Elèves dans un collège breton, Vincent Lacoste et Anthony Sonigo, qui ne sont pas franchement dans les canons de la beauté, n'ont qu'une seule idée en tête. Non, ce ne sont pas les cours de maths, mais bien de se trouver une petite copine pour pouvoir faire plein de bisous mouillés derrière le terrain de sport, et éventuellement aller plus loin. Mais le parcours est semé d'embûches, et il est difficile pour les physiques particuliers de trouver qui que ce soit dans cette jungle inhumaine qu'est le collège...

Un film de collège, encore ! Et au sens propre cette fois, puisque l'action se passe dans un collège ! Les Américains nous ont habitués aux teen-movies racés et plus profonds qu'ils n'y paraissent, offrant une véritable justesse sociale sous le vernis des blagues de potaches et/ou scatologiques. Ici, la tentative est française. Très bien. Et puis pourquoi pas après tout, dans nos collèges, nos lycées, nos universités, il se passe également des choses intéressantes, ou plutôt des choses intéressantes peuvent s'y passer. Il y a tellement peu de films de "college" français qu'on pourrait y faire à peu près n'importe quoi, ce qui est d'ores et déjà prometteur. Riad Sattouf, quant à lui, fait un choix étrange (mais qui, en fait, ne l'est pas vraiment, j'y reviens plus bas) : son film se situe dans une espèce de faille temporelle, disons plutôt dans un mélange générationnel. En gros, pendant un bon moment, on ne sait pas quand le film se déroule. On se pose des questions, on cherche des indices. Il y en a bien, mais ils sont plutôt sources de confusion, tant les éléments quelque peu anachroniques s'enchaînent (enfin, pas tant que ça non plus, mais j'y reviens également plus bas). On pourrait être entre les années 70 et 2009, voire même en 2430. On ne sait pas trop où se placer, on est perdus, et le look général du film n'est pas fait pour baliser cette recherche : le métrage a un espèce de grain, quelque chose d'un peu vintage, marronné, comme si la pelloche avait été gardée pendant trente ou quarante ans et qu'on venait juste de la retrouver (je voudrais dire quelque chose de plus personnel concernant le contexte de la projection : c'était désastreux, l'image scintillait, et ce depuis les pubs et les bandes-annonces ; les sous-titres et les blancs bavaient allègrement, s'étalant sur quelques centimètres autour des lettres. Au départ je pensais que c'était volontaire, pour les bandes-annonces en tout cas. Mais je me suis rapidement rendu à l'évidence, dès que le film a commencé, c'était un souci de projection, qui dura tout le long de la séance. Et s'il y avait ce problème, quelles autres dégradations le film a-t-il pu subir ? Je ne sais pas mais en tout cas, vous verrez peut-être, je l'espère, le film dans de meilleures conditions, donc il y a des chances que je dise des choses qui ne soient pas tout à fait exactes. Veuillez donc m'en excuser). S'ajoutent à cela les looks dantesques des deux personnages principaux. Anthony Sonigo, notamment, avec son joli petit mulet, semble effectivement sortir d'une faille temporelle. Mais ! Il y a un téléphone portable, un ordinateur portable, de bien jolis bus, bref, tout est fait pour tenter de perdre le spectateur. Et ça marche, un moment. Ca marche jusqu'à ce que l'on comprenne ce que M. Sattouf essaie de faire, et qu'il déploie ostensiblement tout au long du film : il veut toucher à l'universalité. Il veut que les jeunes de l'an 1970 jusqu'à 2009 se reconnaissent dans ce portrait, que les uns disent à leurs copains "Oah c tro toa sa !" et que les autres se disent "Ah, oui, on était quand même bien ridicules à l'époque...". Et c'est tout. C'est la seule ambition de Riad Sattouf. Et pour que ce processus d'identification passe, le metteur en scène n'y va pas avec le dos de la cuillère, et convoque absolument TOUS (oui, en majuscules) les clichés de la vie des ados et pré-ados : les boutons, les vêtements pourris, les appareils dentaires, les branlettes dans les chaussettes en feuilletant un catalogue de La Redoute, la maman qui accompagne son fiston à sa première boum, les cours chiants, les professeurs nuls, et j'en passe. Tout est là, catalogué (Tiens, comme dans La Redoute ! Hihi !), dans un amoncellement de saynètes qui n'ont d'autre but que de provoquer soit le souvenir (ou la nostalgie. D'ailleurs, dans le film, la mère de Vincent Lacoste - Noémie Lvovsky, assez précise - dit que la nostalgie est un symptôme de la dépression ! Que faut-il donc en conclure ?), soit l'identification immédiate. Alors, évidemment, ça fonctionne un peu, mais c'est quand même très léger pour rendre le film beau et attachant. C'est trop peu, et il n'y malheureusement rien d'autre à se mettre sous la dent. Il n'y a qu'à voir la façon dont M. Sattouf développe ses personnages : ce sont des caricatures. C'est finalement une galerie de personnages, mais qui ne jouent que sur un mode : les geeks sont des geeks, les brutes sont des brutes, les filles belles et inaccessibles sont belles et inaccessibles (sauf une, certes, mais elle l'est finalement !). Regardez également le professeur de français, qui est lui au-delà la caricature, au-delà des mots mêmes, et c'est le cas de tous les professeurs. Il n'y a aucune véritable recherche sur les personnages, aucune volonté de faire quelque chose de beau et d'original, avec des caractères particuliers et un peu plus fouillés. C'est mieux d'aller dans le générique, pour plaire à tout le monde ! Disons qu'en voulant toucher à l'Universel, il touche la cible, mais pas au milieu. Il manque de précision, et peut-être qu'un point de vue plus subjectif aurait mieux servi ses intentions. Ici, il se contente de recracher toutes les histoires qui lui sont arrivées, ou qu'on lui a racontées, ou qu'il a entendues ici et là ! Vous ne trouverez aucune action révolutionnaire dans le comportement de ces jeunes personnages, aucune chose personnelle, disons. Tout est calibré pour toucher le plus de gens possible, et donc ne va pas dans des idées particulières. LES BEAUX GOSSES peut être vu comme le film générique sur l'adolescence. C'est très bien, peut-être, je ne sais pas, mais ce n'est pas assez ! Ah, c'est sûr, ça fonctionne au box-office, mais ce n'est pas assez marqué pour être marquant, finalement.

Mais attention, il y a quelques bonnes idées, dont certaines vues subjectives plutôt amusantes (qui ne sont pas renversantes et qui manquent, elles aussi, de personnalité. Elles sont plutôt utilisées comme un procédé que comme une vraie volonté de mise en scène - je pense à cette caméra subjective pénienne, qui oui, fait sourire, mais sans plus, et n'apporte rien du tout à part montrer que l'action qui se déroule est ridicule, tout en gardant le côté mignon pour que les spectateurs puissent sourire et faire "Ooooh..."). Je crois qu'il est inutile de mentionner que ce film est en réalité un tunnel de plans rapprochés, et les aérations sont rares et plutôt inconséquentes. Oui, il y a un travelling dans la cour de récré, c'est cool les travellings, surtout quand on ne filme pas un personnage qui marche de profil en plan taille. J'ai dit que j'y revenais donc j'y reviens, les éléments anachroniques s'enchaînent, mais pas véritablement : le metteur en scène donne finalement assez peu d'importance aux décors, qui auraient pu être, eux, vecteurs de la perte de repères temporels du spectateur. Au lieu de ça, il filme d'un côté un ordinateur et de l'autre les coupes de cheveux improbables de la bande de héros, ce qui ne suffit pas. La photo me semble paresseuse, elle est le plus souvent diffuse, rarement ponctuelle, et uniquement illustrative (c'est très parlant dans la séquence du jeu de rôle, forcément fantastique et qui a une lumière un poil fantastique - et encore, c'est orange avec de la fumée ; tout ce qu'on attend de ce genre de scènes, donc). Même chose pour le montage, qui se contente de mettre bout à bout le scénario sans autre forme d'étude ou de sensualité.

En fait, LES BEAUX GOSSES, c'est une chronique tendre et drôle (parce que oui, le film fait rire, mais encore une fois ça fonctionne sur le mode de la nostalgie et du souvenir) de l'adolescence. "Tendre" est le mot à retenir dans cette phrase, parce que le problème vient de là. En essayant de faire le film le plus gentil possible (il aurait pu être très méchant et malpoli, s'il n'y avait pas cette séquence finale "humaniste", ou encore ces conclusions provisoires aux séquences de l'annonce de la mort ou de l'accident dans la salle de gym, qui elles aussi sont traitées sur le mode du "feel good". Dommage.), en essayant d'être universel, il devient générique et rapidement oublié. Ce n'est encore pas cette fois que l'on aura, en France, le film de college ultime.



LJ Ghost.






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Oui, oui... Alors en fait, pour le Merlot je prendrai plutôt l'année suivante, il vieillira mieux. Et par là-dessus, un petit bœuf à la grecque, façon bourguignon, et hop l'affaire est dans le sac. Bon, je te laisse, les lecteurs sont là...

Chers Focaliens,

Puisqu'il me fut impossible de voir le Raoul Ruiz dont L'Ultime Saut Quantique nous a parlé hier, je devais me résoudre, non sans déplaisir d'ailleurs, à aller voir TERMINATOR RENAISSANCE, plus accessible au niveau des horaires, puisque la MAISON NUCINGEN de l'ami Raoul qui passait la semaine dernière (je vis dans une grande ville et c'était une sortie nationale !) à 14h et 19h, était projeté pour cette deuxième semaine d'exploitation à 11h15 seulement...
...le samedi et le dimanche !

Après avoir planté quelques aiguilles dans des poupées vaudous de distributeurs et aussi de spectateurs (c'est sûr, pour aller voir le dernier Almodovar,  la communauté cinéphile est plus réactive !), je mettais ma chemise préférée, une chemisette blanc-beige, mélange coton et polyamide texturé, un peu près du corps, et merveilleusement taillée dans le dos, une vrai affaire car je l'avais payée à l'époque 15,99 euros, ce qui, vu la qualité de la confection, est une affaire incontestable. Avec ce jean un peu slim, mais pas moulant, et en déboutonnant les deux premiers boutons de mon haut chic, le tout relevé par la tenue impeccable de mes deux Doc Marten's, indiscutablement, j'étais paré, j'étais au top quand je m'avançais vers la borne automatique de distribution de tickets.

Malgré la configuration relativement modeste du Pathugmont (14 salles), ledit cinéma diffusait le film dans deux salles. Je dus choisir entre la séance de 16h et celle de 16h30, et c'est sur la deuxième que je jetais mon dévolu, faisant ainsi le pari d'une séance plus calme, moins peuplée, moins popcornée. Ce fut le cas, et quand je rentrais dans la salle No1, nous étions une douzaine dans l'immense espace du lieu.


