Japon, fin du dix-neuvième siècle. Ginko est un grand échalas borgne aux cheveux cendrés, et son métier est "mushishi" (ou "bugmaster" dans la langue de Shakespeare et d'Elton John), c'est-à-dire qu'il étudie les mushi. Mais qu'est-ce qu'un mushi me demanderez-vous, et vous aurez raison. Un mushi est une forme de vie primitive, qui ressemble à un parasite, mais dont l'existence est indispensable à l'équilibre de la nature et dont certaines espèces peuvent être néfastes à l'homme. Ils sont partout, flottent dans chaque recoin du monde, mais seuls de rares personnes peuvent les distinguer à l'oeil nu, et ce son les mushishi. Seul problème, les mushishi attirent les mushi, donc ils doivent toujours être sur la route, toujours être en mouvement, et ne peuvent pas rester trop longtemps au même endroit. Ginko marche donc, ses bagages dans le dos, au travers des montagnes japonaises, et croise sur son chemin des gens mystérieusement malades, probablement victimes de mushi dangereux.

Tiré d'un manga et d'une série animée, tous deux sublimes, au succès critique plus que public, Katsuhiro Otomo, le réalisateur du fantastique AKIRA, s'approprie un univers très particulier, très codé, pour en faire un vrai objet de cinéma. Finie la grandiloquence grotesque et l'accumulation d'informations de son grand-oeuvre, ici Otomo fait dans le minimalisme scénaristique, avec une structure très classique d'évolution psychologique du personnage, tout en insérant quelques flashbacks de-ci de-là, plutôt bienvenus cela dit, qui permettent de casser un peu le rythme langoureux et contemplatif de la progression de Ginko, et de retirer un peu du côté rébarbatif du mec qui marche pendant deux heures. Mais point de véritables saillies, plutôt des bifurcations, calmes, tranquilles, vaporeuses qui, sans endormir, plongent dans un état un peu second. L'ambiance générale est donc très efficace, et nous enveloppe comme si nous étions nous-mêmes dans ces forêts brumeuses. Mais ce n'est pas tout, et Otomo fait tout autre chose, de bien plus intéressant. Nous sommes dans de grands espaces verdoyants, des montagnes, des vallées, des petits chemins escarpés, bref, pendant tout le film nous sommes au fin fond de la nature, dans un environnement à la fois complètement terrestre et en même temps magique, mystérieux, car derrière chaque pierre peut se cacher un danger potentiel. Dans cet environnement particulier, il y a les mushis, parasites informes et translucides, créés en numérique. La beauté de la chose, c'est que Otomo n'abuse pas de ce procédé, et dévoile ses créatures de manière tout à fait subtile et anti-spectaculaire si vous voulez (sauf à deux endroits, très bien gérés). Ces parasites ne parasitent pas la mise en scène, ils vivent pour elle, ils se plient à sa volonté. Ils agissent à la fois comme un yin et un yang, entre un danger et une bénédiction, et à la fois comme une sorte de symbole de mal-être psychologique (la petite fille aux cornes, notamment). Leur existence permet d'évoquer des sentiments profonds et enfouis. Mais quand je dis leur existence, il faudrait que je parle d'incarnation, parce qu'on les voit très peu, et le fait qu'ils apparaissent de manière visuelle n'a finalement pas grande importance. C'est la foi qui importe, c'est le désir de voir des émotions prendre corps physiquement, pour être chassées par de la magie. Cet enchevêtrement de petites idées est très beau, et donne au film une densité assez inattendue.

S'il peut faire penser, à de nombreuses reprises, à THE FALL, MUSHISHI est quant à lui un véritable drame, pas du tout enfantin, c'est un film très violent mais paradoxalement doux, caressant. Les cadres sont bien souvent très beaux, et la composition des plans est bien aidée par les repérages, magnifiques. Otomo joue souvent avec l'échelle de plans, et elle est source de pas mal de petites émotions. Le montage me semble en revanche plus lâche, moins maîtrisé bizarrement, même si le voyage se fait sans encombre, il manque peut-être un peu de gourmandise. Le film est assez balisé dans sa structure, comme je le disais, et Otomo ne s'écarte pas tellement de cette ligne de conduite. La lumière est très belle, on n'est quasiment qu'en extérieur mais c'est léché et luxueux, et très bien aidé par un merveilleux grain qui donne une belle sensualité à l'ensemble.

