Oui, si Serge Gainsbourg gratifiait en son temps Francis Bacon de ce qualificatif élogieux, nous pouvons affirmer sans crainte que celui-ci s’applique également à l’intention du réalisateur tchèque Jan Svankmajer, considéré comme le Pape de l’animation image par image, et dont nombre de nos artistes les plus éminents revendiquent d’une façon ou d’une autre l’influence, de Tim Burton à Terry Gilliam, de Dave Mc Kean aux frères Quay. Vous avez tous certainement déjà vu au moins une fois  ces courts-métrages étranges où s’entremêlent sauvagement des fragments morcelés de figure corporelles en pâte à modeler avec toutes sortes de matériaux bruts les plus divers ? Et bien oui, c’est de ce monsieur-là dont il sera question, car il réalise également des longs-métrages.  Et  nous lui devons notamment de superbes adaptations de l’Alice au pays des Merveilles de Lewis Caroll  ainsi que du mythe faustien, mais aussi quelques  pépites surréalistes et déjantées telles que LES CONSPIRATEURS DU PLAISIR (1996) ou encore OTESANEK L’ENFANT ARBRE (2000 –tiens, comme moi). Tandis que je me demande encore  si je n’aurais pas quelque peu raté la sortie de son SURVIVING LIFE  datant de l’année dernière, je vous propose de nous intéresser ce soir à l’un des petits brulôts dont il a le secret, DEMENCE, datant de 2005 , une adaptation de deux nouvelles d’Edgar Poe, mâtinées de quelques concepts empruntés, du propre aveu de l’auteur, au Marquis de Sade.

Jean Berlot de son état, rencontre dans un hôtel de passage un curieux personnage, que tout le monde ne semble désigner que par son titre, je vous laisse deviner, et qui se propose fort aimablement de payer pour les dégâts que notre ami Berlot a occasionné à sa chambre la nuit précédente, tout psychotique  et halluciné qu’il est parfois. Mais il semble que le nouvel ami de notre ami dispose en plus de quelques théories pour le moins étranges sur le sujet, et qu’il escompte bien les partager avec celui-ci, qui chemin faisant, et non sans avoir essuyé quelques plaisanteries discutables, se retrouve invité dans son château.

Non content d’être un Dieu Vivant de l’animation, Svankmajer est aussi un excellent directeur de comédiens et un metteur en scène tout autant inspiré, DEMENCE reste l’un de ses films les plus dialogués et des moins chorégraphiques, comprenant  un récit tout à fait linéaire et classique - tandis que LES CONSPIRATEURS DU PLAISIR par exemple (son précédent) même s’il est  également interprété par de vrais comédiens, conserve justement une narration qui rappelle encore fortement celle de l’animation par son côté burlesque. N’allez cependant pas croire que cet aspect soit absent dans DEMENCE, pour tout vous dire la façon dont l’animation intervient de films en films dans les récits de Svankmajer, c’est toujours un peu la chaussette sous le sapin, on frémit et on se régale à l’avance. Ici, elle semble davantage chapitrer le récit, le ponctuer plutôt que le renforcer, mais à bien y réfléchir on peut aussi y voir les incursions d’une réalité cruelle, barbare, venant à bout de tout, y compris des illusions de notre pauvre héros, et sans vraiment s’annoncer, comme, en quelque sorte, la gradation progressive de la folie de celui-ci. Car tous ses idéaux sont plutôt mis à  rude épreuve par le Marquis et la découverte de son univers... Pensez-donc, des morceaux de barbaques qui peu à peu s’immiscent partout (je ne sais  d’ailleurs plus si c’est  Svankmajer lui-même qui réalisa une courte  version, mais très connue, de UBU ROI juste avec des steaks) –pour peu qu’il y aie un orifice, et oui, cela comprend aussi les théâtres, les musées et  les carcasses d’animaux mort ; qui a dit que la chair était triste ? Certainement pas le type avec la perruque, c’est moi qui vous le dit.

A ce propos , Vidéodrome, l’auteur annonce d’entrée la couleur avant le générique. C’est dit façon un peu old-school, avec un rien de professorat –mais il se trouve que le monsieur est également professeur –que ce que nous verrons, ce n’est pas de l’Art, et en ce sens DEMENCE demeure surtout un fulgurant coup de poing sur la table, à travers son analyse de la folie avec et sans protocole, d’une tension perceptible dans l’introduction  même de Svankmajer, quand il partage avec nous le triste constat que l’Imagination ne sera jamais, jamais plus au pouvoir.




Nota Bene :

(le 16 /04 /11 -Extrait du Journal de Nonobstant2000 : )

…c’est drôle… à cause du nom du héros de DEMENCE, du Marquis, j’ai cru que le film se déroulait en France.. !  Et les quelques images que l’on aperçoit de la campagne depuis le carrosse m’ont tout simplement bluffées elles aussi, je me suis cru littéralement dans un roman de Flaubert ou de Giono, alors que les films généralement consacrés à ces auteurs ressemblent tous à des pubs pour une marque de yaourt…Je m’étais fait la même réflexion suite au (re-)visionnage du FRANTIC de Roman Polanski : il faudrait en envoyer une copie à tous les jeunes réals du pays, ainsi qu’aux studios, et aux distributeurs..pour les aider à filmer correctement la France..Ils ont du mal..Et quand j’y pense …..mais je préfère m’arrêter ici  Cher Journal, car tu dois encore me trouver bizarre..

[Photo: "Le Millieu de L'Article" par Dr Devo.]

Oui, si Serge Gainsbourg gratifiait en son temps Francis Bacon de ce qualificatif élogieux, nous pouvons affirmer sans crainte que celui-ci s’applique également à l’intention du réalisateur anglais Peter Greenaway. Mais alors là c’est hallucinant comme tout le monde s’en rabat la moelle. A propos de son avant-dernier projet  THE TULSE LUPSTER SUITCASES, certains sont allés jusqu’à dire que quelqu’un lui avait "offert un Mac sans lui indiquer où se trouvait l’icône poubelle". (NduDrD: cette phrase est la critique complète de Liébration à lépoque !) Fin de citation, y en a qui doutent de rien : pour avoir vu un v-jaying de cette trilogie -par le Maître lui-même-, la seule conclusion qui vient à l’esprit c’est que non seulement il maîtrise tout ce qui a déjà été fait, non seulement il est à la hauteur des meilleurs de ses contemporains mais en plus il est capable de dépasser tout le monde rien qu’en se grattant), quand à son tout dernier projet consacré aux Maîtres de la Peinture Flamande, initié par LA RONDE DE NUIT (à propos de l’œuvre de Rembrandt), il a été perçu purement et simplement comme une pédanterie supplémentaire de la part d’un excentrique (genre "mais-on-le-savait-déjà") alors qu’en fait Greenaway ne fait juste que tirer encore une fois très poliment la sonnette d’alarme en ce qui concerne le devenir de  nos sociétés modernes : La Ronde De Nuit étant justement la mise à jour par Rembrandt d’un complot politique, le film s’avère un rappel à l’ordre d’une des principales fonctions de l’Art, de celle qui est le plus en rapport avec nos droits fondamentaux, de celle  qui relève quasiment du DEVOIR. A part Francis Bacon que je me suis déjà permis de citer pour d’autres raisons, je ne connais pas beaucoup d’artistes contemporains qui se frottent à ce petit jeu en peinture, et Nicolas Bedos (mon héros, Notre Sauveur) quand à lui explique très bien pourquoi il n’insulte pas n’importe qui. Mais en ces temps difficiles, il ne fait pas bon être trop critique, c’est à peine si le film a été distribué. Greenaway compte bien cependant remettre le couvert avec  le second volet, consacré à un imprimeur de livres érotiques interprété par John Malkovich, et  où il n’est pas impossible que le problème de la censure soit abordé;  certaines personnes devraient vraiment y réfléchir à deux fois avant de traiter les gens de retraités.

J’aurais pu vous parler du formidable PROSPERO’ BOOKS, film ultime et adaptation de La Tempête de William Shakespeare, mais non ce ne sera pas le cas. A la place nous nous intéresserons à un autre chef-d’oeuvre, écrit comme un pamphlet, à nouveau porteur des scénographies les plus abouties, et interprété par une catégorie de comédiens qui n’existe plus : THE BABY OF MACON. Alors pour être tout à fait limpide, voici exactement un film aux antipodes du cinéma bon marché que j’ai l’habitude de promouvoir (Svankmajer en tête notamment, qui  a encore moins peur que les autres d’employer des matériaux dits moins nobles, regardez ses films, c’est à la limite de l’arte povera -mais en action !- ça regorge de pailles et de poutres) mais qui avait  justement assis la singularité de Greenaway dès son MEURTRE DANS UN JARDIN ANGLAIS : l’opulence mon frère. Mais aussi l’érudition. Et je me demande encore lequel des deux énerve le plus les gens… Contrairement à tout un tas d’autres réalisations, y' a pas besoin de chercher où est passé le pognon, il est là sous nos yeux,  par des décors et des costumes somptueux à profusion,  n’importe quelle vaisselle à l’image possède l’allure d’une Nature Morte d’époque, et reste narrative à peu près tout autant à cause de l’exigence désormais célèbre de l’auteur en ce qui concerne la composition  en général. Greenaway est aussi peintre, tout comme Svankmajer d’ailleurs, aussi chacun de ses films est toujours une sorte d’aboutissement de tous les métiers et de tous les domaines qui composent les éléments  propres au langage-cinéma et, encore une fois, toujours sous leur forme la plus aboutie. Vaste débat cependant que le coût du cinéma et je vous fais gré bien volontiers de mes considérations, disons que tout a commencé lorsqu’un type a posé un urinoir dans un musée pour (dixit Philippe Djian) illustrer la propension de l’homme à chier dans de la porcelaine, et tiens, transition : c’est préçisément ce que Greenaway se charge de nous montrer, quitte à reconstruire le musée. Ouais j’ai pu paraître enflammé il y a deux minutes  mais Peter (qui est un ami), lui, il est pas du tout comme ça, pas de débordements. Non, avec lui  ça passe par le boulot, la mise en scène, en faisant enlever les chaussures pour mettre les patins à l’entrée et paf, il met le nez dans la boue à tout le monde, désignant d’une main la faste moquette tandis que de l’autre il cartonne tout et tout le monde, littéralement à coups de batte. Ici l’Eglise en fait, pour ne pas la nommer, à travers  l’histoire (représentée elle-même sous la forme d’une pièce de théâtre) d’un saint enfant, né au cours d’une période dramatique de famine au point que tout le monde en est devenu stérile, dont le miracle de la naissance sera tout d’abord récupéré,  pour ensuite être récupéré à nouveau... Ca peut paraître un peu crypté au premier abord, mais c’est pour vous laisser quand-même quelques surprises.

Par contre ce que je peux  bien vous dire c’est que le cinéma de Peter Greenaway ne vous épargnera rien, étant aussi extrême que ce qu’il dépeint. Le plus souvent il s’agit  de comportements obsessionnels accompagnés de la dérive jusqu’au-boutiste  et  auto-déstructrice qui va de paire, paraphrasant un peu Goya et son célèbre Sommeil de la Raison… (de l’anti-héros et stéréotype de l’artiste-démiurge de MEURTRE … aux deux frères chercheurs obsédés par la mort depuis l’accident qui a coûté la vie de leurs épouses de Z.O.O  -A Zed and Two Noughts- , en passant par LE VENTRE DE L’ARCHITECTE … et que dire du rapport à l’adultère du Voleur dans LE CUISINIER, LE VOLEUR, SA FEMME ET SON AMANT…) mais dans le cas présent, cette approche est un peu plus diffuse, à cause d’une multitude d’autres enjeux et de personnages, moins autarcique que les quêtes impossibles ou les démarches insensées (façon de parler) qu’il met en scène ordinairement, l’axe principal étant davantage ici les rapports que l’Homme entretient avec le Sacré.  Alors forcément, il y a bien  le sexe et la mort dans le tas (THE BABY OF MACON contient à ce jour la plus longue scène de viol de l’Histoire du Cinéma, et une des meilleures si vous voulez mon avis, car elle est de celles qui ont l’aval de la hiérarchie, comme on dit chez France-Télécom), mais la raison du cinéaste, elle, n’est pas endormie : il surveille méticuleusement le processus de dégradation des valeurs  avec son regard de savant humaniste, pour ensuite dépeindre le tout juste ce qu’il faut, sans la moindre complaisance, contrairement à ce que la dernière parenthèse pourrait laisser entendre, ni omission d’aucune sorte, et surtout surtout (surtout 2X) beaucoup moins détaché que ne le laisserait entendre le port du microscope, comme on s’en rend vite compte, une fois que tout a été dit.





Nonobstant2000.

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Peut-être est-ce le moment. Ou bien peut-être pas. Après tout, A SERBIAN FILM ne date que de l’année dernière.

Le porno est partout nous dit-on, et on se fait une joie d’en parler avec une couv' et des photos bien dans le ton, c’est chouette il nous manquait des raisons. D’abord les séries TV, j’énonce un peu : PIGALLE LA NUIT, MAISON CLOSE, XANADU (..et autres confessions pour ou contre la profession veux-je dire) l’important c’est les néons, la descente dans les abysses de la perdition, un peu de morale avec du rouge à lèvres  parce-que-je-ne-suis-pas-celle-que-vous-croyez, ou une réflexion bien sentie sur le sens de la vie entre deux turlutes ; c’est aussi ça la vie, c’est aussi ça l’impertinence ("Dites-le oui, mais dites-le avec du cul") .. En tirant des conclusions hâtives on se dirait "tiens c’est le bordel  alors ?" sauf qu’on le savait déjà. La putasserie fléau de la société ça c’est certain, et le moins que l’on puisse dire c’est qu’elle a vraiment bon dos (mmm..attends, tourne-toi plutôt comme ça..)

