fait rigolo et intéressant. Bref, il est comte et tue sans le vouloir une femme enceinte. Traumatisé, il déserte et abandonne le combat. Il rencontre Grégoire Leprince-Ringuet, qui a le nom de l'emploi puisqu'il est prince de Montpensier, son ancien élève et ami, qui décide de l'accueillir en tant que garde. Pendant ce temps-là, le père du prince, qui aurait quand même bien envie de s'élever dans la société, décide, avec le marquis de Mézières, de marier Grégoire à la fille de ce dernier, Marie, alias Mélanie Thierry. Sauf que la demoiselle, elle, est promise à et est amoureuse de Gaspard Ulliel, le duc de Guise. Ulliel est fou de rage, et jure à Grégoire qu'il va se venger. Et Lambert Wilson dans tout ça ? Ah, oui...

Tavernier, l'affreux à la grande gueule, déjà précédemment à Cannes pour UN DIMANCHE DE CAMPAGNE pour lequel il a gagné le prix de meilleur réalisateur, la blague, et qui a sorti l'année dernière son film américain, DANS LA BRUME ELECTRIQUE, avec La Bûche, alias Tommy Lee Jones, revient donc triomphant avec son nouveau film en costumes, adapté d'un livre de Madame de La Fayette. Tavernier + film en costumes, ça ne sent déjà pas très bon. J'aurais dû me méfier.

J'avoue ne pas savoir par où commencer. Le film fait précisément cent trente-neuf minutes, et aurait pu facilement en faire quarante-cinq de moins. Je m'explique. Toute la partie avec Lambert Wilson est absolument inutile, et aurait dû être coupée dès l'écriture du scénario. Nous le suivons au début, les premières minutes sont pour lui, on se dit qu'il va avoir malgré tout un rôle important. Que nenni, mon bon. Il disparaît au fur et à mesure du film, ne faisant plus que des apparitions fantomatiques ou inutiles, étant délaissé du rôle promis par le début du film dans le récit. En fait, ensuite, son action se résume principalement à éduquer Mélanie Thierry (poésie, lecture, écriture, ce genre de choses), ce qu'aurait pu faire un tout autre personnage, qui n'aurait pas eu une telle importance dès le début, on aurait même éventuellement pu ne pas voir cet apprentissage, qui est d'une inconséquence presque comique également, puisque si la jeune princesse fait tout un foin pour apprendre à écrire, elle n'écrira pas une ligne de tout le film. Surtout que le personnage de Christophe Lambert Wilson évolue, mais de manière complètement anarchique et artificielle (je ne peux pas en dire plus), en particulier parce qu'à la fin, il a un geste d'un illogisme et d'une stupidité assez déconcertante, se contredisant toutes les trois secondes, pour finir par être complètement flou, perdu, inutile. Le personnage aurait dû disparaître dès le départ. Mais bon, tant qu'à pédaler dans les descentes, allons-y et prenons les pires acteurs du cinéma français, qui jouent comme des bites, pardon, mais là il faut être clair et franc, et déclament comme dans le pire du théâtre de boulevard des dialogues estampillés 16ème siècle, caution historique au dos du dossier de presse. C'est absolument insupportable et cela a provoqué quelques rires dans la salle, d'habitude très respectueux des films en cours de projection. Les scènes d'action sont rares et ridicules, les coups assénés sonnant franchement faux, et on voit même, dans certains angles de la prise de vue en steadicam, que les acteurs plantent leurs épées entre le bras et le corps des cascadeurs. Si l'ambition est de faire un film à grand spectacle, avec force costumes, il faut en avoir les moyens et ne pas laisser une prise où on voit clairement que ça ne fonctionne pas. On peut dire ce que l'on veut du cinéma commercial américains et des blockbusters mais chez eux, en tout cas, quand il y a des scènes d'action on y croit. Ici, on veut faire du grand spectacle intelligent, et c'est raté des deux côtés. Bravo.

Comment retranscrire la douleur qui m'a foudroyé pendant la vision de ce film ? Peut-être en vous disant que bien évidemment et en plus de cela, la mise en scène est purement illustrative (il décadre bien à des moments et fait quelques mouvements de caméra sympathiques, mais c'est une goutte de pus dans un océan d'étrons), sans jeu de lumières, de son (si, la musique est atroce et bien trop présente), de montage. C'est laid à n'en plus pouvoir, et c'est en compétition officielle au festival de Cannes. C'est dégoûtant, parce que ce film est une insulte au spectateur, qui ajoute à l'inanité d'un scénario extrêmement mal écrit une mise en scène même pas digne d'un blockbuster américain. Je suis certain d'oublier de vous parler de pas mal de choses, mais LA PRINCESSE DE MONTPENSIER est tellement mauvais que je n'ai même plus envie d'écrire dessus. Fuyez, pendant qu'il en est encore temps.

LJ Ghost.

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(De gauche à droite, du haut vers le bas: le film, le président du Jury, Matière Focale en septembre 2010. Photo par John Mek-Ouyes et Dr Devo.)

Il n'y a pas que la compétition officielle dans la vie cannoise, alors allons un peu voir à côté, là, tout près, les choses qui respirent et qui appellent le cinéphile avide de découvertes. Compétition officielle, Un Certain Regard, Marché du Film. Dans l'ordre. Faites vos jeux.

