(Photo: "L'Âne et mes Treize Lunes" par Dr Devo.)

Pour sa deuxième collaboration avec le réalisateur Steve Mc Queen, Michael Fassbinder joue ici le rôle d’un sex-addict dont nos confrères des tabloïds se feront une joie de vous faire le détail de la panoplie. J’ai envie de dire, à chaud, à froid, comme vous voudrez, que c’est non pas la partie la plus faible, mais étrangement la plus implicite. On n’est pas du tout dans la complaisance de l’accro au porno de type compulsif, ou plutôt si, et même en phase terminale -et c’est évoqué quand son boss lui fait l’éventail de ce que l’on a trouvé sur son disque dur de boulot-, mais cette addiction recèle bien d’autres ressorts. Dans les grandes lignes, notre héros est quelqu’un qui a "les moyens" de vivre sa "perversion" : grand consommateur de porno en ligne et de professionnelles, on ne sait pas bien ce qu’il cherche puisqu’il peut se lever quasiment toutes les filles qu’il veut (dans le métro, ou bien la blonde que son boss voulait se faire au bar, ou bien sa charmante collègue) et dans la façon très routinière où cela nous est présenté, on est en fait pas très très loin de AMERICAN PSYCHO mais sans le psycho, ou avec un psycho plutôt modéré, avec juste un peu plus de sexe que le Michel Blanc moyen.

Nous expliquerons bientôt pourquoi nous nous attardons tellement sur les considérations psychologiques qui vont suivre, mais au fur et à mesure que l’intrigue d’avance, et grâce à l’introduction du personnage de Carey Mulligan (dont nous apercevons enfin avec bonheur la petite chatte épilée, pour ceux comme moi qui ont étés déçus par DRIVE, enfin, de ce côté-là … –des questions ?) le film prend définitivement les atours d’une thèse de doctorat, et révèle son sujet principal : "l’amour au temps du capitalisme". Et c’est toujours grâce à ce personnage de petite sœur envahissante que se définit un peu plus le motus operandi du personnage de Fassbender, notamment grâce à la scène absolument GIGANTESQUE entre le frère et la sœur de dos sur le canap, révélant littéralement le gouffre existentiel qui sépare les personnages. Notre héros est juste quelqu’un qui s’est assumé en tant qu’adulte, et qui compose tant bien que mal avec les contraintes du monde tel qu’il est. La recherche de la jouissance à tout prix, et ce sont les seuls moments véritablement compulsifs, le submerge bizarrement à chaque fois qu’il est dépassé, c’est à la fois un exutoire et une façon de reprendre le contrôle sur sa vie. Et c’est avec ce point préçis que nous entrons seulement dans le cadre de la perversion.

Car le sexe est aussi un espace de pouvoir et de domination. C’est là également où il faut rendre hommage aux qualités d’écriture du film. On dit que l’un des effets pervers de la pornographie en ligne, du fait de la position du spectateur, est de couper les liens avec la réalité, car par définition, cela n’existe que pour "satisfaire une pulsion" et l’on craint evidemment de fait que ce soit la capacité même de l’individu à vivre un échange qui ne soit définitivement amputée, ce qui rappellons-le, est un enjeu crucial du XXIe siècle (la déshumanisation, d’accord soit, mais au profit de quoi si ce n’est la marchandisation de l’individu) d’ailleurs la question du sens de l’union est soulevée, et ce en plein milieu du film, au moment de la scène de dîner entre Fassbinder et sa collègue. Jusqu’ici tout va bien comme dirait l’autre, si ce n’est qu’au moment de passer à l’acte, notre héros se retrouve incapable d’honorer sa compagne puisqu’il se retrouve dans un espace dont il n’a pas l’habitude, celui de l’échange amoureux donc, celui où l’on domine tour à tour, et là voyez-vous ça ne marche pas et il est tout perdu. C’est là que la mise en scène intervient avec brio : quand justement il se tape une professionnelle juste après le départ de sa collègue. On pourrait croire que c’est pour regagner confiance à ses propres yeux, certes mais pas seulement. Car il se la tape, certes mais pas n’importe comment, je dirais même : contre la baie vitrée, comme cette inconnue qu’il avait entre-aperçue un soir de jogging tandis que sa sœur se tapait son boss dans ses propres draps. Et là, tout s’éclaire, le pourquoi des grandes vitres la garconnière, louée originalement en vue de ses ébats avec sa collègue (c’est là où –il me semble- le film rejoint brillamment l’ANTICHRIST de Lars Von Trier, car finalement les personnages sont "existentiellement" tiraillés entre le vital et le superflu, sous sa manifestation la plus ultime, la jouissance) et implicitement l’actualisation d’un fantasme. Et ça, en terme de profondeur de caractérisation, de personnage, c’est sublime. C’est pour ça j’ai comme envie de me moquer un peu, en montrant comme ça du doigt LA DELICATESSE à l’affiche à côté, avec Audrey Tautou.

Une des critiques les plus immédiates que j’ai pu entendre à propos de SHAME, c’était alors que j’étais encore dans la salle, au moment du générique de fin, comme quoi la narration s’ancrait volontairement, et un peu trop, dans "l’implicite", et c’est à mon avis le gros problème de l’Art Contemporain en général, quelque chose qui pourrait même faire frémir notre bon Docteur, car c’est le "mystère poétique" même qui est en jeu. L’ Art doit-il être/devenir Dogmatique, ne serait-ce que pour faire la preuve "qu'il ne dit pas n’importe quoi' ? Je pense également à un tableau exposé au Musée d’Amsterdam, tout en écriture anamorphique, qui, frontalement ne laisse voir que des motifs abstraits, mais sous un certain angle laisse entrevoir son message : "IL N’Y A RIEN D’AUTRE A VOIR QUE CE QUE VOUS VOYEZ". Bien sûr pour quelques-uns, faire usage du registre contemplatif pour donner une pseudo-profondeur à leur ouvrage relève de l’opportunisme le plus abordable –mais c’est loin d’être le cas du réalisateur Mc Queen. A l’image de l’héroïne incarnée par Sasha Grey dans l’avant-dernier Soderbergh, THE GIRLFRIEND EXPERIENCE, où une prostituée tombée une fois encore dans le piège illusoire du Grand Amour se retrouve conformée dans ses choix de vie, SHAME retranscrit avec brio, par le biais semi-prétexte de l’addiction au porno, la transformation – et ce à son corps défendant (je répète) – d’un séducteur en prédateur, et j’insiste sur ce point, qui est logiquement ce que l’on pouvait attendre d’un tel sujet, si ce n’est, et bien, que ce ne sont pas pour les raisons que l’on croit.

Certes il y a l’insatisfaction, qui devient frustration et génère la volonté de pouvoir, aussi dans ses pires moments, notre héros en manque de compensation au regard de sa propre aliénation, finit par marcher comme "un Dieu Sur La Terre", à moins que ce ne soit comme le Diable (la scène du doigt dans la chatte, où vraiment Fassbender laisse entrevoir son gros potentiel luciférien) ou bien comme le Père des Dieux Grecs, habité par une fringale gargantuesque : backroom homo, puis deux nanas en même temps. NB : Dans les deux cas, ne pas perdre de vue la tendance dominatrice du sujet, et en même temps la prise de conscience de la vacuité de sa jouissance, jamais au bon moment, jamais au bon endroit, jamais comme qu’il voudrait, bref, de  son propre cercle vicieux –mais c’est le "fardeau" de l’homme moderne n’est-ce pas, toujours trop loin, ou bien trop près de l’objet de son Désir. Et bizarrement, encore une fois, c’est au moment où il est dans la dispersion (le superflu) la plus totale que le vital se rappelle à lui, par le biais de sa sœur (attention spoiler, oui mais non c’était juste pour refaire à nouveau un parallèle avec ANTICHRIST. J’arrête là, on va croire encore que je fais trop mon malin). Mais par contre, dans ses bons moments, et bien notre Héros est obsédé non pas par le Sexe, mais par l’Amour, le Grand, le Gros, le Fusionnel, mais pour réaliser hélas, et c’est toute la trajectoire du film, que c’est un fantasme "comme un autre", et pour le prouver, le film s’ouvre et se referme sur les deux mêmes personnages : lui, et une inconnue, dans le Métral.

L’inconnue, fringuée comme elle est, renvoie à cet idéal doucereux-mode de la Bohème, et notre Héros qui lui est déjà un peu comme dans la chanson GRACE (des questions ?) de Jeff Buckley la désarme quelque peu en lui proposant le Grand Saut (pas celui-là, l’autre. Celui dans le Vide) malheureusement il (spoiler). Quand il la retrouve, ce n’est plus le même idéal, c’est le modèle institutionnalisé (avec plein de baleine morte sur la figure –c’est déstabilisant, je renvoie à ma description du début, on pouvait quand même espérer une Amoureuse De La Nature) y compris avec le Kit sur un doigt, et cette fois toute prête pour La Grande Ballade. Notre héros entre-temps a lui aussi bien changé, et grâce à l’intérêt du réalisateur pour l’éventail des expressions faciales de son comédien tout au long du film, on comprend tout à fait ce qui lui passe par la tête. Comme le dit Umberto Eco dans son livre LES LIMTES DE L'INTERPRETATION, pendant en quelque sorte de son best-seller des Facs L'OEUVRE OUVERTE : "s’il y a bien quelque chose qu’on ne peut pas faire dire à un film, c’est ce qu’il ne dit pas." et nous parlions d’implicite tout à l’heure, le seul passage  vraiment martelé dans le film, où l’on aperçoit donc un peu de porno, c’est quand le héros se débarrasse de ses revues, et c’est filmé comme les prises de drogue dans REQUIEM FOR A DREAM.

Etonnant non ?

 Nonobstant2000.

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[Photo: MENSONGES ! par Norman Bates.]

Une famille américaine modèle, Papa, Maman et Brendan Fletcher dans la cuisine pour le petit déjeuner. Ca va fiston aujourd’hui ? Encore du jus d’orange ? Tu quittes quand la maison ? A ce soir mon chéri. Bonne journée papa-maman, c’est ça, à ce soir, on en reparlera.  Explosions, massacre, dégoût de la race humaine et bienvenue sur Matière Focale.

Alors oui Uwe Boll, certes, et un sujet gravissime : la société menacée par son plus parfait représentant, sans qu’on ne puisse rien y faire. Brendan Fletcher, famille moyenne et bien intégré, blanc, vivant encore chez ses parents à 26 ans, victime de l’ennui harassant d’une société fast food monotonique qui se résume à Vis, Consomme et Meurs en regardant Fox News, commande deux flingues sur internet, revêtit une armure cataphractique et solde son enfer quotidien avec un calme méthodique et une froideur glaçante. Certains jouent au Paint Ball, d’autres se déguisent en Zombies, ses potes s’indignent de la crise économique, lui cherche à massacrer le plus grand nombre de gens dans son centre ville un jour de semaine, entre le petit déj et le dîner en famille. Itinéraire d’un jeune normal.

Récit complet d’une journée à sécher la vie quotidienne, du lever au coucher. Caméra à l’épaule, filmé nerveusement style Spielberg dans ...LE SOLDAT RYAN les déambulations de Fletcher sont somme toute celle d’un jeune de son âge : se rendre au commissariat en camionnette, faire sauter le commissariat, marcher dans la rue, tuer les piétons, prendre un café, tuer le serveur, se rendre au boulot, tuer son boss, sortir dans la rue, tuer les piétons, aller au salon de coiffure, tuer les clients, etc... Monotonie on vous dit, comme ces vieux qui jouent au loto avec leurs gros feutres fluorescents alors que le monde prend fin devant eux quand s'égrène la litanie sans fin des chiffres tirés au hasard. C’est le thème central du film, ces vieux qui jouent au loto. La mort tout autour, ils notent avidement les chiffres qu’une speakerine déblatère ad nauseam, corps gris dans des vêtements trop larges, épaisse lunettes et les petits enfants le week end pour le barbecue. Au milieu du genre humain, le silence ponctué de numéros aléatoire et des bruissements des cases qui se remplissent. On ne peut pas définir la mort... on ne peut que l’approcher... et ceci définit notre présence humaine.