Il y a des films de tout, vous me direz, bien cloisonnés dans leur registres ça aide à s’y retrouver, et voyez qu’on peut tout aborder. En tout cas, des gens se sont battus –et là on s’est rendu compte que c’était L’Arme Absolue- pour que le Sexe en tant que thème ne soit plus un problème ou un taboo. Nous sommes même habitués à ces interludes qui sont devenus des passages obligés dans certains registres. Qu’est-ce que ça change – à part bien sûr  couper les parts de marché du créneau "divertissement le dimanche en famille" - que tout à coup le Sexe devienne un élément narratif à part entière ? Pensons à la péné' bien frontale dans LES IDIOTS de Lars Von Trier (et celle, un brin publicitaire dans ANTICHRIST) sans laquelle la plaisanterie ne serait pas totale, à moins qu’il ne manque quelque chose à la représentation de la Vie elle-même ? J’en vois qui rigolent et pourtant une des fonctions de l’Art n’est-elle pas de montrer (d’essayer) la Réalité sous tous ses aspects, et quand Mallarmé rêve une Œuvre Totale (cubiste va), il ne pense pas  visionnairement à la comédie d’espionnage de Claude Zidi avec Thierry Lhermitte et Miou-Miou. Pensons également aux orgies dans le CALIGULA de Tinto Brass, qui fonctionnent par contraste et font de l’Empereur un exclu à moins qu’il ne s’approprie, et ne génère, lui-même, cette luxure,  qui (entre autre) attise sa soif de pouvoir et l’oblige à se surpasser encore et toujours dans la démesure. D’ailleurs, là où y a une couille, c’est que ça pue du cul comme disait le poète. Sexe et Mort font  bon ménage depuis longtemps, surtout quand la notion de Pouvoir est en jeu, une équation que l’artiste démiurge de MEURTRE DANS UN JARDIN ANGLAIS de Peter Greenaway se prend tellement en pleine figure qu’il en ressemble à une figure de Tragédie Antique, de la même façon que Pasolini emploie à dessein ce dernier registre justement, car ainsi il peut poser la chair et le sang à égalité (ce qui rend le mélange "détonnant", et le sexe si subversif) y compris jusque dans le "pourtant très contemporain" SALO OU LES 120 JOURS DE SODOME ET GOMORRHE, car ne vous y trompez pas, c’est bien ça le pouvoir : s’habiller en toge tous les jours et te désigner d’un geste pour l’Enfer Sur Terre (traduire ici par : "te faire couper la tête, non sans t’avoir pété le fion au préalable" mais comprendra qui pourra, et ce qu’il voudra.. ).

La pornographie aurait-elle dès lors le même rôle d’opium (castrateur) du peuple que la 3D en ces temps de crise : de la poudre aux yeux en forme d’étoiles et de paillettes, comme si y avait que ça de vrai  (d’ailleurs comme dit si bien mon pote Brahim "d’abord la 3D ça existe pas, c’est toujours de la 2D-trois-quart") ou bien ne serait-elle pas mine de rien le facteur de renouveau qu’on attend tous, le chaînon manquant qui nous conduira à la Vérité Toute Nue, celle du Théâtre De La Cruauté cher à Artaud, ou à Arrabal, et où dans le mouvement on appelle une pute "une pute", et un fonctionnaire "un fonctionnaire". Et le XXIe siècle, on en parlait, sera-t-il spirituel (nudiste quoi) ou bien juste porno ? Et Porno comment ? Porno-soft ? Ecolo-porno ? Intello-porno ? Humanisto-porno ? Humanitaro-porno ? Démocratico-porno ? Méritocrato-porno ?  Lyrique ? Rococco ? Baroque ? Trash ou bien juste Snuff et Méchant ?

Milos est une ancienne gloire chez nous en Serbie de l’industrie porno, en ce moment il a plutôt du mal à joindre les deux bouts. Une ancienne collègue lui propose un dernier projet, quelque chose de jamais vu, qui en plus de clôturer sa carrière en apothéose lui permettrait surtout de mettre sa famille à l’abri du besoin à tout jamais. Ainsi Milos rencontre un certain Vukmir, réalisateur dont personne ne voit jamais le travail, artiste passionné qui croit beaucoup en son propre travail, dont l’approche et la méthode surprennent quelque peu notre héros : jamais on ne lui fournira de scénario, il devra "se contenter d’être lui-même". C’est un..parti-pris. C’est ça, les films de demain.

Battage, sur-battage, tolé dans les festivals, censure puis contre-battage, taxé de faux-scandale, etc..Dans un sens tout cela est n’est pas faux, mais que le film soit surfait, oui et non. Un film comme FRONTIERES de Xavier Gens va beaucoup plus loin, jouant la carte de la surenchère (un temps on est tenté de se dire que c’est juste pour montrer ce qu’il sait faire) pour finalement faire éprouver ce qu’il dénonce jusqu’à l’écoeurement, car justement c’est écoeurant. Cela n’efface ni les clichés du genre éprouvés jusqu’à la corde, ni une vacuité de propos dont les quelques saillies maladroites (immanquables de fait) de dialogue constituent REELLEMENT les  éléments horrifiques du film. Mais bon, au final, on se dit que le tout retombe pas si mal sur ses pattes. Pour A SERBIAN FILM on nous refait le coup de la polémique sur l’ ANTICHRIST de Von Trier, en extrayant un élément du tout pour l’agiter bien fort à la face des gens bien comme il faut pour qu’ils s’insurgent. Un peu d’historicité messieurs-dames des élites, ce que fait Srdjan Spasojevic, notre réalisateur, c’est ce que fait Swift dans son texte mythique sur la façon de régler les problèmes démographiques de son pays en proposant de manger les nouveaux-nés, d’une part parce que ça résoudrait tous les problèmes mais-aussi-parce-que-ça-se-cuisine-très-bien. C’est ce que fera aussi  De Quincey en proposant un palmarès des plus beaux meurtres de l’Histoire avec son texte "De l’assassinat considéré comme un des Beaux-Arts". Dans A SERBIAN FILM on baise un nouveau-né ..N’est-ce pas ce que fait la hiérarchie ? Ce passage qui plus est, reste tout à fait hors-champ et si le film est une réflexion sur le spéctacularisme, c’est absolument sans la moindre complaisance, puisque celui-ci nous est toujours montré en partant de bien loin dans les coulisses. Quand aux éléments gore, ils n’arrivent absolument pas à la cheville de Dario Argento ou Takeshi Miike en termes graphiques, ni même en intensité. Par souçi de lecture d’abord, le film se veut distancié, frôlant même le didactisme et le scolaire dans la façon d’exposer ses idées, de façon simplement très graduelle sur l’échelle bien connue de Jacob.

Malgré donc d’excellentes références, et au regard d’autres exemples précédemment cités, on se dirait presque que le film enfonce des portes ouvertes, si ce n’était ce fameux regard depuis les coulisses qui axe au contraire toute la thématique sur la responsabilité de l’individu, du point de vue d’un héros bien border-line quand-même. D’abord notre Milos c’est pas une brute. On le voit pourtant y aller franco dans des extraits de ses succès passés, il n’en reste pas moins "professionnel", ne rigolez pas, sa collègue nous apprend même que toutes les actrices qui ont bossé avec lui veulent l’épouser. Il y a pourtant un truc qui cloche chez lui au point qu’il est obligé de se matraquer la gueule à coup de whisky. Les scènes intimistes de sa vie de famille sont très bien dépeintes, avec beaucoup d’emphase (et mention spéciale pour les éclairages en règle générale) mais une femme splendide et un gosse adorable n’y peuvent rien, il y a un truc chez Milos qui ne demande qu’à sortir et il a de plus en plus de mal à le tenir en laisse. Tout l’y ramène, d’une part parce que son ancienne profession occupe une large part dans les discussions de couple d’abord et aussi dans les préoccupations nouvelles qu’elle a générée chez son petit boudchou (toujours avec emphase, rassurez-vous). Il y a aussi que retourner dans le bain ça résoudrait surtout tous les problèmes. Ce qu’il finit par faire, après moults hésitations et contres-temps, et le spectateur réalise que malgré ses problèmes, notre héros n’est pas prêt non plus à faire n’importe quoi.

C’est pourtant ce qui va arriver. Le truc chez Milo qui ne demande qu’à sortir c’est la bestialité, et le réalisateur Vukmir va l’y aider. Il va lui fournir le cadre (d’ailleurs il ne collectionne que du Velicovic –NDRL), et non-implicitement les substances, pour que celle-ci puisse s’exprimer dans son bon droit. La responsabilité de Milos est double à ce point : blindé jusqu’aux yeux il ne réfléchit pas à deux fois (il n’est pas lui-même) mais cela n’en reste pas moins une immense parabole sur le système et l’industrie du genre :  à quel moment celle-ci a bien changée, à quel moment ne savait-il pas où il a mis les pieds ? Tout porte à croire que notre héros est finalement trop vieille école dans un superbe passage où il revit à postériori ce qu’il a "commis". Ceci par contre est très bien amené, en deux temps, ce qui me fait déjà dire que Spasojevic est bien meilleur raconteur d’histoire que quelques-uns de ses contemporains, et nombre de nos compatriotes, en jouant habilement du principe de symétrie scénaristique, en deux temps donc. Quand Milos commence à tourner pour Vukmir (et le comédien fait bien tout ce qu’il faut pour incarner une figure satanique contemporaine) c’est toujours de façon très paramétrée, une voiture vient le chercher à son domicile et tandis qu’il est suivi par un caméraman, un second l’attend derrière la première porte, ce qui donne lieu à de très beau champs/contre-champs et autre points de vues différés tout en avançant dans l’action. Le sens du tout lui échappe complètement et il se contente de faire ce qu’il sait faire. Quand les choses ont bien dérapées c’est au tour de Milos de passer derrière la caméra, mais pour se repasser les bandes, où il va trouver les pièces manquantes (grâce à des éléments épars chronologiquement) aux bribes peu ragoûtantes qui lui papillonnent dans la tronche. Procédé de ré-actualisation que l’on trouve autant dans UNE HACHE POUR LA LUNE DE MIEL de Mario Bava (où le tueur est obligé de tuer pour comprendre pourquoi il tue) que dans 2001 L’ODYSSEE DE L’ESPACE de Vous-Savez-Qui, avec la scène réflexive à l’intérieur du Monolithe. A ce titre la référence à Kubrick est quasi-constituante : elle est d’abord reprise entièrement d’un point de vue formel dans la scène des premières prises de vues, pour ensuite être véritablement appliquée sur le fond lors de la période des rembobinages, puis des souvenirs qui se ré-actualisent au fur et à mesure que le personnage se rapproche de la vérité, A SERBIAN FILM n’appelle à rien d’autre finalement qu’au regard sur soi, dans un monde où l’offre a rattrapée depuis longtemps la demande. Vaille que vaille, on revient dans les dernières minutes du film vers l’Humain, mais c’est tout de même le Marché qui finira par avoir le dernier mot. En fait, le seul vrai problème du film de Spasojevic, c’est que ça manque de Strauss.

Nonobstant2000

[Photo: "Redaction" par Dr Devo, d'aprés une photo du film INCOMING FRESHMEN.]

Je sais les temps sont durs, nous vivons des heures sombres et il n'est plus possible de se voiler la face. Et pourtant, c'est bien ce que tout le monde fait. Toi aussi, tu as fantasmé à la lecture des articles de la presse spécialisée relatant le chemin de croix de David Lynch dans sa cave, peaufinant ERASERHEARD sans relâche, tu as pleuré de joie en voyant Johnny Depp avec moustache dans le ED WOOD de Tim Burton tandis que celui-ci s'extasiait devant un stock de pellicules non-utilisées par les studios. Et quand Lars Von Trier a initié son mouvement Dogme, tu as vu les portes du nouveau siècle s'ouvrir devant toi, et si tu es toujours là, tu les a vu également se refermer. La liberté d'expression on la connaît. Quand aux possibilités d'expression artistique, n'en parlons que très vite, ce ne sont même plus les producteurs qui font les films, ce sont les distributeurs (allons les enfants soyez sage, il y a quand-même moyen de dire ce que vous voulez dire autrement, pourquoi tous les héros de votre film ne seraient-ils pas des héroines et elles finiraient par se battre nues dans la boue ? -aaargh, je viens de me spolier moi-même, c'était le final de mon script LA MAMAN ET LA PUTAIN 2 , la peste soit de ma distraction...), et autour de toi l'étau se reserre, tout ça tu ne peux pas vraiment en parler: tes potes sont là pour gober des petits fours et tu te surprends à dire que le dernier Fred Cavayé, ou Lou Doillon, ou Sofia Coppola, est ''un film ambitieux'', et puis la seconde d'après tu t'en veux à toi-même pour le restant de la soirée.L'espace d'un instant tu es passé de l'autre côté. Oh bien sûr peut-être personne n'a remarqué, car tu donnes le change, car tu souris comme tout le monde à l'évocation du dernier Beigbeder qui porte tellement bien son titre, et personne ne se rend compte de rien, mais en toi-même tu penses à Julio Cortazar qui citait Simone de Beauvoir :

''Ah combien il était difficile en ces temps-là d'être jeune''

...maintenant tu sais pour toujours à quelle inhumanité le besoin d'appartenance peut pousser (d'ailleurs tiens puisque c'est ça, à mort l'arbitre).... Mais que celui qui a lu la description d'un tableau d'André Masson par Antonin Artaud ( in. L'OMBILIC DES LIMBES) dans lequel il voyait un film absolu, que celui-là te jette la première pierre. En résumé, tu ne mourras pas lapidé ce soir, re-sers toi donc comme tout le monde pour dire au revoir, car nous, nous te laisserons pas tomber, et tu es attendu ici, pour l'after.

Damon Packard est né en 1967, chez nous en Amérique, il commence à réaliser ses propres films à l'âge de 11 ans et son idole est Steven Spielberg. Il continuera dans cette voie pendant son adolescence et même après, non sans avoir travaillé chez Georges Lucas en tant qu'ingénieur du son. Je ne pense pas que ses positions vis-à-vis de l'industrie soient dûes uniquement à cette période, mais pour avoir vue cette dernière fonctionner de l'intérieur, Packard en est revenu et n'hesite pas en parler et encore moins à la mettre en scène sans concession, et c'est même peu dire qu'en matière de parodie Packard est devenu en réalité quasi-institutionnel : ''A partir de 1983, l'industrie n'a plus cessée de se cannibaliser elle-même'' (dixit). Recyclage des histoires, des icônes, triple remakes et hommages à profusion, avec essorage tous les dix ans, pour les petits nouveaux, et mode d'emploi pour rentrer dans le rang. En 1988 il fait une entrée fracassante dans le circuit de la communauté alternative avec son DAWN OF AN EVIL MILLENIUM, réalisé avec un budget minimal. En vivant dans des tentes ou dans sa voiture il poursuit vaille que vaille sa vocation et réalise APPLE en 1992 et THE EARLY 70's HORROR TRAILER en 1999, dans lequel vous trouverez, au détour d'une fausse bande-annonce, le pitch vingt ans avant de la série LOST, hop, comme ça, pofpofpof. En 2003, il signe THE UNTITLED STAR WARS MOCKUMENTARY,qui comme son nom, en 2007 il enchaîne avec SPACE DISCO ONE et il achève en 2009 une adaption live de NAUSICAA DE LA VALLEE DES VENTS d'après le manga de Miyazaki. Mais je souhaiterais parler ici plutôt de son REFLECTIONS OF EVIL datant de 2002, pour lequel j'ai un véritable faible particulièrement non-objectif, et ce à beaucoup de niveaux. Suite à un héritage, et vivant toujours dans des conditions précaires, Packard investit tout son argent dans la réalisation de son nouveau projet, dont il fera 23 000 copies DVD qu'il distribuera partout, gratuitement, y compris aux studios et aux célébrités qu'il pourra approcher -et il compilera d'ailleurs l'ensemble de leurs réactions sur son site Internet, le film étant par ailleurs loin de faire l'unanimité, et des personnalités comme Oliver Stone ou James Belushi ne mâcheront pas leurs termes. Oui mais, le film est encore à ce jour considéré comme une référence en matière de production indépendante, Damon Packard est devenu l'archétype de l'artiste underground presque au même titre que Kenneth Anger en son temps, sans être pour autant reconnu du grand public plus que ça toutefois.