Vous ne verrez probablement jamais ce film. Sorti en catimini en DVD de l'autre côté de la Manche, il n'a pratiquement aucune chance de finir un jour sur nos contrées, malgré le nom de son réalisateur, et je crois que l'on peut décemment oublier une sortie en salles. Il n'empêche que c'est un film très réussi, alors n'hésitez pas.

LJ Ghost.







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Chers Focaliens,

La vie est très étrange, et elle est comme un frigo rempli de paradoxes. Aux périodes d'exaltation prolongée et miraculeuse, succèdent des moments plus difficiles où on s'englue. Prenez l'année cinéma 2009 ! Vous m'avez entendu me plaindre bien des fois, ces derniers mois. Bah, que voulez-vous, voir quinze films d'affilée en salle, tous genres confondus, et n'en trouver au final qu'un seul de divertissant, c'est épuisant. Mais, c'est le jeu. Et c'est là que vous allez trouver un beau paradoxe, bien au frais, dans le bac à légumes. De telles périodes de disette artistique, sont aussi, souvent, celles qui donnent l'occasion de belles explorations. Dans les sous-bois, ou encore mieux pour ceux qui aiment le trek et le hors-piste, dans la nature la plus sauvage, nous sommes des explorateurs, appareils photo à la main pour immortaliser la bête sauvage, mâchette dans l'autre pour se défendre contre la population autochtone, et une Winchester si les Indiens débarquent. Depuis une quinzaine de jours, vous l'aurez remarqué, c'est un vent westernien qui souffle sur ce site. On revoit du Medem, cinéma préservé sauvage et non bétonné, on se perd dans le bush de NEXT OF KIN. Je sais que c'est toujours un peu bizarre de lire de longues critiques sur des films qu'on n'a pas eu l'occasion de voir, mais j'espère également qu'il y a là un Appel du Sauvage, comme disait le poète, qui vous fait frissonner de temps en temps...

En tout cas, en backstage, dans l'immeuble qui sert de rédaction à Matière Focale, un vent de passion souffle. Dans nos tee-shirts trempés par la chaleur moite d'un été corsé, entre deux allers-retours  vers le frigo pour attraper un Coca Zéro, c'est le sentiment d'excitation qui prédomine. Les galettes s'enchaînent dans les mange-dividis, des sons beaux et étranges s'échappent des pièces de visionnage, et il n'est pas rare de voir dans la salle de rédaction un collègue tapant fiévreusement un futur article. Que c'est exaltant !

Et puis, il y a une semaine, Norman Bates sort d'une salle de visionnage, s'assoit lourdement dans un des fauteuils du coin détente (celui situé dans la partie la plus fraîche du loft), et reste là quelques minutes béatement, à fumer une cigarette dont je devine immédiatement qu'elle a le goût de la perfection. Il se releve, s'approche de l'open-space, où nous sommes déjà deux en train de travailler, et il dit : "Les gars, il faut que vous voyiez THE ROOM de Tommy Wiseau, c'est hallucinant !". Ce que je fis, il y a quelques heures...

A l'évocation de Tommy Wiseau, je pense que certains ont déjà levé un sourcil fébrile, et oui, et se disent : "Tiens, il parle de ça, lui !". Pour les 98,56% restants, vous êtes dans la même position que moi lorsque que je commençais à regarder le film : vous n'aviez jamais entendu parler de ce mec, ni de ce film. Alors voilà, je vais vous parler de THE ROOM, ce qui est déjà difficile, mais plus encore, je vais essayer de vous expliquer comme j'ai perçu le film ne sachant rien de celui-ci, ni de son auteur. Et après, s'il reste du papier dans les rotatives, on parlera un peu social....