THE HOUSEMAID de Im Sang-Soo (2010-Corée du Sud)

Jeon Do-Youn est engagée comme servante par un couple de jeunes gens très très riches pour s'occuper de leur petite fille. Alors qu'elle vaque à ses occupations en uniforme, elle est quelque peu troublée par le maître de maison, un jeune homme complètement successful qui joue du Beethoven à ses heures perdues. Il va la prendre comme maîtresse. Et comme tout se sait toujours, ça va faire du grabuge dans le manoir...

La Corée n'a pas fini d'animer Cannes. Après les beaux THIRST et MOTHER l'année dernière, c'est au tour d'Im Sang-soo (réalisateur d'UNE FEMME COREENNE) d'y aller de son petit film assez étrange, voire même complètement polymorphe. Ca ne commence pas mal du tout, avec une séquence de présentation assez abstraite, très découpée, jouant énormément sur le mouvement (que ce soit au niveau de la caméra ou du placement des figurants) et sur les valeurs de plans, qui sont ici vecteurs d'une sensation de perte et de confusion qui s'entremêlent de manière élégante avec ce qui se joue : on ne sait pas trop ce qui se passe, mais une femme est suspendue à un balcon, à côté de ça des jeunes sont à une fête, des voitures passent, l'héroïne découpe du poisson... On cherche la spatialisation alors que Sang-Soo nous dit très clairement que tout se joue en même temps, exactement au même endroit, qu’il n'y a qu'un lieu et que ce sera celui de la mort. Le ton est donné. Mais en fait, non. On se calme un peu et on suit de manière plus particulière à présent, l'héroïne dans ses premiers pas à l'intérieur du fameux manoir du couple. Découverte de l'enfant à garder, moments heureux d'insouciance pour un personnage qui rappelle l'Idiot de Dostoïevski (c'est dit dans le film mais, chose amusante, n'a été traduit comme tel que dans les sous-titres anglais, les sous-titres français, eux, l'ont juste qualifié de "simplette" si je me souviens bien. Serions-nous moins à même de comprendre la référence culturelle ? Pourquoi les francophones sont-ils ainsi spoliés ? Etrange, tout de même). Puis du sexe, un peu, on ne voit rien, juste de la peau, des corps humides qui se frôlent, des voix qui se parlent crûment. Puis de l'humour, ce qui m'a posé un vrai problème, mais j'y reviendrai. Puis vient la tragédie, moralement éreintante et insoutenable, les actions font très mal. Si j'ai fait cette petite liste, c'est pour illustrer le fait que Sang-soo va se servir un peu dans toutes les crèmeries, dans l'espoir que son dessert soit le plus beau possible.

Sauf qu'il s'éparpille un peu. Je n'ai rien contre la comédie en général, mais j'ai trouvé qu'ici, son incursion au sein du récit était un virage pas très bien négocié. Disons qu'à un moment donné, la belle-mère du maître de maison fait son apparition, et elle est vraiment trop outrée pour totalement convaincre et se fondre dans la proposition du film. C'est au niveau de l'écriture même que ça pêche. Si le film, dans son ensemble, est plutôt correctement mis en scène, donnant une certaine envergure au côté totalement réaliste, dirons-nous, du métrage, l'ajout du personnage de la belle-mère envoie valdinguer à peu près tout ce qui a été fait jusque-là. Pour vous expliquer, elle agit un peu comme un génie du mal, toujours là pour faire une saloperie, mais de manière forcée, deus ex machina malade qui va précipiter la tragédie. On sent l'artifice pour justifier le point de non-retour, et son écriture brute et manichéenne, quelque part, dénote avec la certaine subtilité des autres personnages. On n'y croie pas, ça ne fonctionne pas. Et c'est vraiment très dommage, tant le reste du film a des qualités qui méritent d'être vues.

Quelques scènes sont très réussies. Celle du club de golf, vrai moment de douleur contenue, de haine ravalée, prête à exploser, lorsque la conscience, l'humanité reprennent le dessus. Le dialogue entre l'héroïne et le maître de maison après la scène du "bain", magie fugace, lumière d'espoir d'une inconséquence et d'une folie tragiques. L'incursion du feu dans l'avant-dernière scène, qui exprime de manière allégorique toute la rage qui habite le personnage en en faisant un élément physique, palpable et dévastateur. Ca bosse tout le temps du côté du cadre, à essayer de trouver des angles bizarres, des compositions abstraites, des symétries, des asymétries, elles sont très évocatrices sans tomber dans le didactisme. Le reste est plutôt classique, soigné, il y a du boulot, mais rien de renversant.

Au final, un film plutôt pas déplaisant, mais nous sommes encore loin du chef-d'oeuvre.

L'ETRANGE AFFAIRE ANGELICA de Manoel de Oliveira (Portugal, 2010)

Ricardo Trepa est un jeune photographe appelé d'urgence, une nuit, par une puissante famille locale, pour prendre des clichés de leur fille Angelica, morte peu après son mariage. Il accepte, et à l'intérieur de son viseur, le visage de la jeune femme s'éveille...