Un faible non-objectif vous disais-je, car REFLECTIONS OF EVIL constitue ma première incursion dans l'univers de Damon Packard dont les trésors d'inventivité malgré le peu de moyens sont devenus une source d'inspiration continuelle depuis. Ici LES CONTES DE LA FOLIE ORDINAIREde Bukowski se téléscopent avec LE CAUCHEMARD CLIMATISE d'Henry Miller dans un déluge extatique d'adrénaline pure, perpétuellement au bord de l'implosion; assurément tout ce que Robert Aldrich n'a pas pu montrer dans L'EMPEREUR DU NORD -et qu'on est pas prêt de voir non plus dans un film de studio avant longtemps- se retrouve transposé ici dans la vie de tous les jours (et non sans rappeller également le terrain de jeu du STREET TRASH de Jim Muro) à travers les déambulations du personnage incarné par Damon Packard lui-même, véritable Quasimodo ou Caliban des Temps Modernes, décérébré par une société aliénante qui n'offre comme compensation que la consommation à outrance, ne serait-ce que pour pouvoir la supporter, ce qui ne fait qu'aliéner l'individu encore plus. Vous ne le saviez pas en arrivant, mais vous venez de mettre un pied dans l'oeil du cyclone, grâce à une distanciation abrasive des schémas narratifs habituels, Packard multiplie les trucages, les déformations, les sur-impressions, les solarisations, sans compter le travail sur le son, et confronte impitoyablement l'industrie du divertissement à ses propres démons: le spectacularisme de bon ton Spielbergien (période où l'un de ses techniciens se fait décapiter par un hélicoptère, incident qui failli lui coûter sa carrière et que Packard caricature sans ménagement) dont les coulisses ressemblent à l'anti-chambre du Minotaure, dans un trip sur-psychédélique où l'Esméralda de Packard entrevoit son propre futur, et d'où surnage le spectre du Vietnam ainsi que l'illusion hippie. Et c'est bel et bien pour son intransigeance, car on retrouve dans le film une volonté de dire qui vient à bout de tous les obstacles et de toutes les conventions, que REFLECTIONS OF EVIL est l'un des films les plus importants de ce début de siècle. La critique sociale a généralement besoin d'un cadre, et le fantastique s'y prête généralement très bien, mais rarement elle n'aura été aussi frontale. Entre-temps -ou bien depuis, comme le dit si bien Peter Greenaway, the cinema is dead.

I think the point where things went wrong started when we shifted from the 70's into the 80's (a dramatic shift) but I would point to the late 80's as the phase we never really left. The recycling of play it safe idea's just increased as time moved on. A part of me feels like we've reached a brick wall with nowhere left to go other than our own deluded interpretations. The inspiring era of breaking new ground and risk-taking is long gone. People kid themselves that there are always possibilities, new frontiers to reach and boundaries to break. Not so. And even if so, the control structures are in a beyond play it safe mode now before it all crumbles anyway. Our only hope are anomalous random miracles. I can't help to feel we're just killing time before the ship sinks completely.

Damon Packard.

P.S : son prochain film ''FOXFUR'' est annoncé pour cette année et vous pourrez en savoir un peu plus ici : http://rockethub.com/projects/767-message-from-the-pleiades-aka-foxfur, et pour ceux qui n'ont peur de rien, je recommande instamment cet autre lien: http://www.lederniercri.org.

Nonobstant2000.

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Chers Focaliens,

Nous recevons en général peu de courrier, et encore moins d'article. Je vous propose néanmoins cette fois-ci d'accueillir un petit nouveau, Nonobstant 2000, qui vient vers nous avec un très beau double-programme...

Dr Devo.

Oui. J'ai en effet proclamé en maintes occasions sur mon propre blog Images Qui Bougent, mais tout autant dans le cadre de mon quotidien, l'importance d'un blog comme Matière Focale autant sur mon vécu de spectateur / créateur en devenir - puisque ce sont des choses qui arrivent - qu'en tant qu'individu, et grâce à l'obstination renouvelée et imputrescible de toute l'équipe, peut-être aurez-vous remarqué que la frontière entre les deux n'est pas tellement si infranchissable..

C'est écrit dès le début, sans prendre personne en traître – même pas l'aristocratie de la profession, et pourtant Dieu sait si elle mérite -: "tout le monde peut devenir critique de cinéma et même un digne de ce nom" et encore d'en faire la démonstration avec ça. Aussi je le répète: en tant qu'artiste, mais surtout en tant qu'individu, moi , j'ai VRAIMENT besoin de lire des choses comme ça. J'ai besoin de lire autre chose qu'un charabia vaguement balancé avec un peu d'emphase, toute aussi floue et abstraite par ailleurs, extrait de plusieurs revues de cinéma et collant plus ou moins avec le dossier de presse. Je sais que le génie existe, mais s'il n'est pas encore à ma portée, je reste cependant persuadé que l'on peut faire des choses très bien simplement en suivant quelques règles, en se donnant quelques contraintes (même pour ceux qui seraient dépourvus d'éthique, ce qui semble être le cas au regard de certaines productions; à ceux-là, le Docteur et toute l'équipe, dans leur immense mansuétude, proposent encore quelques trucs et astuces -hi hi- crédibles pour pouvoir au moins faire semblant correctement ) et je ne saurais trop vous encourager à regarder les archives du blog où (maman, papa) j'ai l'honneur d'officier pour cette fois aujourd'hui.

Les habitués le savent, du côté de cette belle ville de Lille, se déroulent également grâce aux bons soins de toute l'équipe, ainsi que de quelques acolytes dans la place, les soirées BON CHIC MAUVAIS GENRE qui, à chaque fois, ne manquent jamais de faire saliver n'importe quel cinéphile profane un minimum concerné, et c'est précisément dans cette optique de "rester Devo chez soi" malgré la délocalisation, que nous vous proposons pas plus tard que tout de suite un autre prototype de soirée-cinéma ultime, sous vos chips ébahies...

En première partie  tout d'abord, nous suggèrerons ni plus ni moins que l'un des chef-d'oeuvre du maître Mario Bava LE MASQUE DU DEMON, pour ensuite retenir encore un peu davantage la nuit avec RE-ANIMATOR 2 de Brian Yuzna. Peut-être connaissais-tu déjà ces deux joyaux ami spectateur, auquel cas ne te sens pas vexé et poursuis ton chemin le coeur léger. Sinon ami(e) aventureux(se) et profane (profan) accorde-toi cette grâce infinie et hors-de-prix (sur You Tube en effet, mais n'allez pas me faire dire ce que je n'ai pas dit, sans sous-titrages cependant) de te délecter en une fois de ce que l'esprit humaniste allié au savoir faire le plus artisanal et désintéressé a produit de mieux dans le cadre pourtant stakhanoviste de l'industrie telle que nous la connaissons, et ce par deux fois, à trente ans d'intervalle ce qui n'a en effet aucun rapport, mais il en faudra beaucoup plus que ça pour nous éloigner de notre sujet …

En 1960, Mario Bava n'est pas encore l'inventeur du giallo moderne, mais il a derrière lui un backround (background) assez conséquent puisqu'il a occupé les postes de chef opérateur ainsi que de directeur des effets spéciaux pour Ricardo Fredda, dont il a tendance à terminer les films à sa place. Cette fois officiellement aux commandes, il signe avec LE MASQUE DU DEMON une fable gothique d'une beauté absolue à ranger aux côtés de LA NUIT DU CHASSEUR de Charles Laughton ou des films de Jean Cocteau dans la catégorie "chefs-d'oeuvre du noir et blanc" s'il faut vraiment donner une étiquette. Pour ceux qui sont assez peu familiers, comme moi, de la filmographie du maître, prenez garde, c'est un pan entier du cinéma qui va s'ouvrir sous vos yeux...

Non content de doter son film d'une photographie incroyable, dont les zones d'ombres et de lumières servent autant à insuffler au récit un cadre inquiétant qu'à servir de transitions graphiques à celui-ci, comme autant de chapitres d'un roman, comme autant de tableaux d'une pièce de théâtre, Mario Bava ne nous épargne aucun trésor de sophistication dont il ne soit capable, et ce, quasiment à chaque seconde.. que ce soit en terme de composition, à base de re-cadrages successifs à l'intérieur de l'image (tous plus inventifs, plus subtils et élégants les uns que les autres) que ce soit grâce aux éléments du décors ou grâce à la lumière, qui vient habiller somptueusement les scénographies les plus dépouillées, ou bien encore par la mise en scène, en déployant à chaque instant l'espace sous nos yeux de façon imparable, à grands renforts de reculs ou de zooms marqués qu'on penserait improbables pour une telle atmosphère, LE MASQUE... est un véritable feu d'artifice de tous les instants, une leçon absolue de cinéma, entièrement dévouée au genre. Et je ne vous parle pas non plus ici, notez bien, de la bande-son, ultra-moderne elle aussi, archi-composée et magnifiquement distillée, venant recouvrir d'une nappe diffuse de densité supplémentaire (oui) l'incroyable cathédrale visuelle que constitue le film de Bava...

Inspiré de loin en loin d'une nouvelle de Nicolas Gogol autour d'une malédiction jetée depuis le bûcher par une jeune sorcière en Moldavie, aux heures les plus sombres de l'Inquisition, l'intrigue repose cependant uniquement sur la force vénéneuse de ses ressorts narratifs, et les effets spéciaux, relativement restreints, valurent à BLACK SUNDAY d'être qualifié davantage de film « expressionniste » que gothique. La mise en scène brillante d'intelligence et de raffinement prenant quasiment le dessus sur tout et transcendant le contenu horrifique qu'elle s' est chargée de révéler; non vraiment, ne vous étonnez surtout pas si au sortir d'un tel spectacle, je pourrais donner l'impression d'avoir encore du caviar entre les dents car c''est exactement le cas, seulement voilà, ce n'est absolument le genre de la maison de se bâfrer tout seul comme vous allez le constater pour la suite, mais cette fois, ce n'est plus du caviar, mais directement la choucroute toute entière que vous risquez d'apercevoir car il est possible en effet de rester fasciné devant la maestria et le génie indéfiniment, et c'est même bien là le grand risque (car « à l'ombre des grands arbres rien ne pousse »,comme l'a dit l'un de nos sponsors, un certain Mr Brancusi), mais pour cette deuxième partie de soirée-cinéma ultime, nous vous proposerons dès lors ni plus ni moins un voyage aux sources mêmes de la maitrise et du talent - auriez-vous cru cela encore possible? - de fait voyons plutôt...

 
Avec le premier RE-ANIMATOR adapté d'une nouvelle de Lovercraft, Stuart Gordon allait faire le bonheur en 1985 de plusieurs générations de vidéo-clubs et de leurs clients déviants en signant de main de maître un joyal sur le mode de la comédie horrifique. Bien peu de suites arrivent généralement à rester à la hautuer de leurs franchises, cependant cette fois-ci c'est le producteur en personne du premier opus, Brian Yuzna (aussi réalisateur de SOCIETY) qui prend les commandes, et repousse encore plus loin les frontières de l'excellence en un hommage époustouflant à...tout: au registre c'est certain -avec la référence au film de James Whale (LA FIANCEE DE FRANKENSTEIN) - que j'adore citer comme si je l'avais vu- mais à ce stade, on peut parler d'hommage, voire de déclaration, au cinéma tout entier ...

D'entrée la mise en scène de Yuzna affiche une continuité respectueuse du premier opus de Gordon, dans le sens où il poursuit de façon admirable les relations entre les personnages, faisant apparaître de nouveaux enjeux, s'occupant avec la même considération des personnages secondaires - c'est vraiment sur ce point d'ailleurs que la suite se manifeste le plus en tant que redite par rapport à l'original, en en conservant très explicitement la structure - mais ce serait aussi mésestimer le talent de Yuzna, qui mine de rien, fait monter la sauce un cran au-dessus du premier volet, très progressivement au départ pour finir par emmener furieusement tous les paramètres dont il dispose véritablement à leur paroxysme, et dont le dernier tiers du film constitue le moment ultime de consécration, j'entends par là une véritable apocalypse:

Jimi Hendrix mettant le feu à sa guitare..

Kurt Cobain en train de tout péter...

Il m'aura rarement été donné de voir dans un film un tel déploiement, une telle charge; quasi-animale et surtout très punk. Mais punk à un point où on aurait jamais cru que c'était permis, c'est le film qui s'auto-détruit , là, sous vos yeux, à l'image, dans une apothéose absolument pas grand-guignolesque, comme on pourrait presque s'y attendre, non, c'est une apothéose épique, pleine de bruit et de fureur ...

Et là je vous le dis net, après ça, plus rien ne sera comme avant..

Loin les envolées lyriques mais encore baveuses des starlettes du moment dans les talks-shows, loin les grands discours (en tout cas certains) sur la façon de faire du cinéma de la part de petits yes-men du moment, qui par un truchement étonnant de la conjoncture socio-économique, feraient presque figures d'auteurs alors qu'ils nous ont eus à l'usure (vous dire si elle dure/ la conjoncture), bref tout ce dont j'ai pu vous parler en exergue de cet article donc, loin tout ça, loin, loin, loin... On perçoit d'un seul coup les hectolitres d'huile de coude nécessaires à l'aboutissement d'un tel projet dédié véritablement à la consécration du genre, et avec ça peut-être même tout le pathos du monde, parce que, oui, d'un seul coup il vient tout juste de nous exploser à la face... Avec RE-ANIMATOR 2, Brian Yuzna aura marché le doigt bien tendu face à l'histoire et à la pérennité de la profession, en réalisant son film comme si ce devait être le dernier, c'est quasiment palpable surtout au regard des torrents de navets plan-plans et je dirais même FONCTIONNAIRES, qui sévissent actuellement sur nos écrans, « vos gueules les mouettes » (donc) nous dit Brian Yuzna, à déjà maintenant presque quarante ans de distance. Mais commençons plutôt par le début...Toutefois vous pouvez aussi bien en rester là car quelques éléments dans ce qui va suivre pourraient vous gâcher plus qu'une "bonne surprise", un moment unique de cinéma, ce serait vraiment dommage.