Je m'assieds sur le fauteuil "club", taille L, revêtement anti-feu de classe 2, de couleur bleu nuit, et immédiatement, je sens le confort monter en moi, tandis que je feuillette le magazine Pathugmont où Pierre Arditi donne sa recette de la potée albanaise, et commente la défaite du Parti Socialiste au dernier scrutin. Je décide de ne pas entrer dans la polémique, et je refuse le whisky-coca que me propose l'hôtesse. D'un geste élégant, je passe la main dans mes cheveux, vers l'arrière de mon crâne, et je pose ma tête sur la partie supérieure du fauteuil, pour mieux visualiser mentalement le conducteur orchestre du Deuxième Mouvement de la Cinquième de Malher, ce qui m'apaise immédiatement.


Je suis prêt.

Enfin, le futur. Les machines, comme prévu, ont détruit l'humanité en envoyant des bombes un peu partout, transformant la terre en un très convénient désert apocalyptique de circonstance. Les machines sont maîtresses de l'Univers connu. Mais, ce n'est pas tout. Les humains survivants, très organisés, sont entrés en résistance, menés par John Connor/Christian Bale. Bon.

Sam Worthington a été exécuté par injections létales avant l'Apocalypse et a légué son corps à la Science. Il se réveille alors que les machines ont pris le contrôle et ne comprend rien à ce qui lui arrive.

Pendant ce temps, Christian Bale sait qu'il est sur la liste noire des Machines qui doivent l'exécuter d'ici quatre jours, lui ainsi qu'un civil inconnu qui pourrait être son père...
...son père qui est encore un adolescent (sic) et qui n'est au courant de rien. Dans l'immensité du champs de ruines qu'est devenue la Terre, le teenager fait la connaissance de Sam Worthington, ce qui avouons-le, tombe très bien pour une foultitude de raisons intra et extra-diégétiques. Les carottes sont-elles cuites ?

Bon, si vous n'avez pas suivi la saga TERMINATOR, ou tout du moins, pas vu le très sympathique premier opus, tout cela ne vous dit rien. Si vous n'avez pas vu TERMINATOR 2, ce n'est pas grave, c'est très mauvais et pompier. Passez directement au N°3, plus sec, bien écrit, bien joué et plutôt malin, et tellement plus dans l'esprit de la série B d'origine.

A Desertines, près de Montluçon, les fans sont contents : enfin on va voir ce qu'on va voir, c'est-à-dire le fameux Règne des Machines, qui les faisait fantasmer jadis quand il s'agissait de s'endormir sous le lit une place de la chambrette de notre enfance, au-dessous du poster de Robocop. McG, réalisateur qu'on apprécie à Matière Focale pour l'unique raison qu'il a le nom le plus court de l'histoire du cinéma, ce qui est parfaitement adéquat quand on boucle son article à la limite de la deadline, réalisa déjà les deux CHARLIE ET SES DRÔLES DE DAMES, pas fantastiques mais un peu rigolos, surtout le deuxième où Crispin Glover, sans doute le meilleur acteur du Monde, jouait, curieusement son propre rôle. Bon, l'informatif, c'est fait.

Vu en VF, TERMINATOR VS MARIE-ANTOINETTE déçoit nettement et sans traîner. Accrochez vos ceintures, car rien ne va. Parlons tout d'abord de la direction artistique, vraiment médiocre, à base de photo brûlée et de faux gros grains, propres à l'intégration des omniprésents effets spéciaux. Non seulement ce n'est pas très beau, et d'une, mais en plus, au final, le design du film étant ce qu'il est (les personnages, les objets et les décors du film, quasiment tous en synthèse, étant kitschissimes), bah photo brûlée ou pas, ça sent l'artifice à cinquante lieues à la ronde et ça fait tout pourri. Loin de l'atmosphère parano et d'intimité désespérée du N°1 et du N°3 (pourtant déjà gorgé de fric, pour ce dernier), la production cherche ici à lancer du grand spectacle pour les teenagers habitués aux récents blockbusters. On assiste ainsi à un déferlement technoloïde (mot-valise !) avec avions de chasse ultra-modernes, vaisseaux de plusieurs kilomètres de long, et surtout, détail significatif, des robots multifonctions géants. Adieu le bis, bonjour TRANSFORMATOR ! Le montage étant relativement suiviste et foutraque, le découpage n'offrant aucun effet de style ou de construction (si on excepte un champ/contrechamp mais si maladroitement amené, et surtout dont il ne ressort rien), il ne reste pas grand'chose à se mettre sous la dent. Le cadrage est complètement quelconque, et voilà qui conclut la mise en bière. Bref, la mise en scène, c'est poussif et sans aucune fantaisie. Tout est raté ou emprunté à gauche et à droite (MAD MAX 2 et 3, TERMINATOR 2, LA GRANDE EVASION, TRANSFORMERS 58, LA GUERRE DES MONDES, etc...). La palme étant attribuée à ce superbe plan sur la cité des machines directement pompé à, tenez-vous bien, BLADE RUNNER (film déjà pompé cent vingt mille fois), comme de bien entendu ! La classe.

Heureusement il y  le scénario, encore pire, longuissime, et là aussi en contradiction complète avec la logique du premier opus. La concentration des événements sent l'huile de coude, et elle est tellement utilitariste qu'elle coupe tout souffle épique. Sam Machin et Christian Bale mettent 28 ans à se rencontrer. Les bifurcations du scénario grincent comme les potes d'un manoir hanté, à l'image de cette scène stupidissime et soporifiquement classique où la petite zessgon aviatrice (toute droit sortie de Berverly Hills) doit se rapprocher du héros. Bah alors, bah tiens, si on faisait un bivouac. Oh oui, je vais aller chercher du bois. Mon dieu des sauvages ! Ils vont me violer, et hop je te sauve la vie, comment te remercier, viens dans mes bras. Voilà, ça c'est fait, cinq minutes perdues là où un changement d'échelle de plan dans un champ/contrechamp aurait suffit. Mais bon, comme ça, on sait que ces liens d'amour vont être bien utiles dans l'acte suivant. Et hop, c'est le cas, bingo, gagné, la voiture ou le rideau, c'est mon dernier mot Jean-Pierre. Tout est comme ça. Le déroulé narratif se lit bien en amont de l'action.

Les maladresses scénaristiques continuent. Les personnages secondaires sont affreux : le grand black second couteau et lieutenant (qu'il est mauvais en plus, et servi par des dialogues totalement avant-gardes : « Ca, c'est pour mon frère » dit-il en tirant une bastosse sur le méchant robot !), la petite fille de sept ans (mon dieu !), black (bien sûr) et muette (euh... séropositive aussi, non ?), ou encore l'Ordinateur Super-Puissant qui, en plus de contrôler le Monde, fournit des résumés de scénarios sublimes pour les personnages qui ont hiberné à un certain moment et aussi à ceux qui ont été chercher des pop-corns, ou qui sont allés couler un T800 aux toilettes. Le jeu de métaphores pourrissimes données en pâture au spectateur au bout de deux secondes (le baiser, le cœur qui bat, le manteau...) viendra faire le reste.

On s'adresse clairement aux 9/12 ans, certes, encore eux (de la même manière que le cinéma art et essai a été accaparé par les retraités), mais attention, pas à la manière d'un Joe Dante. Grosso modo, on est content d'apprendre que le héros de notre enfance, John Connor a un I-Phone, ou encore d'entendre cette phrase que tout le monde a relevé : « Oh mon Dieu ! Des Motos-Terminator ! » et autres splendouilletteries.

En un mot, c'est très mauvais. McG nous doit neuf euros !

Si vous n'avez pas d'autres questions, vous me permettrez de me retirer dans mes appartements pour me faire un jus de goyave, ou encore aller m'occuper de la pelouse avec ma Terminator-Tondeuse...

Dr Devo.

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Hé bé, hé bé, hé bé... C'est qu'elle est toute mimi la petite Christine Brown interprétée par la toute fraîche actrice Alison Lohman (Que l'on a déjà pu voir dans BIG FISH et LA VERITE NUE entres autres). Mais sous ses beaux atours, la jeune femme a des dents bien longues et est prête à la moindre crasse pour arriver à ses fins, en l'occurrence, devenir directrice adjointe d'une banque. Aussi le jour où débarque Mme Ganush, une affreuse bonne femme il faut bien le dire, la petite Christine, après avoir quelque peu hésité (pour se donner bonne conscience j'en ai peur) décide de ne pas accorder de crédit supplémentaire à la vieille pour sa maison, espérant ainsi s'attirer les bonnes grâces de son patron et atteindre le poste tant convoité. Hummm que c'est bon le nouveau Millenium! Vous me direz: "Les temps sont durs mon petit Saut Quantique, c'est la crise faut bien gagner de quoi payer son petit quignon de pain !" Reste que Mme Ganush, bof heureuse de se retrouver à la rue, est bien décidée à pourrir la life de la petite Christine... Et là, le moins qu'on puisse dire, c'est que ça va ièch pour son matricule!

D'emblée je dois quand même reconnaitre que JUSQU'EN ENFER est selon moi nettement moins écœurant que LE PETIT BONHOMME EN MOUSSE 1, 2 et 3, suivez mon regard, dont le dernier opus était proprement inbouffab'. SPIDERMAN c'était du bon gros film de studios qui ne valait guère plus que SANTA BARBARA (Ti lou ti la) pour ses tunnels de dialogues particulièrement niais et ennuyeux - oui mé tu conpren keud L'ultim sot kantiq, c'est des djeun's, c normal ki parl niais... mutter fucké - Ce sur quoi je vous conseillerai le visionnage, dans un genre certes différent, de n'importe quel film de John Hugues (16 BOUGIES POUR SAM, LA FOLLE JOURNEE DE FERRIS BUELLER, BREAKFAST CLUB) en terme de romance adolescente c'était quand même autre chose! Pour ce qui est de la mise en scène de SPIDERMAN, c'était franchement pas bath! (Man). C'était en gros, aussi insipide et impersonnel que n'importe quel gros machin hollywoodien de peu d'intérêt. Alors certes il a joui d'une certaine aura, apprécié du public et des critiques etc. Mais je trouve très honnêtement que nous étions à des années lumière d'un EVIL DEAD 2 par exemple. Beaucoup plus fou dans tous les sens.