Ca fait toujours plaisir d'avoir des nouvelles du plus jeune grabataire du cinéma ! Presque 102 ans au compteur, et le garçon pète la forme, tourne toujours, voire même plus que jamais, avec bonheur paraît-il puisque qu'apparemment, son précédent, CHRISTOPHE COLOMB, L'ENIGME était magnifique. Mais parlons donc du tout dernier, qui, je dois l'avouer, a une des brioches (terme focalien de "pitch", bien plus beau que l'original, bien sûr) les plus intriguantes et intéressantes de cette quinzaine.

L'obstacle. Voilà comment le film aurait pu s'appeler, tant tout au long du métrage l'action se heurte à des éléments qui l'empêchent fréquemment, euh non, tout le temps, d'avancer. Et, complètement malicieux, De Oliveira se sert de tout ce qu'il a sous la main pour mettre des bâtons dans les roues de ses personnages. D'abord la musique, qu'il laisse terminer jusqu'au bout de la partition pour couper son plan et passer à autre chose, idée vraiment belle qui laisse une impression de vide abyssal, puis le son, qui vient parasiter tout effort d'expression ou d'intériorisation (magnifique scène de déclamation de poème, avec en fond sonore un vieux transistor qui crisse, qui larsène, qui crache quelques notes de musiques pour se remettre à grésiller, ou des bruits de camion dérangeants et surprenants qui viennent couper une conversation en plein milieu, forçant les personnages à aller à la fenêtre voir ce qu'il se passe avant de revenir à leur action initiale), les éléments de décor, la figuration... Tout est fait pour casser le rythme et installer une espèce d'à-plat haletant et surprenant: étrangement, même au bout de deux ou trois fois d'affilée, on n'imagine pas qu'il va encore saboter l'avancée du récit, prenant encore et toujours le spectateur par surprise. Et ce qui est encore plus beau, c'est que la résolution du film inclut, en son sein même, et disons est la justification finale de tout ce procédé, un obstacle, le dernier, que je ne vous révèlerai pas mais qui est, je vous l'assure, absolument magnifique.

Du côté de la mise en scène, De Oliveira s'éclate aussi, en cadrant au cordeau, en se permettant de finalement assez peu couper (le montage, lent, est malgré tout assez tendu) et de ne se poser que rarement la question du contre-champ, mais quand il le fait c'est éblouissant parce que généralement accompagné d'un changement de photo, de perspective, d'une espèce de césure au niveau du rythme qui donne une impression d'étrangeté. Il inclut même quelques incrustations vidéo en noir et blanc, très belles, qui participent à une scène de lévitation assez hallucinante où le son joue constamment, jusqu'à, à un moment, s'arrêter presque totalement, comme conférant à ces quelques secondes un souffle de liberté, voire de spiritualité très émouvant.

Merci, monsieur De Oliveira, merci de donner aux petits jeunes aux dents longues et aux idées courtes des leçons de cinéma, et un parfait exemple de ce que l'on peut faire quand on joue avec les leviers de la mise en scène. Le fait que vous ne soyez pas en compétition officielle me révolte. Mais c'est vrai que vous avez reçu un prix d'honneur à Cannes, il y a quelques temps, pour eux vous êtes déjà mort. Pour nous, vous êtes le plus vivant.

MR. NICE de Bernard Rose (UK-2010)

La vie de Howard Marks, un ancien d'Oxford devenu, dans les années 60-70, un des plus grands trafiquants de drogue de Grande-Bretagne.

Quelle ne fut pas ma surprise en voyant le nom de Bernard Rose, l'excellent réalisateur, d'entre autres, CANDYMAN avec Virginia Madsen, film fabuleux s'il fallait le rappeler, dans le programme du Marché du Film (et pas en compétition, voyons, les enfants, soyons sérieux !). L'instinct me pousse à y aller, ne connaissant absolument rien du film.

Nous suivons donc Marks, incarné par le formidable Rhys Ifans, et d'entrée de jeu c'est de la folie pure. Nous commençons donc par voir le héros du temps où il était au lycée, et là, nous nous apercevons qu'Ifans lui-même joue le rôle de Marks quand celui-ci a 17 ans ! Quelle délicieuse étrangeté de voir l'acteur extatique, sauter dans les bras de ses parents, hurlant sa joie alors qu'il vient de recevoir la lettre d'acceptation à l'université d'Oxford ! C'est absolument sublime et ce sera ainsi pendant tout le film, Ifans jouant Marks à tous les moments de sa vie. Mais Rose ne s'arrête pas là. Il doit recréer l'Angleterre des années 60, ses rues, ses voitures, ses passants ? Trop cher, pas intéressant, alors le réalisateur utilise des stock-shots sales et granuleux de ces années-là, et incruste Ifans déambulant à l'intérieur, et rajoutant les grains sur l'acteur ! Il n'y a des stock-shots d'Oxford en noir et blanc ? Pas grave, on les utilise, et par la même occasion, on incruste Ifans en noir et blanc, et en qualité 8mm ! Il doit se rendre à Kaboul ? Même traitement ! Et ensuite, bien sûr, on va vraiment tourner dans ce qui ressemble à un désert afghan, pour les plans qui suivent. En fait, il utilise le procédé d'incrustation sur stock-shot à chaque fois qu'il doit introduire un lieu, ou à chaque fois qu'il doit avoir de la vie d'époque à l'arrière-plan, pour ensuite revenir dans un décor naturel un peu moins fourni et plus pratique à faire, que ce soit pour des scènes à pied, ou en voiture (la première fois qu'il est en Afghanistan, en jeep, est une des choses les plus drôles et les plus folles que j'ai vu depuis longtemps) ! Bref, ça invente, ça n'arrête pas, ça cherche des solutions pour rendre la chose complètement belle et ludique. Vous n'avez jamais vu une scène de sexe telle que la première montrée dans ce film (ce qui a fait dire à une amie, présente à côté de moi, "c'est la suite d'ENTER THE VOID "»). Quand on ajoute à cela une photo vraiment belle (il la fait lui-même), un sympathique jeu sur le son, des cadrages bien sentis et un casting trois étoiles (Ifans, Chloe Sevigny, David Thewlis), ce premier quart d'heure annonce monts et merveilles.