Dès les premiers échanges entre les deux scientifiques, on sent qu'on est passé à la version adulte du sujet, ne serait-ce que dans l'enchaînement des plans et aussi de par la stature du cadre, sans vouloir dénigrer par là le travail de Stuart Gordon : le fait est qu'il avait à sa charge d'installer tous les tenants de l'univers de RE-ANIMATOR, ainsi que son propre ton, et c'est ce qu'il fît avec succès, mais Brian Yuzna reprend les rennes au sens propre du terme et creuse sensiblement les thématiques, marquant de façon perceptible tous les enjeux : la dialectique trouble entre Herbert West -tout entier, trop, dévoué à sa quête de vouloir re-créer la vie (à moins que ce ne soit surmonter la mort...mmh, voici qui donnerait lieu à une charmante préquelle - envoyez vos dons) - et son acolyte le docteur Can, qui lui ne l'est pas assez : play-boy de série hospitalière, empêtré dans les opportunités du quotidien qu'il n'est décidément pas prêt à sacrifier pour entrer lui aussi "en recherche", constamment révolté qui plus est par les manquements à l'éthique qu'une telle démarche nécessite et qui se manifeste vraiment très très très bien à travers le comportement excentrique de son obsessionnel collègue il faut bien l'avouer (le comédien Jeffrey Combs d'une préçision à toute épreuve donc, et Peter Kent repoussoir de première classe, mais il faut également le dire, dans les deux opus, pas un seul comédien qui calanche, pas un seul rôle qui flageolle, fin-de-la-parenthèse). Présentés ainsi tous deux comme les mêmes pôles d'une seule dualité, raison et sentiment, à moins que ce ne soit deux frères issus d'une même religion (rrrôôh, pardon), chacun cherchant à repousser l'autre sans pouvoir l'ignorer totalement, mais dont les intérêts (le perfectionnisme insatiable de West et l'empathie maladive de Can quant à vouloir éradiquer la souffrance du monde) vont finir pourtant par se rejoindre contre toute attente, avec brio, quand la possibilité de re-création de la vie à partir de rien (enfin de morceaux de corps déjà existant) va réellement se voir proposer au docteur Can, y compris en utilisant le coeur de sa fiancée décédée à la fin du premier opus: le docteur Can va-t-il lui aussi vendre son âme à la science, et reprendre à la Nature ce qu'elle lui a volé - lui qui a toujours été sympa en vrai....L'approche de Yuzna, en terme de continuité se révèle absolument métallissime.

Là-dessus c'est toujours les doigts dans le nez qu'il reprend d'autres éléments du film de Gordon, avec d'autres personnages annexes, qui lui permettent d'ancrer toujours plus son récit dans le genre de la comédie noire, autant que de bétonner sa thématique, et c'est là préçisément qu'il commence de mettre le feu aux poudres : les expériences ratées de West nous apparaissent tout à coup dans l'entièreté et la flagrance de leur horreur, lorgnant autant du côté de l'approche critique d'un Romero que de celle archi-méga-allumée du DAWN OF AN EVIL MILLENIUM de Damon Packard -oui, ô frère spectateur tu ne rêves pas, tout ceci est bel et bien pour toi- et c'est là véritablement que commence le début de la fin, les monstres générés par le fameux « sommeil de la raison » cher à Goya (un autre de nos sponsors) vont sortir du placard et leurs créateurs n'auront plus d'autres choix que de ne pas les oublier et de les voir: pour un moment de perfection, de consécration ultime (officielle?), combien d'atrocités perpétrées, mais qui cette fois ont décidés de marcher vers leurs géniteurs, affamés de reconaissance, littéralement.

L'apothéose aura lieu dans la scène finale du laboratoire, où les quelques amorces de caméra subjective posées ici et là tout au long du récit auraient du nous mettre la puce à l'oreille, et où un plan serré sur la nouvelle héroïne devant le seul décor d'une bichromie sublime des éclairages, qui n'est pas sans rappeler, dans le genre imbattable, LA PLANETE DES VAMPIRES de Mario Bava (et moi je suis astrologue puisque la boucle est bouclée, l'arroseur arrosé, et le pernaud…) viendra jeter tout le monde sans ménagement en plein délire cheap-kitschouille années 80-trash (presque dans le genre clip MTV, mais sans la musique)... enchaînant les angles les plus incisifs, au plus près de la charge émotionnelle et de la violence de l'action, allant même jusqu'à frôler l'abstraction à chaque fois mais ne faisant que la frôler justement, et sans lâcher la bride à une dramaturgie poignante ( Ken Russell transfiguré ?)  non ami spectateur, cette fois-ci tu ne rêves pas, ici te faire une raison tu dois: cela ne peut pas être le disjoncteur. Pas quinze fois de suite.

Pour ma part, puisque depuis tout à l'heure je vous dis tout, je me souviens m'être comme « réveillé », toujours dans mon fauteuil, l'ordinateur toujours allumé sur les genoux, le paquet de chips en train de fumer sa clope (…?), ensuite je crois que j'ai tourné en rond un peu dans la pièce trente secondes, avant de pousser le rideau et d'observer comme ça d'un peu plus près la nuit. Un sac plastique se serait balladé à ce moment-là en essayant de me faire un coup à la « AMERICAN BEAUTY » je vous jure je lui pètais la gueule (à ma façon j'ai peur de rien), peut-être des images de seringue étaient encore trop présentes dans mon esprit, le sentiment que j'éprouvais ressemblant très fort à l'impression d' un médicament qu'on vient de prendre et qui fait son effet...c'est ça, il se trouve que j'avais rien demandé et on m'a filé l'antidote. Alors j'ai repoussé le rideau et j'ai souhaité bonne nuit avec empathie à ma télévision, qui elle, faisait bien, faisait très bien de rester éteinte, là tout de suite. Ce sont sur ces paroles que nous achèvrons notre modeste chronique, en espérant de tout coeur que la soirée ne fait seulement que commencer,

 bien à vous chers tous,

 Nonobstant2000.

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[Photo (de gauche à droite: "Samedi, Mardi, Garmonbozia" par Dr Devo, d'aprés les photos de Christoph Schliengensief et Satoshi Kon.]

Chers Focaliens,

Tu sais (oui, je commence sur une faute...), souvent, je me fais le pourfendeur de l'artisanat en la jouant versus le cochon, tendance architecte. Et du reste, je suis jamais revenu là-dessus. Fidèle quoi (tu commences à me connaître, 5 ans et demi, ce n'est plus du petit flirt...), comme un épagneul breton attend son maître, pourtant noyé, sur la plage...

Et si on mettait un peu de musique, et qu'on baissait un peu la lumière? T'aimerais ça? Allez, je te sers un drink, vite fait sur le gaz, je te mets HALO, l'alboume de mes potes de Current 93 (que j'ai toujours appelé « queue-rein-teuh-quatre-vingt-treize »). Corruption! C'est bon.... On s'installe dans le living, tranquilou...

Je me suis levé à 7h00, il faisait mauvais. Déjà la nuit, la pluie n'avait eu de cesse que de me flinguer mon temps de récupération et d'apprentissage, comme ils disent. Ca commençait fort. Je me réveillais donc à 7h00, dis-je, il pleuvait encore... Quand tu t'es connecté sur ma plate-forme, il était 16 heures et il n'avait toujours pas cessé de pleuvoir. En faisant tourner-cogner mes glaçons de contre la parois intérieur de mon verre à whisky, je décidais de mettre comme une galette en contre-point dans le lecteur dividi (la vache, j'ai failli mettre "électeur", lapsus, faut que me surveille ou je vais refaire un ulcère), histoire de créer un décalage entre la sinistrose inspiré par Dieu et le climat aoûtsaïde, et la fantaisie type "calbard sur la tête" insaïde... Et be,n ma jolie, tu le croiras pas, ca marchotait pas mal ma petite affaire. Un peu plus et ça avait un petit goût de Pologne...

Je commence ma petite affaire avec Marléne J., bon p'tit lot 49 à la criée, même pas trente ans, la môme. Entre parenthèses, t'as remarqué le changement d'attitude chez les débutantes, plus de 40 ans après? Il y a un cadeau avec la lessive quand t'achète la galette, et tu verras des bouts de bandes promos pour la télé de l'époque, notamment un discussion sur canapé entre Marlène et le père Audiard, breakfast of champions: ça taquine, ça observe,et on sent qu'elle cogite bien, la bougresse. Et c'est du direct, simple, du producteur au consommateur. Quant tu vois que maintenant, la moindre cracheuse de texte semble sortir de la place Vendôme ou d'un palace 69 étoiles, et comment ça se sent plus pisser de l'eau de rose dés qu'on a fait un film avec Kad Mérad, franchement, y'a une différence, non? C'est qu'elles veulent être actrice, comme on est chanteuse, vétérinaire ou pompier. Avant, elles voulaient faire des films, et on appelait le patron "Monsieur"!

[C'est complétement bête de dire ça. En même temps, à l'époque, on n'avait pas pas Facebook, on ne pouvait pas regarder des vidéos de chats qui se cassent la figure dans la salle de bain, et on en connaissait pas les polyhartistes... A chaque âge, ses plaisirs!]

Marlène, donc, un sacré brin vous l'aurez compris, est à la colle avec André Pouce, un sacré gangsta'. Ce dernier monte un sacré coup: le détournement d'une estafette de convoi de fond contenant un bon laoding de lingots d'or.

L'opération se passe à merveille, et tout serait absolument épatant si la Marlène n'avait pas une autre idée en tête. André c'est son homme, mais Bernard Blier, c'est son associé, et la petite sait où elle va. Elle trahit André Pouce, et c'est Blier qui met la main sur les barrettes. A son tour, Narnard La Combine embaume la Jobert en redéfinissant le partage: 100% pour lui, 0% pour elle!

L'arroseuse est trempée, mais n'en reste pas là... Elle décide de rendre visite à sa tantine (Françoise Rosay) dans le Sud. Quand cette dernière commence à avoir une bonne idée du tableau, elle décide de reprendre du service et remonter sur Paris pour faire le ménage. Et dans la capitale, le Landerneau des malfrats se fait tout petit à l'annonce de ce retour... Blier se retrouve seul pour protéger son magot., et décide que la meilleure défense c'est l'attaque. La tantine est sur sa liste...

Je me souviens dans ma glorieuse jeunesse, où, entre un livre de Pierre Desproges et un épisode du Monty Python's Flying Circus (qui à l'époque passait en anglais sous-titrée, en access et en praïme, belle époque), il y avait une espèce de mode en forme de revival, consistant à faire entrer Audiard au panthéon en se répétant que c'était génial. Avec le recul, je me demande si'il ne faut pas voir là le signe d'une communauté cinéphile qui canonise l'artiste après avoir craché dessus du temps de sa splendeur populaire! Un peu comme Sergio Leone, bien détesté de la communauté cinéphile jusqu'au début des années 80, puis soudain considéré aussi indispensable qu'une serviette bien chaude dans les cabinets, à la japonaise, c'est chic! Mais laissons cela..

Toujours est-il que, lorsque j'étais pignouffe, Audiard, je l'avais plutôt à la bonne, mais que désormais adolescent, ce matraquage médiatique (où tout le monde rivalisait pour citer les répliques de mémoire!) m'a bien éloigné du bonhomme. Ils avaient réussi à le transformer en Oscar Wilde ! Beurk!

Évidemment, c'est bien dommage... Et en même temps quel plaisir que de redécouvrir ces films à l'âge adulte! Et quel surprise aussi!

Car autant le dire, FAUT PAS PRENDRE LES ENFANTS DU BON DIEU POUR DES CANARDS SAUVAGES est un total bonheur. Loin de la brioche flatulente... [Bon, là, il y a un jeu de mots tordu, je vous laisse réfléchir...]

Loin de la brioche flatulente (inutile de chercher du côté de "pitch", c'est pas ça!), on est surpris de la totale liberté de la chose, peu ou prou. Alors évidement, pour les plus jeunes d'entre-nous (ceusses nés dans les années 80), on peut dire que les légendes urbaines entourant Audiard sont fondées. Les acteurs sont totalement épatants, et tous, ou presque. Non seulement on convoque des gueules, mais ça joue drôlement, des premiers aux seconds rôles. Blier et Rosay, exceptionnelle tantine (et carrière internationale: allez jeter un oeil sur imdb!) sont hallucinants! Quel métier ils ont! Quelle merveilleuse bouteille! C'est précis comme jamais, ça s'écoute,ca ralentit, ca break et ça repart à toute berzingue! Bref, c'est punk et hardcore ! Rien que pour ça, le film est absolument indispensable, et on ne saurait conseiller aux apprentis acteurs d'arrêter de pratiquer les arts de la rue, le cicarsisme et le djembé, d'arrêter d'aller voir des pièces de théâtre faisandées et pleins d'acteurs étant persuadés d'être sortis de la cuisse de Francis Huster, pour voir, à la place, ce film qui en dix minutes leur apprendront bien plus qu'en 6 mois de conservatoire. C'est SU-BLIME !

Juste derrière, Jobert et André Pouce, un grand mec lui aussi, sont merveilleux. Loin de jouer les potiches sexy de luxe, Marlène Jobert est un potiche sexy de luxe, avec un cerveau, et ce qu'il faut de désinvolture et de précision. Elle passe très bien, avec beaucoup de facilité même, en se foutant complétement du ridicule. Dans les scènes avec les trois autres monstressus-cités, elle tient bien son rang et n'a pas à rougir. Avec une troupe comme ça, le défi devient Kinder délice, voire même tout bueno. Quiconque a des fans d'Audiard dans son cercle, si j'ose, le sait très bien: si c'est pas joué dans le suprême et le merveilleux, si on est juste en dessous, c'est ignoble! Je crois d'ailleurs, si vous me permettez une digression documentaire, que je préfère encore danser "A La Queue-Leu-Leu" dans un mariage (ce qui est, pour moi, l'expérience la plus traumatisante de l'existence en temps de paix) que d'entendre des amis réciter des répliques des TONTONS FLINGUEURS ou autres. [En fait non, c'est l'inverse mais de peu, disons...]

Les textes d'Audiard sont des tueries, comme disent nos amis les jeunes, mais l'animal ne faisait pas dans le naturel. C'est composé, abstrait même parfois, et en un mot, c'est de la dentelle. Du coup, les acteurs capables de cracher la chose en gardant la franchise et la décontraction nécessaires, ils ne sont pas légion. Mais quand ça marche, comme ici, c'est à devenir chèvre tellement c'est bon. Quel délice! Malgré sa réputation de sniper et de maître du bon mot, ce qu'il est aussi, Audiard est surtout un livreur de cathédrale de mots, un constructeur de gros blocs tartinés, au contraire! Audiard ne fait pas de la guérilla, c'est le débarquement sur les plages normandes avec 12,000 bateaux et 987 bombardiers. La liberté du sujet, l'énormité du processe, alliés à ce travail de dentelière de Calais, les trois ensembles, en plus de la fantaisie générale et absurde du projet, quand les astres s'alignent quoi, c'est absolument merveilleux, c'est presque du Sexe...