San francisco. De nos jours. Tommy Wiseau (ici producteur, scénariste, réalisateur et comédien principal) est Johnny, un homme dans la petite quarantaine pour qui tout va bien. Il vit avec Lisa (Juliette Danielle), femme plus jeune que lui. Si elle ne travaille pas, Johnny, lui, a un bon poste (dans une banque semble-t-il). Il attend une promotion, et plus important encore, le couple, passionné, va se marier dans un mois... La vie s'écoule donc tranquille, entre les visites fréquentes de Mark (Greg Sestero qui vient  de faire un David DeCoteau apparemment !), meilleur ami de Johnny, et celles de Denny (Philip Haldiman), un jeune homme gentil mais un peu envahissant, à peine entré dans la vingtaine et dont Johnny s'occupe comme d'un fils. Et puis, il y a aussi Claudette (Carolyn Minott), la maman de Lisa. C'est au cours d'une conversation avec sa fille que Claudette va apprendre que les choses ne sont pas ce qu'elles paraissent être, mais alors pas du tout. Elle découvre, en effet, le terrible secret de Lisa, qui la plongera, elle, Johnny, les amis du couple, et nous, spectateurs, dans le désarroi le plus complet. Un long voyage dans le mensonge, la duperie et les sentiments les plus tourmentés va commencer. Et croyez-moi, le "tourbillon de la vie" n'est pas un long fleuve tranquille...

THE ROOM commence assez timidement et de manière tout à fait classique même. Un long générique déroule des images de San Francisco, dans un simple effet de contextualisation. La musique nous donne une première piste, ainsi que les premières séquences. Le film de Tommy Wiseau dispose d'un budget sans doute modeste, et il est quasiment autoproduit. Les acteurs, Wiseau mis à part et j'y reviendrai, sont gentiment bruts de décoffrage et jouent en appuyant. Pour vous donner une idée, il y a là un petit parfum de fantastique fauché, ce que le film n'est pas du tout, ou un peu de la franchise d'un certain cinéma de genre des années 80, disons. Les deux premières séquences sont très étranges. Il s'agit de la présentation du couple Johnny/Lisa. Johnny rentre avec des roses rouges à la maison, et offre une robe superbe et sexy à Lisa. Le couple est vite interrompu par l'arrivée de Denny, le jeune protégé. Le couple monte à l'étage pour "essayer la nouvelle robe". Ils se jettent avec tendresse sur le lit, et commencent une bataille de polochons bon enfant. Denny débarque dans le lit, ils lui font des chatouilles ! Rires. Denny est prié de quitter les lieux (il voulait regarder!). Johnny et Lisa commence à faire l'amour. On sent tout de suite le décalage. L'arrivée de Denny, la bataille de polochons, tout ça démarre de manière bien trop étrange. La scène d'amour suivante enfonce le clou, puisqu'elle est tournée dans le pure style Hollywood Night, dans un mouvement érotique très chaste et complètement suranné, fait de draps blancs, de pétales de roses virevoltants, de baldaquins, de soupirs, de sourires, de seins pudiquement dévoilés, de fesses masculines pudiquement cachées, et un peu de R'n'B pour saupoudrer le tout. Bien sûr, les blancs scintillent de mille feux, et il y a  des chandelles partout.

Scène suivante, Johnny se réveille et part au boulot. Scène suivante, il revient du boulot, et là rebelotte, trois minutes après la première, re-scène de sexe toujours aussi kitschouille. Bon, tout cela est bizarre. Bah, après tout, on en a vu d'autres. Là où les choses se gâtent, c'est lorsque la troisième séquence s'enclenche. C'est sans doute,premier point, à cause de Carolyn Minott (qui joue la maman) au jeu ultra-marqué, presque de façon pointilliste (et qui articule avec méthode, ce qui est délicieux), mais aussi à cause de l'incroyable vérité : Lisa trouve Johnny chiant, et elle ne veut plus de lui ! Dit comme ça, ça n'a l'air de rien. Mais si vous repensez à ce que je vous ai dit, c'est vraiment étonnant. Wiseau nous bassine avec huit minutes de scènes érotiques passionnées, et puis la seconde d'après, c'est le contraire qui se dévoile.