C’est comme dans l’album de Houellebecq, exactement la même chose. Tout disparaît au profit de l’informationnel ; bientôt le dialogue des machines remplira le cadavre vidé de la structure Divine, les gens se déplaceront courbé en silence avant de s’enfuir hors du monde. Une lente érosion de nos systèmes critiques, de nos moyens d’agir. Tous les combats se multiplient, l’humanité n’a jamais autant été célébrée : on organise des festivals pour guérir le sida, des lancers de ballons pour sauver des otages, le festif est devenu un animisme, tout comme la Terre. L’écologie triomphante remplaceras nos cadavres par des plantes, on s’indignera de tout en allant faire la même chose que les autres ! Dans le fatras d’informations émergent quelques data sensibles : des chiffres qui rempliront des grilles. Tout existe, tout à lieu, tout est phénomène. Sortir les flingues c’est une manière rassurante de se constituer une individualité en marge de celle des autres, de s’échapper du courant pour trouver un chemin unique. C’est une démarche existentialiste au même titre que de violer des enfants ou faire le tour du monde en voilier ; explorer des territoires inconnus quand tout est cartographié, que tout l’espace est rempli de médias informatifs, d’informations en direct et de chiffres aléatoires.

La mort même est partie intégrante du processus. Un mec armé peut faire descendre le chaos sur Terre dans ton centre ville, avec internet et une solide condition physique, un plan bien préparé s’il sort de nulle part assure un succès immédiat. Il faut juste choisir en se rasant le matin si on va travailler ou tuer 100 personnes. Le ciel est dégagé, les conditions météo agréables pour un automne bien que le ciel soit grisâtre, le taux d’humidité stagne dans les 60%, tous les gens veulent rentrer chez eux ce soir, en famille. C’est une affaire de chance et de hasard, et surtout être bien méthodique. Il ne s’agit pas d’un jeu ou d’être célèbre, c’est une occupation. Il n’y a pas de motivation particulière (les jeux vidéos, la politique, la télé ou la musique), non juste combler du vide. Il n’y a aucune revendication, aucun message. C’est pas une angoisse... c’est pas métaphysique... c’est la fin de l’Homme... il y a un alignement, un axe qui va de l’arme à la cible en passant par l’idée.. c’est horrible ce qu’il se passe non ?

Conçu comme un one-shot brut de décoffrage, RAMPAGE est le film le plus épuré de Boll ; pas d’effets débiles ostentatoires, pas un scénario qui part dans tout les sens, juste une idée et une caméra, et plein de choses à tuer. Bon c’est pas très bien foutu, les acteurs vont du convenable à l’épouvantable, mais le film est cohérent, et d’un seul bloc il exprime toute la frustration d’un gamin. La narration est même plutôt surprenante car l’intégralité du film est dévoilée dans les 3 premières minutes : tout le métrage ne sera qu’une redite constante, l’infernale répétition d’un plan parfait fruit d’un calcul méthodique assené avec calme et froideur. En fait on à l’impression que toute la mise en scène, tout le dispositif peut s’écrouler à tout moment, comme l'entreprise de Fletcher. C’est ça l'intérêt du film, ce qui fait qu’on ne sait jamais ou on va. Cette fragilité comblée par de la haine, qui conduit à choquer à tout prix, certes, mais à faire du cinéma quand même, au mépris de tout bon sens. Le film met en danger le spectateur, c’est pour ça qu’on est là. Pas de psychologie, pas d’explications, pas de morale, c’est une volonté versus un mur inébranlable et le spectacle de l’agonie d’une société mortifère. La créativité est morte quand on l’a proclamée, et loin de s’avouer vaincu Boll balance tout ce qu’il a dans une entreprise insensée et de mauvais goût, mais une entreprise qui suinte le désespoir et la sincérité. Un film malade, chaotique, qui a l’extrême horreur de ne se révéler n’être rien de plus qu’un film. C’est pas du Wim Wenders, c’est Luchini à l’île de Ré. On vous vend pas les grands espaces ou l’aventure, on vous met le nez dans votre banlieue bourgeoise ou il ne se passe jamais rien, et on vous tire dessus aléatoirement ! Gratosse ! Zéro espoir mon pote ! Le bon numéro, c’est tout... La grosse déglingue en somme.

Un film prémonitoire.

Norman Bates.

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[Photo: "La Droite du Christ Notre Sauveur" par Dr Devo, d'après une photo du délicieux Philipe Genion à travers lequel nous saluerons le peuple belge.]

C'est marrant, la vie, et c'est même "chouette" (en français dans le texte), comme disait la poète. Souvent, on se ballade la truffe au vent, en marchant à un bon rythme et en inspirant l'air de cet été indien qui n'en finit plus. Le sang coule bien dans les veines, le temps est devant nous. Une stagiaire bougrement exotique vient alors, sans qu'on ait encore ouvert la bouche, vous servir un verre de zizi-coincoin bien frais comme il faut, en calant vos coussins sur le grand canapé de cuir tanné (de l'école de Stradford, s'il vous plait!) sur lequel vous assoirez votre auguste fessier dans quelques minutes, afin de regarder un film dont vous tirerez une merveilleuse critique. Ce sentiment d'œuvrer au bien de l'Humanité tout en appartenant à l'Elite Divine est bougrement épatant, voire grisant.

Tout est possible, vous savez.

Et puis, presque par négligence, vos yeux se posent sur le dernier "film" français du moment. Une histoire de bébé et de scanner. "Cinéma exigeant et populaire", "ode pudique jamais voyeuriste", "cinéma plein d'humanité". Là d'un coup, il y a comme un frémissement dans l'air, une onde. Les oiseaux se taisent, les fauves se cachent mais sont prêts à bondir. Un discret renvoi gastrique vient vous léchouiller les amygdales. Une pulsation s'installe aux commissures.

Le geste est élégant car on reste gentleman, et dans un grand mouvement ample, notre trench-coat virevolte, harmonieux comme un lied de Wagner. En moins de deux secondes, je plante une cigarette, délicatement, entre mes lèvres et l'allume en faisant pivoter la tête du zippo avec deux doigts seulement, tandis que de l'autre main, un geste précis mais généreux me permet de dégainer le lance-napalm qui déformait à peine ma poche-revolver, et j'appuie, j'actionne, je pulvérise la gâchette (réglée la veille en position 3,5 aussi appelé "réglage mi-dur") qui cède précisément, répercutant ainsi la virtuosité de ma Justice sur le pauvre monde souillé. La réalisante n'a pas le temps de dire "Pitié" que déjà elle voit sa peau cloquer comme une vulgaire brûlure d'acide sur le bras d'un nourrisson sain. Le plaisir des choses simples me pousse ensuite à ne pas l'achever, mais à la laisser déambuler comme un pantin grotesque sur le parvis de la cathédrale, où son spectacle simple, juste et vulgaire édifie la plèbe. La seconde impulsion, plus large, en choral "bachien" en quelque sorte, condamne de la même manière comédiens et production, enfin réunis dans cette grande orgie des corps, ce peau-pourri de fleurs brûlées qui auraient pu, s'ils ne souffraient pas autant, leur rappeler la proximité de leur corps lors de la partouze de fin de tournage du dernier Christophe R. Une odeur de steak bien grillé sauce saignante, emplie les naseaux d'une foule qui fait "Oh" autant par surprise que par respect. Parmi eux, ceux qui ont vu le film se précipite sur les gendarmes pour emprunter leur arme de service (ou sur la boite à couteaux des restaurateurs alentours), et se suicident direc', d'une balle ou d'une lame dans l'œil, le canon ou le couteau suivant un angle d'un 40 degré expert qui n'épargnerait aucun cerveau qui voudrait résister au châtiment.

Les enfants pleurent de joie et applaudissent en frottant leurs deux paumes potelés  dans un geste hystérique. Pour eux, c'est la double-ration de dessert. Ils portent tous un t-shirt "Not In My Name". Enfin, bouquet final, ma deuxième entité, patriarcale celle-là, fait pleuvoir une fine pluie de merdre sur les suppliciés qui avant que leur cerveau ne s'éteignent visualise les mots "je pue". Ceux qui auraient voulu demander pardon ne le peuvent plus. Tout le monde est mort. Applaudissements.

Pendant ce temps-là, L'Etrange Festival propose des films, et pas seulement des récents puisque nous voilà, Norman et moi coincés, devant ALONE IN THE DARK, le film de Jack Sholder (et non pas l'homonyme création de Uwe Boll), présenté ici en copie 35mm, la classe, ce qui nous fera dire qu'on a fait déjà le bon choix. Les couleurs ne vont pas tarder à tourner, et qui pourra dire ce que sera cette copie dans un an ou deux. Sera-t-elle encore projetable? De fait, sans doute est-elle américaine ou anglaise comme le suggère l'absence de sous-titre.

Dwight Schultz (le Looping de L'AGENCE TOUT RISQUE, la série) est un jeune docteur qui s'installe en ville afin de travailler avec le Docteur-Psychiatre Donald Pleasance qui, comme son jeu l'indique dans une belle métaphore "à la ville/ à l'écran", utilise des méthodes peu orthodoxes pour soigner les malades mentaux dont il a la charge, dans sa clinique. Dans cette maison de fous qui rejette la médicamentation à outrance et compte sur le libre-arbitre des patients qu'on ne considère jamais comme inférieur (méthode un peu hippie, quoi!), rien ne se passe comme ailleurs. Seule concession faîte à l'académie de médecine par le Dr Pleasance, les patients potentiellement dangereux sont logés au dernier étage, et celui-ci est "bouclé" électriquement pendant la nuit pour éviter les bavures. Parmi ces patients, on trouve Martin Landau, une espèce de prêcheur, et Jack Palance ancien militaire, très tourmenté. Ces deux derniers sont persuadés que Dwight Schultz a tué le psychiatre qui officiait là avant lui. Schultz les rassure, mais nos joyeux malades ont déjà décidé d'agir et de se venger. Et ça tombe bien car ce soir, il y a de l'orage, les plombs sautent, et avec eux la sécurité électrique ! Le bain de sang peut commencer…

Présenté sous le nom DEMENT (c'est le titre français sur IMDB également), ALONE IN THE DARK est un petit classique des années 80 réalisé par le futur metteur en scène du sympathique (dans mon souvenir car je ne l'ai jamais revu) de THE HIDDEN.

Du slasher (enfin, du meurtre) bien tordu, des fous en libertés, un casting hallucinant et inattendu (enfin pour Palance et Landau au moins), tout cela fleure bon le film de série B des années 80. ça peut être rigolo.

Le film commence en effet sur une très belle scène onirique, très bien découpée et joliment cadrée et éclairée. En trente secondes et un plan, on sent le décalage: un ton relativement sobre, une jolie mise en scène disais-je, contrebalancés par un Donald Pleasance très extraverti (ou "qui n'y vas par le dos de la grosse cuillère" si vous préférez). Voilà qui marche à fond, me dis-je. Puis le film démarre et curieusement c'est encore une autre tonalité qui se déploie. La mise en scène est plus brut de décoffrage en quelque sorte. C'est direct, sans fioriture, ça ne cherche pas à faire du beau. Là aussi, c'est du rentre-dedans eighties. Moins léchouillé que l'intro si vous voulez. On découvre alors l'asile. L'association Schultz/Pleasance fonctionne très bien, le bon docteur Donald étant à peine plus sobre que dans la séquence de rêve face à un Schultz très premier degré, en contraste donc! La présentation des personnages est très didactique mais a le mérite d'être drôle et de mettre à jour les monstres sacrés Landau et Palance sous un angle différent de ce qu'ils font habituellement. Bien joué.