Et en plus, je ne vous demande même pas de choisir entre le Cadeau et les Echanges ! Car, pendant la première demi-heure, on voit très bien que la chose est innervée par une mise en scène tout à fait capable, voiremême plutôt riche. [J'allais dire plus riche que le cinéma français de nos jours, mais bon, je me retiens... [En fait, ce n'est pas plus riche que de nos jours, ça n'a rien à voir, ce n'est même pas le même sport.] La liberté d'écriture est grande: ca coupe de manière impromptue, les personnages s'adressent aux spectateurs, ça fait des appartés, etc... Les conventions de narration sont drôlement moquées, ce qui est toujours appréciable. Plus étonnant, la mise en scène suit. Un bonheur n'arrivant jamais seul, on se réjouit de voir que la photo est plutôt soignée, le cadre pas trop indigent. Le montage épaule bien le scénario, interrompant volontiers un plan en court, ou bousillant parfois même le contre-champs. Le premier quart-d'heure du film est hallucinant, la première demi-heure vraiment exceptionnelle, et les trois premiers quart d'heure très agréable.

Je ne vais pas mentir, le film n'est pas tout à fait constant. Malgré une durée courte (1h20 peu ou prou), la mise en scène devient plus suiviste, et le film se relâche largement laissant les acteurs et le scénario (un peu hésitant) turbiner pour que la barque reste à flot. Les jeux sur les décors, les objets et les vêtements cessent, le montage est moins chahuté et, au final, on replonge un peu dans une comédie plus "normale", avec l'absurde en plus. Il y a plus d'approximation aussi, et, en un mot, on attend que le vélo dévale la pente jusqu'au générique, sans pédaler. La chose se suit sans déplaisir, mais l'impression de tomber un étage au dessous est assez nette. Il n'en reste pas moins que ces ...CANARDS SAUVAGES constitue une excellente introduction au cinéma d'Audiard... Et si on est en-dessous du niveau d'un CRI DU CORMORAN..., mon chouchou, on est quand même dans un cinéma populaire qui a desserré d'un cran l'élastique du slip. Et on mesure très bien, sans ambiguïté, ô combien la comédie française a perdu de liberté en quelques décennies.

Et n'oublions pas, la première partie du film rend complétement indispensable le visionnage. Et ça, c'est un plus en temps de crise...

Dr Devo.

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[Photo: "Hommage à Jean-Michel Jarre" par Dr Devo, sur une idée de John Mek-Ouyes.]

Avant-Propos

Après une lourde journée de travaildans le bâtiment de Matière Focale, on se repose et on fume un cigare en regardant la cheminée qui crépite ou est vide selon le cas... C'est le moment pour les collégues acharnés de se rapprocher un peu et de mettre en perspective plus calmement que dans la courant de la semaine, et ce, sans pression du bouclage... Mais chut, soudainton frappe. Je les entend arriver...

Norman Bates: Hey !

Dr Devo: Salut.

N.Bates: Tu va publier ton Pire Express aujourd'hui ?

Dr. Devo: Il n'est pas fini du tout. Donc non, ce ne sera pas pour aujourd'hui, et sans doute pas demain !

N.Bates: Bon. Ok. Moi, au moins, j'ai un petit truc.

Dr. Devo: Haaaaa! Kool, Daddy! Ca parle de quoi?

N.Bates: AMERICAN PSYCHO 2.

Dr. Devo: Ouch! Jamais vu...

N.Bates: Bah, c'est de la merde !

Dr. Devo: Rires ! J'aimais vraiment bien le premier.

N.Bates:Oui, le premier était bien. Là, c'est un téléfilm minable. C'est un espèce de teen-movie.

Dr. Devo: Ha oui, AMERICAN PYSCHO pour la télé! J'imagine d'ici le carnage! Un teen movie? Y a la maman de Stifler au moins ?

N.Bates: Non, mais il y a William Shatner en chasseur de serial-killer !

Dr. Devo: Alors, ça va!! Rires. Il est marrant au moins?

N.Bates: En fait ,c'est une fille d'une des victimes de Bateman (le "héros" du premier AMERICAN PSYCHO) qui fait des études à la fac et qui tue ses petits camarades. C'est affligeant.

Dr. Devo (avec la voix de Homer Simpson): Oooh pinaize! Une zessguon qui se venge ! Même plus de gratuité ! Finie la vocation !J'imagine déjà la morale finale...

N.Bates: Oui oui, en plus, la fille, c'est Mila Kunis !

Dr. Devo: Mmmm... C'est qui ca? J'ai bien connu une Lingus Kunis...

N.Bates: Rires.

Dr. Devo: Oui, je sais. C'est la meilleure blague que je ferais ce soir.

N.Bates: C'est une sorte de Megan Fox croisée avec Angelina Jolie.

Dr. Devo: Oui, c'est une playmate, quoi!

N.Bates: c'est la fille qui joue dans le LIVRE D'ELI.

Dr. Devo: Pas vu! Mais en fait, on sent qu'elle a la rage contre la société qui la forcée à commettre tous ces meurtres plus pervers les uns que les autres. On sent qu'elle est drôlement tourmentée.

N.Bates: Non, même pas ! Elle tue juste des gens parce qu'elle a vue sa baby-sitter se faire tuer et elle a aimé ça. Mais elle refoule le tout, en faisant des études de FBI-girl.

Dr. Devo: Oh! Elle est à mi-chemin entre l'Enfer et la Rédemption, tu veux dire?

N.Bates: Il y a de ça ! Elle arrive quand même à tuer son petit copain avec un préservatif usagé ! La grande classe.

Dr. Devo: Ha oui, quand même. Ca, c'est le coup du preservatrou!! Trééééés dangereux!! Rires.

N.Bates: …

Dr. Devo: C'est un trucs des Nuls!

N.Bates: Je n'avais pas fait le rapprochement ! Mais, maintenant que tu le dis...

Dr. Devo: Mais revenons à notre psychoteuse américaine. Elle lui inocule une cochonnerie en faisant des trous dans le préservatif?

N.Bates: Non, elle l'étrangle avec !

Dr. Devo: C'est plus sage, mais moins pervers. [Cette conversation devrait figurer dans ton article.]

N.Bates: Rires. On pourrait faire un recueil d'entretiens. Comme le Dalai-Lama !

Dr. Devo: Mais oui! Tu Ferais le Dalaï-Lama. Je ferais Jean-Claude Carrière. :-)

N.Bates: Ouiiiiiii !

Dr. Devo: Avec mon stylo magique, je ferais entrer ton fils à la FEMIS! [Silence.] Bon, ben moi, je dis "banco !". Ce concept, ça peut faire une nouvelle rubrique focalienne !

N.Bates: Jusqu'où iront-ils? Rires.

JC. Carrière: En plus, on n'a parlé que de cinéma jusque là... Mais tu ne m'as pas dit si la psychoteuse 2 avait une copine gentille (une gauchiste, une intello, une goth ou les 3 à la fois) qui découvre l'horrible violence de la vérité derrière le paravent des apparences?

D. Lama: Non. Pas vraiment. Mais, elle a un psy.

JC. Carrière:: C'est pas mal aussi. Lacanien ou Jungiste?

D. Lama: Il ne respecte pas du tout la déontologie du métier.

JC. Carrière:: Le petit salopard! Il a très envie de se faire croquer le monsieur par elle?

D. Lama: Bah... C'est assez ambigu. C'est plus un courant de pensée... [Silence] Un courant de pensée à rapprocher de Francois Bayrou. 

JC. Carrière:: Rires. Ils donnent des baffes aux enfants?

D. Lama: Non. Il n'est juste pas vraiment contre, pas vraiment pour, bien au contraire.

JC. Carrière:: Oui, je vois. [Soupir] Et c'est réalisé par qui, la chose?

D. Lama: Par Morgan Freeman !

JC. Carrière: Nooooooooooooon?

D. Lama: Si ! http://www.imdb.com/title/tt0283877/

JC. Carrière: Rires!! Bah, ça alors... Là on tient un scoop, Coco! Ou alors une bonne blague pour les soirées en ville!

D. Lama: Ouais! A donf! Il n'empêche, je suis allé voir les commentaires sur Allociné. Tout le monde croit que c'est vraiment lui !

JC. Carrière: Ha bah ça, oui, j'imagine bien. En tout cas, quel professionnalisme de ta part, dis donc!

D. Lama: "Un bon acteur, mais il ferait mieux de ne pas faire de film." Rires !

JC. Carrière: Rires! Les enfants sont délicieux! Ils sont parfois si cocasses! Ceci dit, je connais un focalien qui lit, pendant des heures durant, les commentaires des films récents sur Allociné! Et il trouve ça transcendantal. Ca le fait rêver comme un débat de Gérard.

D. Lama: Vraiment ? Moi aussi, c'est mon cas. Je m'en cachais un peu à vrai dire. C'est ma principale source d'inspiration.

JC. Carrière: Rires. Allonge-toi sur le divan, je sors mon costume de François Bayrou.

D. Lama: Rires. Il y a vraiment des commentaires merveilleux.

JC. Carrière: Je n'en doute pas une seule seconde. Ca aussi, ça pourrait être le sujet d'un artik'.

D. Lama: Je sais que tu es gourmand, alors je t'en met un au hasard ! « Ce film est nul. Que des femmes à poil et du sexe à gogo. Je trouve que c'est n'importe quoi. Ce film ne m'a pas amusée, on rit à peine. Heuresement que j'étais avec mes amies ! »

JC. Carrière: C'est à propos de Russ Meyer? [Silence.] ENTER THE VOID?

D. Lama: Non ! Il s'agir de FATAL de Mickael Youn.

JC. Carrière: OUCH!!! Ptdr, comme disent les jeunes. Lol lol mdr smiley smiley ;-)

D. Lama: Rires.

JC. Carrière: Tu as déjà vu LES MOIGNONS DU FIEL?

N.Bates: (…) Non. Je n'ai pas eu cet honneur.

JC. Carrière: C'est de Terence Phallique. Il le passe en numérique par ici. Je suis allé le voir. C'est pas mal du tout. Mais bon passons, si tu ne las pas vu...

D. Lama: Mais FATAL, il parait que c'est pas si mal...

JC. Carrière: Ooooooh, soupira-t-il, tu sais... Là je dis, que ce n'est sûrement qu'un malheur parmi des millions de malheurs possibles. Mais, vas-y d'abord. Si tu dis que ça vaut le coup, alors j'irais.

D. Lama: Je n'irais pas jusque là !

JC. Carrière: Rires. D'après Allociné, cest moins bien que LES PIGNONS DU MIEL de Terence Gaelique, mais c'est mieux que LES MI-DOUES PASSENT L'AUBRAC.

D. Lama: Dans ce cas... Et LES MIGNONS DU CIEL, tu l'a vu ?

JC. Carrière: Bah oui, je te lai dit! LES FIGNONS DE LA BIELLE ! Je sais pas, mon cher Dalaï, si nous avons fait avancer la cause bouddhiste ce soir, mais on a bien ri, en tout cas...

D. Lama: Que Serge Lama nous pardonne !

JC. Carrière: Et feu DALaIDA aussi! Dal(a)ida ! Jeu de mot !

D. Lama: Oui oui ! je dirai même plus, c'est du dalaidadaïsme !

JC. Carrière: Oh là, oui! Je sentais que tu cherchais. Rires. Coup de maître en fin de partie ! C'est l'estoquade. On pourrait appeler ces petits chats "Conversation au Coin du Feu", avec JC CARRIERE et Le D. ALAILAMA. Dominique Alailama et Jean-Cécile Carriere !

D. Lama: Rires.

JC. Carrière: J'aime les prénoms composés qui mélangent les genres (ça vient des débats de Gégé, ça aussi). "Pour ça on accueille Jeanne-Marcel !"

D. Lama: Oui. Ou Omar Sharif ! Enfin, bref...

JC. Carrière: Ha oui! Ce cher homard... Bon, cher Lama, il va falloir que je Spartes. il est déjà Tartares...

D. Lama: Mais, c'est le Carole bouquet final !

JC. Carrière: Merci d'avoir remarqué!!

D. Lama: Bonne soirée quand même !

JC. Carrière: Moi, je crois que tout cela fera un excellent artik...

D. Lama: On risque d'avoir un problème avec le Tibet !

JC. Carrière: Bah... Après ce qu'on a fait à la Pologne, on peut!

D. Lama: Sauf si le Tibet rit !

JC. Carrière: Ooooh!! Je me desopile à fond les manettes. Bon, allez, il faut que je file. Mayo Amora !

D. Lama: Bonne soirée !

L'after-reading 

Un épisode plein de révélations qui vous enjoint à en faire de même la semaine prochaine. Et voici les résultats de notre grand jeu. Il fallait trouver ceci:

Un grand bravo à Madame Gonzalez à Aurillac qui a reconnu "le genre documentaire". Une bonne réponse qui lui vaut un cadeau.

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Chers Focaliens,

Et si on faisait une petite ballade tranquilou ? Apportez les Pépitos et la limonade, et moi j’amène les chevaux.

On démarre avec DOOMSDAY de Neil Marshall. Je vous ai déjà dit que j’ai croisé son épouse ? Un beau brin de femme, je vous assure. Et quant à Monsieur que je n’ai jamais rencontré par contre, je peux vous dire qu’il est meilleur réalisateur que Garry Marshall (PRETTY WOMAN), mais ça c'est un autre débat.

En tout cas, dans un futur pas si lointain, ça barde au Royaume-Uni. Il y a une vingtaine d’année, un virus à infecté l’île, et c’est pas joli joli à voir. Le pékin moyen se retrouve semi-zombifié en moins de temps qu’il n'en faut pour dire Mao Tsé-Tung, et ça ne fait rire personne, même pas devant un petit jaune, et à ce propos, Barman, remets-en moi un, j'ai la gorge qui dessèche quand je parle. Enfin bon, mon colon, les choses ont tellement dégénéré que le Royaume vit coupé en deux. Au nord, une zone protégée qui a été cloisonnée avant que l’épidémie ne se propage, mais où les gens vivent mal, dirigés par un pseudo gouvernement bien dépassé et un peu louche sur les bords. Au sud, c’est le Pays de la Désole, rempli de morts et de cadavres.

Rhona Mitra est une militaire à qui on ne la fait pas, genre force ultra-spéciale commando. Et quand son patron Bob Hoskins (qui n’a pas un physique de ninja) lui propose la mission suivante, elle dit oui, car la Rhona c’est un fighteuse qui n’en fait qu’à sa tête. Et il s’agira d’aller dans le Sud contaminé retrouver un professeur qui avait fait des recherches sur le virus avant que le Sud ne soit fermé. Les satellites balayant la zone semble indiquer que des êtres humains ont survécu à l’épidémie, et donc le gouvernement voudrait bien savoir si le professeur n’avait pas réussi a trouvé quelque chose… C’est parti pour une folle équipée chez ces ploucs d’anglais, bons à rien sinon à jouer du rock en buvant de la mauvaise bière, avec un bon petit commando de têtes brûlées !

C’est pas moi qui ai tué le shérif ni le député, mais je peux vous dire que le Marshall est un bon p’tit gars dont on se souvient avec émotion de DOG SOLDIERS plein de loups-humains (ça change de loup-garou, non ? ça fait plus adulte) qui, si les douze premières minutes foutait la gerbe, comme disent les djeuns (54% du lectorat de Matière Focale est né dans les années 80), était rudement bien ficelé et sympathique. Et puis, ce fut THE DESCENT, complètement réussi lui, et même sacrément bien troussé même, et qui valut à notre ami une bonne série de critiques positives et aussi pas mal de whiskies offert par la maison !