Avec JUSQU'EN ENFER, c'est un peu back to the primitive. A y regarder de plus près, sans même trop s'approcher d'ailleurs, on voit que la trame scénaristique reprend les grandes lignes d'un EVIL DEAD, seule change la condition du" héros", dans le cas présent "l'héroïne" sans foi ni loi, là ou notre bon Bruce Campbell était plutôt cool, Yeah! (Certes fallait pas le faire ièch non plus, mais il avait bon fond). A ce propos, même si Raimi tente quelque peu de justifier les actes proprement dégueulasses de Christine, il met forcement le spectateur dans une position assez perverse et délicate. On est partagé entre: un peu la plaindre quand même - ou - se dire, "bah c'est quand même bien fait pour ton *** ma ***". C'est un peu déstabilisant. Enfin je vous laisse juge.

La question est, avec ce retour aux amours d'antan, est-ce que la mise en scène a elle aussi regagné en personnalité? Et bien je suis heureux de vous dire que oui... et pas tout à fait. Le temps a passé, Raimi a grandi et on ressent quand même un certain académisme dans la chose. C'est assez « classieux » au final, moins franc, moins spontané et moins fou qu'un EVIL DEAD par exemple. Vous me direz, où est le problème, mais comme Raimi fait un peu le même film, on est quand même tenté de comparer. Aussi Sammy est-il aussi moins inventif et se recycle quand même pas mal. Néanmoins on sent qu'il s'amuse à nouveau à l'opposé de sa trilogie SPIDER MAN, ce qui est plutôt réjouissant. Il joue davantage sur les échelles de plans, le montage est plutôt dynamique et laisse s'échapper quelques très belles choses, rarement mais quand même. Aussi la mise en scène est, elle, relativement au service de la peur. Alors on pourra trouver ça assez facile, le réalisateur jouant énormément sur des effets de surprise, genre...bouh ! Le son aura très souvent cette fonction dans une bonne partie du film sans qu'il y est en plus, une apparition horrifique, c'est plutôt bien pensé à ce niveau. Ce qui est assez "amusant" c'est que ce sont quasiment tout le temps les même "effets" et "motifs" de peur, très basiques et simplets en fait, qui interviennent. Il y a une sorte d'écœurement dans ces répétitions mais on ne peut s'empêcher de sursauter à chaque fois. Raimi renoue également avec de petites idées effrayantes et une certaine folie (l'épisode de la mouche, la séquence du repas), ce qui est toujours plaisant.  Un mot sur la durée, mine de rien ça compte aussi! Là où les SPIDER MAN duraient leurs 2 laborieuses heures et demie chacun, ce qui se ressentait terriblement, c'était ennuyeux, Raimi adopte là un format plus standard d'une heure trente, et ça se ressent aussi! Même si la durée d'un film n'est en aucun cas garant de sa qualité, on voit quand même qu'il s'en sort bien mieux comme ça. Le rythme est assez vif  et l'on passe d'une séquence à l'autre sans trop buter sur la marche. A mon sens cet opus représente un bel ouvrage, plutôt efficace dans son genre. Rien de bouleversant au final, mais plutôt appréciable en période de disette.

 L'Ultime Saut Quantique.

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Pour lire la précédent chronique cannoise et focalienne de LJ Ghost consacrée à INGLORIOUS BASTERDS de Quentin Tarantino: cliquez ici.




Nathaniel Brown et sa soeur Paz De La Huerta, deux orphelins qui se sont promis d'être ensemble pour toujours, vivent à Tokyo. Elle est stripteaseuse, il vit de menus deals de drogue ; il meurt à l'occasion d'une descente de police. Tandis qu'il agonise, sa conscience vogue et revit son passé, le présent et le futur.

Ce film ne ressemble à rien. Ce film n'est même pas un film. Il ne se rapproche d'aucune sorte du cinéma (ou alors l'est complètement et entièrement). C'est un voyage hypnotique et transcendantal en forme de mille-feuille. Mais c'est aussi une pastèque, une chaise, ou un ranch. SOUDAIN LE VIDE est tout à la fois, et même plus, et même rien du tout. Gaspar Noé, ici, dans un geste infiniment personnel, parle finalement à l'univers tout entier, dans un maelstrom de sensations qui touchent à un point sensible de l'être. Cette histoire de frère mort qui surveille sa soeur au-delà de la mort et du temps, idée naïve et plutôt casse-gueule au départ, s'avère finalement secondaire ; Noé se fout de son scénario, ou plutôt l'utilise à une autre fin : la sensualité. Tout son dispositif technique, le déroulement même de son scénario (quasiment du linéaire d'ailleurs ! On fait parfois des sauts temporels, mais nous sommes fort loin du récit à l'envers d'IRREVERSIBLE) ne cherchent qu'à évoquer quelque chose d'enfoui chez le spectateur. Et ce n'est pas une nouveauté, mais Noé est complètement jusqu'au-boutiste ; tout son film se déroule en point de vue subjectif, c'est à dire que nous sommes soit les yeux de Nathaniel Brown, soit sa conscience, soit nous sommes derrière lui. Ce parti-pris de mise en scène peut sembler ridicule mais est ici complètement payant : en voyant exactement la même chose que le personnage principal (c'est à dire en étant non seulement ses yeux mais en épousant également son point de vue totalement subjectif des choses), nous vivons sa vie intérieure de manière aussi réaliste que nous vivons la notre dans notre vie de tous les jours, et ce malgré la proposition complètement fantastique et mystique de l'oeuvre. Ce (oserais-je ?) modus operandi s'avère au final d'une richesse démesurée, parce que Noé ne s'arrête pas à cette idée de petit malin, mais l'enveloppe dans un écrin hallucinatoire qui finit de nous éblouir et de nous hypnotiser.

Encore une fois, c'est un film de ressenti, d'émotion ; pas de sens caché, pas d'explications à tiroirs, et même s'il justifie son "trip" au début du film en lui donnant une explication religieuse, non seulement on devine la fin au bout de quinze minutes, mais en plus ça n'a strictement aucun intérêt. L'intérêt, c'est le voyage (et il n'est même pas initiatique, c'est un voyage, posé là, sans raison, sans but, il ne sert finalement à rien, c'est peut-être ce qui est le plus beau). Notre oeil vole au-dessus des immeubles, au-dessus des avions, passe à travers les murs et les corps, virevolte et hallucine, voit des formes géométriques étranges, prend de la drogue, meurt, vit, voyage dans le temps, se souvient et regrette, baise, espionne, compatit, et regarde le monde avec précision et subjectivité. Le sentiment d'immersion est total, et la réussite de cette entreprise passe par les effets spéciaux et le montage. Ce dernier est complètement en adéquation avec le principe de mise en scène, et c'est très visible dès le départ (je n'en dis pas trop, mais je suis resté bouche bée une bonne minute devant la poésie et l'efficacité de cette idée de montage, qui vous sautera aux yeux dès le début) ; ensuite, une fois que Nathaniel Brown meurt, le montage se fait de manière plus heurtée, mais pas seulement : il privilégie énormément la répétition, dans un geste un peu à la Greenaway (j'exagère complètement, mais c'est pour vous donner une idée) avec, pendant une assez longue période, les mêmes coupes, les mêmes enchaînements, les mêmes mouvements. C'est assez beau, parce qu'encore une fois, le principe d'hypnose fonctionne, c'est comme un immense cercle qui se répète, qui se répète, qui se répète, tout en continuant de donner des informations, dans un mouvement de vague étrangement relaxant (malgré la dureté et la noirceur de ce qui est raconté ! On n'est jamais vraiment choqué, parce que tout se passe en douce, nous sommes presqu'endormis, mais pas vraiment ; presque morts, même !). Les effets spéciaux sont d'une importance capitale, et ici, toujours au service de la mise en scène et du modus operandi du film de Noé ; ce sont des hallucinations dues à la drogue, des voyages dans la lumière qui permettent de faire des bonds dans le temps et l'espace ; ils interviennent à chaque fois qu'un espèce de point de non-retour est atteint, disons plutôt à un moment où Nathaniel Brown apprend quelque chose de nouveau. Encore une fois, ici c'est la volonté d'hypnose qui prime, et avec ces formes, ces éclats de lumière, Noé parvient complètement à son but (attention tout de même aux épileptiques, parce que le metteur en scène n'y va pas de main morte !).

Gaspar Noé a parfaitement su s'entourer pour que tout dans son film puisse concourir à ce principe d'immersion ; visez un peu le casting : Benoît Debie à la lumière, Marc Caro aux décors, Thomas Bangalter aux effets sonores. La communion de ces quatre personnalités est évidente ; on dirait que Debie a fait louer la ville entière de Tokyo, tellement toutes ces lumières, tous ces néons sont source d'une sensualité extrême. C'est peu dire que la photographie change toutes les cinq secondes, et c'est assez beau pour les scènes en extérieur : comme ce sont particulièrement des enseignes de magasins, elles s'allument puis s'éteignent, pas toutes en même temps, mais on les reconnaît facilement ; le voilà, là aussi, l'immense cercle qui se répète ! Les décors de Caro sont hallucinants, en particulier celui de l'appartement de l'ami de Nathaniel Brown, avec son Tokyo miniature et complètement fantasmé, reconstitué ! Un dernier mot de technique : le son va vous faire pleurer toutes les larmes de votre corps. Le mixage est absolument parfait (notamment quand nous sommes dans la tête de Brown), et les sonorités industrielles qui parsèment le film entier sont un vecteur d'émotion assez hallucinant.

Profitant d'un séjour dans notre chère capitale, j'en profitais pour assister à la projection d'un film qui n'est manifestement pas destiné à nous autres provinciaux, c'est sans doute ce que pense le distributeur de MUTANTS, vingt-six copies le jour de sa sortie, merci merci. Il y a une logique que je ne comprends pas dans le fait de sortir un film comme HUMAINS dans toute la France, seul film à entrer sur Nanarland dès sa première semaine de diffusion (!), comme dans le fait de sortir un film potentiellement plus intéressant tel que MUTANTS sur seulement vingt-six salles. Bref, c'est Cannes, c'est la fête du cinéma, petit doigt en l'air-champagne !

Quelque part dans les Alpes. Partout en France, le monde est contaminé. Sauf Hélène de Fougerolles, son ambulance, son mec, et son garde-champêtre. Ils essaient de rallier Noé, un groupuscule para-militaire de survivants au virus. Des trois passagers de l'ambulance, peu vont voir la seconde bobine. Reste Hélène, déterminée coûte que coûte à s'en sortir dans un monde dévasté et avec un mari que le virus à rendu plutôt vindicatif. Histoire très classique, au moins on est sûr qu'ils ne briguaient pas la Palme du Meilleur Scénario.