Le départ de la course est donné. A partir de ce moment, le film va lentement mais très certainement dériver vers quelque chose de très hautement improbable. Beaucoup de scènes se répètent (notamment les visites de la mère, yummy yummy !) et en général, les informations apportées par le dialogue sont plus qu'insistantes puisqu'elles tournent autour d'une douzaine de faits martelées sans cesse. Premier point notable, l'écriture de ces dialogues est très simple, presque dépouillée, comme par un étranger à la langue anglaise, ou plutôt par quelqu'un dont ce n'est pas la langue maternelle. Ce dernier point, en plus de la répétition incessante des mêmes éléments, est déjà un facteur certain d'étrangeté. Le jeu des acteurs fait souvent le reste. Ca patate énormément, ou plutôt non. Certains patatent et pédalent dans les descentes. Pour d'autres, on sent la volonté de jouer à l'américaine, très décontracté, très appuyé sur ses bases, en même temps qu'une bonne louchée d'effets plus ostentaroires ! Là aussi, le mélange improbable marche à pleins tubes !

Le film dispose de peu de décors et il faut un bon moment pour sortir de l'appartement. Ca aussi, ce sentiment de claustrophobie, joue dans l'étrange étrangeté du film. Quand on en sort enfin, on se retrouve alors souvent sur les toits de l'immeuble, et là c'est merveilleux, puisqu'il s'agit d'un décor sur fond bleu, ni tout à fait naturel, ni totalement artificiel ! Au bout de trente minutes de ce régime inattendu, on est tout à fait à Zarbiland ! Les situations les plus grotesques s'enchaînent ! [Comme par exemple, lors d'une des incessantes visites de la mère. Celle-ci annonce à sa fille qu'elle est probablement malade. Ha bon, qu'est que tu as ? Baaaah, un cancer du sein. Ne t'en fais pas, ça va bien se passer, mais là je vais te demander me laisser seule, car j'ai encore énormément de choses à faire, bisous maman ! Le tout dit sur le ton de la plus grande décontraction.]

Nous voilà donc chez les foufous, on se pince tous les cinq minutes pour s'assurer qu'on voit bien ce qu'on voit et qu'on entend bien ce qu'on entend. A mi-film, il faut se rendre à l'évidence : THE ROOM ne ressemble à absolument rien de connu sur cette terre !

Mon sentiment était le suivant, et s'est confirmé à mesure de l'avancée du film. Il y a un mouvement - sans doute involontaire - de dépouillement, toujours lié à une espèce de surenchère du dispositif, des acteurs et des situations très improbables. C'est totalement contradictoire, mais ce sont les faits. Cette histoire de triangle amoureux est kitsch, improbable, et fait nettement pencher le métrage dans la catégorie des séries Z, sans nul doute. Dans le même mouvement, et dans l'inconscience, très certainement, des participants, tout le modousse opérandaille du film finit par "épurer" de manière "idiote" (au sens dostoïveskien du terme) le scénario pour n'en garder que la moelle épinière. Je me suis mis à penser à deux choses pendant le film. Primo, les thèmes et les développements, enrichis, trop gras, trop kitsch, trop bizarrement agencés avec toute la maladresse que cela implique, une fois "lightisés" (si j'ose) par la structure globale du film, font penser à une sorte de mélange sous acide et inconscient des thématiques shakespariennes : trahisons, mensonges multiples et variables (dont beaucoup ne sont pas justifiés), décalage entre les mensonges privés et publics (qui bien souvent ne sont pas les mêmes), et aussi cette contamination bizarre : petit à petit, tous les personnages sont au courant du secret de Lisa. Il y a donc un jeu de dupes et surtout de masques, et une espèce de vertige de l'identité vraiment étrange, identité qui en se désagrégeant sans cesse mute en quelque chose d'entièrement construit et nouveau qui va donner quelque chose d'encore autre. Premier point. Deuxièmement, je pense à Rohmer et à certains de ses marivaudages. Alors que les choses soient claires, on est à douze mille kilomètres de Rohmer et ma remarque vaut plus par analogie que par comparaison. Et il n'y a absolument pas photo, qualitativement, sur n'importe lequel des points constituant THE ROOM, entre Rohmer et Tommy Wiseau. Même si les acteurs sont des purs bœufs américains élevés en ranch, avec les méthodes et les tonalités qui vont avec, on trouve ici aussi un amateurisme ou plutôt une maladresse intrinsèque, un débit de jeu bancal, et peut-être des débuts d'embryons de thématiques similaires. Le rythme improbable des films du Français et de l'autre permettent aussi l'analogie, quoique sur ce point, chez Rohmer, je me sois déjà prononcé sur ce site moultes fois : le rythme chez Rohmer, c'est quand même autre chose.