Du côté du ton, c'est assez étonnant. L'asile est montré de manière un peu loufoque, mais sur un ton un peu pince-sans-rire. Souvent Pleasance ou quelques autres (l'incroyable surveillant noir!) poussent un peu leur jeu sur le devant de la scène alors que dans l'arrière-plan, Sholder n'hystérise pas le contexte, plutôt normal si on veut. Il en ressort un joli effet de contraste, d'autant plus que la folie est présentée sans avoir l'air d'y toucher, mais sur le mode "entonnoir sur la tête". Elle est assez absurde, plus proche d'un décalage à la Lewis Carrol ou à la Monty Python (bon façon de parler, hein ! A l'anglaise disons. On verrait bien Eric Idle débarquer là-dedans) que les grands numéros cinoques à l'américaine. De ce fait, il se passe souvent des trucs sympas chez les figurants, à l'image de cette classique partie de criquet "inversé" ou de la répartie non-sensique de la fausse secrétaire (que Pleasance nourrit, la réaprtie, suivez un peu, dans une belle explication!). En bref, les personnages principaux peuvent parler psychiatrie au premier plan quand derrière un malade marche à reculons et se prend un lampadaire dans la chetron, c'est rigolo.

Voilà ce que j'appelle un bon petit savoir-faire. Avec peu de moyens, Sholder arrive à faire décoller sa petite entreprise sans soucis, grâce à une écriture maline, des comédiens qui n'ont pas l'air de s'ennuyer et une mise en scène relativement carré. C'est évidement le bon calcul. Le ton de guingois fait le reste.

ALONE IN THE DARK ne peut pas vraiment être comparé au beau LA NUIT DES VERTS GEANTS (oui, je sais, ça fait mal! Vive le distributisme français!) de Jeff Lieberman qui était une espèce d'épure très sèche du film d'horreur classique, avec quasiment plus rien (presque pas de dialogue par exemple) de superflu et de la mise en scène, de la mise en scène, de la mise en scène. Ici, la réalisation est plus terre à terre, et on ne peut pas dire que ALONE... soit sobre et épuré! Mais il y a en quelque sorte la même volonté de ne pas être du tout là où on l'attendrait, et, sans le renier, ce souhait de retourner le cadre du genre et faire les chose à l'inverse de la concurrence.

Ici, malgré la trame qui porte à sourire, et même le provoque (la situation est assez improbablissime) et l'humour incisif et décontracté, il finit par se dégager quelque chose d'assez glaçant et donc de plutôt indéfinissable que je subodore être rendu possible par un grand sentiment de liberté justement, ou plutôt même d'inattendu. Ce sont des choix discrets de mise en scène qui permettent la chose et qui rend le film assez indéfinissable pour un slasher qu'on attendait de base en plus d'être sympatoche. Ainsi (bonanga), Sholder perd par moment volontairement ses vedettes et pendant une bobine nous sommes sans nouvelles de ce porc de Pleasance (c'est juste pour le jeu de mot!), Landau et Palance (ce qui est assez croquignolet par endroit puisque cela permet de donner de la place à des personnages tout à fait anecdotiques et drôles comme la baby-sitter, la femme de Schulltz, et l'improbable voisin (tous joués de manière rigolote et dynamique, mais attention quelquefois au tractopelle). On s'attarde donc sur ces gens sans trop savoir pourquoi. C'est d'ailleurs dans ce type de séquence qu'on a les scènes les plus zarbies qui lui donne une drôle de petite trogne, au slasher. Le meurtre de la baby-sitter notamment vaut son petit pesant de cacahouètes: un couteau qui frappe au hasard en perçant le sommier d'un lit, façon dents de l'amer, et la jeune fille criant à qui mieux-mieux mais restant sur la surface ainsi définie par le jeu (le lit) alors même qu'elle pourrait gambader et fuir! Il y a aussi peu de musique, chose bizarre qui rend très bien. Et enfin, on peut également signaler l'absence de discours organisateur et moralisateur. ALONE IN THE DARK renvoie gentiment dos à dos les personnages de sa petite société. Les personnages sont souvent très sympathiques même dans leur pire accès de bêtise, et Sholder joue à fond la carte du détournement de convention, sans s'en vanter d'ailleurs (exemple: les meurtres drôles et stupidissimes des deux personnages noirs du film). C'est aussi un point commun avec le Lieberman de AU SERVICE DE SATAN (Toi aussi, tu es dans la région et tu cherches un titre débile et des filles sexy? Envoie "titre con" au 6-10-10 et des distributeurs de films professionnels s'occuperont de toi) dont on préférera le titre original SATAN'S LITTLE HELPER, à savoir le regard amusé sur une société qui s'atomise malgré les meilleures volontés du monde, et une ambiance bonne enfant qui n'empêche en rien d'ailleurs la délivrance au spectateur d'une bonne dose de suspens et d'angoisse. [Ce qui me fait penser qu'il faut que je vous parle de ZOMBIE OF MASS DESTRUCTION un de ces 4, un petit machin très social et assez rigolo qui vient de sortir en dividi.] Voilà qui donne au passage envie de revoir LA REVANCHE DE FREDDY, secondes aventures de Freddy Kruger, également réalisé par Jack Sholder et considéré injustement comme un des pires de la série.

Bref, ALONE IN THE DARK que je loupais lamentablement à l'époque des vidéoclubs et des boitiers thermoformés fut un très bon moment de cinéma populaire et bien fichu. Sa programmation dans la section "pépites de l'Etrange Festival" était une très bonne idée, et je me réjouis encore d'avoir pu profiter de ce qui est peut-être son dernier passage en 35mm sur le sol français. Il est très net que si je trouvais cette copie sous le sabot de Bourriquet, je programmerais tout de suite la chose dans une soirée BCMG dont j'ai le secret ! Car, ALONE... est un film comme on les aime: pas du tout cynique (comme les films de djeunz et d'horreur à la PIRANHA 3D), bien mis en scène sans fioriture, un vrai suspens, un réel sens de l'absurde et une authtentique sensation de liberté qui sent bon la tartiflette. Il ne faut pas non plus surévaluer la chose, mais ALONE... est un film qui bosse, sans donner de leçon ou rouler des mécaniques. C'est généreux. Ça nous change un peu, surtout quand on vit 30 ans après, et de l'autre côté de l'Atlantique. Cf. plus haut. On ne doit pas, mes concitoyens professionnels du cinéma et moi, avoir la même conception de l'humilité et de la pudeur. Et du cinéma bien entendu. En tout cas, une chose est sûr: il y a ceusse qui causent de cinéma et clament sur tous les fronts comment on doit le faire, et comment il le font super-bien (modestes en plus!), et il y a ceusse qui en font! Comme disait le général, "choisis ton camp, Camarade!"

Dr Devo.

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Le message est en demi-teinte, l’information s’est répandue, le mot est passé : l’équipe de Matière Focale parcourt avidement les marches du palais souterrain du sacro-saint des festivals. Des yeux partout, des oreilles dans tous les coins, la truffe humide, on cherche la pépite, de séance en séance, de salle en salle, au gré des rencontres et des célébrités underground. Souterrains mais lumineux, nos égarements nous mènent aux confins les plus reculés du cinéma, là ou les programmateurs de l’étrange sont allés dénicher LE film qu’il faut voir en ce début d’année, à l’autre bout du monde aussi bien qu’en Belgique, au péril de leurs vie et même quand la société s’y oppose. On poursuit nos égarements et depuis MEAT il s’est passé des choses, dans l’ombre, sur d’autres réseaux avec d’autres acteurs. On laisse un instant le Dr Devo avec ses groupies hystériques pour se pencher sur ni plus ni moins que la résurrection de la HAMMER et la Fin Absolue du Bon Goût.

WAKE WOOD, le réveil dans les bois, ou comment passer de l’horreur gothique à l’ancienne à un cinéma prenant place dans l’Angleterre (Irlande) de Cameron en plein exode rural, sur fond de HAMMER nouvelle qui tente de ressortir de la forêt avec du bois vert. Nouvelle ambiance mais même volonté d’en découdre avec le classique de l’horreur, ici les mythes druidiques  celtiques d’un village rural bien comme il faut, avec gentil maire protectionniste et gentille mère protectrice. Quand la petite fille meurt, c’est vers des coutumes millénaires et des rites païens que le jeune couple se tourne pour faire revenir l’être aimé.

Si on pense évidemment à THE WICKER MAN ou à SIMETIERRE dont il n’emprunte pas que la thématique, le film se démarque légèrement des ces références pour nous la jouer nouvelle donne : Alice porte un ciré jaune et elle n’est pas contente, les rites ancestraux se font à la bouse et la résurrection de la HAMMER ne se passe pas comme escompté. Classique dans son scénario, se voulant moderne dans son approche, le film n’arrive guère qu’à faire frissonner à de très rares occasions, principalement au milieu du métrage quand Alice ne sort pas de répliques ratées du style "Viens faire un câlin à Maman" à la lisère d’une forêt mal éclairée. Passons sur l’introduction désastreuse à tous points de vue où l’on sait dès la première image ce qu’il va se passer et où l’on nous le montre, avec force musique et montage alterné vu approximativement dix mille fois, une scène se concluant sur un accident atrocement hystérique, sans doute pour pallier au manque de moyens. Par la suite, le cadrage se fera plus intéressant avant de sombrer totalement vers la fin, le réalisateur étant manifestement perdu et ne sachant pas vraiment  sur quel pied danser. Le film aurait gagné en étant moins long, en commençant directement sur l’accident et en conservant le mutisme mystérieux d’une petite fille diabolique… On sort vite de la salle, et pendant que je laisse le Dr Devo aux mains sulfureuses de Boyd Rice, je m’envole pour le Japon.

J’atterris devant MILOCRORZE, ovni qui me conduit très loin dans le mauvais goût japonais puisqu’il me sera infligé pendant une longue heure et demie les déambulations fluorescentes et atemporelles d’un héros kitchissime tour-à-tour conseiller en drague, samouraï en Fuji-pyjama et grand enfant au cœur brisé. Le film ressemble à un épisode des Télétubbies ou à une émission de télé-achat, je ne sais pas vraiment. J’essaye de suivre une  narration plutôt intéressante faisant fi de tout repères temporels à grands coups de flash backs en escalier (des flashs backs dans d’autres flash backs si bien qu’on ne sait jamais quand on se situe) et de raccourcis absurdes (on suit une action qui en croise une autre qu’on suit alors avant de revenir au bout d’une heure à l’action initiale), bref mes yeux saignent un peu mais je suis maintenu en hypnose par des scènes de danses entrecoupées de film, l’EXPERIENCE se passe, tantôt conte pour enfant, tantôt nanard assumé pour fana d’anim' japonais, c’est pas vraiment désagréable au début, plutôt original, mais rapidement l’expérience devient insupportable…

Insupportable car toutes les bonnes idées sont abandonnées manu militari au bout de 40 minutes pour faire un film de sabre façon KILL BILL pour mongolos, assaisonné à grands coups d’effets After Effects et d’incrustations infographiques laidissimes. C'est insupportable car la narration et l’absurde laissent place à un récit linéaire et ultra-cliché du pauvre héros énamouré qui cherche sa fiancée tout en devenant plus sombre et adroit, le tout sur une insupportable musique pop japonaise. Bref je sors de là avec le cerveau en bouillie, la vague sensation d’avoir mangé trop de barbe à papa et d’en être écœuré pour la vie.

Le monde souterrain paraît bien fade après avoir subi une heure et demie de cauchemar épileptique, et alors que les allées du festival se vident et redonnent au silence la place nécessaire à l’intériorisation et à la paix intérieure, j’émerge peu a peu du cauchemar au milieu des derniers nazis et me dirige dans les venelles obscures à la recherche du Dr Devo….