Ici, on reste dans le fantastique, mais on change de ton. Bien que rosbeefo-centré DOOMSDAY n’est pas un film de smicard, c’est moi qui vous le dit, et on dirait que le machin est pété de thunes. Ceci dit, comme la photo est plutôt sophistiquée par endroit, on se dit qu’il s’agit peut-être simplement d’un bon coup de pinceau à malice. En tout cas, ce n’est pas du Ken Loach, ça rutile sa maman. Bien.

Côté intentions, le jeune Bill (si j’ai envie de l’appeler Bill, ça dérange quelqu’un ?) la joue George franc-jeu, et celle-là, je l’avais encore jamais faite. Ce sera des tripes à la mode de tons, au pluriel, et un beau syncrétisme boubliboulgesque plutôt inattendu, la chose mélangeant le zombie flick à la mode Thatcher, l’anticipation, le gros "actionner" bourrinosse (que je n’aime pas le mot "actionner" !), la femme qui a des ovaires façon RESIDENT EVIL (sympathique série d’ailleurs), la fantasy, le post-apo (coin coin !), etc. Ca, c’est pour le bon côté des choses.

Le gros problème ici, c’est que même si Neil Marshall n’a pas fait que du chef-d’œuvre, DOOMSDAY est, de loin, sa pire mise en scène, et franchement, rien que de le dire, j’en ai les larmes qui me montent aux yeux. Sortez les mouchoirs. Comme je l'ai dit là-haut, la photographie est relativement élaborée dans le style des films fantastiques modernes, avec moult centaines de milliers de kilowatts dans chaque plan. Quelques décors assez malins, mais pas tous, arrivent à rendre plutôt crédibles certaines séquences. Les éclairages rasants ne sont peut-être pas ce que je préfère, mais bon, on sent l'effort, pas de soucis. Le gros problème de DOOMSDAY se situe bien sûr ailleurs.

Montage, mon gros soucis, comme disait le poète. Et là, Marshall, comme dirait Omar Sharif, il a lâché les brides, et si vous me permettez l'expression, son montage (est) ma(ha)l. Alors, ça fait un petit moment que j'ai vu DOG SOLDIERS et ses dix premières minutes hystériques, et donc je ne saurais dire si l'entame de ce film est comparable au désastreux collage de DOOMSDAY. Mais, ce que je peux vous dire c'est qu'on le voit venir, le Neil. C'est qu'il veut faire pêchu, un peu vulgaire, et surtout survitaminé. Ca me rappelle quelque choses, pas vous? Alors, l'animal surcoupe, coupe, balance les plans plus ou moins à la mitraillette. C'est moins mal monté que le dernier James Bond (qui était une vraie horreur de "montage djeunz", à tel point que dans les courses poursuites on ne sait plus du tout dans quel sens roulent les voitures! C'est assez drôle, remarque!z), mais Marshall multiplie les plans comme Jésus les pains, même parfois dans des scènes plus calmes, où on se dit alors qu'un plan de trois secondes, ce n'est pas plus mal que deux plans d'une seconde et demi. Comme vous vous en doutez, je trouve ça très laid. Mais bon, Marshall n'est pas le premier a utilisé la méthode. Par contre, ici, souvent, on cherche vraiment la raison de ces multiplications de plans, tant Marshall tend à perdre l'intention jeuniste! Voilà qui met le spectateur focalien bien à distance.  Et DOOMSDAY, du coup, est une sorte de monstre bicéphale tiraillé entre son envie de spatialiser un peu et ce montage incompréhensible.  Et contrairement à 28 SEMAINES PLUS TARD, où le montage était parasité par un cadrage trop serré et par certains mouvements de caméra tremblotant de manière trop ostentatoire, on ne peut ici quasiment rien lire. On comprend l'action, bien sûr, mais tout bêtement, ces coupes envoie balader tous les autres leviers de mise en scène! Les notions de cadrage, de photographie et le reste deviennent très rapidement des valeurs secondaires, tout justes illustratives.

C'est donc là, le principal écueil du film. Il est alors dur de faire le tri avec le reste. Qu'aurait donné le film avec le même scénario et les mêmes acteurs si le montage avait été différent et plus posé? Quelle aurait été la tonalité du film? Plus ironique? Un mélange d'exagération et d'action prenante? C'est dur à dire. Dans l'état, en tout cas, puisqu'on n'est pas happé par le film et son histoire, certaines maladresses apparaissent un peu gênantes, et nous font demander si le côté de guingois du film ne l'aurait pas servi dans d'autres circonstances. Si certains rôles sont bien campés, d'autres me paraissent beaucoup plus patauds, notamment du côté du méchant gouvernement et des jeunes pinques (punks), notamment son chef. Et puis que ce soit dans les situations ou dans les motifs scénaristiques, les syncrétismes fantastique et cinéphile qui se veut la colonne vertébrale du film, paraissent, eux aussi, très maladroits, au bas mot. Le mélange des tonalités, je suis pour vous le savez. Mais ici, par petites touches, Marshall aligne les influences multiples et peine à trouver son propre ton. On voit donc l'intention, et dieu que c'est maladroit, voire un peu énervant. Marshall veut sa pizza du chef, et les ingrédients sont très identifiables: la série 28 JOURS PLUS TARD pour le côté débrouillard et anticipatoire crédible à l'échelle global d'un pays, NEW-YORK 1997, MAD MAX, et bien sûr RESIDENT EVIL auquel il est quasiment impossible de ne pas penser ! Cela donne un ensemble laborieux, souvent maladroit qui gâche la franchise exubérante et prenante du projet dans sons intention.

DOOMSDAY est donc une sacrée mauvaise surprise. On se demande vraiment quelle mouche à piquer Neil Marshall qui loupe complètement son projet, et ne trouve jamais son indépendance. On est très loin de la personnalité de ces deux autres films. Et si l'idée de faire quelque chose de totalement opposé à THE DESCENT est forcément louable, on s'étonne de constater que le même réalisateur puisse d'un côté établir une mise en scène précise et inventive, souvent au cordeau, et d'autre part se perdre complètement dans une bouillabaisse sans vraiment de queue ni tête. Espérons que Marshall saura rebondir et revenir avec un film plus maîtrisé. 

Dr Devo.

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Ah l’Italie ! Ses petites ruelles fraiches et ombragées où la chaleur écrasante ne pénètre pas, où les effluves de centaines de cuisines remplissent l’air  de parfums méditerranéens, le mezzogiorno et son soleil de plomb s’abattant sur les vestiges de plus de 2000 ans d’excès en tout genre, les bordéliques rues marchandes où s’échangent des épices transportées en bateau des quatres coins de l’orient, les merveilles architecturales où l’amour se niche, la sieste l’après midi et la fiesta le soir, les femmes voluptueuses courant à moitié nues entre boites de nuit et plages ensoleillées, les écrivains conjuguant philosophie et sexualité effrénée, tout ca et bien plus vous seront offert lors de notre nouvelle soirée BON CHIC MAUVAIS GENRE #2 !

Présenté en double feature avec TENEBRES d’Argento, LA BAIE SANGLANTE a en fait de nombreux titres allant de l’absurde à l’improbable : le titre original sous lequel il a été tourné fut "Vous n’aviez qu’a pas être méchant" ou un truc du genre en italien. Il n’est jamais sorti sous ce titre, les producteurs préférant REAZIONE A CATENA (réactions en chaines) voir ECOLOGIA DEL DELITTO, écologie du délit, titre magnifique mais sans aucun rapport avec le film. Puis il est sorti aux USA sous douze titre différents, allant de LEFT HOUSE ON THE LEFT 2 ( !!) à BAY OF BLOOD justement, qui fut repris en français. Le titre le plus fidele serait Réactions En Chaîne, puisque le film met en scène une galerie de personnages qui vont tour à tour passer de victimes à bourreau pour défendre leur intérêts (financiers ou écologiques, en passant par le meurtre gratuit) dans un scénario complètement hallucinant enchainant des épisodes burlesques, érotiques, gores, terrifiants, ironiques ou naturalistes, le tout avec une bonne dose de folie communicative et une volonté d’écraser les codes du genre au rouleau compresseur. Citant tour à tour Borges ou Dante, Mario Bava signe là un de ses meilleurs films, sans doute le plus gore (il parait que Bava en avait marre que les gens lui demandent pourquoi ses films étaient moins violents que ceux d’Argento) et le plus absurde, un déluge à la fois narratif et visuel qui emporte le spectateur dans une sarabande de violence absolument hallucinante et pas toujours bien compréhensible, jeu de massacre déroutant et poétique dont le seul but semble de surenchérir dans l’absurde. Très difficile de résumer le film avec des mots tant la variété des sujets abordés tient plus d’une liste à la Prévert que du giallo classique (il y a quand même quatres scénaristes crédités), mais pour les plus jeunes qui ne connaissent pas le film, c’est quelque part entre VENDREDI 13 (dont beaucoup de scènes ont été reprises d’ailleurs) et BATTLE ROYALE (pas vraiment), à la différence que contrairement aux deux œuvres citées le film est un pur chef d’œuvre qui a d’ailleurs donné naissance au slasher américain et qui continue aujourd’hui encore d’inspirer les nouveaux standards du genre. Il y a même un petit coté soap opéra faisandé de toute beauté…

Visuellement, le film est là encore d’une richesse incroyable. Je ne sais pas trop par où commencer devant l’ampleur de la tache, mais du montage à la photo, tout sert le film. C’est un feu d’artifice permanent, des mouvements de caméras incroyables jusqu’aux transitions sublimissimes, des jeux sur la mise au point (rien que la transition absolument sublime où le soleil se transforme en œil vaut la vision du film) ou sur les zooms à foison (bon là c’est un peu too much quand même, mais ca a son charme j’imagine), bref on parfois l’impression d’être dans un trip sous ecstazy qui vire au cauchemar bad trip. Je peux vous assurer qu’on ne s’ennuie pas une seconde, il faut plutôt s’accrocher à son siège pour pouvoir suivre un tant soit peu le rythme pied au plancher instauré par Bava. Ca part dans tous les sens, et en même temps si possible. On retrouvera les traditionnels adolescents décérébrés venu squatter une maison abandonnée pour s’encanailler (magnifique séquence de danse), mais aussi d’autres personnages bien plus improbables comme le couple formé par un naturaliste et une voyante (Laura Betti !!) ou la comtesse acariâtre attachée à ne pas bétonner la baie. Tous ses personnages ont en commun une vision bien spécifique de la baie où ils vivent, et ils vont tous se battre pour faire valoir leur vision, comme des gamins se battant pour un jouet. Au final tout ce joyeux bordel trouve un équilibre dans un film totalement maitrisé techniquement : Bava assure la photo magnifique et le cadrage de toute beauté les doigts dans le nez, en jouant comme Argento sur le contraste des couleurs. Il ne faut pas oublier les effets spéciaux, véritable prouesse technique qui aujourd’hui encore suscitent l’admiration.

Avant de vous laisser découvrir le film, il faut quand même dire un petit mot de la fin, sans trop en dire pour garder la surprise, sujette à de nombreuses polémiques même chez les fans les plus hardcore. Pour certains, elle tombe comme un cheveu sur la soupe, mais personnellement je trouve que c’est une idée très belle et courageuse, qui loin de naïvement présenter l’enfance comme une période d’innocence et de bonheur, place plutôt les adultes face à leurs responsabilités, ou plutôt leur renvoient leur responsabilité en pleine face. Toutes ces gesticulations humaines, les conflits d’intérêts, la séduction et le pouvoir sont présentés comme une parade grotesque, une sorte de grand cirque dont les enfants seraient des témoins atterrés. On n’est vraiment pas loin de la comédie humaine.

PS : Je précise que j’ai vu une copie italienne originale du film pour rédiger cet article. Il s’agit de la version intégrale du film d’une durée de 95 minutes. Or la version qui sera projetée le 8 janvier à l’occasion de la soirée BON CIC MAUVAIS GENRE #2 est la copie neuve américaine remastérisée il y a peu et sortie en DVD dans la foulée en France, qui est elle plus courte. Il fallait que ce soit dit, et je vous encourage vivement à voir les deux versions si vous le pouvez !





Norman Bates.





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C’est le Colonel Moutarde, encore lui, qui me prête dans le moment de délicieuses ou dégoûtantes galettes qui me permettent d’explorer un peu tous les recoins de la galaxie cinéma, et qui m'a donné cette copie de ANGST. Puisque, comme nous le rappelait hier Norman Bates, l’Ultime Saut Quantique a un peu défriché le sujet, je vais moi aussi me plonger aujourd’hui dans la jungle du cinéma de langue allemande. Mais, de manière à ne pas marcher sur les plates-bandes des collègues, vous me permettrez de décaler légèrement mon angle de tir, et de viser ce beau pays majestueux qu’est l’Autriche. Allez, hop, on enfile tous nos culottes de cuir, on prend les piolets et une grosse chope de bière, et c’est parti…

Erwin Leder est autrichien et en prison (une phrase, un zeugma, je dis bravo !). Condamné pour tentative d’homicide (sur sa mère me semble), il sort aujourd’hui se confronter à l’air du dehors et à la liberté. Et ça va être très, mais alors très très compliqué. Son premier geste sera de s’arrêter dans le premier café venu pour en boire un (hihi !) et pour manger une bonne saucisse-moutarde comme l’Autriche en a le secret. Et déjà, là, ça se gâte ! Le voilà donc avec sa saucisse dans une station-service à deux pas de la prison, et il mate sévèrement deux jeunes filles coquettes accoudées au bar. Et dans sa tête, le petit vélo pédale vite, vite, vite. Elwin est excité et il veut tuer, là, tout de suite, sur-le-champ. Il doit néanmoins reporter son projet. Il prend alors un taxi, tente d’assassiner la chauffeuse (si je veux), et finit par s’échapper. Perdu dans un quartier qu’il ne connaît pas, il débarque dans une luxueuse et vaste propriété au look résolument moderne. Il pénètre par effraction dans la maison, et se fait vite surprendre par ses occupants : un jeune homme en chaise roulante et visiblement attardé mental, sa sœur (joli brin de fille), la mère dans la soixantaine, et un teckel. Dès qu’il est découvert, Erwin attache tout ce beau monde, non sans mal, et il commence à travailler, dans tous les sens du terme. Le sang, bien sûr, ne tarde pas à couler, et la mort envahit instantanément l’Autriche…

C’est sympa comme pays, non ? On est vachement bien : il y a de la montagne, de la forêt, c’est bien propre, bien entretenu. C’est calme. Et puis les gens sont tellement avenants : Michael Hanecke, Ulrich Seidl… Que des films sympas en perspective…

Et ici, ANGST ne déroge pas au cliché : le film est dur et plonge son spectateur dans un univers largement glauque. Et c’est rien de le dire…

Suivre un tueur compulsif en goguette n’est sans doute jamais une partie de plaisir,  mais il y a ici quelques dimensions supplémentaires qui font que le film est plus qu’un bidule pour choquer le bourgeois.