Situons le contexte. J'ai vu MUTANTS dans des conditions étranges, dans une petite salle souterraine juste au-dessus du métro, chaque quart d'heure la salle tremblait plus qu'au Futuroscope. L'écran étant ridiculement petit, heureusement que l'image était correcte, et le son potable. Bref, c'était vraiment une projection splendide, entre les bas-fonds grondants et la Ville des Lumières, dans une strate oubliée, prise en sandwich entre les secousses souterraines et les feux de la rampe, ambiance prohibition post-apocalyptique avec du coca light. Voilà, il me semble important que le monde sache cela, pour comprendre ce qu'il s'est passé pendant l'Expérience et pourquoi je me suis rasé la moustache.

C'est toujours important le début d'un film, souvent plus marquant que la fin. C'est quand même la seule partie du film que 100 % de la salle suit, le moment décisif, l'accroche. Dans le cas qui nous intéresse, l'entrée en matière se fait par un générique old-school sur fond abstrait, suivi de quelques mots introduisant le scénario. Tout le monde est infecté, seuls quelques survivants, etc. Du vu et revu. Par contre, ce qui est d'emblée une idée forte, c'est de commencer par un plan entièrement flou sur des cadavres, suggérant tout de suite la violence de la situation et piquant l'intérêt du spectateur. Des corps en vie, morts, ou en instance de l'être. De cette introduction, on passe violemment à Hélène de Fougerolles et ses gyrophares, dans une sorte d'étreinte charnelle atomisée, une rencontre vie/mort à 70 km/h. Concis, c'est bien. D'autant plus que la direction artistique marque, elle aussi, beaucoup de points très rapidement. La photo se révèle bien plus belle que la traditionnelle teinte gris métal crainte dans les premiers instants. On ne s'ennuie pas, vite happé par le film. Malheureusement, on en sort aussi rapidement. En fait, dès que les acteurs l'ouvrent, le charme disparaît. C'est très mal joué, seul De Fougerolles - curieusement - est un peu crédible. Comme quoi, dès qu'elle ferme son Klapisch, ça va mieux. Autour d'elle, le casting fait vraiment pitié, sans doute de jeunes acteurs amateurs qui ont du chemin à faire.

En fait, très vite, un des défauts majeur du film se fait sentir. C'est beaucoup trop fermé ! On a l'impression de voir un film de fin d'études à la FEMIS, gros travail de story-board, tu sens que chaque plan à été minutieusement préparé pendant des heures, chaque réplique écrite à l'avance, chaque cadre dessiné. Il ne reste aucune marge de manœuvre, aucune folie, aucun terrain de jeux pour les acteurs comme pour le montage, il n'y a à aucun moment une impression indécise, un interstice sublime, un accident poétique. Tu m'étonnes que les acteurs aient du mal.

Deuxième défaut majeur, et pas des moindres, les scènes d'action (au demeurant pas si nombreuses) semblent sorties de 28 SEMAINES PLUS TARD : musique éléctro super forte, flot d'images accélérées, basses THX qui vibrent jusqu'au fond des couilles, gigotisme de la caméra quand il se passe quelque chose à l'écran. On sent vraiment l'influence de Fresnadillo.

Pourtant, il y a vraiment un travail à soutenir là-dedans. Déjà parce qu'il y a un ou deux plans sublimes, une idée par-ci par-là, de très beau effets spéciaux, et surtout un magnifique travail sur la lumière. Gros coup de chapeau à l'équipe technique ! Certains plans rappellent un peu le SOMBRE de Gandrieux, dans cette obscurité trouée par de rares lumières comme lorsque Fougerolles soigne son mari, éclairée par la torche d'un fusil, ou les extérieurs crépusculaires de la grande bâtisse. La scène finale, avec le mari-mutant, est très intéressante, très Cronenbergienne dans l'idée. Dommage que le thème de la mutation soit traité par-dessus la jambe dans le reste du film (en parallèle du survival classique, il y a une histoire genre LA MOUCHE, avec le mari qui se transforme, mais c'est plus anecdotique qu'autre chose...).  Autre idée intéressante, il y a une gestion du suspens assez belle. En fait, et c'est très beau, Morley gère ses climax comme le fait Dario Argento (en moins beau quand même) dans son dernier film (MOTHER OF TEARS, à voir !), c'est-à-dire qu'ils n'aboutissent jamais ! Je ne vais pas trop en dire à ce sujet, mais la scène de la porte trouée en est un exemple très réussi. La pression monte au maximum, mais en fait il ne se passe rien ! Ce faux rythme est très beau, et instille une méfiance de tous les instants.

Pour ces qualités techniques, pour l'écriture concise, pour la beauté de certaines scènes, le film vaut bien mieux que la majorité des films français estampillés horreur/fantastique. Pour ces mêmes raisons, la frustration est encore plus grande à cause des énormes défauts qui minent le film. Il sera intéressant de voir vers quoi va évoluer David Morlet. J'espère qu'il prendra de l'assurance, lâchera un peu plus la bride de ses futurs films, et surtout trouvera un style personnel en arrêtant de lorgner du côté de 28 SEMAINES PLUS TARD. Et puis, des acteurs, ça ne serait pas de trop.

Norman Bates.



 

[Photo: "Je leur avais bien dit pourtant, que le ciel était bleu comme un volcan, que l'herbe était verte comme un cygne s'envolant, et que ne comptaient que les tremblements de terre au fond de l'océan..." par LJ Ghost d'après une photo du cinéaste Derek Jarman.]




Vous trouverez ci-aprés la précédente chronique cannoise et focalienne de LJ Gjost: Jour 5.]

Après m'être fait refouler pour le Lars von Trier, je me fait accepter pour le Ken Loach. Si ça c'est pas un coup du karma...





Steve Evets est postier en Angleterre, fan de football et en particulier du club de Manchester United. Il a connu une femme trente ans plus tôt (Stephanie Bishop), avec qui il a eu un enfant (qui a son tour a eu un enfant) et qu'il a quitté du jour au lendemain. Il s'est ensuite remarié avec une femme et les deux enfants de celle-ci ; seulement, elle est partie (je vous laisse découvrir la raison) et maintenant Steve se retrouve seul à élever ses deux beaux-fils, de grands gaillards en pleine crise d'adolescence, les deux magouillant dans des petites combines. Un jour, Steve a un accident de voiture mineur et se rend alors compte que sa vie dépérit petit à petit, en partie parce qu'il regrette d'avoir quitté Stephanie Bishop. Ne trouvant pas de réconfort auprès de ses amis postiers, il se tourne vers son imagination, incarnée par son idole, Eric Cantona (qu'il considère comme un Dieu), qui va le coacher pour ramasser et recoller les parcelles éparses de sa vie, et principalement reprendre contact avec sa première femme.



Curieux objet cinématographique que ce LOOKING FOR ERIC. Si on a connu Loach, toutes ces années, pour être le parangon du cinéma social, du cinéma du réel, qui lui a permis de gagner sa première Palme d'Or en 2006 pour LE VENT SE LEVE, il se trouve ici en antinomie avec ce qu'il a fait jusqu'ici. Enfin, en antinomie, c'est exagéré. Je m'explique. Si l'observation sociale est toujours présente, elle l'est en filigrane (enfin, pas complètement, disons qu'elle n'est pas le coeur même du film - même si elle est très remarquable). Nous nous retrouvons donc avec une espèce de comédie romantique à l'américaine (le coach qui aide le loser à avoir la fille), teintée de fantastique (de fantasmagorie, plutôt - le coach en question est une vision de l'esprit, une projection de l'image que Steve Evets se fait de son idole), tentant l'humour (la séquence de psychanalyse de groupe est plutôt réussie sur ce mode-là), mais sans véritablement de conséquences sociales à la fin. Disons qu'il est intéressant de voir Loach s'essayer à ce genre d'exercice, mais que le résultat n'est pas particulièrement transcendant.



Puis, le film observe un changement de cap, et bifurque ensuite vers un espèce de drame, en tout cas un événement à résonance dramatique, tout aussi américanisant, que rien ne laissait vraiment deviner. Cette métamorphose du film est plutôt inconséquente, et on se dit finalement que s'il a fait ça, s'il a choisi cette voie, c'est pour gagner trente minutes et le coeur des spectateurs, en un espèce de morceau de bravoure qui justifie assez maladroitement le parti-pris du film. En clair, j'ai l'impression que s'il avait retiré ce passage, le film aurait non seulement gagné en concision, mais aussi que ça n'aurait pas vraiment eu de répercussions sur la fin. Il (le passage) semble donc artificiel et simplement là pour servir une morale fraternelle assez téléphonée et pas vraiment bouleversante (ni dans l'originalité, ni dans l'émotion conférée au spectateur).



Il me paraît également important de dire que malgré la teinte américanisante du film, il se fait plutôt en lo-fi, morne, à la façon Loach, finalement. Il reste visuellement fidèle à lui-même tout en semblant ingérer et régurgiter quelque chose qui, entre des mains américaines, aurait donné un film faste et rempli de belles gueules ; ici, l'anglais n'utilise pratiquement que des gens "moches", "normaux" plutôt, là où de l'autre côté de l'Atlantique on aurait eu Will Smith et Julia Roberts. L'impression du film s'en trouve finalement assez étrange.



Si on regarde dans le moteur, le film finit de nous décevoir ; il y a bien un joli grain dès le début du film, mais il est complètement gâché par la propension de Loach à ne filmer qu'en plan rapprochés (c'est très agaçant, depuis le début de ce Festival, j'ai l'impression d'à chaque fois me répéter, comme si j'avais toujours vu le même film) pour être toujours plus près des personnages (ce qui est, bien sûr, une idiotie). Les cadres sont donc laids et quelconques, la photo est grisâtre (que voulez-vous, on est en Angleterre - ah, mais allez plutôt voir un bon petit Derek Jarman, vous verrez que de l'autre côté de la Manche, tout n'est pas gris !), le montage et le son n'existent que pour servir le scénario. Je n'ai pas réussi à bien identifier la technique de filmage, si c'était de la caméra épaule, du panoramique tremblé ou de la steadicam qu'on trimbalait dans tous les sens, mais c'était très agaçant. La palme (ahah !) revient aux séquences de voiture, d'une innommable laideur. Bref, de ce côté-là, il ne fait aucun effort, c'est quasiment du foutage de gueule pur et simple.




Note du Festival : quatorze étoiles sur cinq possibles (il n'y a qu'à voir la réaction du public, très en forme et de très bonne composition, qui a applaudit me semble-t-il trois fois durant la projection ; petite remarque avant de vous quitter : j'ai remarqué que durant le Festival, le public était très joueur et réagissait bruyamment à chacun des films que j'ai vu - ça et l'extraordinaire qualité des copies, mais ça devrait être la moindre des choses tout le temps).



LJ Ghost.






Retrouvez la chronique focalienne et cannoise suivante de LJ Ghost: ici.