A suivre.

Norman Bates.

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[Photo : "La peur à changé de camp", d'après le merveilleux site http://meracontepastaviedanslejhm.tumblr.com]

Le cauchemar d’un critique. Devoir écrire un article sur un film dont on a pas grand chose à dire, parce que votre rédacteur en chef vous oblige à le faire vu que c’est le distributeur qui nous a envoyé le DVD.


Regarder le film, consciencieusement, faire attention aux détails, se forcer. Arriver à la fin du film, pas forcement déçu, ni complètement emballé,  la sensation d’avoir passé un moment un peu douloureux, comme un cauchemar qui vous condamne à revivre les mêmes scènes indéfiniment. Regarder avec soulagement partir le générique, comme enfin sorti de l’enfer.


Cet enfer, pourtant, à un petit goût de paradis. Histoire de jeunes gens partis faire du bateau en une magnifique journée ensoleillée dans un paysage paradisiaque qui se retrouvent aux prises avec une tempête mystérieuse, chavirent et se voient secourus par un cargo fantôme rempli de Melissa George.


Le cauchemar d’un critique. Devoir écrire un article sur un film dont on a pas grand chose à dire, et recommencer plusieurs fois, sans jamais réussir à trouver comment parler de ce putain de film, parce que votre rédacteur en chef vous oblige à le faire vu que c’est le distributeur qui nous a envoyé le DVD. Merci pour nous monsieur le distributeur, maintenant je veux bien recevoir le DVD du nouveau Carpenter, merci.


Regarder encore le film, consciencieusement, faire attention aux détails, se forcer. Arriver à la fin du film, toujours pas bien dans ses pompes,  la sensation d’avoir passé un moment encore un peu plus douloureux, comme un cauchemar qui vous condamne à revivre les mêmes scènes indéfiniment. Regarder a nouveau avec soulagement partir le générique, comme enfin sorti de l’enfer. Un enfer semblable mais différent dans le sens ou on a essayé d'insuffler un nouveau mouvement, abordé d’un autre axe le film pour s’en sortir.


Melissa George regarde Melissa George monter dans son cargo de culpabilité, hanté par un acte décisif. Le même enchaînement se reproduit tout le temps, avec les mêmes personnages. Elle, cherche une faille qui lui permettrait d’esquiver. Est ce qu’on peut esquiver la culpabilité ? Est ce qu’on peut se décharger du poids de la conscience ? Aurait-elle du prendre le taxi plutôt que le bateau ?


Prendre une décision.


Le cauchemar d’un critique. Le film se déroule sans toi, mais tu DOIS écrire un truc. Choisir un axe. Prendre un fusil. Tuer ou empêcher de mourir ? Le réalisateur et le critique. Deux chemins qui se croisent un moment, un accident qui arrive. Alors tu remets le film, pour essayer de comprendre ce qu’il s’est passé.


Regarder encore le film, consciencieusement, faire attention aux détails, se forcer. Il y a une lumière saturée, des plans géométriques, un montage en A+B+A’+B’+A”+B” à n’en plus finir, des perspectives déprimantes, un labyrinthe dans la tête, à vous rendre fou. Les mêmes plan reviennent, les mêmes têtes, les mêmes acteurs qui font toujours la même chose. La musique un espèce de bruit, de bourdonnement continuel, des cris hystériques. Faut le vouloir, faut l’endurer TRIANGLE. C’est pas facile. C’est un cauchemar de critique, toujours le même film, qui ne s'arrête pas, dans les limbes, piégé, comme un Sisyphe vu que le bateau s’appelle Eole.



Regarder a nouveau avec soulagement défiler le générique, comme enfin sorti de l’enfer. Le choix à été fait, la dynamique débloquée. Enfin. On respire. On voit d’autres horizons, un autre paysage, un enfant qui joue.


Jusqu’au prochain accident.


Le cauchemar. Recommencer son article. Il n’y a aucune solution. L’horreur la plus terrible c’est l’impression de liberté. On croit fermement que l’on peut s’en sortir, qu’on peut changer le destin, tout refaire sur une île. L’horreur parce que c’est impossible. On est en enfer. Tous les choix sont annihilé, toutes les perspectives sont fausses. Comme dans ces gravures d’Escher, vous savez celles avec les escaliers qui n’ont ni début ni fin. Il n’y a plus de fin ni de début dans la souffrance. La souffrance c’est une dimension de douleur. Chaque acte vous fait regretter d’être en vie. Pourtant vous ne pouvez pas mourir. Chaque décision est un point qui est relié à un autre point qui est relié à vous. Comme un Triangle, comme une Trinité religieuse mais aussi comme un équilibre infernal. Un équilibre qui renvoie à la plus grande solitude : il y a des jugements qui sont irréversibles, quoique l’on puisse en penser, quoique que l’on puisse faire pour se rassurer.


Le temps c’est une ligne, pas un triangle. Triangle est un film infini. C’est pas passionnant l’infini, c’est oppressant et étouffant. Chiant aussi.


Dans tous les cas, effrayant.








Norman Bates.

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[Photo : "Last night a nazi saved my life" d'après le film ANTICHRIST de Lars Von Trier.]

Dans les cieux immanents où trônent ceux qui président au devenir de la production cinématographique de ce pays, il y en a eu, un jour, qui se sont dits que les films de genre ça serait quand même une bonne idée d’en faire chez nous en France, avec du lait cru et du bon pain. Ils se sont dits pourquoi sortir un Carpenter ou un Argento alors qu’on peut le faire nous même avec Zoé Felix et le frère de Gad Elmaleh ? On mettrait en plus un contexte politique, comme la misère dans les Balkans et les mafias qui pullulent là bas, le tout sur un scénario bourré de cliché où des médecins du monde se retrouvent à partager le même chiotte enfermés au fond d’une foret moldave et où la population, quand elle n’est pas occupée à se taper des cochons ou a faire des gueules de trois pieds de longs parce que la misère et la guerre, capture des gentils français pour leur extraire leurs organes. Ils se dirent ça, et ils le firent.


Ils firent l’Homme occidental névrosé et la Femme forte libérée et ils virent leur succès. Ils firent la même chose qu’ailleurs et ils le dénaturèrent ; ils firent les chemins obscurs à travers la foret quand la route principale était bloquée, ils firent le trauma d’enfance et ils le ré-utilisèrent pendant 1h30, ils firent la peur qu’on finit par vaincre, ils firent la petite fille innocente qu’il faut à tout prix sauver, ils firent le gentil looser marrant qui meurt en premier, ils firent l’Autre à coup de griffe et de cris bestiaux, ils firent tout ÇA et ils se sont félicités que ÇA marche. Mad Movies à aimé.


Et ils auraient eu tort de ne pas le faire ! Vu qu’ils avaient eu raison de la concurrence, que les Carpenters, les Romero ou les Argento étaient cantonnés à des sorties DVD dans l'indifférence générale,  que débarrassés dans les salles des quelques poils à gratter qui cherchent à faire des choses nouvelles et originales  ils ont ouvert un boulevard aux DJINNS, MARTYRS, A L’INTERIEUR, CAPTIFS, LA MEUTE, LA HORDE, VERTIGE, MUTANTS, FRONTIERES, SHEITAN, ILS, CALVAIRE, HAUTE TENSION, HUMAINS et j'en passe, tout ces films sortis en salles en au moins 70 copies, financés par le CNC, dans ce qui devrait être une distribution normale pour film de genre lambda. Résultat tout le monde en France est content, on a du film de genre bien de chez nous qu’on peut montrer au marché du film de Cannes, une nouvelle scène, des films qui marchent moyen et que la presse aime moyen mais c’est pas grave, tout le monde rentre dans ses frais. A chaque fois la même recette, la même “french touch”, des films unanimement reconnus comme peu originaux (!) mais qui font bosser l’industrie et remplissent le cours Florent... A la base j’ai rien contre eux, mais qu’ils aient au moins l'honnêteté de se battre à armes égales ! Sortez un Don Coscarelli en face de DJINNS ! Sortez un Stuart Gordon en face de VERTIGE ! Et avec le même nombre de copie ! je vous promet que dans 10 ans on aura plus de VINYAN et moins de SHEITAN.


True story : j’ai pas mal voyagé dans les capitales européennes ces derniers temps, et à Londres je voulais aller au ciné, à Berlin je voulais aller au ciné, à Madrid je voulais aller au ciné, à Bruxelles je voulais aller au ciné, rentré à Paris j’ai loué des DVD. Il n’y a vraiment qu’en France qu’on considère le spectateur moyen suffisamment con pour payer 20 € le DVD d’un film que le reste du monde aura vu sur un vrai écran de ciné. Encore une fois je me bats pas pour une chapelle ou pour faire du name dropping de trucs hype que je serais le seul à avoir vu, j’aimerais juste qu’on donne le choix aux gens (violons).



CAPTIFS c’est dans la droite lignée des films cités plus haut : un scénario débile à souhait, des rebondissements vus mille fois, des acteurs totalement à la ramasse (y’a le fils de Gad “LA RAFLE” Elmaleh ! Comme si un seul ne suffisait pas !) mais le pire dans tout ça c’est qu’il y a des moyens. Suffisamment pour que l’image n’ait pas à rougir de la comparaison avec un film de genre américain moyen, il y a même sans doute de bons techniciens derrière, la direction artistique n’est pas infamante. Seulement le film reste désespérément linéaire et plat, même les mouvements de caméras n’ont aucune signification ; à un moment il y a une caméra qui tourne autour de Zoé Felix couchée, c’est un plan qu’on a déjà vu à peu de chose près chez Argento dans LE SYNDROME DE STENDHAL sauf que dans un cas la caméra ne fait que tourner et ne débouche sur rien alors que dans l’autre elle ouvre un gouffre immense, à la hauteur de la folie du personnage d’Asia Argento et marque une cassure nette dans le métrage. CAPTIFS c’est du copier collé, de la compilation, rien n’est réfléchi dans la durée. A force de se baser sur la REALITE pour effrayer les gens, le réalisateur oublie de faire peur. Ce qui est horrible c’est que la situation est réelle, les trafiquants d’organes existent, les médecins sans frontières aussi, la guerre aussi... tout ces éléments réalistes ajoutés les uns aux autres le spectateur devrait être terrifié, il devrait se dire ça peut m’arriver, ça arrive vraiment : c’est du cinéma du réel t’entends !

Et là on en revient à nos producteurs, on revient à la TV, à YouTube et aux médias dans leur globalité. Avec des images réelles on peut faire croire n’importe quoi, qu’on a tué l’ennemi numéro 1 ou que des hordes armées sont aux portes de nos chaumières. Si on regarde les scénarios des films français cités plus haut, à quelques exceptions près c’est tout le temps des évènements réalistes, souvent reviennent les banlieues et la campagne/l’étranger comme vecteur de peur. Comme si en France (je généralise grossièrement) on avait baissé les bras devant l’imaginaire, qu’on se rattrapait aux branches de ce qui fait vraiment flipper la populace. Les producteurs ne prennent plus de risques avec des symboles ou des évocations, il veulent de la violence-porno, du réel amplifié puisque les gens ont DÉJÀ peur. En France on a pas de Jason, pas de Freddy, pas de tueur masqué, pas de Leatherface, on a des flics dans leur banlieue, on a Marcel dans sa ferme avec son fusil et ses cochons, on a Ygor dans ses balkans qui découpe tes organes...  Et en fin de compte, ces films, de par leur interprétation totalement en décalage avec le réel ne font plus peur à personne ils entretiennent une vague peur commune, ils sont dérisoires, ils désamorcent une réalité. Mettre un acteur français du niveau de ceux qui jouent dans CAPTIFS aux prises avec des moldaves présentés comme quasi bestiaux c’est dans le meilleur des cas une parodie, dans le pire ça donne un espèce de truc insignifiant et inoffensif comme ici... En quelque sorte ces producteurs, ces réalisateurs en tombant dans le piège du réalisme ont perdus contre le réel, et c’est grave parce que l’art doit être le dernier bastion contre la communication, parce que si tout le monde baisse les bras, demain le monde entier croira à toutes ces conneries, les mass medias feront croire n’importe quoi aux gens, feront les élections, les tendances, l’actualité et la météo.