Je note une chose tout à fait marquante également. Malgré le fait que le film soit verrouillé par un scénario terriblement écrit, une chose est notable. Les péripéties sont nombreuses, la psycholoie prend une place trop importante. Dans le même temps, ce n'est pas la logique hollywoodienne ultra-utilitariste qui est ici en jeu. Plus cette tactique classique hollywoodienne se développe, plus les actions du film sont quasiment sans conséquences, jusqu'au point où le film et sa narration éclatent pour ne former qu'un montage d'éléments disparates mis en relation de manière arbitraire, presque poétique. La plupart des points et des rebondissements compliqués du film ne font qu'effleurer la surface, au prix d'énormes efforts d'ailleurs, pour n'être jamais suivis de faits. C'est un point des plus marquants du film. C'est précisément là que le film ne ressemble quasiment à rien de ce que j'ai vu.

Et puis, il y a Wiseau lui-même. Et là, je dois dire que j'étais sur les fesses ! Beaucoup d'acteurs de THE ROOM sont drôlissimes et vous feront pleurer de rire, de la manière la plus involontaire qui soit. Mais, Wiseau est complètement hors-catégorie, et je dois avouer qu'il m'a fasciné. Bizarrement, c'est peut-être celui qui a le plus de "bouteille". Mais c'est d'abord un drôle de physique : cheveux longs, visage étrange un peu marqué, corps d'ancien sportif, garde-robe hallucinante et un jeu finalement assez sûr. Au bout de trois minutes, je me suis dit : "Cest Christopher Kitschen !", et franchement c'est tout à fait ça. Wiseau fait partie de ces corps étranges, troublants qui envahissent l'espace de façon inattendue. Très franchement, on pourrait le regarder des heures, c'est fascinant. C'est peut-être aussi grâce à lui que THE ROOM est aussi étonnant. C'est une série Z complètement à l'Ouest, bien sûr. Dans le même temps, c'est un film qui dévoile toute l'étrangeté de Hollywood, et s'il y a une espèce d'épure scénaristique palpable qui se dégage, comme je le disais, dans le scénario, il y a aussi quelque chose de plus curieux. Une espèce d'épure hollywoodienne. Comme si THE ROOM était le film hollywoodien le plus extrême, le plus abouti. Il y a ici un dévoilement sensuel et hallucinatoire, presque délicieusement saoulant, de la mécanique narrative américaine. Une fois que vous avez débarrassé la Hollywood Moderne des scories et des effets de manche, une fois que vous avez réduit (au sens culinaire du terme) la chose au strictement "inutile/utile", vous avez THE ROOM. Contrairement à sa réputation, le film  a coûté de l'argent, soit six millions de dollars. Wiseau est sans doute venu au cinéma comme un étranger et sur le tard, et dans un sens, ce n'est pas surprenant que l'outsider, comme on dit dans les westerns, se soit réapproprié cette forme classique qui dévoile comment le modèle a dégénéré, comment il a été digéré par les réalisateurs et les scénaristes modernes. On trouve ça dans THE ROOM : un hollywoodisme classique épuré, et un autre complètement dégénéré, mais finalement respectant le credo en vigueur. Malgré la réputation actuelle du film, je comprends, au-delà du phénomène de foire qu'il est devenu, que quelque chose trouble de notre histoire de cinéphile se joue à la vision du film.

Avant de passer à la suite, je rajouterai que le film, hormis un faux-raccord drôlissime et ces fonds bleus sur le toit que personnellement je défends, n'est pas le plus mauvais film du monde. C'est surtout banalissime. Le film est sans doute devenu culte à cause de son décor quasi-unique un peu kitsch. Mais voilà qui me ne dérange pas.