Jour 3 du Festival de Cannes, avec comme programme, pour votre serviteur, deux films en compétition et une superbe reprise en séance spéciale, avec des guests de choix ! Commençons !




THIRST (CECI EST MON SANG...) de Park Chan-Wook (Corée du Sud, 2009)

Un jeune prêtre, le sémillant Song Kang-Ho (déjà vu dans le sympathique THE HOST), décide un jour de partir au fin fond de l'Afrique pour se faire inoculer un virus dévastateur afin de tester un vaccin. Il est le seul survivant de l'expérimentation, mais suite à une transfusion de sang, se découvre de curieux pouvoirs : il est devenu vampire. Dans le même temps, il tombe sous le charme de Kim Ok-Vin, la femme d'un de ses amis d'enfance...



Park Chan-Wook est un petit malin, qui semble très bien connaître son métier ; car quand on n'a pas lu le synopsis, ce qui était plus ou moins mon cas (survolé et pratiquement oublié), avant d'entrer dans la salle, la première bobine fait un peu peur : vraiment ? Un film de paroissiens où rien ne se passe, dans un espèce de faux rythme assez dérangeant ? C'est là que notre ami Park bascule son film, et le fait bifurquer vers un vrai film de genre, complètement premier degré, et dans une espèce de descente aux enfers physique et psychologique. Il est en cela complètement aidé par sa mise en scène, qui se métamorphose petit à petit, à l'unisson du personnage principal : sage et plutôt en à-plat au départ (avec un joli jeu sur l'échelle de plans), pour poursuivre de manière un peu baroque en enchaînant les inserts, les filtres, une photographie belle et changeante, et plein de petites idées tout à fait poétiques que je vous laisse découvrir pour ne pas vous gâcher tout le plaisir. Le montage est précis et alerte, il multiplie les axes et n'hésite pas à utiliser un humour noir assez savoureux en contrepoint de la violence sèche mais rare et subtile, qui fonctionne très bien.



Quelques bémols cependant. Le film semble un peu trop long ; le rythme ne me paraît pas très bien géré, il y a quelques longueurs assez embêtantes dans le ventre mou du film. Les acteurs ne sont pas parfaits non plus, Kim Ok-Vin manque un peu de précision, mais rien de rédhibitoire, finalement. Le film est extrêmement physique, et a demandé une belle dévotion de la part des acteurs, dans la déliquescence de la maladie comme dans la chaleur de l'étreinte animale (belles scènes de sexe, par ailleurs, parfois gênantes, avec une évidente mais réussie utilisation du son).



Peut-être pas un chef-d'oeuvre mais un film réussi, assez ambitieux mais qui a parfois du mal à s'affranchir de certains clichés inhérents au genre auquel il appartient (je tiens en exemple la longue séquence finale, genre de jeu mimesque désespéré, inutile et beau, au son particulier ; je n'en dis pas plus).



Un idée m'est venue tout à fait récemment : pour les films en compétition que je verrai, je leur donnerai une note représentant l'appréciation (probable) des membres du jury du Festival et la chance qu'ils aient la suprême récompense. Je ferai ça sous forme d'étoile, de zéro à cinq pour les "chefs-d'oeuvre" cannois. Pour THIRST, je mettrai trois étoiles (parce que bon, voyez-vous madame, un film de genre, ça fait mauvais genre !).








BRIGHT STAR de Jane Campion (Nouvelle-Zelande/UK, 2009)


Nous sommes quelque part en Angleterre, en 1818, et il fait beau. Ben Whishaw est un poète génial mais incompris, trop engoncé qu'il est dans sa veste délavée et sa ténébritude. Abbie Cornish est une jeune fille trop moderne pour son temps, effrontée et créatrice de robes à froufrous qui ont un grand succès dans les bals du dimanche soir. Entre la superficielle et le torturé, les choses sont difficiles au début mais Abbie, touchée par les vers de Ben ("Le ciel est bleu/Les nuages sont blancs/Gêné par le vent/Je vais me chercher une petite laine"), tombe amoureuse du sus-nommé, et réciproquement, rapprochés qu'ils sont par la maladie mortelle du frère de Ben, le pauvre garçon. Les deux tourtereaux vivent une passion secrète à base de balades en calèche la nuit, devant l'incompréhension des familles et amis des amants contrits. Finalement, la maladie de Ben va changer bien des choses dans leur quotidien...



Alors, bon, par où commencer ? Peut-être par le fait qu'il s'agisse d'un film en costumes doublé d'un film de maladie (NdDrD: Oh, mon Dieu!), ce qui, bien évidemment, ne présage au départ rien de bon. Mais n'ayez point peur ! La gangrène va se propager.



Inutile de rechercher la moindre trace de mise en scène, même au microscope vous n'en verrez pas. Tout est d'un académisme désespérant, les cadres ne sont pas composés et elle a complètement oublié l'existence des axes. Ah si, à un moment il y a une petite plongée, quand Abbie apprend la maladie de Benny. C'est tout à fait iconoclaste, vous en conviendrez, mais finalement l'effet fonctionne plutôt bien puisque pendant l'heure quarante-cinq précédente tout n'a été filmé qu'à hauteur d'homme. On lève donc un sourcil et on se dit "Ah !", puis on peut retourner dans les bras de Morphée. Ajoutons tout de même que pour les scènes en extérieur entre les deux rouge-gorges, l'image granule un tout petit peu et il y a du flare, parce que bon, Jane Campion met sa caméra en face du soleil entre les branches des arbres. Le son est quant à lui totalement inutilisé ; sauf pour les dialogues, le plancher qui craque sous les pas en intérieur et les petits oiseaux qui piaillent en extérieur. Les acteurs sont nuls (à part la petite boniche qui m'a paru plutôt intéressante). Côté montage... Quoi ? Pardon ? On se connaît ?



BRIGHT STAR est une espèce d'éloge au romantisme petit-bourgeois avec un balai dans le fondement, qui n'aime rien mieux que de déblatérer de la poésie au lieu d'en faire. Jane Campion a lu Orgueil et Préjugés, a bien aimé, et a décidé de faire la même chose. Ahem.



Ah oui, et c'est une histoire vraie. Rions ensemble, ou pleurons de désespoir.



Note du festival : cinq étoiles.








LES CHAUSSONS ROUGES de Michael Powell et Emeric Pressburger (UK, 1948)

Soirée de gala dans la salle Debussy du Palais des Festivals, Martin Scorsese venait présenter la remasterisation des CHAUSSONS ROUGES qu'il a orchestré (le film l'ayant beaucoup marqué dans sa jeunesse). Il était accompagné de la femme de feu Michael Powell et, dans la salle, quelques guests de choix : Rosanna Arquette, Tilda Swinton (Tildaaa !) , James Gray, Ang Lee, Harvey Weinstein... Du beau linge, donc, pour cette projection du chef-d'oeuvre du duo anglais, et un peu de jeanclaudebrialisme ne fait jamais de mal à personne ! [NduDrD: t'as rencontré Tilda? Et j'étais pas là? La vie est injuste, Dieu n'existe pas...]



Que dire chers amis, que dire ? Que LES CHAUSSONS ROUGES n'ont pas vieilli d'un poil, que la photo de Jack Cardiff est d'une beauté hallucinante et fait à elle seule monter les larmes aux yeux, que les décors en carton-pâte de Hein Heckroth sont à se damner, que la volonté de Powell et Pressburger de placer, au centre de leur film, seize minutes de ballet est une idée brillante et une leçon de cinéma unique : quel besoin de dialogues ? Il ne suffit que de mise en scène, de montage et de direction d'acteurs, un peu de caches, de surimpressions, de jeu de reflets, et on fait un film merveilleux ! Je n'ai plus d'adjectifs assez forts, tout est magnifique, point.



J'ai vu, sans aucun doute, le plus beau film du Festival. Et celui-ci n'a aucune chance de gagner. Mais aurait-il seulement gagné ?



LJ Ghost.



Retrouvez la précédente chronique de LJ Ghost sur le festival de Cannes 2009 ici: Jour 2.

Et retrouvez sa chronique suivante ici: Jour 5.

Chers Focaliens,

Ce fut quand même émouvant, quelque part, de fouler - pour la première fois de sa carrière - le sol prestigieux du Festival du Film Fantastique de Bruxelles, ces deux derniers dimanches, évènement mythique qui pendant plus de vingt ans fit découvrir des œuvres magnifiques ou intéressantes, et qui permit au cinéma fantastique de ces époques lointaines de briller et d'imposer au fil du temps quelques auteurs sympathiques ou indispensables. Je songeais alors, tandis que moi et mon "posse" nous approchions du hall consacré, à Mad Movies et sa découverte frénétique qui nous fit tellement de bien, pendant ces années qu'il convient de définir maintenant d'âge d'or. Si un emploi du temps moins foutraque ne m'avait pas enchaîné loin du monde de la critique pendant plusieurs jours, nous aurions pu bien plus en profiter, mais que voulez-vous, au final je fis ce que je pus, en me rendant à Bruxelles deux dimanches de suite pour y apercevoir furtivement trois galettes.

Les choses ont bien démarré avec NIGHTMARE DETECTIVE 2 de Shinya Tsukamoto, mémorable auteur que je découvris juste avant qu'il ne devienne un réalisateur underground apprécié en France, grâce à un autre festival, plus sublime encore et qui me manque toujours plus, l'Etrange Festival de Paris. [Il faudrait d'ailleurs sacrifier quelques poulets ou un nombre égal de jeunes vierges afin que le Festival renaisse après ces deux longues, interminables années de suspension... Envoyez vos bêtes à Matière Focale qui sacrifiera.] Ainsi, on a bien suivi le réalisateur de la duologie TETSUO, chefs-d'œuvre industriels, car à l'époque, le Monsieur a vu la plupart de ses films distribués en France et en salles, et tout le monde était content. Et puis, car décidément on connaît la musique, ce fut le désamour léger et tranquille. Les fans mondains de l'époque ont dû se réfugier, j'imagine, sur des valeurs "sûres" mais contradictoires, et la critique a enlevé le tapis rouge  pour accueillir plus mollement, dans un soupir blasé, les nouveaux films du réalisateur qui passa tranquillement et sans un bruit à la trappe. Au final, nous voici dans les années 2000, et même en 2009, sombre période où l'on peut passer des semaines en salle sans voir un bon film, mais où ces auteurs jadis vantés et vendus par toute la branchouillerie cinéphile ne sont même plus distribués. "On joue comme on aime", disait le poète, mais je crois surtout, mes chers amis focaliens, qu'ils jouent comme on déteste. Triste époque.