Comment ça c’est déjà le cas ?





Norman Bates.

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[Photo: "Honte Sur Vos Scalps" par Dr Devo, d'après une photo de MINUIT A PARIS de Woody Allen.]

HORS SATAN de Bruno Dumont (France - 2011)

Aimer si fort, si fort, que l'on va au-delà du sexe, de la mort, la petite et la grande, le microcosme des Flandres et l'omniprésence du divin. Un cadre apocalyptique pour la région préférée de Bruno Dumont, une terre désolée dans laquelle Dieu n'existe plus, dans laquelle la Nature est bleue, sèche, venteuse, berceau de l'homme et métaphore de l'âme.

Un vagabond qui campe. Une fille qui l'aide. Une relation forte, passionnelle, platonique, forcément. Des actes qu'on ne peut pas effacer et qui sauvent, un temps, un temps seulement. L'horreur est toujours dans les ténèbres des buissons.

Cinéaste du mystique, de l'homme animal, de la frustration, Bruno Dumont se terre encore et toujours, irrémédiablement, dans les tréfonds volontairement inexplorés de l'âme humaine. Si HADEWIJCH était un peu trop régi par son scénario, le réalisateur français a compris ses leçons et part tout à l'opposé. Une trame scénaristique mince mais importante qui n'est qu'un prétexte pour son film le plus austère, sans aucune concession à rien, Dumont s'enfonce irrémédiablement dans son modus operandi à la recherche de la grâce, de la sidération, de l'élévation.

Il connaît THEOREME de Pasolini par coeur. LE SACRIFICE de Tarkovski aussi. HORS SATAN est son film le plus fantastique, la magie suinte, expire, sort des bouches en une longue traînée blanche. Les démons hantent le monde, mais le héros, figure profondément mystique et terre à terre à la fois, pourrait être de l'un ou de l'autre côté. Il pourrait être les deux en même temps. Quelle importance. Il tue et exorcise. Et la fille, boule de sentiments qui "sent l'amour" parce qu'on lui en a trop pris, est son lien humain dans le monde. La mer est loin et on l'entend, les oiseaux sont rares dans le ciel, seuls existent le soleil et le souffle du vent. Et la magie. La magie.

Si le scénario semble mince en évènements dramatiques, l'évolution narrative est d'une redoutable intelligence, qui bouleverse profondément. Les actes de violence se déportent au fur et à mesure que va le film ; s'ils démarrent en étant éthiquement excusables, ils deviennent rapidement des résultats de la frustration, de la jalousie, relâchant une douleur trop longtemps contenue dans la nature. Présenté comme un film à sketches, des fermetures au noir indiquant un changement de chapitre implicite, les scènes primordiales, épidermiques se succèdent, dans un rythme tendu comme du cristal. Ce que Dumont fait avec le contre-champ, il doit être le seul à s'en préoccuper. L'émotion ne vient pas de la scène, du plan, le film est bouleversant à chaque point de montage, tous les regards ne faisant sens qu'une fois que l'on voit, ou pas, ce qu'il y a derrière.

Nous marchons vers rien, nous tournons en rond. Nous entendons la mer sans la voir, nous voyons les oiseaux sans plus les entendre. La question n'est pas de savoir s'il y a Dieu, c'est la vie qui est importante. Se sentir vivant, et courir, et hurler. Et s'élever, enfin.

TREE OF LIFE, de Terrence Malick (USA - 2011)

Le collier de perles de maman qui quitte lentement son cou lorsqu'elle se penche.

Un homme, dans la rue, a une crise d'épilepsie. Papa m'emmène loin. Je ne peux plus voir ce qui se passe.

Dans un beau jour d'automne, un mercredi peut-être, l'eau de la bassine que je tiens dans mes mains se reflète sur le mur.

Des nuages de gaz. Des petits, des grands. Une explosion, la voie lactée. Des volcans, des vagues, partout. Des méduses, des dinosaures, et je pleure. Je ne suis pas encore là. Une météorite me frappe de plein fouet. Je ne vis pas encore, mais l'impact est là, la douleur au plus profond de mon coeur.

Papa me dit qu'il va falloir que je sois fort. Que le monde, ce n'est pas pour les gentils. Qu'il faut en vouloir, tout bouffer. Il m'apprend à me battre.

Un de mes amis meurt noyé.

J'ai deux frères. Maman est sublime et je l'aime.

Les suburbs sont ennuyeux mais le soleil point toujours entre les arbres. Le cosmos... Le cosmos...

J'ai grandi. Je suis au Louvre, je suis derrière une caméra. Maman est toujours aussi belle.

J'entends les arbres respirer. Ils vibrent sous mes doigts, sous les coups de couteau que je leur assène sûrement. Les cailloux cassent des vitres.

Je n'ai pas de scénario et je m'en fous. Je vis. J'essaie de vivre. Je suis grand mais je suis toujours un enfant, à qui on a donné la clé qui ouvre la porte des souvenirs. On m'a laissé faire ce que je voulais. Enfin. Je peux enfin faire ce que je veux.

Papa me force à l'appeler Père. Je ne peux pas. Devant lui j'essaie, et je le déteste. Papa.

Ce que je filme s'évanouit tout le temps. Mes images se bloquent sur les visages et s'envolent, toujours, parce que mes souvenirs sont abîmés, ils ne sont pas entiers. Subjectifs. Comme la nature qui fait ce qu'elle veut. Je filme le ballet de ma mémoire. Je filme alors que rien n'est à sa place.

Un papillon vient se poser sur la main de maman, et elle lévite devant cet arbre immense. C'est le papillon qui lui a donné ses ailes ; elles sont juste recroquevillées et forment ses longues robes qui ne cherchent qu'à s'envoler.

Demain plus personne ne sera là, et les maisons seront sous l'eau. Il y aura bientôt des portes dans le désert, et des lunettes sur le nez de papa.

Entre la voie de la nature et la voie de la grâce, j'ai choisi les deux. On ne peut pas choisir entre son père et sa mère.

Je m'appelle Terry, et j'ai fait le plus beau film de l'histoire du cinéma. Ou pas. Cela n'a pas d'importance. Fermez, ouvrez les yeux, les oreilles. Je serai toujours là.

Je suis un enfant à qui on a tout donné. Je suis un enfant qui filme la pureté, la grâce, je filme mon corps et mon cerveau et mon coeur, et j'élève. Mon film est haut, très haut, trop haut. Je suis mon film et je suis un enfant. Je viens de naître avec le cosmos et je ne peux pas mourir.

Pas tant qu'il y aura papa, maman et mes frères sur la plage.

LE HAVRE de Aki Kaurismäki (Finlande, France, Allemagne - 2011)

Dans un célèbre port normand, André Wilms est cireur de chaussures et marié à Kari Outinen, qui a quelques problèmes de santé. Il fut écrivain, et eut un petit succès critique, mais a préféré retourner côtoyer les vrais gens et s'occupe de leurs souliers. Dans un container, des réfugiés congolais se dirigent vers Londres, mais s'échouent au Havre. Le jeune Blondin Miguel arrive à s'échapper, et Wilms parvient à le recueillir. Sauf que le commissaire Jean-Pierre Darroussin est aux trousses du fugueur.

S'il aurait pu très facilement tomber dans le film social de fort mauvais goût, Kaurismäki a plus de bouteille que cela et est particulièrement espiègle. Si la narration n'est pas particulièrement originale elle a le mérite d'être assez simple, linéaire, mais pas exempte de jeu. En donnant la part belle aux petites gens du café du coin, impayables et splendides trognes de comptoirs et de quartiers vieillissants mais ne se rendant pas compte que le monde marche loin devant eux, il évite facilement l'écueil d'un MIC-MACS A TIRE-L'ARIGOT en utilisant un mode opératoire très étonnant et source de toutes les émotions, et elles sont nombreuses, que procure le film.

Plusieurs choses frappent à mesure que les leviers de mise en scène sont tirés. D'abord le jeu des acteurs, absolument emprunté à Bresson, dans lequel les "modèles" ont très peu d'intentions et se contentent de déclamer à qui mieux mieux des lignes de dialogue très, trop écrites. Ils sont tous mauvais comme des cochons et d'une grande précision. C'est physique, c'est burlesque, c'est formidable et déporte rapidement les appréhensions que l'on pouvoir avoir après un pitch pareil. Pareille chose amène beaucoup de distance par rapport au scénario mais rapproche considérablement des sentiments en n'étant pas obnubilés par des performances mais pas la mise en scène elle-même. Qui contine d'ailleurs à jouer, par exemple avec cette lumière incroyable, d'une richesse inouïe, qui n'arrête pas de jouer avec les ombres, avec les projecteurs qui s'allument en plein milieu d'une scène. Autre jeu, celui du décor, qui plante définitivement le microcosme, la micro-société hors du monde. Un petit coin de paradis désuet, où les laissés pour compte s'entraident, où les problèmes d'argent ne sont pas des problèmes, où les téléphones sont vieux et même pas portables, où les voitures sont rutilantes, où les flics portent des impers et des borsalinos noirs. Quand en plus le film, très drôle bien sûr, se termine sur un moment de pure Poésie qui n'est possible et accepté comme allant de soi uniquement parce qu'il y a eu toute cette construction en carton-pâte tout autour...

LJ Ghost.

[Photo: "Intestinal Disorder" par Dr Devo.]

Certains jours, il vaut mieux resté couché. Dans un désir de mélanger les plaisirs, j'ai voulu aller goûter aux sélections parallèles, pour voir un peu de quoi demain sera fait dans le paysage cinématographique mondial. J'ai vu hier un film issu de la Quinzaine des Réalisateurs, THE OTHER SIDE OF SLEEP de l'irlandaise Rebecca Daly, en présence de l'équipe du film et de Jane Campion (ce factoïd n'a évidemment aucun intérêt mais hé, c'est Cââââânnes), et je préfère ne pas lui consacrer d'article à proprement parler car je n'ai rien à dire sur cette oeuvre. Conçu comme un thriller mélangeant somnambulisme, héroïne mutique et renfermée qui a pris des cours d'expression faciale chez Keanu Reeves, meurtre d'une jeune fille en fleur et attirance charnelle pour un bad boy, le métrage se déploie de manière contemplative, piochant allègrement dans TWIN PEAKS, THE MACHINIST, et dans tous les autres films qui ont les caractéristiques dont je parlais plus haut. En gros, les plans sont longs, silencieux, sombres. Ce n'est pas moche cela dit, la photo est réglo sans être vraiment belle, et si le montage m'a paru un peu lâche ça ne cadre pas mal du tout, et quelques plans de routes entourées d'arbres en contre-jour sont splendides. C'est un objet plutôt joli, mais sans plus.

17 FILLES de Delphine et Muriel Coulin (France - 2011)

Après la Quinzaine, la Semaine de la Critique. J'aurais dû me douter, vu l'intitulé de la sélection, que ce n'était pas une bonne idée.

Lorient, c'est hyper craignos. C'est tout gris et même s'il y a la mer, les perspectives d'avenir sont bien minces pour les adolescents ; c'est en tout cas ce que leur disent leurs professeurs. Un jour, des coccinelles viennent s'échouer sur la plage. Camille, une jeune fille de 16 ans, tombe enceinte. Des rumeurs parcourent le lycée. Quelques jours plus tard, une autre jeune fille annonce qu'elle attend également un enfant. Les deux décident de garder les foetus, mais font plus que cela : sous l'impulsion de Camille, leader naturelle, quinze autres filles vont volontairement tomber enceintes dans le but de créer, entre elles, une petite communauté basée sur l'entraide, la solidarité, l'amitié. Evidemment, les réactions face à ce phénomène sont grandes, et des dissensions viennent entacher le beau projet de micro-société.