Commençons par décrire l’objet. ANGST est tourné dans un scope très ample, très aéré, et surtout, il utilise la voix-off de manière assez simple mais qui ici fait mouche. Il s’agit bien sûr du tueur qui nous parle. On prendrait d’abord cette voix comme étant le fil de sa pensée mais très vite, les choses se compliquent puisqu’aux réflexions in vivo se mêle une part de récit plus explicatif, et que finalement les deux couches de narration vont se télescoper, faisant la part belle aux choses dont le tueur ne parle pas et qui manifestement le travaillent énormément. La scène-clé pour ce dispositif de voix-off, c’est la scène de la chauffeuse de taxi, où les deux types de dialogues off finissent par se confondre et lancent, d’ailleurs, comme par hasard (en bas de votre écran, un indice s'affiche!), la geste meurtrière du bonhomme. Un scène très rythmée et superbement montée d’ailleurs puisque malgré sa durée (pas énorme mais assez éprouvante car on comprend vite où il veut en venir), il nous est impossible de pleinement réaliser, c’est-à-dire d’avoir totalement conscience de ce qui est en train d’arriver, chose entretenue aussi par la voix-off dont je parlais qui dépasse largement de cadre de l’action, mais qui est n’en est pas moins décisive. Ca fait beaucoup de choses pour une scène apparemment anodine, et une certaine ivresse, pas du tout aimable d’ailleurs, nous prend.`

Il faut dire que dès les premières images, le film nous prend à la gorge (les scènes en prison) malgré la tranquillité relative de ces scènes d’introduction. Le cadre est magnifiquement travaillé et met en valeur les textures hétérogènes des différents décors. L’échelle de plan est aérée, et même dans les plans rapprochés, nombreux et j’y reviens, on a beaucoup à voir dans le cadre pourtant dirigiste, et c’est rien de le dire, et ça j’y reviendrai aussi. Un échelle variée pour ce décor de petite ville de province qui peut prendre des allures peut-être pas majestueuses mais assez immenses. Il faut dire que Kargl varie l’échelle en virtuose, et que très vite un sentiment s’impose : c’est cadré de manière inouïe et ça, ça mérite un second paragraphe…

A la ligne. Echelle ample, cadre sublissime, des textures, un acteur saisissant nous le verrons, des jeux d’appareils hallucinants, c’est bien simple : au bout de trente ou quarante secondes pour les plus rétifs, il faut se rendre à l’évidence : il y a ici un choc qui rappellera à certains la découverte des Gaspar Noé ou de Herzog (je ne compare pas, j’analogise bien sûr). ANGST semble être un choc esthétique de première importance. Il faut dire qu’il pousse l’ami Gerald, et malgré la relative sécheresse du sujet, âpre et épuré dans son genre. On est ici en pleine symphonie baroque, ce qui est un paradoxe, car le sujet est microcosmique, et que les propos énoncés tendraient plus au moins qu’au plus, si je veux et en quelque sorte.
Je parlais du cadre. La caméra est quasiment tout le temps en mouvement. Ca bouge beaucoup de manière absolument non-hystérique très souvent, et le premier choc ce sera l’utilisation des volumes présents dans ce cadre et des lignes qui le recomposent qui est d’une subjuguante beauté. Les scènes où notre psychopathe traverse la chaussée en début de film sont à tomber. Et ça, ça ne s’arrêtera pas. Là aussi, il y a un sentiment d’ivresse, d’ivresse au ralenti allais-je ajouter. Mais un virevoltage de caméra n’en vaut pas un autre. Dès que Kargl change un paramètre (échelle, plongée ou pas, rythme du mouvement, axe…), on a l’impression de redécouvrir complètement le système. Comme le montage favorise la coupe, et privilégie de manière presque musicale le rythme, c’est, je vous assure, la fête au village, et cela même dans les scènes à l’intérieur de la maison où pourtant l’environnement est plus sec et se devine plus monotone (il n’en sera rien, bien sûr).

Les plans sont sublimes : énormément de plongées, certaines à vingt mètres de haut, d’autres juste au-dessus de la tête des protagonistes et qui parfois, même dans les situations les plus extrêmes, sont en mouvement. Car le film travellingue sa mère à qui mieux-mieux, dans une symphonie de sensations hallucinante, presque soûlante. On se demande même parfois comment un réalisateur dont on devine le peu de moyens aux encornures (c’est à dire jamais) à trouver la force de faire des choses aussi compliquées du point de vue de la mise en place. En tout cas, le résultat est là : budget modeste mais rendu à la 2001 L’ODSSEE DE L’ESPACE (n’importe quoi, aucun rapport) car c’est une impression de luxe qui nous submerge. Les plans en forêt, les deux circuits autour de la maison lorsqu’on découvre ce décor (avec ce passage d’angle de mur, coupé avec maestria la première fois et contredit complètement la fois suivante à la faveur d’un plan séquence et donc  d’une absence de coupe, le petit gourmand !), et plein d’autres choses riches et variées (variées mais avec toujours les mêmes outils en quelque sorte) font de ce film un régal, et même bien plus, car la mise en scène nous parle aussi, autant que l’action, autant que la voix, et qu’elle nous plonge dans un tourbillon de sensations et de pensées où s’affrontent celles du tueur et les nôtres. Curieusement, devant cette bête humaine de psychopathe, un étrange sentiment d’empathie s’empare de nous. Merdre, on est là dedans, on est dans ce truc qui sert de corps, on en fait quoi maintenant ? Mais là, je m’égare…

[NB : Un des outils magnifiques du film, ce sont ces plans rapprochés de la mort-qui-tue, en courte focale, et par conséquent avec beaucoup de champ autour du personnage et énormément de profondeur itou, et où, en plus, la caméra est fixée sur l’acteur. Un effet toujours payant (l’acteur semble fixe et c’est le décor qui se déplace autour de lui). Le procédé est beau certes, mais donne la clé du film, et aussi sa folie triste et déchirante. On comprend grâce à ce plan très souvent utilisé que, ce que cherche à faire Kargl, c’est un film au plus près du mouvement, et c’est le mouvement le sujet du film. Certes. Mais, il veut aussi créer une sorte de caméra subjective perverse. Ici, et voilà qui fait que ce personnage est inadapté pour quoi que ce soir, à la Société, au Spectacle, ici, dis-je, la caméra subjective est complètement pervertie en effet. Elle est, elle aussi, déficiente et inadaptée. Car dans ces plans où la caméra est attachée à l’acteur, on comprend que c’est une caméra subjective, mais redoutablement perverse (encore!!!!) car le sujet se regarde en quelque sorte ! Une horreur sémantique et cinématographique qui glace le sang, et qui nous trouble aussi. Si l’œil du tueur se regarde de l’extérieur, on est qui, nous, spectateurs, on a quel statut ? Et va-t-on sortir de là, de cette tête, de ce regard ?)]

(NB2 : Toujours à propos de la caméra attachée à l’acteur. C’est déjà beau sauf que… Il y a ce plan terrifiant (à l’origine de ma tirade précédente sur la caméra subjective perverse et absurde) où le tueur commence à marcher dans la maison, la caméra attachée sur lui, et où, PAAAAF, BOOOOOMMM, déflagration nucléaire, la caméra se met à pivoter autour de l’acteur (elle est attachée ou non ? Sortez moi d’ici, je ne veux pas mourir là !) contredisant la sensation d’attachement pour renverser l’axe. Les deux axes se valent, ce sont les mêmes ; Blanc égale Noir. Champ égale Contrechamp. Vrai égale Faux. C’est sublime et d’une extravagance visuelle totale. Et ça pose, et ce n’est pas le seul plan pour lequel c’est le cas, la question suivante : il fait ça comment ????)

Alors, vous vous dites, c’est de la maestria hardcoresque, ça fait son Argento autrichien avec tous ces mouvements, bref c’est du gâteau à la crème chantilly pendant tout le repas. Euh … Non. Pas vraiment, car le film est très âpre aussi.

Car, la première partie, dont on pensait qu’elle durerait largement le temps du métrage, et même si elle occupe un bonne moitié du temps du film, finit par s’achever (joli !) et laisse la place peut-être au morceau le plus rude du film, "l’après" en quelque sorte. Les sensations provoquées par le film ont alors tendance à se déplacer. Ce qu’on voit à l’écran semble être alors la pesanteur, l’attraction terrestre d’un corps, celui du tueur, sans cesse en mouvement, dans une agitation extatique mais triste. Le film montre alors une forme de travail, long, pénible, impossible à faire d’une manière neutre, où il faut se déplacer vite, soulever des charges lourdes, où l’organisation implique des mouvements imprescriptibles, où la logique demande des déplacements incessants et des kilomètres parcourus dans une aire pourtant restreinte. Cette suite de mouvements, c’est le corps au travail. De la même manière que le champ et le contrechamp sont la même entité, ici ce travail de levage, de traînage et d’organisation concrète est confondu avec l’existence même du tueur. Et là, bien sûr, on (soit nous, le spectateur) a le temps de comprendre ce qui se joue : on le sent d’abord, on le formule ensuite, et on en mesure finalement l’horreur. Ce qui se passe ici, c’est : le Présent ! Tout bête, mais redoutable et effrayant. Fini le storytelling. [Dieu merci, la qualité fantastique de la mise en scène évite que le film ne sombre dans l’aspect documentaire. Notamment grâce à la photographie, toujours belle et assez subtile, et aussi grâce à un travail de maquillage complètement exceptionnel.]. Je disais donc, voilà le Présent. Ce type vit un Présent, et rien d’autre. C’est l’horreur absolue. Une fois la chose comprise, pour la première fois peut-être nous nous éloignons un peu du personnage, on fait juste un petit pas de côté, on se dissocie et observe. La conclusion, la boucle, le discours réducteur de la réalité juridique, tous les éléments de la fin ne nous surprennent pas vraiment. On avait déjà compris par le Présent. C’est dans cette dernière ligne droite que jaillit alors l’absolue solitude, l’absolue tristesse d’un personnage hors-norme, inadapté. Dans le processus du film, c’est autre chose qui se jouait : la réalité n’existait pas. Sans lien avec l’extérieur, les autres et le temps, on sait alors qu’on a vécu l’autisme fondamental (imprescriptible) de notre être propre, de notre propre existence. Entre lui et le monde, il y a une galaxie. Et entre nous et le Monde, sans doute un gouffre également. Le film nous laisse alors sans solution, avec l’impossibilité même de mesurer ou d’estimer ce gouffre. Entre deux, on a été, puis on a approché un autre homme. Pendant une heure et vingt minutes. Sur toute une existence. Tristesse.

La question est : comment est-il possible que je n’aie jamais, mais alors jamais entendu parler de ce film ? Et accessoirement, par quelle malédiction Kargl n’a fait qu’un seul film ?

Dr Devo.







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Bonjour les Focaliens,

On continue de se balader dans les six ou sept dividis achetés la semaine dernière, et pour une fois, la galette est plutôt récente, approchons-nous…

Oh dis donc, une adaptation de Stephen King. Je discutais hier avec mon ami le Colonel Moutarde, et nous nous disions qu’il y avait peu d’adaptations réussies de Stephen King, tels deux supporters commentant la dernière journée de championnat. Cinq minutes plus tard, nous étions d’accord pour dire, au contraire, qu’il commençait à en avoir un paquet, de bonnes adaptations ! Pour finir, je me couchais en me disant qu’il y a beaucoup d’adaptations réussies, même parmi les petites productions (THE MANGLER ou NIGHTFLYERS, par exemple), pour la simple et bonne raison qu’on adapte le King à la pelle depuis trente ans ! Rires ! Encore une anecdote désopilante du Docteur Devo !

Thomas Jane a peut-être un nom ridicule et un faux air de Christophe Lambert, il n’empêche qu’il a une grosse maison à Castle Rock dans le Maine, et qu’il gagne plus que tous les abonnés à Matière Focale réunis, car il bosse pour Hollywood pour laquelle il conçoit des affiches de films. Ce soir-là, le petit Juju est couché, Madame lit le Figaro Madame dans son lit quand Thomas décide d’aller se coucher. Dehors, la tempête grogne.

Le lendemain matin, c’est la panique ! Les arbres du parc se sont effondrés, le studio de travail de Thomas est kaput, l’abri à bateaux n’est que débris ! Toute la région découvre les dégâts de cette nuit de tempête. Bien qu’il soit en mauvais terme avec son voisin, un gars pas sympathique du tout (un grand black, magistrat), Thomas accepte d’emmener celui-ci en ville, histoire d’aller faire quelques courses dans la grosse supérette du coin. Il emmène également son jeune fils, le petit Juju.

Evidemment, toute la petite ville de Castle Rock a eu la même idée, c'est-à-dire de faire des provisions, et la supérette est bondée. A peine dix minutes plus tard, un épais brouillard s’abat sur la ville. Voilà qui est bien étrange, d’autant plus que, durant toute la matinée, on n’a pas arrêter de voir de camions de la base militaire voisine faire des allers et venues ! Ca fout un peu les chocottes, mais bon.

Et puis, tout à coup, voilà que ce bon vieux Earl, un retraité, arrive ensanglanté dans le magasin et demande à ce qu’on ferme les portes au plus vite. Ce qui est fait. Et Earl raconte une histoire hallucinante : son pote Jimmy a été emporté par un "truc" ! Voilà qui nous fait une belle jambe. Il n’empêche, quand un jeune employé de la supérette s’avance dans le brouillard pour réparer un machin sur le toit, il se fait atrocement mutiler par des tentacules géantes ! Employés et clients du supermarché sont obligés de se barricader dans l’établissement. Et d'attendre. Mais attendre quoi ? Et surtout, c’est quoi ce truc dehors… Les manifestations étranges vont se multiplier mais bien plus, l’ambiance dans le supermarché va vite devenir insoutenable. Il y a des trucs monstrueux dehors, certes, mais qu’y a-t-il dedans ?

Alors, voilà un film dont je ne savais rien, même pas les grandes lignes du sujet, si ce n’est que je me souvenais de l’accueil qu’il reçut, il y a un an et demi, lors de sa sortie en salle. Gros four aux statesses, réputation épouvantable partout dans le monde. Amis mécontents, critiques déplorables, gens en colère, cinéphiles qui brûlent les vitrines des magasins. J’ai entendu des commentaires souvent assez violents, et surtout contradictoires parfois ! En tout cas, une chose était sûr : le film foutait les gens en rogne. Je me souviens, cette semaine-là, être allé à la radio pour discuter de cinéma à l’antenne, et je fus surpris à l’époque de voir comment le film pouvait déchaîner une telle énergie négative. Même raté, s’énerver à ce point… Je reviendrai plus tard sur ces événements !