Le jeune héros de NIGHTMARE DETECTIVE reprend donc du service. Il est bien triste et déboussolé, le pauvre. Sa réputation de "résolveur" de psychoses nocturnes fait qu'il est abordé par une jeune lycéenne qui ne peut plus dormir et pour cause : elle est hantée par une élève de son lycée à laquelle elle a joué un tour bien néfaste. Notre héroïne a voulu se moquer d'elle, avec deux autres camarades puériles, et la victime a eu la peur de sa vie. Traumatisée mais vivante, elle reste cloîtrée chez elle, tandis que l'héroïne ne peut s'empêcher de voir la marginale effrayée revenir en rêve, chaque fois oppressant et dangereux. Ca pue la mort, même si le sang n'a pas encore coulé ! Mais notre ami détective des rêves refuse d'aider la jeune fille insomniaque au motif pas con que, si elle a traumatisé sa camarade de classe, elle n'a qu'à simplement demander pardon, et les cauchemars s'en iront ! Lui-même a d'ailleurs plus urgent à faire : il est poursuivi par un rêve concernant sa propre enfance et le destin effrayant de sa mère !

Ce qui est bien avec Tsukamoto, c'est que ce n'est pas du tout Tavernier, ni même un réalisateur pour étudiantes en filmo ou candidat à la F®EMIS(sse). Ca croche dedans, ça tord de partout, ça explore le support, et c'est, Dieu sait que c'est une qualité par les temps qui courent, reconnaissable, ça a une gueule. Pour le Japonais fou, faire un film c'est bien, mais faire un film qui ne ressemble pas forcément à un film, c'est mieux, et quand j'entends ça, moi, ça me bouleverse, je sens les synthétiseurs qui montent. Ceux qui n'ont jamais rien vu du bonhomme peuvent acheter le coffret TESTUO 1 et 2  (vu à 9€ dans une grande enseigne cette semaine!) pour se faire une idée de la chose, et je leur dis "Bon voyage !" et "De rien !".

Etonnamment, ce NIGHTMARE DETECTIVE 2 démarre non pas mollement ou de laide manière, mais dans une tonalité un peu neutre. Pas de faute de goût, certes, mais pas d'élans sublimes ou d'audaces formelles et/ou scénaristiques. Tsukamoto semble filmer son intro et sa mise en place de manière bien narrative, plutôt calme, en fait, l'air de rien. Bon, soyons honnêtes, à côté des dix derniers films art et essai chroniqués dans ces pages, c'est du Mozart, bien entendu. L'ami "risque-osé" aurait-il ravalé ses audaces, ou attendrait-il de venir au bon moment avec ses plans stressants, hihihi ?

C'est qu'il refroidit le chaland de manière opportune. On enclenche les vitesses tranquilou, pour appuyer le scénario, plutôt simple (et vous allez voir que ça, c'est une sacrée bonne option) qui joue sur la démission du héros. Mouais. Finalement, ce n'est pas un calcul si mauvais, d'une part parce que ladite introduction n'est pas interminable, et d'autre part parce qu'elle laisse ensuite place à un film plus dense et qui, lui, va se dérouler sous de tous autres auspices ! Et une fois que c'est parti, bah c'est parti, ça ne rigole plus du tout, et c'est déjà beaucoup moins sage. Amis du Cinéma, je vous dis bonjour !

NIGHTMARE DETECTIVE 2 déploie ses éléments narratifs et ses zones de sens de manière - à première vue - foutraque, dans un joyeux boxon comme disaient les jeunes en 1987, mais au final, même si certaines idées restent bien floues voire abstraites, le film n'est pas une mécanique si compliquée, et les enjeux, une fois identifiés, sont assez simples, voire proches du cinéma fantastique plus convenu, parfois. C'est quelque chose que Tsukamoto a déjà tenté, et je crois que c'est grâce à cette façon de faire qu'il arrive encore à faire des films. Souvent, les trames elles-mêmes sont assez balisées. Tsukamoto, par contre, contrairement à beaucoup de cinéastes à travers le monde, ne prend pas ces sujets pour pouvoir y mettre deux ou trois de ses grains de sable favoris. Non, lui, une fois qu'on lui a donné le chèque, il s'appuie sur le scénario tranquille pour plonger dans son univers habituel. C'est le scénario qui doit rentrer dans les vues et les obsessions du Monsieur, et non pas le Monsieur qui fait allégeance au genre et place une ou deux de ses figures de style en passant.

La première séquence onirique, assez calme, plutôt sobre en fait, est aussi assez surprenante par sa frontalité, et son jeu avec le cadre. Avec peu d'éléments, elle semble indiquer une espèce de soin maniaque, simple et gratuit, sans volonté d'en mettre plein la vue au niveau esthétique mais plutôt en se basant sur des idées simples : tremblé final, par exemple, et aussi le jeu avec le placement des actrices (dont la géographie, entre elles, est bien malmenée) qui doivent absolument se retrouver sur des endroits stratégiques des lignes de terrain sur le sol du gymnase ! Ca, moi, en bon fétichiste baroque, amoureux du gratuit, j'aime beaucoup.

A partir de la deuxième "mort" (vous me permettrez de ne pas en dire plus), les choses s'accélèrent. Finis le calme et la tranquillosité (yeah !) de l'introduction : Tsukamoto a déjà lâché à ce moment les chiens et sa mise en scène. Je vais expliquer tout de suite en quoi il fait cela, et à quoi ça ressemble, mais une remarque d'abord. On est, je pense, d'un simple point de vue de goût et d'esthétique (remarque personnelle donc !) assez en-dessous des TETSUO dont la tonalité archi-industrielle (au sens visuel, mais sans doute musical aussi) est plus proche de mes propres préoccupations. Fin de la remarque. Si vous voulez, d'un point de vue brut, c'est pour moi moins beau que les deux premiers films du réalisateur. Ceci posé, et là j'entre dans le vif du sujet, Tsukamoto charge suffisamment la barque pour faire quelque chose d'encore une fois étonnant. Ca va passer par plusieurs facteurs de mise en scène, à des niveaux différents d'ailleurs, mais dont la combinaison globale (et vraiment complémentaire) va faire que la mayonnaise du tonton nippon va prendre un tour très déroutant et imposer au film une tonalité et un rythme vraiment curieux.

Premier levier, le cadrage. Les plans les moins agités, sans être laids, sont non spectaculaires. Les autres plans, plus nombreux, et même de plus en plus nombreux par la suite (aidés en cela par une radicalisation du montage) privilégient des cadres assez crados, des mouvements assez malpolis et agités qui font bien chavirer la ligne d'eau du bocal. Le montage soutient l'effort privilégiant, mais pas systématiquement, les plans courts ou les plus foutraques. Dans les faits, c'est très simple, on est dans une logique du "tremblé". Un tremblement d'ailleurs bien excessif et constant qui contaminera presque (et seulement presque, car d'autres plans plus léchés, et bien léchés, seront mis en opposition à ces plans tremblés, et donc en exergue) tout le film au fur et à mesure, jusqu'à une forme assez impressionnante de chaos, quand le montage aura repris la suprématie sur le cadrage (dernière partie du film, et les vingt minutes après la deuxième "mort"). Cette logique de tremblé, je vais la comparer à celle de deux autres cinéastes. En fait, ce n'est pas une comparaison mais plutôt une analogie, car les trois cinéastes sont tous très différents, mais cette très grotesque et inattendue analogie vous donnera une idée théorique des sensations et du style du film (chose quasi-impossible à faire dans une critique !). Si les trois styles sont différents, il y a peut-être un effet de cousinage qui relie de manière théorique Cassavetes, Von Trier (dont Shinya est forcément plus contemporain), et Tsukamoto. Cassavetes est sans doute plus modéré dans son modousse opérandaille, plus à cheval sur un filmage classique, mais sa méthode n'en est pas moins iconoclaste. Chez les trois grands, on retrouve cette volonté d'appliquer au cadrage et à la mise en scène une esthétique à contre-courant, consistant à se réapproprier le cadrage et le mouvement et de les placer dans le cadre d'une esthétique non-pure, bousculée, un peu crado en quelque sorte, qui envoie balader (a priori) la composition classique. Le matériau de ces trois-là est un matériau brut, certes, mais qui vise justement un soin assez maniaque. Il y a cela chez les trois, parce qu'ils réorganisent leurs cadrages secoués du tournage, par une réorganisation suprême au montage (qui est chez tous l'étape ultra-décisive). On retrouve donc chez les trois, un filmage rock'n'roll et malpoli cherchant la rocaille plus que la taille du diamant pur. Puis, au montage, on retrouve cette volonté de réorganiser le matériau parfois non-noble (dans lequel on a déjà des choses magnificentes, particulièrement dans la composition chez Cassavetes,  dans le recadrage sauvage et l'utilisation mongoloïde des mouvements chez Trier) et de privilégier le rythme bien sûr, mais aussi, comme disait Rohmer ou Rivette ou un autre, de corriger le scénario ou plutôt de réorganiser la narration en la développant et l'approfondissant par le montage. On colle donc de manière hétéroclite, et on dépasse les éléments écrits au départ. Composition non-pure, montage comme élément suprême réorganisant tout (et même la composition des plans eux-mêmes, puisque la façon dont ils sont collés utilise une manière non ouvertement logique de faire du sens, et je dirai même plus une logique de déstructuration ou de poésie) et réorganisation de la forme (très) écrite de départ au profit d'une réécriture dans le collage qui désigne des façons inédites de faire sens.

Dans NIGHTMARE DETECTIVE 2, la chose est d'un chaos total, mais touchant, tant Tsukamoto non content de cette esthétique déjà bien rock'n'roll, utilise la répétition de manière systématique. Le film colle trois histoires (ou deux et demie) ensemble, alors même qu'elles sont assez différentes, de manière complètement artificielle. De plus, il répète sans cesse les mêmes cadrages déconstruits, mais aussi une scénographie de l'action assez particulière. Pour dire les choses grossièrement, on a l'impression nette et désespérante que ce sont toujours les mêmes scènes qui sont dupliquées. Il s'agit de la récurrence de la scène du gymnase, bien sûr. Mais finalement que voit-on dans le film ? Une exploitation répétée de façon éhontée  et complètement "absurde" (dans le sens de désespérante) de la même grappe de deux ou trois scènes, à savoir la montée des escaliers, l'ouverture de la porte et enfin le contrechamp qui suit (en général facteur de cassure).