Malheureusement, Rose a du mal à tenir la barque. Un peu à l'instar de SHUTTER ISLAND de Scorsese, la mise en scène se délite assez rapidement pour abandonner toute invention au profit de l'avancement du scénario et d'une certaine précision dans la biographie du garçon. Rose lève le pied et se fait un peu bouffer par son récit. S'ensuit un quasi festival de champs/contre-champs, moins de jeu sur les axes, et si la lumière est toujours belle, le montage s'effrite et s'étiole.

Il est vraiment dommage que le réalisateur n'ait pas réussi à aller au bout de son idée, de ses idées, tant le film aurait pu être absolument beau et iconoclaste. Je dirai même qu'il aurait pu être important. Au lieu de cela, il y a un quart d'heure, vingt minutes de folie, une montagne russe hallucinante d'émotions, puis un récit comme tous les dealers de drogue, avec ascension sociale et chute vertigineuse, en n'oubliant pas femme et enfants qui souffrent. C'est triste. Mais à voir quand même, pour ce début tellement grotesque.

LJ Ghost.

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[Photo: "Touch my heaven" par Norman Bates.]

Si on me demandait ce qu'est une œuvre d'art réussie, je répondrais surement que c'est une montagne de questions sur ce que nous sommes sans ne jamais apporter aucune réponse. C'est en tout cas ce que j'ai dis à ma coiffeuse l'autre jour, alors qu'elle évoquait (en mal) le cinéma de Werner Herzog. En revanche l'autre soir Gaspar Noé me disait lui que le cinéma n'était pas de l'art, le porno non plus, mais que le cinéma pouvait être au mieux comme un bon porno. Ceci dit, tout ca n'a presque aucun rapport avec le sujet qui nous préoccupe aujourd'hui.

BABY BLOOD tiens à la fois des écrits de Nietzsche et d'Haroun Tazieff : nés des volcans et du chaos primordial, un alien trouve refuge dans divers organismes vivants jusqu'à échouer dans le corps d'une gitane bien roulée, poum tchac, qui va nouer une complicité bestiale avec son bébé du troisième type, jusqu'à tout plaquer pour lui et boire le sang de victimes mâles afin de nourrir la Bête. Au fil d'un périple sauvage et violent, Yanka sera tiraillée entre sauvagerie bestiale version orgie dans le sang et conscience judéo-chrétienne qui la pousse à sacrifier Alain Chabat plutôt que Jean Yves Lafesse ou Jacques Audiard. Le film suit la grossesse de Yanka, l'aliénation progressive de la mère porteuse et les conséquences de celle ci sur une équipe de foot et sur la finitude du monde. Venu du cœur tellurique de la Terre et rendu aux éléments, le cheminent erratique de La Mère dans la France du début des 90's semble mettre dos à dos les écrits Lovecraftiens et les films de papas. Film hybride donc, et osé, sur lequel il me parait intéressant de revenir plus de 20 ans après, le film n'ayant de fait pas tellement vieilli.