La polémique est passée. Le dividi est sorti. Et maintenant, on le trouve à sept euros dans les trocantes.

Ca commence tranquilou, la chose, mais plutôt bien. Un parti-pris rigolo en forme de clin d’œil (les affiches de cinéma dans le studio de Thomas Jane, citent THE THING plutôt que FOG…), un joli décor, bien éclairé, et un chouette effet. Il sait soigner, Pépère. On se dit qu’on verra ça en France dans vingt ans.

Une fois cette introduction courte et soignée passée, on est dans le récit kinguien traditionnel. Présentation des personnages très simple, gentiment marqués, et une ambiance très terre-à-terre. Il n’empêche, on ne perd pas de temps, c’est relativement nerveux, il se passe quelques trucs intéressants (le voisin), et le plus dur sera de passer sur l’abominable jeu du petit Juju dans la première scène. [Le gamin n’est, certes, pas une flèche, mais il est quand même moins mauvais après, même si ce n’est pas un très bon acteur, ce qui n'a pas d’importance d’ailleurs, et voilà, c'est malin, ma parenthèse est plus longue que ma phrase). En trois coups de cuillère à pot, une sacrée tripotée de personnages importants sont présentés, lors d’un assez jolie scène d’ailleurs, très banale : les gens font la queue à la caisse, se disent bonjour, se regardent de loin, et en même temps scrutent attentivement les militaires qui vont et viennent de tous côtés. On est méfiant, mais c’est rigolo. [Deux actions en une : ce sera aussi le modus opérandaille de la scène centrale, celle de l’attaque à l’intérieur du supermarché, le chaos en plus !]. Premier beau moment, il suffit de rien, mais alors rien du tout pour que la pression monte : un soldat de la police militaire qui dit trois phrases toutes bêtes. La balance bouge de manière infinitésimale, et hop, elle bascule d’un demi-gramme vers le dangereux plutôt que la chronique de voisinage à Ploucville. Ca, les amis, c’est dû à deux choses : les axes sont corrects, ça joue à la fois sur le dialogue et sur l’image, et ça monte plutôt consciencieusement. 

Une scène plus tard, et c’est le chaos. Si la première apparition monstrueuse (la tentacule) se base sur des enjeux très marqués (qui seront ceux du film, mais qui seront affinés au fur et à mesure) et sur une scénarisation classique de film d’horreur, c’est après que les choses démarrent. Et ça va assez vite. Les enjeux de la  scène de la tentacule vont se déplacer, grandir et se complexifier. Les personnages sont très très marqués. Mais tous les développements sont pertinents. Les enjeux sur la crédulité notamment, permettent d'affiner les sentiments, de tracer des lignes mouvantes dans les intéractions. La vieille mamie, la mère célibataire, la petite jeunette mignonne comme un cœur, le vieux redneck, le contremaître avec la tête sur les épaules, le gros black, et surtout Marcia Gay Harden, la croyante fondamentaliste, fan de Dieu... Comme vous le voyez, c’est marqué. Ca ressemblerait à un panel IFOP mais…
Dès la discussion avec le voisin black, Darabont donne le signal : un thème, c’est bien, le développer c’est cool, mais le faire muer… ça, c’est beaucoup mieux. Et on se dit que le coco, il est en train de faire quelque chose de plus complexe qu'il n'y paraît : il ballade ses quelques thématiques sur différents personnages, les teste dans des situations hétérogènes, les confronte à des enjeux différents, et très vite, ce mélange nous donne une solution assez subtile qui permet de faire du précis et du pas con avec des personnages très marqués au départ. Vous l’avez compris, les ambiguïtés vont affleurer rapidement. De ce point de vue, Darabont a bien compris avec quoi jouait Stephen King. Tout cela se passe très bien. Marcia Gay Harden a de l’avance sur les autres personnages et ça fait bizarre, mais au fur et à mesure qu’elle gagnera de l’importance, son jeu va s’affiner, son propos va devenir de moins en moins intéressant (paradoxe), mais son corps va drôlement parler pour elle. Voilà un bel exemple d’affinage par le jeu corporel (et le montage), et dont les conséquences seront impressionnantes.

Il est dur de vous parler de ce film sans rien vous dévoiler du tout. Néanmoins…

On comprend très vite que l’enjeu de THE MIST est de développer deux sources. La première consiste à tracer des variations sur les thèmes qu’on retrouve dans un film de zombies, tout bêtement : des personnages ploucs comme nous, une situation relativement réaliste une fois le postulat de départ accepté, des enjeux humains universels tournant autour de la Morale et de la Politique du Groupe, et bien sûr la thématique qui tue, à savoir : Société Vs Individu. Yummmy ! On va se régaler, me dis-je.

Ha oui… Ma première pensée consciente a été de me dire qu’on voit ça avec intérêt, mais curieusement avec un œil froid. Il a de jolis spécimens de gens bien cons, trèèèèèès cons même, dans ce supermarché, mais on regarde un peu ça de biais, et tant mieux : ça fait moins de pathos et de discours moralistes. Par contre, paradoooooooxe, nous voilààààààà, comme on disait en 1940, le film va au fur et à mesure devenir très impliquant. Et drôlement plus que prévu. Mais par sur le sentiment convenu de la révolte.

Et là, les amis, je ne m’attendais à tout sauf à ça ! THE MIST est une grosse claque ! Au fur et à mesure de son avancée, le désespoir va monter en flèche comme rarement. On pourra dire tout ce qu’on veut sur Darabont, en tout cas, ce n’est pas un idiot. Et il tente un pari très osé. Le film est long (120 minutes). On ne traîne pas dans la première bobine, et on est assez vite dans le vif du sujet. Voilà qui est déjà satisfaisant. Ce qui est renversant, c’est non seulement l’écriture du film, très maligne, mais encore plus ce sentiment, et je pèse mes mots, complètement atroce que la situation est toujours paroxystique, avant qu’on ne découvre la suivante qui est bien pire. Le premier tour de force de THE MIST, c’est la construction rythmique, pas linéaire pourtant (il y a  notamment quelques scènes de dialogues intermédiaires plus maladroites mais toujours très très courtes, et d’ailleurs la dernière avec le petit Juju passe curieusement bien, malgré son thème, "la promesse") puisqu’il propose des cadences assez différentes dont des scènes d’action classiquement placées mais qui interrompent bien le tempo, globalement lent, de l’ensemble. [Beaucoup de ces passages ont des résultats désespérants d’ailleurs ; comme si les personnages essayaient des solutions diverses mais aboutissaient à différentes variations des mêmes résultats, comme s'ils se cognaient la tête contre le mur.] On a donc un sentiment sensuel et psychologique de gradation qui mène vers une logique toujours pire. Plus le film avance, plus on étouffe. Plus les personnages se mangent le mur, plus la situation humaine se dégrade de palier atroce en palier atroce. THE MIST, c’est ça : une heure et demie (j’enlève le premier et le dernier quart d’heure) de déconvenues et de lente descente vers l’ignoble. Tenir deux heures sur ce motif, je trouve cela complètement bluffant.

Côté mise en scène, Darabont est discret mais assez efficace. Les effets spéciaux sont relativement malins, mélangeant les effets de maquillage ou d’animation en direct avec la synthèse plus en vogue, ce qui devient de plus en plus rare, notons-le au passage. La lumière est souvent jolie, le cadre pas mal, et les axes sont chouettes. Le montage est très bon, et quelquefois joue très bien avec le cadre, justement. Une des plus belles idées du film est la gestion des figurants, dont on a l’impression qu’ils changent tout le temps (on ne les reconnaît jamais) et que Darabont semble arbitrairement mettre ou pas dans le champs, à la manière d'une "caméra subjective", réduisant la foule souvent à des silhouettes emblématiques, mais mutantes. On les voit, ils sont là, et en même temps, ils sont flous, mouvants. Les scènes d’action ne sont pas hystériques du tout, ce qui est très rare pour un film grand public, avec des plans quelquefois longs et un montage qui sait prendre son temps. Les bêbêtes ne me passionnent pas en général, mais ici sont très bien amenées, quoique classiques, avec une gradation très lovecraftienne. Si Darabont joue souvent sur la suggestion (hors-champs nombreux, par exemple, ou encore un seul monstre volant pendant la grande attaque du supermarché, et non pas trois cents !), il arrive à donner de l’énergie dans les moments où il lâche les chiens. Bon, c’est dû aussi à la belle écriture, au rythme global, aux déplacements de thématiques qui mutent selon le personnage sur lequel elles se placent, bien sûr, mais il n’empêche. Je note que la dernière apparition monstrueuse est très très belle, et que globalement, l’horreur des personnages se déplace au fur et à mesure vers quelque chose de plus viscéralement indicible, ce qui me fait dire que l’aspect lovecraftien du film n’est pas usurpé.

On se dit qu’on le voit venir avec son petit gamin, avec la blonde et avec la folle de Dieu en mode hystérique. Il n’empêche, l’implication progressive et rythmique marche du tonnerre, aussi grâce à un joli son, et une musique très marquée (Lisa Gérard quand même !) mais plutôt discrète, et des passages entiers, très longs, où elle n’apparaît pas du tout. Les bonnes idées s’enchaînent (le personnage qui décide de revenir au supermarché, la mort sans aucun pathos de certains personnages importants, quelquefois même hors-champ !). C’est très soigné !

Et puis, il faut quand même dire que Darabont sait mettre en scène ses morceaux de bravoure. Et je vous jure que les cinquante dernières minutes sont absolument éprouvantes, et même épouvantables. C’est vraiment finement joué de la part de Darabont. L’idée de la longue séquence finale (précédée de la très belle scène du parking), c’est la cerise atomique sur le gâteau de cyanure, c’est le comble de l’horreur. Après un chapelet de scènes très fortes qui nous a déjà miné, Darabont fait un truc très gonflé (dans la voiture). Chacun est renvoyé à son désespoir, et à sa solitude. C’est ignoble… D’une noirceur terrifiante. [Là encore, quel tact ! Très beau jeu d’axes et de hors-cadres, bon rythme de montage, très bonne intervention du monstre. On est loin du pathos hollywoodien.]

Et puis, il y a les toutes dernières minutes qui, je pense, sont le cœur du mécontentement de beaucoup de personnes, voire de la violence faite au film. On me dit dans l’oreillette que le premier montage de Darabont fut violement rejeté par la production, et qu’on lui a donné un cahier des charges strict. Possible, et même probable. [Pendant les quarante dernières minutes du film, j’imaginais la colère du cinéphile lambda, en salle, devant un film aussi noir !] En tout cas, même si on ne doit pas mélanger la valeur d’un auteur avec son œuvre, je dois dire que j’ai immédiatement pensé que ce Darabont devait être un mec assez remarquable. La conclusion du film est, en effet, d’une intelligence sublime, et d’une générosité totale. En réalisant ce que le studio lui a sûrement demandé, il a fait preuve d’un tact et d’un courage immense. Oui, oui, oui, c'est un paradoxe ! Car il a exaucé complètement les vœux du gros studio. Ils l’ont, leur happy-end ! Mais en même temps, dans le même mouvement, il a non seulement vidé ce happy-end de toute substance, il l’a miné si vous voulez, mais il l’a aussi complètement retourné au profit de son histoire, et en hommage à ses personnages. Car, quoiqu’il arrive, le mal est fait ! Les personnages ont reçu  violemment toute la souffrance humainement possible, ils ont enduré l’innommable, ils ont été détruits, et encore mieux, au cœur du génocide le plus abject, ils ont entériné leur statut d’homme, et même d’homme libre. Ca, déjà, c’est magnifique. Quand Mary Poppins débarque, ça, c’est déjà fait. La messe est déjà dite. Le dernier geste du personnage, à genoux (vite écarté par le montage qui préfère l’anti-pathos et l’innommable lovecraftien, ici appliqué à l’Humain et non pas aux monstres) est absolument bouleversant. Peu importe les éléments du dernier plan, peu importe Mary Poppins. Et même au contraire, ce dernier plan, très artificiel, même s’il n’est pas illogique, rend complètement service aux thèmes du film. Ces dernières minutes font de THE MIST non seulement un film pertinent, mais aussi une œuvre d’un humanisme absolu, pour une fois (contrairement à un film à l’eau de rose art et essai sur la guerre au Liban ou d'ailleurs ! Hihi !). Dans le dernier mètre, THE MIST confirme sa thématique, la pousse le plus loin possible, et en plus, prend le spectateur pour le type le plus intelligent de la Terre. Au lieu de lui mettre à la figure une fin artificielle, il fait, au contraire, le pari de son absolu pertinence. Et c’est sur ce point que la troisième lame du rasoir agit : dans ce geste Darabont fait preuve d’un courage absolu, encore plus qu’un geste stratégique à la Midas (ce qu’il est !), car il sait qu’en restant fidèle à son film, à ses personnages, à son art, et à l’intelligence des spectateurs, il va se couper d’une majorité d’entre eux. Il sait que ce geste va être inacceptable pour la plupart, mais c’est le geste juste. Et n’allez pas croire que ces derniers plans sont une espèce de commentaire sur le film, comme la réflexion en voix off du réalisateur, hors du temps du film. C’est au contraire l’intégration même du film, sa validité. C’est du concret qui se passe dans la mise en scène, pas dans le second degré ou l’extradiégèse.  On en serait presque à dire que la pression des producteurs, pour une fois, a profité au film ! Quoiqu’il en soit, dans l’univers sclérosé des productions grand public et/ou à gros budget, j’ai rarement vu un tel courage, une telle droiture.

Et une telle noirceur ! THE MIST, film soigné, bien mis en scène, et superbement écrit et rythmé, s’inscrit comme un des  rares blockbusters à avoir pris le risque de faire un film totalement intègre, personnel et adulte. Si des charges sombres comme celle-ci arrivent de temps en temps dans le cinéma de la marge et de genre, on est abasourdi de trouver ici, dans le contexte d'une production riche, cette même puissance. Car THE MIST est un morceau dur à avaler, un film dur, un film adulte. C’est un des rares exemples récents de film complètement libre, iconoclaste et violent dans le monde des productions grand public. Je suis absolument retourné ! Le temps va rattraper l’injustice critique et spectatoriale (si je veux !) faite à ce film. Sur le coup, les deux camps s’empressent d’aller voir et de commenter avec le même empressement les SPIDERMAN et consorts, et de les hisser au rang d’œuvres. Cela aussi, ça passera. En tout cas, sans dire que Darabont est le nouveau Carpenter ou le nouveau Romero, le fait qu’il ait réussi à mener à son terme ce film, à le faire aboutir en l’état, est un geste hallucinant. Darabont est là un artiste sans compromis, ce qui est plus que rare. Et THE MIST, pour le coup, et même si on peut légitimement le trouver mois bon que les exemples cités, n’a pas à rougir de sa parenté avec des THE THING ou LE JOUR DES MORTS-VIVANTS.


Dr Devo.

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