NIGHTMARE DETCTIVE 2, ce n'est que ça : monter le même escalier trois mille fois, et ouvrir une porte. [Le film est rempli de plein d'autres éléments de double ou de répétition que je vous laisse découvrir.] Pendant vingt minutes, à partir de la seconde "mort" puis dans la dernière partie, on assiste alors à quelque chose de très troublant et de sublime : l'impression d'être dans un couloir cubiste de sensations déclinées ad libitum, sans espoir de sortie. Pendant une bonne demi-heure, Tsukamoto nous lessive, nous tourne dans tous les sens, comme s'il voulait appliquer cette technique de "tremblé" au montage lui-même et plus seulement au cadre. Ca marche redoutablement bien. Car, dans le chaos concret de ce long couloir sensoriel, les émotions ne cessent de nous harceler. La sensation de perdition est épouvantablement physique. Le temps (du film, du montage, du visionnnage...) semble vraiment s'étirer et se tordre. C'est sans doute le meilleur moment du film, et rien que pour ça, rien que pour voir et surtout sentir comme Tsukamoto réorganise ces matériaux pour en faire ce cauchemar sans fin, le film vaut le déplacement.

On retrouve cette sensation, je le disais, dans la dernière partie du film qui emboîte souvent le pas sur des éléments plus loufoques, et même une ou deux fois grotesques mais qui ne s'appuient plus seulement sur le côté heurté du montage. Entre les montées d'escalier et les ouvertures de portes (et les descentes !) incessantes, s'intercalent des plans "oniriques" plus travaillés, plus posés aussi, dont il sera quelquefois dur, sous leur apparente simplicité (et sous la simplicité réelle du scénario), de mettre le doigt sur le sens. En tout cas, entre quelques scènes plus classiques (dont la très belle montée en ascenseur qui appartient plus au film de genre, mais où on trouve un superbe plan faussement bâclé ; sauras-tu le retrouver ?), Tsukamoto lâche ses plans plus symboliques. L'histoire continue de progresser. Elle est simple. Il s'agit d'un deuil absurde, d'empathie trop prononcée et de violence sociale. Mais au fur et à mesure, il approche un sentiment plus diffus qu'il va réussir à imposer par ces images léchées qui auraient dû nous apparaître comme très kitsches. Je pense aux scènes de forêt avec ces trucages bien faits mais splendouillets, mais qui, dans le mouvement global du film, dans leur subtil placement narratif et dans le montage (tout cela est amené avec sensibilité et rythme) déploient au final une force énorme. Je n'en dirai pas plus sur ces très belles idées finales, complètement dévolutionnaires. En tout cas, j'ai trouvé bouleversante et vraiment belle (et très originale pour le coup) l'idée du "trou dans la forêt" et sa remontée désespérée et calme (avec un superbe contrechamp d'ailleurs), ou encore l'arrivée répétée du héros sur le toit de la maison (idée sublime), ou les descentes sous-marines où Tsukamoto menace (par la répétition, encore une fois) de mettre le film en forme d'une boucle impossible à arrêter. Du schéma d'enfermement et de répétition stérile et douloureuse de la première partie, Tsukamoto passe à une tentative laborieuse de brisure du cercle pendant laquelle la boucle se mue en une (d)évolution chaotique (les retours en arrière sont nombreux et douloureux), une évolution en colimaçon où l'on n'est jamais sûr que le disque soit rayé comme au début du film, ou si l'on continue d'avancer, idée d'autant plus magnifique qu'elle est relayée par une question bouleversante : comment refuser le scandale de la naissance ?!!?

NIGHTMARE DETECTIVE 2 nous donne l'occasion d'avoir des nouvelles de Tsukamoto, dont on sent cependant qu'il en a largement plus sous le pied, et nous prouve qu'il continue à travailler sa matière et qu'il remet en jeu, largement, son travail. C'est une honnêteté, pleine de risques certes, mais touchante, et c'est aussi une bonne nouvelle. Le cinéaste continue de bosser et sur des formes toujours chahutées, en recherche. Dommage qu'il faille aller dans un festival pour voir ce genre de cinéma, et que systématiquement ces projets plus ambitieux soient absents des salles.

Dr Devo.

PS : pour ceux qui ne le savent pas, le Concours Tanaka est ouvert ! Allez jeter un œil et amusez-vous avec rigueur !

[Photo: "Des Fois, Je Suis Surpris" par Dr Devo, d'après une pochette de DVD du groupe Dark Age.]

Chers Focaliens,

Il fallait prendre son courage à deux mains pour aller cette semaine au cinéma. Mais nous le fîmes quand même, et faire un choix dans la track-list des cinémas art et essai ou du Pathugmont de la ville ne fut pas une mince affaire, et ce d'autant plus que des contraintes de temps nous obligèrent à réduire la liste des possibles...

C'est comme ça qu'on se retrouve devant le nouveau film de Sophie Fillières, UN CHAT UN CHAT, qui raconte les aventures de Chiara Mastroianni, une écrivaine déjà auteuse de deux livres mais qui est un peu coincée dans le moment, puisque l'inspiration lui manque et que le syndrome de la page blanche l'habite. Les choses prennent un étrange tournure lorsqu'Agathe Bonitzer, une jeune femme en Hypokhâgne, se met à la suivre, à l'épier, puis à interférer dans sa vie. Fan de Mastroianni, elle veut l'obliger à écrire son prochain livre sur elle (Agathe Bonitzer, suivez un peu !). Mais la romancière ne l'entend pas de cette oreille...

Même si on a hésité entre ce film et FAST AND FURIOUS 4 (rires), on peut dire que le film de Sophie Fillières annonce assez clairement la couleur. On est dans un film "à la française", de type art et essai classique, que les mauvaises langues qualifieront bien sûr de "Cinéma FEMIS". [Tiens, deux Focaliens tentent la FEMIS cette année ! Ca va donner !]. Economie de décors, plutôt réalistes, un peu de Paris, beaucoup d'appartements, et surtout des acteurs. La réalisatrice donne le "la" d'entrée de jeu. Si cette comédie semble plutôt terre-à-terre dans son modousse opérandaille, les dialogues et le scénario la placent dans une perspective plus surréaliste, plus loufoque où les jeux de mots et sur les mots sont incessants et teintent énormément un quotidien qui n'a l'air de rien mais qui s'impose assez vite comme totalement décalé, assez loin d'un réalisme qu'on pouvait craindre. Et c'est sûrement là le sujet de la chose : le chaos de la vie banale, son absurdité fondamentale, son opacité sémantique, et bien sûr, moteur de l'ensemble, l'insaisissable langage, impossible à appréhender clairement, plus vecteur de confusion que de compréhension. La situation de départ, la relation entre l'écrivaine et la groupie envahissante, sert de deuxième lame, et à travers elle se déploie une série de thèmes ou de figures assez identifiables : le double, le faux-semblant, l'inversion possible des personnages, le désarroi social, familial ou amoureux...

Pour mettre en place tout ça, Fillières utilise, chose de plus en plus rare, le format 1.66 que j'adore. Malheureusement, très vite, le compte n'y est pas du tout. Comme vous vous en êtes rendu compte, depuis un an et demie, voire deux ans, j'ai vu pas mal de films art et essai français, plus ou moins confidentiels, et je dois dire, en tant que critique cinéma au magazine QUE CHOISIR (c'est une blague, bien sûr), que les mesures effectuées en laboratoire montrent clairement que le film, sans qu'il ne bouleverse quoi que ce soit, possède deux ou trois micro-machins un peu au-dessus de la moyenne. D'abord une photo qui, sans rien apporter de bouleversant, est plutôt soignée au moins sur les deux ou trois premières bobines, car pour le reste, ça m'a paru plus fadasse (faute au tirage de la copie?). Non pas que la photo soit sublime ou même belle comme un camion Balbo, mais quand même, on est relativement au-dessus de la moyenne grisouille de la production françaaaaiiiiiiise. Côté cadre, je note que la réalisatrice ne fait pas que des gros plans. Bien entendu, françosité du françoisisme oblige, il y a, entendons-nous bien, un bon semi-remorque de gros plans, mais ceci dit, soyons honnêtes et laissons notre "ultrisme" focalien et de bon goût de côté, Fillières aère plus que ses collègues.

Voilà...

Sinon, tout le reste relève de la cataschtroumpf complète. Et encore Dieu sait qu'il y a ici dans le rôle principal notre amie Chiara Mastroianni, précise comme d'hab' ! UN CHAT UN CHAT est en quelque sorte typique et même si on n'est pas dans le fond du panier, il représente un cinéma tout à fait contemporain, totalement bâti sur les intentions et les idées-papiers. Globalement, premier écueil d'importance, le film n'a quasiment aucun rythme, non pas qu'il soit lent, mais dans le sens où les scènes s'enchaînent sur un rythme d'une grande monotonie qui jamais ne reflète le dixième de billionième des intentions surréalistes que la réalisatrice essaie d'insuffler à ses dialogues, qui pêchent de la même manière : le manque de saillies, d'achoppements et pourquoi pas  de contradictions.  On est bien loin du gourmandisme d'un Ruiz par exemple, mais alors trèèèèès loin. Ici, jeux de mots, jeux sur les mots, tentatives des personnages de se réapproprier le langage porteur de sens (beau sujet) ne constituent qu'un collier de perles égales, dures à s'approprier pour les acteurs, semble-t-il, qui jamais n'osent véritablement franchir un cap plus poétique, moins anecdotique. Peu de paradoxes achoppent par conséquent, et le film coule sans vraiment de conséquences ni ruptures, bien loin des ambivalences recherchées. Ces dialogues, travaillés pourtant, ne sont - il faut le dire - pas soutenus par la mise en scène, calmissime, très classique, qui jamais ne témoigne de la folie du projet de départ, et qui au final contredit complètement le propos. Le montage, parent pauvre pour le coup, semble, c'est bien le comble, complètement narratif et linéaire. Non pas qu'on souhaite ici la complexité et le récit multi-couche d'un FIRE WALK WITH ME de Lynch, bien sûr. Mais là encore, on se souvient de Ruiz. Ici, c'est du narratif, option qui alourdit bien le rythme, désincarne complètement le propos qui de toute façon ne prend jamais chair dans le corps et le cœur du film, c'est-à-dire sa mise en scène. UN CHAT UN CHAT est donc une espèce de lecture de projet, de chose suspendue dans un espace entre l'intention et l'action, et dont au final, malgré les prérogatives de la réalisatrice, pourtant assez marquées, il ne reste qu'un objet lisse, maladroit (j'y viens) et ne dévoilant pas une personnalité énorme (je parle du film ici, pas de la réalisatrice). On est très loin, malgré quelques effets (pluie impromptue, ou la belle poignée de mains hors-cadre de Mastroianni), d'une rencontre percutante. Le fadasse l'emporte, et le film sombre vite dans quelque chose d'anecdotique, sans conséquence, sans sentiment de nécessité.