Difficile de comparer BABY BLOOD à quelque chose. Certes, il y a du délire gore d'un EVIL DEAD, mais c'est quand même plus que cela. A la fois érotique et sensuel, il n'est pas interdit de penser à Rollin ou même à Henenlotter. Et encore, ce serait occulter sa marque de fabrique au lait cru, principalement grâce à un décor baguette-béret-cocorico sorti tout droit du cinoche franchouille populaire des années Mitterand. Réalisé avec rien, mais faisant preuve héroïquement d'une originalité formelle salutaire, on se demande encore à plusieurs reprises comment tel ou tel plan à été tourné. On avait alors affaire à une équipe technique n’ayant jamais fait de gore, ni même de fantastique et qui découvrait un tout nouveau terrain de jeu garant d'une liberté jamais acquise alors, propice à des expérimentations hallucinantes. La photographie est sublime, travaillant les textures avec une intensité ébouriffante comme ces derniers plans sur la mer où les nuages grisâtres sont le contrepied exact de la mer. Les séquences dans la maison abandonnée sont d’une beauté quasiment italienne tandis que les intérieurs au néon donnent dans la perspective futuriste.  Jouant avec une caméra tour à tour objective et omnisciente, la diversité des points de vue et des angles d'attaques pourtant focalisés sur le couple Yanka/Baby font émerger une relation baroque et rock'n'roll dont le sang et le foutre sont les clés. Des gerbes de sang aux scènes de cul, la complicité bivalente (sauvagerie/sensualité) de deux être liés intimement donne de l'Homme une vision sans équivoque et bivalente, tout en ressenti et en sensualité. C'est un film totalement quantique ! Tout est exactement pareil et différent dans un même mouvement un peu obscène qui va de haut en bas, comme une masturbation, un poignard ou un serrage de main. Chaque être à une composition chimique, physiologique, atomique exactement similaire et pourtant c'est à chaque fois le quinté Vincennes avec les numéros complémentaires et dans le désordre. Tout le monde parle la même langue et personne n'y comprend rien, tout le monde se bat et tout le monde fait des enfants. Tous ces mouvements telluriques et masturbatoires de secousses à l'origine de la vie forme le chaos originel dont la Femme est la garante unique, comme détentrice de la vie et du pouvoir ultime, comme matrice originelle. Mais bon dans les faits, c'est la soif et la faim qui sont l'objet d'un film qui parle d'abord d'amour platonique, celui d'une mère pour son fils, même si c'est un psychopathe. La liberté qu'avait alors Alain Robak de filmer joyeusement le périple délirant d'un alien à la voix ridicule s'exprimant en voix off dans la tête d'une pulpeuse jeune femme livrée à elle-même après avoir été maltraitée pendant des années par un mari violent dans des décors digne des pires production françaises de l'époque (les Max Pécas ou autres Bernie Bonvoisin en passant par Truffaut) est bluffante et enivrante, on a pu faire ca chez nous au moins une fois, c'est merveilleux. Y'a des effets spéciaux que les américains nous envient dans ce film ! Y'a des monstres effrayants comme chez Barkouille ! Yummy yummy !

Se replonger après vingt années dans BABY BLOOD c'est le passé qui vous prend d'abord à la gorge, c'est les plans qui donnent à voir, les textures juxtaposées du sang et du béton qui vous rentre dans le palais, c'est aéré et on suffoque, c'est virtuose et ca ose, ca se veut âpre mais c'est baroque quand même : c'est Moulinsart mais sans les pantoufles. De tout ce chaos l'empathie nait, mais oui, mais c'est bien sur, les BABY BLOOD déferlent sur le monde tout les jours, ils demandent la tête des hautes instances du cinéma, de ceux qui ont érigés les modèles industriels comme nouvelle norme d'un cinéma pop corn qui ne doit jamais rudoyer le spectateur, qui doit l'accompagner doucement jusqu'à la porte des rêves amputés et des réalités apprivoisés. Et les gens, dans un éternel recommencement iront se faire tabasser, car à gommer les aspérités les plus dérangeantes de la vie, on en oublie les plus importantes : vivre c'est toujours se rapprocher du vide.

Les gens, c'est pas le Dalaî Lama ou la souffrance du Tibet, c'est pas la planète qui meurt à la télé, c'est pas les grandes arènes médiatiques où l'on vend des emballages, c'est pas du bien fondé ou des assurances, les gens c'est des autistes, la réalité n'existe pas, le monde est un gouffre, il n'y a pas de volcan en Islande, le chaos règne, l'existence est une organisation à but fécondatrice et à partir du moment où c'est vide il nous reste une place. Prenez ca dans les sens que vous voulez.

Bienvenue au monde, BABY BLOOD !

Norman Bates.

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[Photo: "Sans titre #56" par Norman Bates.]

Aux abords du Mont Fuji, sur une plage de sable fin ou roulent doucement les vagues dans la quiétude de la forêt de bambou proche, Nishi regarde une dernière fois sa femme sous les yeux de sa fille morte. Il se souvient des fusillades, des moments amoureux, de son meilleur ami avant qu’il devienne handicapé, et du hold-up qu’il vient d’organiser pour rembourser ses dettes. L’air est pur, la mer limpide et dans le silence de la fin d’après mid,i Nishi se remémore des moments de sa vie : les planques, les traques, la police qui sont maintenant loin derrière lui. Aujourd’hui  sa femme va mourir et il n’y a plus de mots…

Kitano est à la mode en ce moment : rétrospectives un peu partout, master class et exposition art moderne à Beaubourg, si vous habitez Paris vous êtes forcement au courant. Kitano pourquoi pas, me dis-je in petto, en plus il y aura surement de jeunes étudiantes en plastique dans ce cinéma du quartier latin (spéciale dédicace !) avec qui entamer une discussion sérieuse sur les textures et les sensations de l’été prochain. Je lui disais à ce propos que l’exposition de Kitano était un sublime foutage de gueule comme à peu près chaque "œuvre" exposée au centre Pompidoupidou-pidou , et elle me disait, dans un sourire qu’un rayon de soleil naissant éblouissait, que le dinosaure en plastique était le symbole allégorique du refus de la nature à faire perdurer la puissance, et moi je lui répondais perdu dans ses yeux bleus que c’était aussi le symbole du mouvement pro-créationniste aux états-unis mais il était trop tard, j’étais tombé dans le terrier d’Alice, je voyais des jouets en 3d tournoyer autour de moi, je voyais ses yeux et encore son sourire, son sourire, son sourire, je voyais ses cheveux qu’une petite brise faisait onduler précautionneusement, je disais n’importe quoi et je souriais comme un con, je sentais son shampoing aux amandes et le piège se refermer autour de mon cou…