Le film est apparemment tiré d'un fait divers ayant eu lieu dans une petite ville des USofA. Bien. La transposition dans une ville comme Lorient est intelligente ; si le contexte et la classe sociale est absente du film, la présence même de ces vieux immeubles gris, de ces places vides, de ces routes sans fin ancrent le film dans quelque chose d'extrêmement réel, et dans le même sens provoque un effet "fantastique" dans le sens où cette histoire aurait pu se dérouler dans à peu près n'importe quel autre patelin de province du monde occidental. Il y a un côté no man's land par ailleurs très précis géographiquement qui brouille quelque peu les cartes et la perception et qui semble quelque peu original. Et ça s'arrête là. Disons que le film pêche à cause de défauts présents dans quasiment tous les films du monde (le quasiment est important), à savoir au niveau de la narration et du montage. En effet, il n'y a aucune espèce de nuance, c'est un extrait de la palette des émotions par scène, et encore ; que ce soit dans le jeu des actrices ou dans la mise en scène. Les réalisatrices semblent avoir envie d'y aller parfois brut de décoffrage, mais font un peu leurs précieuses ; rien ne dépasse véritablement, et ce qui aurait pu être un geste politique d'une grande importance n'était qu'un caprice adolescent. Cet espèce de nihilisme est vraiment bien vu, mais il n'arrive que trop tard, dans les cinq dernières minutes, alors que l'heure vingt précédente a été laborieuse en terme d'intérêt. Beaucoup de maladresses s'enchaînent, comme ces très rares (il y en a deux) scènes entre adultes, professeurs et parents des futures mères : dialogues affreusement mal écrits qui essaient, en de courtes scènes de trois à cinq minutes, d'embrasser un espèce de champ des possibles social et politique des réactions des adultes face à ce phénomène d'insémination naturelle en masse. Ces deux scènes sont littéralement des tours de tables où des choses comme "Est-ce qu'à 16 ans elles peuvent faire des choix ?" "Oui, bien sûr !" "Non mais non, elles sont trop jeunes !", et je paraphrase à peine. Ces interventions plombent un film qui n'en avait pas besoin et nie cette volonté d'évanescence post-VIRGIN SUICIDES. Il leur fallait un discours politique, parce qu'elles sont française, il faut faire réfléchir la populace à ces choses-là, et les réalisatrices semblent vraiment gênées de ce passage obligé.

Je parlais de montage, là aussi c'est un laisser-aller mortifère qui prédomine. Elles semblent se regarder filmer (écrire, plutôt). Une scène en particulier, celle du blocaus-boîte de nuit : sous l'impulsion de Camille, quelques filles décident de profiter de la fête pour coucher avec des garçons et tomber enceintes. Nous comprenons rapidement l'intention (c'est verbalisé dans la scène d'avant, mais le comportement des filles à l'arrivée va toujours dans ce sens), et il y a un important petit dialogue entre Camille et un jeune homme. Alors que la scène aurait très bien pu s'arrêter là, quel besoin de rajouter cinq bonnes minutes à cette soirée, montrer un début (tout tout début) d'acte sexuel, et Camille qui raconte une blague pas drôle à une de ses amies, blague qui n'a même pas de portée métaphorique sur ce qui se joue ! Il y a clairement cinq minutes en trop dans cette scène, et un défaut d'usage des ciseaux et du scotch. Elles n'ont pas su couper le gras de leur film, et cela se ressent de-ci delà. Globalement, ce n'est pas très bon. Il y a des bribes de choses à certains endroits, mais l'ensemble du film est bien trop léger au niveau cinématographique pour provoquer la moindre réaction.

MICHAEL, de Markus Schleinzer (Autriche - 2011)

Retour à la compétition officielle, avec le premier film de l'ancien directeur de casting de Michael Haneke. Ca promet d'être drôle.

Michael Fuith est un agent d'assurance autrichien, vous imaginez un peu le gai luron. Il mène une vie propre, aseptisée, et quand il rentre chez lui, il descend dans sa cave. Il est pédophile, et garde prisonnier un enfant qui n'a pas l'air d'être le sien dans une pièce fermé à double tour spécialement aménagée pour lui.

Et bien ce n'est pas la franche marrade. Avec son dispositif de mise en scène très simple, Markus que j'appellerai de son prénom dorénavant entre de plein pied dans la famille de son mentor, Haneke. Cadres fixes habilement composés, lumière simple et pourtant riche de petites nuances, derrière la caméra ça turbine pas mal. D'un sujet profondément casse-gueule, Markus cherche l'épure esthétique et narrative, qu'il mène au cordeau avec un montage précis, lent et alerte en même temps, distillant un espèce d'ennui low-fi absolument maîtrisé pour lâcher les chiens à des moments très importants, et parfois sans même en avoir l'air. Je pense à cette scène d' "accident" (je code) qui a fait sursauter 2300 personnes en même temps ; l'effet est facile, mais c'est pour mieux nous prendre en traître avec des petites actions anodines qui, elles, instillent le malaise. Le plus terrible c'est que Michael considère l'enfant comme le sien, ou plutôt cherche à certains moments à avoir avec ce gosse dont il abuse et qu'il séquestre une relation adulte / enfant normale. La complexité psychologique du film et du personnage vient de là, de ces choses de rien qui foutent vraiment le cafard. Par exemple, Michael descend dans la cave avec deux seaux dans les mains, il ouvre la porte verrouillée de la pièce réservée à l'enfant et lui jette le contenu des récipients à la figure ; c'était de la neige. Il cherche à faire une bataille de boules de neige avec ce gosse, lui balance littéralement un monceau de neige à la gueule puis ferme violemment la porte, amusé et joueur, comme pour éviter les représailles, verrouille la porte et remonte les seaux.

Il y a un gros travail rythmique dans MICHAEL, et le film s'avère absolument tendu dans cette espèce de banalité vaporeuse, quasi quotidienne disons, dans ce sentiment de flottement qui imprègne tout le métrage. Certaines coupes sont diaboliques, comme lors de la fête organisée par le personnage principal, ou même la dernière coupe du film, monstrueuse, qui refuse obstinément toute velléité de pathos, de mélodrame. Ce qui semble intéresser Markus, plus que l'horreur de la situation, c'est la façon dont cet homme expérience sa vie, un espèce de train-train qui n'avance pas, une lassitude pourtant pas dénuée d'ambitions sociales. Bon film qui n'a pas l'air de pousser, MICHAEL mérite le coup d'oeil. Mais si vous avez 71 FRAGMENTS D'UNE CHRONOLOGIE AU HASARD, préférez l'original.

LJ Ghost.

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[Photo: "Lick My Carpet " Par Dr Devo.]

RESTLESS de Gus Van Sant (USA-2011)

Il y a la chaleur et les gens sont assis. Il y a les flammes du soleil et les étincelles sur les jambes nues des demoiselles. Il y a du bruit, dehors, dedans, partout. Il y a le reflet d'une récompense tant désirée qui trône sur une scène immense, dans une ville du sud de la France. Le Festival de Cannes a rouvert ses portes, et Matière Focale s'y engouffre, bastion de vertu subjective venant tenter de déjouer l'inanité de l'écriture de la critique cinématographique.

Il y a Gus van Sant qui ouvre la compétition de la sélection Un Certain Regard avec son film RESTLESS. Van Sant, un vieux de la vieille, toujours là, par intermittence, mais nous le connaissons bien. ELEPHANT, LAST DAYS, le superbe PARANOID PARK. 

Il y a deux facettes à Gus van Sant, deux personnalités qui semblent totalement être aux antipodes, l'une semblant dormir lorsque l'autre est affairée ; le metteur en scène de cinéma talentueux, habile monteur, mixeur sonore d'émotion, et le Mr Hyde, la brûlure de Double-Face, le metteur en images insipide, de WILL HUNTING à l'odieux HARVEY MILK. 

Il y a Henry Hopper, qui vient de perdre ses parents, et Mia Wasikowska qui souffre d'un cancer en phase terminale. Ils vont se rencontrer, s'aimer. Alors, à votre avis, nous avons droit à Gus Yin ou Yang van Sant ?

Il y a quelque chose d'étrange dans ce film. Un choix qui cloche. Une dimension, un levier de mise en scène trop explicite, trop poussé dans ses retranchements pour que ce ne soit que le fruit du hasard ou une simple volonté esthétique. D'ailleurs, cela n'existe pas, jamais, et les choix hasardeux ont toujours une résonance profonde avec ce que l'on a envie de dire. Ils sont toujours vecteurs de sens, qu'ils aillent dans la direction du film ou à contre-courant. En marge de l'effarante nullité de la mise en scène, dans laquelle il sera difficile de prendre Van Sant en flagrant délit de cadrage, de montage, de photographie, de son, à côté de cette inconséquence qui confine à la mort clinique au fin fond du cosmos glacial, quelque chose se joue, enfoui, ailleurs, sur une cible un peu à côté, à quelques centimètres. 

Il y a Gus van Sant qui essaie un peu de nous faire passer des poils de cul pour des rouflaquettes. Sous couvert de l'inconséquence du scénario, qui obnubilera la quasi-totalité de la critique qui regarde le doigt au lieu de regarder la lune, vantant ses mérites "romantiques" et "à fleur de peau de l'adolescence turbulente où la fougue turgescente emporte l'amour jusqu'au-delà de la mort", et j'ai lu des choses comme ça, là où le focalien sait que la relation hommes / femmes c'est pas Julia Roberts mais AMERICAN PIE, bref. Dans RESTLESS, c'est la direction artistique qui est levier de sentiment. Je m'explique. Nous sommes dans un no man's land, Portland, mais c'est aussi La Roche sur Yon, Quimper, Utrecht. Mia, que j'appellerai par son prénom pour plus de commodité, se rend régulièrement à l'hôpital. Ces incursions médicalisées ancrent sans aucun doute possible le film dans un temps donné : le notre, contemporain, 2011, l'année de la fin définitive du terrorisme mondial et des nouvelles chansons de Lady Gaga. Les instruments de torture des toubibs sont tout ce qu'il y a de plus modernes, malgré la relative "spartiacité" de la chambre de la jeune fille. 2011. A côté de cela, il y a le levier tiré à fond, et tout le reste de la direction artistique, décors, costumes, maquillage (plutôt réussi par endroit par ailleurs - Mia à l'hôpital tiens, avec ce très léger jaune pâle autour des yeux) fait référence aux années 60. Et là ça coince. Ces gamins s'habillent comme il y a cinquante ans. Les baraques dans lesquelles ils habitent, le quartier résidentiel, le suburb le plus banal, c'est total sixties. Plus pervers encore, et cela a été repéré par une camarade, Mia a exactement la même coupe de Jean Seberg dans A BOUT DE SOUFFLE. Le film se termine par une chanson de Nico, ex-Studio 51-Velvet Underground-Philippe Garrel. Cela m'a gêné tout le métrage, tant rien ne semblait véritablement à sa place.