La projection devient même lessivante car la troisième lame qui coupe le poil de l'envie, c'est vraiment les acteurs qui, hormis Mastroianni, sont vraiment difficiles, peu  sûrs, ânonnants, imprécis. Je les ai sincèrement trouvés épouvantables, notamment Agathe Bonitzer, ou encore Malik Zidi dont je ne conçois même pas qu'il se retrouve dans le casting de ce film. C'est du jeu de cours (Florent ou autre), peu aidé il faut le dire, par un choix de prises parfois surprenant, notamment dans la scène de la "colle".

C'est ce jeu d'acteurs qui déséquilibre le plus le film et qui a tendance à le faire tanguer du côté du ridicule. Si le film se plante pour des raisons de mise en scène trop faible, soit. Mais que le casting soit si uniforme, si laborieux à imposer la moindre nuance (sans parler de nuances multiples), voilà qui est plus surprenant. Le film étant pauvre ou discret dans sa facture d'autre part, la seule planche de salut, c'étaient eux, les acteurs, et on est là aussi trèèès loin du compte. Quasiment rien ne passe, et la vision du film se révèle tout bonnement laborieuse pendant une bonne heure, et terrible dans les ¾ d'heure suivants. La vraie énigme du film, c'est de savoir comment on peut financer ce film plutôt qu'un autre, et qu'est-ce qui a fait que tant d'options soient défaillantes sans que personne ne s'affole. Et que la presse, globalement positive, trouve la chose ludique et décalée laisse carrément pantois. On préférerait que le cinéma français se coltine d'autres problèmes, comme par exemple la recherche dans le rythme et l'exploration des textures, ou encore qu'il se demande comment imposer une forme plastique à des idées qui, trop souvent et ici on est presque dans la caricature, se bornent à des intentions prononcées, des dialogues explicites sans que jamais la forme, le tempo, la direction artistique ou les autres leviers de mise en scène (le son par exemple !) n'essaient de former un réseau signifiant.

Dr Devo.

(Critique en Grève)

[Photo: "La Solitude de l'Ouvrier-Critique" par Dr Devo, d'après une  photo du film CITIZEN DOG de Wisit Sasanatieng (Thaïlande, 2006).]

Ah ! Dragon Ball au cinéma ! Déjà l'objet d'un premier film philippin absolument bouleversant qui fit l'objet d'un texte sublimissime du Dr Devo (dont on attend toujours la suite), voilà donc la version américaine du manga-dessin animé-figurine du même nom. En fait, les Américains ont découvert récemment la série, qui n'avait jamais été diffusée chez eux jusque-là. Et comme personne chez eux n'a rien compris, ils se sont dit, pleins de bonne volonté, qu'ils allaient expliquer au monde ce que doit être Dragon Ball aujourd'hui, dans une société digne de ce nom.

En France, Dieu merci, nous avions déjà tout compris il y a bien longtemps, lorsqu'enfants nous suivions les multiples diffusions du fameux dessin animé à l'heure des chocapics. C'est sans doute  pour cela que la critique française s'est mis en tête d'accabler le film, considérant ce dernier unanimement comme un vulgaire nanar destiné aux jeunes gens n'ayant pas connu l'époque bénie du Club Dorothée, allant même jusqu'à refuser d'en parler (!). Cette attitude en dit long sur le travail de nos chers confrères, je relève donc le défi, je vais sans doute être le seul français à soutenir publiquement cette œuvre d'art total. C'est le poing levé que j'entame mon réquisitoire, jurés veuillez vous asseoir.

Goku est un jeune garçon mal dans sa peau : au lycée, les autres enfants se moquent de lui et il n'arrive pas à parler aux filles de sa classe autrement que via d'inintelligibles bégaiements. Pourtant, chez son grand'père, il pratique le kung-fu depuis sa naissance et a atteint un niveau honorable, ce qui en toute logique devrait lui attirer les faveurs des adolescentes de sa classe. Oui, mais voilà, Goku à été élevé dans le respect des croyances ancestrales par Papy : il a juré ne jamais se battre sans raison, et ce ne sont pas les crétins de sa classe qui vont le pousser à renier des valeurs pour lesquelles de nombreux héros ont donné leurs vies. Le jour de ses dix-huit ans sa vie va basculer : d'abord parce que Tchi-Tchi est grave bonne, et secundo parce que son grand'père lui a remis une boule de billard lumineuse avec des étoiles à l'intérieur. Invité chez Tchi-Tchi le soir même en remerciement du déblocage de son casier, il découche : c'est malheureusement à ce moment là que Piccolo avait prévu de débarquer chez Papy pour le maraver et détruire sa baraque. Piccolo, c'est une sorte de jedi maléfique qui aurait mangé des huîtres plus que de raison et qui voyage en hélicoptère, avec une garde du corps-secrétaire sexy qui se tape le sale boulot. Sur les ruines de la maison familiale, Goku rencontre une junkie qui cherche des Dragon Balls avec un GPS pour les revendre sur les marchés de Macao comme anti-stress. Ils décident de s'unir et partent à la recherche de Chow Yun Fat qui a sans doute les réponses à leurs questions, comme c'est bien trouvé. Effectivement, entre deux hors-série Biba Topless, il trouve le temps de lire des mangas et connaît bien l'histoire de Dragon Ball. Il fait quand même un peu de kung-fu avec Goku pour la forme et pour lui apprendre les secrets de l'aérokinésie, avant d'emmener tout ce petit monde à la poursuite des Dragon Balls qu'il faut impérativement trouver avant Piccolo et Eric Zemmour pour éviter qu'ils ne plongent le monde dans le chaos et la terreur.

Il serait bien illusoire de comparer ce DRAGON BALL EVOLUTION avec DRAGON BALL LE FILM, ou la série animée du même nom. Non, ce nouvel opus est bien au-dessus de tout cela, il transcende la mythologie créée pendant plus de dix ans par Akira Toriyama en 1h15 chrono. Et en dansant. L'action se déroule dans un monde futuriste, Goku n'est plus un enfant-singe et utilise du gel pour avoir les cheveux plats. A travers cette métaphore capillaire se cache tout l'enjeu de DB EVOLUTION : faire disparaître le mythe, faire évoluer les vieilles croyances, reléguer les gloires du passé aux oubliettes. Place à un nouveau champ d'action en gardant le même théâtre des opérations. Il faut comprendre le titre du film comme une évocation des théories Darwinienne : passer du mi-singe à l'humain total du XXIe siècle, celui qui a quitté la meute pour marcher seul au son de son I-Pod, qui a rangé le kimono pour l'attirail blingbling du clubbeur épicurien, bref, qui voit dans les Dragon Balls un brevet technologique rentable à long terme. DBE, c'est l'histoire du progrès fracassant la gueule des monstres sacrés, piétinant le jardin des religions, réduisant les besoins métaphysiques de l'humanité à la recherche de la stabilité sexuelle et financière. Bien sûr, le film est en avance sur son temps, et tous les spectateurs criant au viol de leurs souvenirs d'enfance sont par trop enlisés dans leurs rêves d'un autre âge. Si aujourd'hui le kamehameha est devenu une danse tektonik, c'est avant tout pour montrer l'influence de l'art sur la technique. Un bon combattant n'est plus un simple technicien, c'est un artisan ! Chaque minute de sa vie est tournée vers un but unique de dépassement de soi, d'évolution. Il faut lutter contre la part du loup (très belle scène de transformation), et le vrai combat ne se joue plus contre l'autre, mais contre soi-même.

Les enjeux dramatiques ne reposent plus sur la confrontation au Mal, mais sur la quête initiatique du héros. Le passage à l'âge adulte, la mort symbolique du père, la découverte de la sexualité et de son ambivalence à la mort, autant de thèmes graves abordés pour la première fois dans un Dragon Ball. Goku va découvrir, avec ses amis, à ne pas faire confiance à ses sens, à casser la gueule à ses détracteurs, et à utiliser son ki pour draguer. A partir de là, le film se permet le luxe suprême de faire fi des convenances matérielles et géographiques, en passant d'un désert à un volcan, via un coup de perceuse au fond d'une grotte. Il faut voir dans cette astuce narrative un clin d'œil évident à 2001 L'ODYSSEE DE L'ESPACE : c'est en effet l'outil qui a transformé le singe en homme capable d'envoyer des représentants de son espèce dans l'espace (et de construire des Kangoo).

La fin du film confine au sublime. Elle n'est rien de moins qu'une proposition philosophique de vie pour les générations futures, un programme spirituel et physique vers le Surhomme. En cela, James Wong emprunte beaucoup à Nietzsche : la mort des méchants, quasi-divins, est un pas de plus vers l'abolition de la culpabilité et de la peur métaphysique. Avec les sept Dragon Balls réunies, l'homme se façonne Dieu, commande aux dragons de la destinée, et abolit la mort.

Évidemment, le fait que Tortue Géniale ne soit pas un vieux avec une carapace, ou que Bulma n'ait pas les cheveux bleus est bien peu de chose à coté de tout cela, et les hordes de fans criant au désastre pour ces détails narratifs sont passés totalement à coté de la symbolique proposée.

La mise en scène, pour finir, est en accord complet avec cette vision Darwino-Nitzschienne (si je veux) de l'Humanité. James Wong réussit un bel enchaînement technique d'images, et, comble du bonheur, sonorise le film tellement bien qu'un non-voyant pourrait suivre l'intrigue. Les effets spéciaux en 3D font appel à une large palette de couleurs variées qui réjouiront les aficionados des couleurs chaudes, comme ceux qui préfèrent Turner à Gaugin. Post-séance, le spectateur voyant est encore sous le charme chromatique du combat final, révélant la supériorité du bleuté sur le verdâtre. Le parti pris formel est étonnant et les traditionnels ralentis boulette-time sont très minimisés, l'ensemble des scènes d'action laissant plutôt libre cours aux pulsions frénétiques des caméramen bien décidés à représenter la violence sous la forme la plus abstraite possible afin, bien évidemment, que des jeunes esprits malléables ne reproduisent pas la pareille dans leur monde social. Que dire de plus ? Le montage, moelle épinière de la narration cinématographique, est très bien agencé : les scènes se suivent, parfois entrecoupées par d'autres scènes. L'introduction des personnages est très bien coordonnée : les premières scènes avec Goku sont sublimissimes et doivent absolument être étudiées dans les écoles de cinéma qui se respectent, notamment pour apprendre aux futurs réalisateurs la notion d'échelle de plan. Premier plan : une goutte. Deuxième plan : la goutte tombe d'un nez. Troisième plan : le nez appartient à un visage. D'une goutte, berceau de la vie, on passe à l'homme : évolution, CQFD.

De leur vivant, les artistes visionnaires sont rarement reconnus.

 


Norman Bates.