Je reprends mes esprits doucement. Qu’est ce qui m’est arrivé ? Je ne me souviens plus de la chronologie : Kitano devant une scène de crime, Kitano dans ta vie, Kitano dans des draps, Kitano où l’amour danse au fond des draps, je ne sais plus, je suis perdu. Il est en tout cas question d’amour et de feu d’artifice, mais traité avec bien plus de sobriété et de dignité que le premier occidental venu, avec un sens du dépouillement presque monastique. Le montage lance des pistes dans tout les sens, pistes qui sont toutes réalistes et censées, sensées se dérouler à un moment ou a un autre de la vie de Nishi : ces pistes se croisent comme dans les souvenirs, et ce n’est plus la raison qui dirige ce flot apaisé de petites et grandes choses passées, c’est un long fleuve tranquille, un feu d’artifice qui met du temps à décoller et à éclater. Qu’importe la vitesse ? Le feu d’artifice éclatera bien de toute façon, et ses milliers d’étincelles brilleront à jamais dans la mémoire, dans les souvenirs de Nishi seul au bord de cette plage. Les yeux dans le vague, fixant les vaguelettes azur qui s’écrasent sans fin sur le rivage, rivage sur lequel sa fille aimait faire voler son cerf volant, Nishi ne pleure pas, il ne pleure pas car le feu d’artifice représente un instant, et qu’un instant représente toute la vie, une vie à courir pourtant, une vie à tirer et chasser, une vie en traque. Nishi est violent, il a en tout cas été violent à réagir dans l’instant, sans réfléchir à l’avant ou à l’après, tirant comme on baise, sans penser qu’une fois vide il faudra rebaiser. Nishi ne parle pas de sexe, Nishi parle du sang, de l’amour et du temps car on tue comme on aime : dans un instant différent, dans une autre vie. Aimer et tuer, dans un mouvement différent, dans un endroit différent, avec des gens différents. Le commun c’est un sens de la vie, mais un mauvais sens, semble nous dire Kitano qui place des toiles au milieu du film, en figeant des instants dans l’imaginaire comme ultime pouvoir du mental. Ce qu’il y a de différents dans la vie des gens, c’est justement ce plus petit quantum de vie : si on y regarde de loin tous les hommes naissent et meurent, ils vont à l’école enfants et trouvent un boulot adultes. Si on y regarde de près on voit un fourmillement improbable de sentiments mélangés, une explosion de couleurs pas toujours vives, on voit du pointillisme et du fauvisme, on voit de l’art contemporain et du stylo feutre, on voit des animaux à tête de fleurs mais on ne voit plus le tableau global.  Quand on y réfléchit, l’amour à duré un instant, il a disparu aussi fugacement qu’il est apparu dans nos vies de looser, un peu par effraction ou par accident, un hold-up parfait ou personne n’a rien vu. En douceur et en délicatesse, blessant comme un flingue et coloré comme un feu d’artifice, explosif et en puissance, incontrôlé et incontrôlable, fugace et inamovible.

Est-ce que vieux on se souviendra encore de tous ces instants à deux ? Est-ce que cette fille rencontrée ce soir ne nous a pas réservée le plus beaux des instants, aussi court soit il ? Vieux, je demanderai à Nishi, au pied du Mont Fuji, si le manque de perspective n’est pas une des clefs du bonheur. Je lui poserai la question, et j’espère qu’en paix avec moi-même, sachant la fin proche, j’aurai  la décence de regarder autour de moi comme quand j’étais enfant, imaginant dans chaque forme du ciel ou de la terre des animaux extraordinaires, me rappelant chaque instant important : alors sans doute je comprendrais que ce qui a été important n’est ni une suite ni une continuité, comme dans tous ces moments accolés qui forment un film, une vie, ou juste un instant hors du temps. Les dinosaures en plastique peuvent bien mourir, la puissance c’est parfois se courber dans le vent.

Long, lent et puissant, HANA-BI montre que le mélo ne s’écrit pas forcément avec des larmes : l’humour visuel, le montage chaotique et des beaux mouvements de caméras font montre d’une richesse cinématographique assez rare. Malgré tout, Kitano n’évite pas les grands écueils du cinéma asiatique, et il y a toujours des scènes très longues dont j’ai du mal à saisir l’intérêt. Et puis les peintures de Kitano, personnellement, malgré ce que j’ai dit à cette fille, je n’en pense pas que du bien…

Norman Bates.

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Entre deux épisodes de MOUNDIR, il faut bien regarder quelques films, et dieu sait qu’en ce moment les salles de cinéma sont plutôt à la fête, avec pleins de choses intéressantes qui méritent que l’on s’y arrête. Malheureusement, il est difficile dans les conditions actuelles d’écrire autant qu’on le devrait sur des films importants et beaux, la plupart des membres de la rédaction étant retournés dans leurs paradis fiscaux pour soigner leurs intérêts financiers. Je les comprends tout à fait, par contre je serais un peu plus critique vis-à-vis de notre chef bien aimé, le Dr Devo pour ne pas le citer, qui m’appelle en pleine nuit depuis son île privée pour me demander d’arrêter d’écrire n’importe quoi sur des émissions de téléréalité et de me recadrer sur le lectorat élitiste traditionnel de Matière Focale en parlant de films peu distribués et iconoclastes. Il faut dire que pendant que ce cher docteur brille en société au près de l’intelligentia du 7eme art dans des soirées huppées, c’est votre serviteur qui se tape les trips métaphysiques d’une heure et demi sur fond de techno suédoise programmés dans six salles réparties équitablement dans le quartier latin.  Heureusement que Julianne Moore est là pour rétablir l’équilibre, je vous laisse en sa compagnie dans cette dernière édition du PIRE EXPRESS !