Il y a les fantômes, et les gens qui sont déjà morts. Tout le monde dans ce film est déjà mort, sauf le héros, Henry Hopper, qui par ailleurs et c'est assez impressionnant et dérangeant, joue exactement comme James Franco, les mêmes tics, la même voix traînante, les mêmes poses et les mêmes intonations qui semblent constamment sous l'effet de marie-jeanne. Il est flagrant de voir les fantômes s'ébattre donc ; quand Mia apparaît, pour la seconde fois à peine, poursuivant Hopper, elle arrive d'un coup sec, sans aucune justification, comme ça, comme ça, pour rien, presque par hasard, mais un hasard calculé, prémédité, voulu. Le jeune homme converse avec le fantôme d'un kamikaze japonais mort au combat. Sa tante, avec laquelle il vit désormais (Jane Adams, sublime actrice, que l'on a pu voir notamment dans le merveilleux HAPPINESS de Todd Solondz), a tout quitté pour s'installer avec lui et vit une existence ectoplasmique. Hopper est entouré par la mort, impression parfois martelée par notamment cette nuit d'Halloween où Mia se peint le visage en blanc. A un degré un peu autre, nous pourrions dire que la mise en scène est morte, elle aussi.

Il y a la mort non pas d'une personne, mais d'un idéal. D'une photographie que l'on a envie de garder trop longtemps, "I've been looking so long at these pictures of you" disait le poète britannique, d'une image que l'on cherche à copier mais qui n'existera plus jamais. Le revival n'est qu'illusion. Ces temps sont morts, Mia est morte, Mia est le revival qui est redead. Le côté complètement hipster du cinéma de van Sant, présent dans quasiment toute sa filmographie, ici renforcée au-delà de la direction artistique par l'utilisation de la musique (Sufjan Stevens, Bon Iver), il a l'air de dire que ce n'est plus la peine, que c'est trop tard, il semble se rendre compte aujourd'hui que tout est perdu. C'est autre chose, maintenant. Cette génération ne peut plus se complaire dans ce qui a été fait avant, elle doit trouver ses codes, ses buts, ses espoirs à elle. Les suburbs ont brûlé. Il faut tout reconstruire. On pleurera, mais on sourira. On sourira.

WE NEED TO TALK ABOUT KEVIN de Lynne Ramsay (USA/UK, 2011)

Il y a Lynne Ramsay, quelques heures plus tard, bonjour madame. Veuillez m'en excuser, mais je n'ai pas vu vos films précédents, RATCATCHER, LE VOYAGE DE MORVERN CALLAR. Vierge de tout à priori, pas vraiment, parce que vous avez casté l'Actrice, la vénérée Tilda Swinton, et le toujours très juste John C. Reilly dans votre film WE NEED TO TALK ABOUT KEVIN.  

Il y a Tilda dans une célébration christique baignant dans du jus de tomates. Elle semble heureuse. Puis elle n'est plus heureuse, elle vit seule dans un appartement miteux, et ne fait pas tous les jours la vaisselle. Puis, avant, on dirait, peut-être, elle rencontre Reilly ; elle semble heureuse. Puis, elle a un enfant. Et cet enfant la déteste. Puis, plus tard, nous apprenons que l'enfant aurait peut-être fait quelque chose de répréhensible. C'est suggéré par le poing que Tilda se prend dans la figure par un second rôle. Que s'est-il passé ?

Il y a un angle relativement nouveau, peut-être pas inédit mais qui fait du bien dans le Landernau de la chronique familiale sur 35mm. Ici Ramsay fait quelque chose de très intéressant, et déporte totalement les habitudes d'un public abonné à la cruauté faite aux enfants pour se concentrer quasi-exclusivement sur la cruauté des enfants eux-mêmes. Ce Kevin du titre est un petit connard. Un enfoiré. Un Hitler en couches-culottes, un Staline des bacs à sables, un Pol Pot du bol de céréales multicolore. Et Tilda, mère courage comme d'habitude, rôle qui lui va bien, tout lui va bien (regardez THE DEEP END, c'est très beau), va essayer tant bien que mal d'élever son rejeton. Et ce qui se passe est, tout de même, abyssal. Ce n'est plus une question d'amour. Au bout d'un moment, il n'y a plus ce lien filial incassable, quand l'amour n'est pas réciproque, plus que ça, quand il y a haine, haine pure en face de vous, et que la société vous oblige à ne pas abandonner. Vous ne pouvez pas vous échapper. Vous ne pouvez parler à personne. "Mais il est très mignon, ce garçon !" Ce n'est plus de l'amour, c'est de la fonction. Je suis mère, je récure les fesses de mon môme de cinq ans qui porte encore une couche, pas parce qu'il est traumatisé, mais par pure volonté de nuire. L'espace d'un instant, l'amour maternel a disparu, et il faut faire avec ce ventre sur pattes qui hurle pour un oui ou pour un non. Bien sûr, les choses redeviennent normales à certains moments bien choisis, dans lesquels l'amour de Tilda pour son fils est évident. Trop rares, ces moments. 

Il y a une progression de personnage qui ne me semble pas très bien gérée ; le fait que l'enfant soit un véritable psychopathe, jusqu'à en venir au meurtre de masse, est un peu outré pour être honnête ; peut-être la réalisatrice voulait son moment de rédemption, son happy end, quelque part. La chronique familiale est très intéressante (entrecoupée de beaux moments de mise en scène, mais j'y reviens), et l'emmener dans des territoires aussi extrêmes banalise, en quelque sorte, le comportement de Kevin ; après tout, il n'était que psychopathe profond, et elle n'aurait rien pu y changer, son impact a été minime sur le gamin, au final. Tout ce que nous voyons, c'est l'origine du Joker de Batman (l'acteur qui joue Kevin adolescent, Ezra Miller, a les mêmes tics, la même voix, le même sourire carnassier que Heath Ledger), qu'il ait eu une mère aimante ou pas n'influant en rien son parcours. Un peu dommage. 

Il y a en revanche un travail de mise en scène plutôt bien fait, jouant avec les niveaux sonores et n'hésitant pas les coupes au son qui ont plus à voir avec du collage que de la continuité scénaristique, un montage en chausses-trappes classiquement parallèle disons, dans lequel la narration est "explosée" au profit de la montée dans la folie de Kevin, de ses premiers méfaits à ses dernières tueries, entrecoupées d'images du présent. Quelques surimpressions très belles, des coupures sur des lumières floues, des pare-brises pluvieux qui oxygènent et anxiogènent la narration, bien aidée par la lumière soignée et riche.

 [Photo: "It Was No Miracle" d'aprés une photo du film MY SOUL TO TAKE de Wes Craven.]

Ce lundi soir, au BIFF, le festival du film fantastique de Bruxelles, sera projeté le nouveau film de Carpenter THE WARD qui, comme vous le savez, ne sortira pas en salle. On vous rabat les oreilles avec ça depuis quelques semaines. Il y a quelques jours, lors du dernier BON CHIC MAUVAIS GENRE, je faisais cette même réflexion. Ce à quoi un jeune habitué, fort sympathique au demeurant répondit : "Bah, il sort en direct-to-dvd quand même". Ite missa est. Alea jacta est. Tu quoque mi filii. Fluctuat nec mergitur.  CQFD, voire sin qua non. 

[Rajoute ici des dictons absurdes latinoïdes de ton choix.]

(Trop 2.0, le site, lol mdr;-) )

Neve Campbell, merde, Neve Campbell. Neve Campbell revient. Chez nous. Chez nous, aux USA, Neve Campbell revient en ville, la vache. Elle ressemble désormais à une femme de notre âge : robe pastel, tendance américano-carré, le revival eighties je suppose, donc up-to-date trop la classe (hum, hum!) mais ne convient pas à la soirée des Oscars que, de toutes façons, elle n'aura jamais la Campbell, donc elle a bien raison. Elle revient, dis-je, et ce n’est pas tel King-King-Kong-Kong. Non pas qu’elle fût fâchée ni rien, même si elle avait des raisons de l'être. Non, Niiiiviii, elle est juste fatiguée, un peu lourde, un peu usée mais puissante. [Lire cette dernière phrase en écoutant du stoner, style BORIS...] Elle revient, parce que business oblige quoi, faut bien vivre. En même temps, me dis-je, on peut pas dire qu’elle avait abusé de sa notoriété, Neve. Elle revient bosser, merde.

Tiens, ça me fait penser à qui mieux-mieux. J’ai une excellente amie, d’enfance pourrait-on dire, dont les parents passaient toutes les vacances d’été, sur la côte bretonne, à quelques kilomètres de la demeure familiale -bonjour l’exotisme- dans un camping, au bord de la mer donc. Il se trouve que, chaque année, cette ami avait les mêmes voisins de tentes: des hollandais. Et ces hollandais avaient une fille qui était du même âge que mon amie. Et tenez vous bien, cette fillette, puis jeune fille ensuite, s’appelait FAMKE, wait for it, JANSEN, comme la very good actrice, et célèbre bombe nucléaire de beauté bien connue. En Hollande, Jansen c’est un peu comme Martin ou Dupont en France . Mais c’est trop tard, le doute est plus que permis. Fin de l’anecdote.

Neve Campbell arrive en ville, et c’est moyen, voire carrément bof bof... Les temps, ô, c’est qu’ils ont changé. David Arquette a grossi, mais c’est le shérif de la ville désormais, et il est toujours marié à Courtney Cox, en mode vaguement ménagère, frustrée de merdre, mais, on le verra, tout ça, c’est de la poudre odieuse, du cosmetoc. 

Un indice s’affiche d’ailleurs sur votre écran : elle porte d’immonde robes à la mode, pour veille, en plein dans le carré vintage, plus (+) l’agressivité colorimétrique qui va avec. 

La ville a changé. Les anciens bambins sont devenus des teens. Twitter, Facebook, The Pirate Bay, Youporn, Meetic, Amazon, Bittorent, usb 2.0, Ipad, Ipod, Iphone, Steve Jobs, merdre, Steve Jobs, Priceminister, Ebay, Google, Over-blog, Ipod nano, écran lcd de 127 cm (je l’ai d’ailleurs), googlemap, Googleads, Googleearth, Mappy, hulot2012.com, matierefocale.com, fragranceliechtenstein.over-blog.com, RCV sur internet, plus (+) de Youporn, plus (Steve Jobs) de Steve Jobs (+), canardpc.com, plus (+) de Steve Jobs, rétro Kubrick à la Cinémathèque, coffret intégral Kubrick (même pas bloue-raie) sur fnac.com, pub  rétro Kubrick au cinéma Pathugmont (sponsors : cinémathéque.fr + warner.com).

Bocuse Bernau. Bocuse Bernau, Bernau Bocuse. (in ANEMONENGURT, opus BOCUSE BERNAU).

Neve Campbell est de retour. Les teens ont changé. Alors, c’est du franc. Eux, ils sont habillés complétement normalement, comme des teens (friqués) de la rue. On sait désormais qu’on est dans le documentaire. C’est ni bien ni mal. C’est comme ça. Le film dans le film, dans le film, le film dans le film dans le film, le film. Ouf.

Of course, comme de bien entendu, reçu, Rodger, reçu cinq sur cinq (5/5), copie, copie, copie. 

Les meurtres reprennent. Des victimes. Jeunes, bien sûr. On apprend que Neve Cambel, oui, je dis bien, Neve Campbell a une petite cousine éloignée, cligne-cligne, coude-coude, seewhatimean ?, seewhatimean ?, copie, copie, coude-coude, lesbiennne lesbienne, critique de film, salope salope, facebook, twitter, googlemeschiottes, NeveCampbellAPoil.com, googleads, blogranking, matierefocale.com, bocuse-bernau, salope de merdre, salope !

Gilles.

Neve Campbell est de retour. Les teens ont changé. Moi aussi. Le type du direct-to-dvd, lui, non, n’a pas changé, il est bien trop jeune encore. Il est là.  Facebook, Twitter, Anémone, Bourvil, Michel Blanc, Anémone Gourde.

Neve Campbell est de retour. Les teens ont changé. Le reigne du film dans le film, les marathons SAW de 1 à 7, la cinéphilie expansée aussi, c’est logique. Plus (+) de connaissances, plus d’accés aux films, à l’information, plus de signal, plus de partage de ces mêmes connaissances. Le rat de cinémathèque (Kubrick, coude-coude, Kubrick, salope, lesbienne, salope) race très dangereuse se transformera, ou alors, il se fondera dans l’encyclopédisme, jusqu’ici réservé aux cycles universitaires ou aux écoles préparatoires. Tout partagé par tous. Le support change, se dédouble même (dividi contre bloue-raie, par exemple). Mais tout peut exister, au moins potentiellement. Tout peut arriver. Tout peut se propager, et, très important, se partager. Ce n’est pas rien.