Bah oui, ce film est "culte". THE ROOM est en effet projeté dans toutes les grandes villes des USA en séances de minuit. Et les gens adorent. Tommy Wiseau, à la faveur de ces projections et des buzzes internet, est devenu une espèce d'idole. Les gens rient énormément de son film. Certains l'ont vu plus de cinq fois et y retournent avec des copains. Dans la salle, on commente le film, on anticipe les répliques, on joue au football américain (car dans le film, il y a une quantité phénoménale de scènes de football). Wiseau, aux yeux de cette population de spectateurs souvent jeunes et branchés est devenu "le nouvel Ed Wood". [Bon, j'ai toujours détesté ce genre de commentaires, comme "Ed Wood, le plus mauvais metteur en scène de l'histoire du cinéma". Ca pose un problème cinéphilique certain. Regardez GLEN OR GLENDA, c'est simplement sublime. Et au premier degré. Au contraire PLAN NINE FROM OUTER SPACE ne me parait pas drôle du tout et très ennuyeux. Sur un plan plus intellectuel ou philosophique, ce genre de notion me paraît être en contradiction totale avec ma réflexion sur l'Art et sur sa réception. Je réprouve donc ce genre de commentaires.].  Finalement, grâce à ces séances de délire organisé, le film fait son chemin et il est devenu populaire. Il y a sûrement là une grosse part de syndrôme "dîners de cons". Et il y a aussi sûrement une part sincère, des gens qui trouvent le film simplement raté et drôlissime. En tout cas, il est vrai qu'on rit beaucoup devant THE ROOM, et qu'il peut faire partie de votre liste de plaisirs coupables. Mais, il y a aussi là-dedans pour moi, quelque chose de tout à fait étrange qui s'opère. Wiseau l'acteur paraît fascinant et j'adorerais le voir tourner ailleurs. Mais le charme d'être seul devant ce film, comme dans une espèce de territoire étranger est assez troublant. Un part abstraite s'insinue. Un trouble. THE ROOM n'est pas un chef-d'œuvre, n'a aucun moment la beauté d'un A NIGHT TO DISMEMBER, le chef-d'œuvre de Doris Wishman qui compte, pour le coup, vraiment parmi mes films préférés. C'est juste une chose étrange qu'il faut se réapproprier de manière intime et inédite. C'est assez rare, finalement.

Dr Devo.

PS : je glisse ci-dessous la bande-annonce, trouvée sur YouTube. Vous trouverez aussi sur ce site des extraits des projections où bien souvent, Wiseau assiste en personne depuis maintenant quelques années ! Lui, croit totalement en son film, même s'il a accepté de retoquer l'étiquette "drame" pour celle de "comédie noire", ce qui est assez faux... ou pas ! En tout cas, dans ces séances de questions/réponses, je trouve que Wiseau fait preuve de pas mal d'humour. 





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Voilà une chose délicate que de parler d'un film que peut-être personne (ou presque) n'a vu ni ne verra. En effet, LEGER TREMBLEMENT DU PAYSAGE dont je vais vous parler dans pas plus tard que dix lignes et pas mal de caractères, est, comme qui dirait, difficile à voir. Sa carrière est pour le moment cantonnée a une vie de festival (et une vie en festival, c'est déjà presque une petite mort dirons certains d'entres vous, à moins que...). C'est d'ailleurs à l'occasion d'un de ces festival, "Moutarde et Cinéma" , enfin je veux dire « CinémaScience » ( Deux « S » , deux « C » dixit le parrain du festival Jean-Jean Ja-Jacques Beuneix) que j'ai eu la chance de découvrir ce film. 

En attendant une hypothétique diffusion interplanétaire, la moindre des choses que je puisse faire, c'est de remplir mon job (qui n'en est toujours pas vraiment un puisque le prestigieux magazine CinéMaMaMia ne veut toujours pas m'embauché, diantre, cornegidouille...) 

L'histoire du film, je ne vous en parlerai pas puisqu'il s'agit d'un des heureux parti-pris du réalisateur qui est de ne pas en raconter, d'histoire. Donc pas vraiment de début, pas vraiment de fin, mais malgré tout une certaine "évolution" qui se dessine chez les personnages. Car il y a tout de même des personnages, à savoir principalement un peintre, un coureur automobile et deux enfants curieux... Et forcement, il subsiste quelques très minces éléments d'histoires qui se tissent autour d'eux. Néanmoins, l'essentiel n'est pas là, et nous avons davantage à faire à une succession de vignettes à la mode Roy Anderson (même si leur esthétique est totalement éloignée, Anderson étant magnifiquement tragico-dépressif et Fernandez plutôt superbement paisible...). 