Et on commence sans plus tarder avec LE GUERRIER SILENCIEUX de Nicolas Winding Refn (UK-2010), qui au contraire du reste de notre sélection ne contient pas de morceaux de Julian Moore ! C’est  très regrettable car Julianne Moore pourrait très bien interpréter un viking, mais nous avons de quoi nous consoler, rassurez-vous…

Le Borgne, redoutable guerrier muet, est retenu prisonnier par un chef viking dans une cage en bois. Il sort épisodiquement pour se donner en spectacle dans des combats dans la boue, combats dont il sort toujours victorieux. Guerrier hors pair, le borgne décide un beau jour de mettre fin à sa captivité et massacre ses geôliers dans une boucherie phénoménale. Il rejoint alors les chrétiens (ne me demandez pas pourquoi) pour un voyage en terre sainte à travers les mers du Nord…

Encore un film de monsieur Refn me direz-vous ! Et oui, après BRONSON le monsieur n’a pas chômé, et si son précédent film m’avait laissé un peu de marbre, celui-ci m’a couplé le sifflet comme rarement un film ne l’aura fait. C’est assez délicat voyez vous, il y a une séquence du film qui m’a littéralement retournée, comme presque jamais au cinéma ! Cette séquence est absolument époustouflante dans son idée comme dans son application, et vaut à elle seule la vision du film. Pour autant, ce GUERRIER SILENCIEUX n’est pas un grand film, et ce pour la même raison que BRONSON : il y a une suffisance chez Refn qui m’ennuie au plus haut point. Le mec sait ce qu’il veut, et c’est sans doute un des derniers réalisateurs atypiques du moment, mais putain qu’est ce qu’il se la joue auteur dans ses films ! Certes, c’est super original dans la forme comme dans le fond, c’est bourré de partis pris, complètement extrémiste dans le traitement, mais c’est tellement empreint d’une volonté de faire un truc différent des autres que ça en devient presque du snobisme.  Je sais pas s'il a pris la grosse tête à force d’être comparé à Kubrick par la presse (complètement injustement d’ailleurs, car ça n’a rien à voir) mais là il se la joue carrément : pseudo métaphysique à base de plans hyper long qui n’expriment pas grand chose, film quasi muet,  filtres colorés, vision d’un monde nouveau…  A certains moments tu te dis mais qu’est ce que c’est que cette merde, mais la seconde d’après t’es complètement happé par des instants sublimes, d’une lucidité hallucinante et d’une maitrise technique  totale. Le film est presque muet, mais rempli de son : très très important dans le film la place du champ sonore, entre les longues suppliques embrumées et les roulis des bateaux, entre le vent dans les arbres et les bruits d’os qui se cassent, entre la musique hypnotique et binaire qui n’est pas sans rappeler une certaine forme de black métal, chaque scène est balisée par les sons. Très belle scène dans le bateau par exemple, où il ne se passe strictement rien dans le son, ni dans la progression du voyage, mais où seule l’image progresse. C’est purement hallucinant, il y a de la brume partout, une mer sans vent, tout le monde meurt à feu doux dans le bateau dans une sorte de glaçante paralysie mortifère, même ce qui se passe à l’image (un cadavre est jeté à l’eau) n’a pas d’incidence ni dans la bande son (on n’entend que les roulis en boucle) ni dans le scénario. C’est  une pure idée de mise en scène : un ennui si profond et terrible que même la mort ne vient le troubler.   Et des scènes comme ca, pleine de totale impression de mort dans le froid arctique des pays du nord embrumés, il y en a tout au long du film. La plus terrible et la plus sublime est sans doute la longue séquence de folie pure des vikings débarqués dans un pays inconnu, séquence dont le son devient vite inaudible et qui continue crescendo dans un montage soufflant où on assiste à l’édification d’une sorte de totem en pierre, dont l’équilibre absurde est en fait le seul enjeu de la scène et qui dure bien dix minutes ! Le film atteint là un niveau de mise en scène presque tellurique, hypnotisant en tout cas et d’une cruauté absolue (la mort ne tient qu’a un empilement absurde de facteurs naturels ! L’humain est hors de propos) qui laisse pantois. Car ce dont parle au fond Refn, c’est d’un prophète qui se bat hache en main contre les conventions, qui vont de la religion à la société, en passant même par la parole ! La parole dans son incapacité à reproduire toutes les nuances de l’instinct est une forme primaire de normalisation, au même titre que la religion, le clan, ou le pouvoir. Et notre prophète démonte toutes ces conventions à grands coups de hache, comme si dans la plus ultime violence se cachait la forme la plus souveraine de la liberté. Quand je vous disais que le film était extrémiste…  Le GUERRIER SILENCIEUX provoque un peu la même sensation que se jeter nu en plein hiver dans une source d’eau pure se jetant avec fracas dans un lac de montagne : ca fait mal, c’est froid et intense, chaque seconde dure des heures, mais pendant quelques minutes on a l’impression d’être en phase avec tout, avant de s’évanouir…