[Quelque par, dans son salon, chez lui, à la dévéthéque nationnale, le Marquis (co-owner de la trademark matierefocale.com), lit cet article, et je le vois très bien, hic et nunc (from King/Straub), son salon, je sens le cuir sur lequel il est assis. On ne pouvait, à l’époque, ne revoir un film que deux ans aprés.]

Neve Campbell est de retour. Les teens ont changé. Le film dans le film dans le film, très bien annoncé comme je le disais plus haut. Nouvelle cinéphilie. 

Ça n’a aucune importance, dit-il, dans Hollywood déserte.

Neve Campbell revient. Elle est de retour. Les teens ont changé. Neve Campbell a une petite cousine. Les meurtres reprennent.

[ Gilles 2.]

Ceci étant résumé, rentre ici, Wes Craven, avec ton cortége de fantôme. Tu es ici chez toi. Tu viens quand tu veux. Sous tes applaudissements ! On léve les petites plaquettes. 10! 10! 10!

[Evidement sous les applaudissements. J’y reviens plus bas...]

Facebook, twitter, bocuuuuuuse bernow, franciscabrel.com, googleads, salopes ! Lesbiennes ! Distributrices !

[In Télérama : Un fascinant exercice d'auto-analyse basé sur un jeu de poupées russes directement inspiré des trames de SCREAM et SCREAM 2, dont ce quatrième opus se veut le pendant adulte. ]

Neve Cambpell revient. Les teens ont changé. Les meurtres reprennent. Entre ici Wes Craven.

Gilles De La Tourettte.

[Nous y sommes.]

Un ange passe.

Les teens, parlons-en des teens.  Gros seins + Q.Is ensteiniens. + accés aux données + argent + accès aux supports.

Le premier indice, ou le deuxième si on considère le fait que Neve Campbell ait une cousine en soit un, d’indice, vient très vite après la comédie agréable du générique, qui sonne longtemps et bizarre, faisant ressentir la poids certain, quand même, des années (Heather Graham, sublime...). Le méta-langage, le film dans le film dans le film, le cahier des charges, je dis ouais, ouais, puis so what. D’entrée, on massacrera cela dans un rire. Et curieusement, là, après un peu plus d’une bobine (et l’effrayant, le sublime premier plan d’exposition de la ville où tout sonne faux, où rien ne se passe, où Craven à la sagesse de ne faire passer aucun message ni aucune ironie, ce premier plan vide que je remplis d’effroi, seulement illustré -un troisième indice s’affiche- par une musique hurlante et anonyme qui justifie le plan dans sa durée et son mouvement de cam’ stérile, depuis Spielberg/Lucas/Coppola d’ailleurs), là... 

Craven, dis-je, fait ensuite un geste superbe et important : il rhabille Neve Campbell ET Courtney Cox. Jean, blouson en cuir, t-shirt pour elles. Le film commence.

Pendant 50 minutes encore (temps ressenti), Craven s’occupe de Campbell, Arquette, et Cox, relègue le bunch of teens, trop hipster "bunch of teens" lol lolptdr, trop kanackyballs le métasite lesbiiiieennne,  au second plan et peut faire son film. Le seul salut et le seul étranger dans le jeu de quilles sera la fliquette (très bonne actrice, et très joli rôle) qui aura le droit à une scéne très maniérée et belle, prés de l’escalier, HALLOWEEN Marquis Sa Mére la Pute Salope Distributeur Salope,  et dans la pénombre. L’imbécile (que je suis parfois) regarde le doigt, mais cette mise en scène précautionneuse et ampoulée (et belle!), n’est pas là pour la stigmatiser une coupable éventuelle (ça serait trop tôt, trop simple, trop comme un passage obligé) mais pour la démarquer des autres nouveaux personnages (dont les teens). En quelque sorte, comme chez K. DICK (dont j’apprends avec horreur que le très fatigué Michel Gondry va adapter le UBIK ! Misère!), elle était déjà là, cette fliquette en 1996. Comme quoi la jeunesse (mais elle n’est plus tout à fait teen) n’est pas complétement stupide ou horrible, beau geste anti-cynique de Craven et quatrième indice.

Et puis, il y a le son... Et puis il y a la poignée à ne tirer qu'en cas d'urgence...

Faire plus (+), plus loin, envoyez les salopes de distributrices de leurs mères dans leurs 22 mètres (merdres?) parce qu'ils trouvent trop coollol ptdr 2.0 kick-ass salope lesbienne JENNFIER'S BODY ou Rob Zombie, faire plus, donc par le son. Puisque personne n'y comprend rien à la mise en scène, parce que la kikoo attitude impose la multiplication des parpaings dans la bande-son, je vais te l'atomiser la bande. Salope Ta Mére dit 10, je dis 100 fois plus (+). Elle se gratte les cheveux la petite cousine, et BLAN ! (trop post-post-cool le site!)  je te balance un gratte-gratte en 9.1 dans ta face. Il va aux chiottes, et j'atomise ton frontal par un ziiiiip d'apocalyspe. Et quand ta Merdre Salope Lesbienne de Mère sera endormie en gros plan, je te foutrais encore du son...

Au four Salope Ta mère 20 minutes et tout le monde est cuit. C'est plus de l'acouphène traumatique, c'est le découpage de tes trois oreilles, sale Van Gogue de salope ta mère de madeux de merdre. Moi itou, remarque. Cool du top de la loolitude cachée comme une pudeur virginale, un soir d'hiver, au fond d'une couette, presque pour le jeu-de-mot, là, Craven en utilisant le jeu imposé puis déformé de la hipstérisation post-lui-même et geekisante (ça y est je l'ai dit!), reprend son espace, et on entend plus personne crier, et pour cause: SCREAM FOR est devenu un film complétement muet. Tu la sens la crème au goût de Mont-Blanc, Salope Pathugmont Ta Race Salope?

Ca, c'est la première lame. Si Peter Jackson ou Sam Raimi avaient réussi ça, ils se seraient arrêter là sans doute... L'histoire ne le dit pas, et c'est bien ça le pire!

Cracra, là, il sort la deuxième lame: tirage de la poigne d'arrêt d'urgence. Refusant d'avancer, malgré le public de jeunes donzelles de moins de 22 ans qui lui crient de fourrer sa grosse queue velue et luisante dans leur petits vagins bistourisés comme un squelette de Terminator, magnifiquement le Cracra, il refuse. Le premier son depuis longtemps: "Non". Les teens disparaissent et enfin, rhabillés en cuir, la Neve reprend les choses en main. Pendant presque une heure, les teens sont out! Sublime! Le film redevient sonore quelques temps, le coup de ciseau dans les deux bandes se fait plus précis: old shool, tendu, violent, énergique. 

Restons là un instant: c'est le contraire des premières scènes de teens d'avant le tirage de la poignée, où le tueur ne tuait jamais devant nous au final, où il n'y avait pas de progression. Quand le plan arrivait sur la victime, le tueur était déjà dans le plan et le couteau déjà planté. Là c'est une autre histoire: ca court, ca coupe, ça spatialise, ca débraye, ça reprend, ça pulse. Fini l'amusement crytpo girly-gory pour vagins hurlants et petits éjaculateurs précoces qui jouissent en disant "bite !", fini la top-sexiness atitude d'un cinéma de genre qui ne sait plus vendre que des mannequins en Tanga. Avec Neve et Courtney, c'est autre chose: le meurtre est long, désespéré, drôle parfois mais jamais fun, et osons le mot, il pue le mythe dans sa façon de transcender Sa Mère La Pute de connivence cynico-gory-teenageuse. D'ailleurs, dans le film, le cinéma n'existe pas: c'est vidéo-proj' au mieux, et dividis partout. Souvenez-vous sur ce que je disais du Marquis au-dessus. Plus effrayant encore, le Film De Cinéma est devenu une réunion de groupe, une célébration collective comme la partouze gonzo ou la Fête de la Musique. Dividis sur une étagère, visionnage sur écran géant, le film comme on boit des canettes sur un parking (en moins sympa!!) ou comme on danse la Macarena. LE CINEMA COMME UN EVENEMENT SUR FACEBOOK.

Cracra bloque son film et fait le contraire, réintroduit un ordre aristocratique là-dedans et bosse. Il bosse avec Neve et Courtney, et il donne ce que les gens (les djeun's donc) veulent: il les tue.

Le film redevient muet et, hop, Cracra reprend son exploration de la réalité  contemporaine. C'est du documentaire. Et là, les mots me manquent... Dans l'introduction, il avait dézingué toutes les actrices des séries geeks en trois secondes ce qui annonçait déjà bien la violence de la charge. Dans la dernière section, la crasse et le communautarisme violent de la société jeune de sa mére la pute actuelle sont enfin mis en exergue. Teens s'assemblant selon le principe de fusion et de ressemblance (multiplier et faire pareil en moins bien, le principe du remake et l'instrumentalisation même dans le sentimental), teens ne sachant même pas faire un champ/contrechamp (très drôle, la webcam!) mais avalisant eux-même ce que peut (et doit) être le Cinéma et son Histoire (Pan dans la gueule de la théorie des Auteurs d'ailleurs!), logorrhée sans fin de leurs théories absurdes de puceaux pornoïsés par l'absence de culture et son remplacement par une demi-molle d'encyclopédisme de forum (le "méchant" final est clairement dépeint comme un forumeur!), mise en abîme personnages/actrices (le casting est parfait: elles rayent le parquet de leurs dents pointues, en toute inconscience; à l'exception magnifique de l'attachée de presse formidable, ironique et maitrisée), le tout sous une progression implacable, libératrice et cruelle lorsque le final se mêle de reconvoquer Argento et d'introduire Hanecke (voyeurisme avec la scène de la chaise devant le garage, et mutilations à suivre).

On ressort épuisé, épuisé par ces teenage girls qui aurait troqué l'uniforme SS (trop post-goldwin le site mdr kikkolol) contre le chandail Zara et qui n'arrête pas de jacasser, et de déverser (comme Télérama plus haut d'ailleurs, qui a réussi à comprendre l'exact opposé de ce que dit le film, double-kikooo-éjac-lol-dans Brigitte) des théories qui détruise le cinéma et le langage. Épuisante violence. Qui n'a qu'un antidote: la malice, la violence, la baston sur le parking.

Cracra réintroduit alors l'Ancien Testament dans la vie et le film, massacre toutes ces grosses connes,et comble de classe, dans un rire sublime en plus, comme un orgasme simultané beau et pêchu. On comprend alors aussi que le film sait guérir le cynisme mais pas le desepoir: il parlait non seulement de la communauté cinéphile et productrice (Hollywood-La-Productrice et les cinéphiles des forums de salopes de merdre de Steve Jobs lesbienne ta mère revues spécialisés et/ou les néo-cinéphiles, tout ça c'est les mêmes, c'est les habituels), mais aussi du cinéma lui-même. Ca fait beaucoup de morts sur le dance-floor.

Craven s'efface derrière son film, en sachant très bien que ceux qui l'encensent aujourd'hui l'assassineront la prochaine fois, quand le film ne sera pas une franchise, comme pour CURSED ou RED EYE.

Dr Devo.

EPILOGUE: j'apprends par hasard, sans que les madeux et les geeks et sans que les CACAS DU CINEMA YEYE et leurs sbires ne s'en plaignent que Craven a fait un film l'année dernière. Et devinez quoi? Il n'est pas sorti en salle en France. Ni même en dividi! CQFD et Mort Aux Vaches...

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