Aussi plutôt que de recourir à ce qui semble être une obligation chez 97,63 pour sang des cinéastes, à savoir le champs/contre-champs et autres petites arlequineries, Fernandez privilégie des plans uniques tantôt fixes, tantôt en mouvement, toujours très posé et des cadrages assez larges. Bref ça respire! Very "épuré", I would say ! Mais ce n'est pas tout...   

Figurez vous un plan de demi-ensemble. Nous sommes dans un laboratoire, comme en atteste un plan de travail carrelé et le microscope posé dessus. Une femme vêtue d'une blouse blanche est en train d'effectuer une manipulation: elle applique quelque chose sur une fine plaque de verre et va la positionner sous la lunette de son microscope. Elle avance sa tête vers "l'œilleton" du microscope pour observer son objet d'étude, et clique sur un interrupteur qu'elle avait en main. Changement de plan. Une image toute blanche apparaît, ou presque puisque la surface n'est pas tout à fait lisse, mais légèrement granuleuse. On peut entendre la légère rumeur de ce qui pourrait être des insectes, mais rien ne bouge sur cette surface. Pourtant, à ce stade, il semblerait que nous ayons été projeté dans une vue subjective de la femme en blouse blanche, mais rien. C'est alors qu'un pinceau s'impose dans l'image et vient appliquer une peinture grisâtre sur la surface blanche. 

Voyez la simplicité d'une "idée" de cinéma. Vous avez été surpris, peut-être ému, ou alors cela vous a laissé totalement indifférent, il n'empêche que nous sommes bien en face d'une "idée" de cinéma. L'effet suscité par cette séquence ne peut être créé que par le montage et "l'idée" qui ne peut prendre toute son ampleur et sa beauté qu'une fois établie dans le film. Je veux dire que ce n'est pas juste quelque-chose d'intéressant sur la papier, il est même fort probable que l'on ne ressente rien si la chose est seulement lue.  

Evidement ce qu'il y a de plus simple est sûrement ce qu'il y a de plus beau, encore faut-il avoir l'idée et surtout cette nécessité de faire du cinéma. Il paraît clair que chez Philippe Fernandez cette nécessité est bien là. Et c'est par le détour de petites touches sensibles comme celle que je viens de décrire ainsi qu'une certaine distanciation que Fernandez nous procure moults sensations qui vont très certainement varier d'un spectateur à l'autre (et non pas une sensation qui serai dicté par l'auteur). Après tout, c'est un peu cela qu'on recherche quand on va au cinéma. Ajoutons à cela un certain décalage dans le jeu des acteurs ainsi qu'un très beau travail sur le son que l'on ne manquera pas d'apprécier...  

Et voilà un film qui, dans son propos, pourra paraître un brin naïf du fait du rapprochement de l'Homme avec la nature, l'art et la science, car c'est un peu de ça dont il s'agit, «"l'Homme" et l' "Univers" qui l'entoure, il n'en reste pas moins que LEGER TREMBLEMENT DU PAYSAGE forme une vrai proposition de cinéma à la fois personnelle, touchante et ambitieuse. Voilà qui fait du bien par où ça passe.    

L'Ultime Saut Quantique 

P.S : Malgré l'hispanicité intrinsèque au nom "Fernandez", figurez-vous que ce bougre est français! Comme quoi tout arrive. Ne désespérons pas! 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

[Photo : "Final Infinite Total Complete Wars" par Dr Devo,

d'après une photo du groupe Sigue Sigue Sputnik]

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(Photogramme extrait du film THE RALLY 444)

(Photogramme extrait du film THE RALLY 444)

(Photo : "Cosmos Icelle" par Dr Devo)

Photo : "Scandale N°2" par Dr Devo, d'après une photo de NO SUCH THING de Hal Hartley, avec Robert Burke et Sarah Polley)