Et on continue avec A SINGLE MAN de Tom Ford (USA 2010), avec donc Julianne Moore comme prévu et Colin Firth, prof d’Anglais renommé qui vient de perdre son amour dans un accident de voiture. Le film est le récit d’un homme qui effectue le deuil de l’amour, ou tente de le faire. Voila c’est tout, et c’est pas brillant tout ca ! Certes il y a des moyens, la photo est très belle, la direction artistique léchée, les costumes bien foutus, mais c’est le vide absolu dans la manière de mettre en scène cette histoire tristouille d’un homme fauché en plein amour. Même Julianne Moore est laide dans ce mélodrame falot, où pendant près de deux heures on va assister à des ralentis sur des corps d’hommes torses nus jouant au tennis, admirer des vêtements et contempler des lunettes haut de gamme. Le scénario est suivi à la lettre par un montage docile, l’interprétation est correcte mais sans plus, bref le film se suit gentiment pour les plus fleurs bleus d’entre nous, sinon c’est l’ennui qui domine. Il y a pourtant un jeune acteur que j’aime beaucoup, Nicholas Hoult, qui est ici très bon mais qui est loin de sauver le film de la mer stagnante et infinie d’ennui dans laquelle il navigue. Il ya malgré tout, et il faut le souligner, un magnifique  cadrage sur l’affiche de PSYCHO. Il dure dix-quinze secondes à tout casser.

Et pour finir, comme je vois que vous en demandez encore, sous vos applaudissements nourris voici qu’entre en scène CHLOE d’Atom Egoyan (USA 2010) !

Liam Neeson est sur le point de fêter son 50^e anniversaire quand il accepte d’aller boire un verre avec une de ses étudiantes, alors qu’au même moment sa femme (Julianne Moore) avait organisé une surprise party en son honneur dans leur maison commune. C’est pas vraiment la joie quand il rentre à la maison, Liam racontant qu’il a raté l’avion alors que Julianne a trouvé sur son iphone une photo de lui avec son étudiante. Elle décide d’engager Chloé, une prostituée, afin de mettre à l’épreuve la fidélité de son mari. Par un truchement de rencontres Chloé séduit le père comme prévu, mais aussi, tenez-vous bien, la mère et le fils ! Et sans tarif de groupe ! Julianne ne sait plus quoi faire, elle est à l’origine d’une situation qu’elle ne contrôle plus du tout, et toute sa famille menace de s’écrouler sous ses pieds…

Très bien écrit, bien interprété et avec des vraies idées de mise en scène à l’intérieur, qu’est ce qu’il vous faut de plus ? Une branlette au jardin des plantes avec Liam Neeson ? Je vous la mets. Un doigt dans la chatte de Julianne Moore ? Pas de problème. Et avec ca vous prendrez bien un martini dry, allumez votre cigare et accrochez vous, on est d’humeur perverse ce soir. Sorte de faux thriller érotique (rien à voir avec BASIC INSTINCT, rassurez vous) mais vrai film sur le désir, Atom Egoyan interroge la notion de fidélité à l’époque d’internet et du viagra, et le moins que l’on puisse dire c’est que ca décape. Ca décape tellement qu’au milieu des villes immenses, des gens en sont venus à confondre désir et amour, perdus dans ce qu’ils ont de plus stable, à savoir la famille. Entre relations croisées et jambes décroisées, que faut-il aimer pour garder son pré carré, où faut il se placer sur l’échiquier de la séduction pour garder l’être aimé au bout d’un an, de trois ans et de quarante ans ? Et le matin quand vous vous levez dans votre loft ikéa, avec quelqu’un que vous ne connaissez pas dans votre lit et dans le lit de votre fils, fils qui ne vous parle même pas ? La photocopieuse est elle encore le lieu privilégié des étreintes au bureau ? Autant de questions qui interpellent alors même que des prophètes visionnaires  parisien ou vaudou proposent des solutions clé en main pour concilier virilité et vie de famille, le tout sans ordonnance. Beaucoup de questions, et à l’arrivée la mort ! Les questionnements interrogent la morale, la morale n’a que faire de l’amour ou de la mort, y a-t-il seulement une différence ? Quand on baise on pourrait mourir mille fois, mille fois ressusciter dans d’autres draps, avec d’autres femmes, d’autres hommes. Tout est interchangeable, le plaisir est dans le changement, le changement est source de conflit,  le plaisir ne suffit pas, l’amour ne dure pas, la bite ne reste jamais dure longtemps, trop de choix, trop de questions, une seule réponse : CHLOE. 

Ne cherchez pas à comprendre quels éléments de l’enquête permettent de dire avec certitude qui a couché avec qui, le but recherché n’est pas celui là. Il est ici question de désir et de sensualité, d’une présence inexplicable de perversion dans les rapports entre êtres humains, toujours source d’étincelles. Ce sont ces étincelles qui allument les brasiers de la vie de couple et non les ordinateurs les villes ou les satellites. Le XXIe siècle sera sensuel et épidermique, quitte à en crever, nous voila rassurés ! On dirait bien que notre désir reste à inventer en fin de compte…

Norman Bates.

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